Soudain seuls de Thomas Bidegain (2024) - ★★★★★★★★☆☆

 

 

Après avoir tourné son premier long-métrage Les cowboys en 2015 et avoir participé au film à sketchs Selfie quatre ans plus tard à travers le segment Vlog, le réalisateur et scénariste français Thomas Bidegain est revenu cette année avec une œuvre d'un tout autre genre. Le type de long-métrage particulièrement tendu et qui plus encore que sur la mise en scène repose sur l'interprétation de ses deux seuls acteurs, Mélanie Thierry et Gilles Lellouche. Si de prime abord le genre Survival est majoritairement inspiré par un certain nombre d'œuvres horrifiques produites outre-atlantique, en Australie, ou sur d'autres recoins de la planète méconnus, dans un désert où la présence humaine est prétendument absente ou dans n'importe quelle forêt abritant une quelconque menace, il faut en fait voir beaucoup plus loin que le Délivrance de John Boorman, le Massacre à la tronçonneuse de Tobe Hooper, La colline a des yeux de Wes Craven ou la franchise Wrong Turn réalisée par divers cinéastes. Qu'il s'agisse de drame, de science-fiction, d'épouvante ou d'aventure, tous les héros sont généralement logés à la même ancienne et sont donc contraints de survivre face à des menaces d'ordre naturel, climatique, matériel ou physiologique (manque d'eau et de nourriture). En ce sens, Soudains seuls est le premier (ou l'un des premiers) exemple de film français sortant de carcan étriqué de l'horreur pour oser s'aventurer dans cet enfer blanc que peuvent très rapidement devenir les côtes antarctiques. Bien que Laura (Mélanie Thierry) ne soit pas très chaude à l'idée de faire un détour avant que son couple ne se rende en Amérique du sud, la jeune femme accepte malgré tout d'accompagner Ben (Gilles Lellouche) jusqu'à une usine baleinière désaffectée et dans un état déplorable. A bord de leur voilier, ils se dirigent donc vers une île magnifique et sauvage, balayée par le vent et où nulle trace de vie n'est présente sur place en dehors d'un groupe important de manchots. Jusqu'ici, tout va bien. Laura et Ben accostent puis partent se promener dans les hauteurs de l’île. Mais très vite, un orage gronde au loin, des nuages sombres et menaçants se rapprochent alors très rapidement du couple qui décide finalement de rebrousser chemin. Malheureusement, Laura et Ben constatent à leur retour sur la berge que le voilier a disparu. Condamné à demeurer sur l'île jusqu'à l'hypothétique arrivée des secours, le couple va devoir survivre en s'adaptant à ce milieu particulièrement hostile..

On l'aura compris, c'est à un tout autre type d'horreur ou plutôt d'effroi que nous convie Soudains seuls. Inspiré du roman éponyme de la navigatrice Isabelle Autissier publié en 2015 et donc adapté près d'une décennie plus tard pour le grand écran, le long-métrage de Thomas Bidegain est une œuvre absolument remarquable et terriblement efficace qui ne souffre jamais de sa durée approchant les cent-dix minutes. La mise en scène pointilleuse du réalisateur mais aussi et surtout la performance du duo d'interprètes transforme cette aventure humaine hors du commun en un périple cauchemardesque auquel va s'ajouter la houleuse relation entre un homme et une femme dont les rapports laissent d'emblée envisager qu'ils sont en ''fin de cycle''. Il faut savoir qu'à l'origine et en lieu et place de Mélanie Thierry et Gilles Lellouche, Vanessa Krby et Jake Gyllenhaal furent les premiers acteurs à être pressentis pour les rôles de Laura et Ben pour une œuvre qui à l'origine devait s'appeler Suddenly. Mais l'attitude déplorable de ce dernier fit capoter le projet qui fut malgré tout relancé un an plus tard pour prendre la forme telle que nous la connaissons désormais. Tourné entre le Finistère et l'Islande, Soudain seuls, c'est tout d'abord des décors à couper le souffle. Des roches tantôt noires comme le charbon, tantôt comparables à l'écorce de l'eucalyptus deglupta. Des icebergs également, de couleur blanche ou parfois d'un bleu remarquable. Et puis, un décor planté sur place, amalgame de métaux rouillés qui va servir de toit au couple. Entre drame intimiste voyant une femme et son compagnon se déchirer avant de se rabibocher et survival dont le rendu est exceptionnel, Soudains seuls repose notamment sur le délitement physiologique et intellectuel du couple. Les visages et les corps s’abîment, entre le froid qui s'attaque à l'épiderme et le péril qui dégrade les sentiments. Un moment de grâce porté par deux excellents acteurs et par un cinéaste de talent qui retranscrivent tous les trois le cauchemar vécu par les deux seuls personnages que l'on rencontrera durant l'aventure. Bref, Soudain seuls est une aventure de l'extrême fort convaincante et qui mettrait presque finalement au pilori Seul au monde de Robert Zemeckis qui, en fin de compte, paraît fort ''gentil'' en comparaison...

 

Daaaaali ! de Quentin Dupieux (2023) - ★★★★★★★★☆☆

 

 

À ses détracteurs qui pourraient lui reprocher de se foutre un peu de son public, Quentin Dupieux leur répond avec Daaaaali ! de la plus originale des façons. De la seule manière que le réalisateur, scénariste et musicien puisse d'ailleurs l'envisager. Sur ce ton absurde dont il fait la matière première de son œuvre, qu'il écrive et tourne sous son propre nom ou qu'il compose sous celui de Mr Oizo. Égocentrique et individualiste, on peut se poser la question quant à savoir comment aurait perçu le maître du surréalisme espagnol Salvator Dali, l'avant-dernier long-métrage du cinéaste français qui à travers Daaaaali ! ne signe non pas un biopic mais un véritable hommage à cet artiste hors norme qui pouvait tout aussi bien agacer que fasciner. L'univers de Salvatore Dali qui de son vivant semblait ne tourner qu'autour de sa propre personne prend vie à travers cette œuvre courte et qu'aucun autre que Quentin Dupieux était sans doute en droit de mettre en scène. Parce que l'un et l'autre de ces deux artistes semblent compléter le travail de chacun. Le long-métrage du français faisant partie intégrante du ton qu'il a toujours donné à son art, celui-ci ne pouvait qu'être à l'origine d'un tel projet. Réalisé avec l'humilité de l'élève qui ne cherche pas à s'élever à la hauteur du maître tout en approchant de son art avec un infini respect, Daaaaali ! peut s'envisager sous l'angle d'une conversation entre le peintre et le cinéaste au sujet d'un projet fictif qui aurait vu le jour longtemps après leur entretien et donc évidemment, de manière posthume. De cet univers personnel où il est parti se réfugier par delà la mort, Salvatore Dali regarde sans doute ses contemporains d'un mauvais œil, lesquels façonnent un monde bien différent de celui qu'il avait rêvé, imaginé et qui envahissait tant et si bien ses pensées qu'il en fit l’œuvre de toute une vie. À travers Daaaaali !, Quentin Dupieux rend un respectueux hommage à l'artiste espagnol tout en se contentant d'en prélever le grain de folie qui le rendit en partie si célèbre de par le monde. Le français n'en n'oublie cependant pas d'y intégrer son propre univers fait d'absurdes phantasmes.

Comme cette pluie de chiens, la séance de tir aux pigeons ou plus encore l'incarnation du maître, démultiplié autant de fois qu'il semble à Quentin Dupieux que cela soit nécessaire. C'est là tout l'art de réunir des interprètes capables de s'oublier un instant pour se fondre dans la peau d'un homme qui lui, était bien incapable d'en faire autant. Passé le sujet, l'occasion est ensuite donnée de constater la valeur des uns et des autres qui parfois étonnent ou peuvent décevoir. Il demeure dans ce Dupieux, de bons Dali(s) et d'autres beaucoup moins convaincants. La raison pour laquelle, peut-être, ces derniers sont-ils d'ailleurs moins exposés devant la caméra que les premiers. Après être ironiquement entré en connexion cosmique avec Salvator Dali, Quentin Dupieux entend ''respecter'' les ''désirs'' de l'artiste, trop complexe pour qu'un seul acteur l'interprète à l'image. C'est donc la raison principale pour laquelle n'apparaissent à l'écran pas un, ni deux, ni trois mais SIX Dali(i). Des plus anodins, incarnés par un Gilles Lellouche et un Pio Marmaï difficilement convaincants et plus véritablement dans la peau d'imitateurs que d'incarnations ! En passant par Boris Gillot et Didier Flamand qui eux s'en sortent plutôt pas mal malgré leurs courtes apparitions, et jusqu'aux brillants Édouard Baer et Jonathan Cohen qui de leur côté portent véritablement le personnage et le film vers les cieux... Face à une Anaïs Demoustier dans le rôle de la journaliste/boulangère Judith, personnage à l'aune de l'actrice elle-même puisque l'une et l'autre sont incontestablement écrasées par la double performance d'Édouard Baer et de Jonathan Cohen, les deux acteurs font parfaitement illusion et donnent en partie son sens au projet. Faire revivre l'un des artistes les plus iconiques et les plus fascinants du surréalisme. En résulte une œuvre folle, touchante, maîtrisée et donc forcément trop courte. Chose que l'on ne reprocha pas systématiquement à Quentin Dupieux par le passé. Mais ici, nous n'aurions pas été contre une bonne portion de rab...

 

Fumer fait tousser de Quentin Dupieux (2022) - ★★★★★☆☆☆☆☆

 

 

Il doit quand même bien se gausser, l'ami Quentin Dupieux, chaque fois qu'il consulte les critiques cinéma qui se montrent dithyrambiques à chacune de ses sorties sur grand écran. N'empêche, il y a chez ce monsieur qui donne également dans la mélodie sous le pseudonyme Mr Oizo, quelque chose qui finit par devenir dérangeant. Voire, agaçant ! Cet étrange sentiment qui donne à penser qu'il se fiche un peu du public qui chaque fois se laisse tenter par son approche nonsensique du septième art. C'était déjà le cas en février 2022 lorsqu'il osait réaliser Incroyable mais vrai en employant une caméra volontairement défaillante (d'ailleurs, merci Quentin pour les atroces maux de tête à la sortie de la projection), gâchant ainsi en partie le potentiel de ce qui s'avérait sans doute être son œuvre la plus ambitieuse en terme d'écriture. Ce fut également confirmé avec Fumer fait tousser qui vit le jour dans les salles obscures neuf mois plus tard en novembre dernier. Accélérant le rythme au point de produire deux œuvres dans la même année (Daaaaaali !et Yannick connaîtront-il le même sort?), Quentin Dupieux signait donc avec son onzième film une œuvre dont les dernières pages du scénario semblent s'être envolées lors d'une forte rafale de vent. En effet, Fumer fait tousser débute sous les meilleurs augures avec cet hommage très appuyé aux séries Super sentai japonaises du style Bioman qui bercèrent nos jeunes années et qui dans le cas présent trouvent une alternative française qui ressemble à vrai dire autant aux séries mythiques des années 70/80 qu'aux parodies produites dans la foulée et notamment le Biouman des Inconnus. Une première phase se terminant dans un bain de sang jouissivement disproportionné ! À scénario improbable, casting improbable. Gilles Lellouche rejoint une équipe constituée de Vincent Lacoste, Anaïs Demoustier (''blondifiée'' à cette occasion), Oulaya Amamra ou encore Jean-Pascal Zadi et son incroyable (mais authentique) ratelier. Des personnages justiciers/super-héros aux noms tout aussi invraisemblables, Benzène, Methanol, Nicotine, Mercure et Ammoniaque pour un récit qui subitement va bifurquer vers une retraite censée ressouder les membres du groupe. Débute alors une succession de sketchs contés devant un feu de camp comme des légions de longs-métrages outre-atlantiques nous l'ont déjà proposé à maintes reprises...

 

 

Si tout démarre de façon plutôt intéressante avec ce récit conté par Gilles Lellouche/Benzène lors duquel deux couples passent le week-end ensemble et découvrent un étrange masque qui va faire dérailler leur séjour, les choses se gâtent malheureusement en route. Comme si, je le répète, Quentin Dupieux avait égaré les dernières pages de son script et s'était contenté de meubler le reste de son dernier long-métrage à l'aide de '' bouts de ficelles'' scénaristiques assez peu convaincants. D'où ce sentiment compréhensible que l'auteur de Rubber, de Réalité ou de Wrong Cops prend les spectateurs pour des imbéciles. Surtout que comme cela est devenu une tendance chez lui, Fumer fait tousser se termine en queue de poisson. À vrai dire, il est surtout visiblement désormais possible que l'on puisse voir autre chose que le délire génial d'un cinéaste français hors-norme. Plutôt un bon gros foutage de gueule auquel l'on accorde sans doute un peu trop d'importance. Car même si Fumer fait tousser est bien dans l'esprit de ce que réalise Quentin Dupieux depuis ses débuts derrière la caméra, son cinéma devient en fait de plus en plus ennuyeux, finissant par ne plus surprendre autant qu'avant. Une certaine lassitude s'installe donc en plein milieu de la projection... au point que l'oeil sdu spectateur pourrait se fermer avant que le générique de fin n'intervienne. Et cela même alors que le film, comme à son habitude, ne dépasse pas les quatre-vingt minutes. Ce qui chez Quentin Dupieux reste tout de même un exploit. Que retiendrons-nous, alors, de ce dernier jet ? Sans doute une Anaïs Demoustier amoureuse d'un rat bavant une infecte bave verte ou un Gilles Lellouche vêtu, comme ses acolytes, d'un costume de super-héros tendance Super sentai. Mais certainement pas le pourtant génial Benoit Poelvoorde, ici, sous-employé (pour ne pas dire inutile)... Bof bof !

 

Astérix & Obélix : L’Empire du Milieu de Guillaume Canet (2023) - ★★☆☆☆☆☆☆☆☆

 

 

Je ne voulais pas enfoncer des portes ouvertes mais tout ce qui se dit, tout ce qui s'écrit sur Astérix & Obélix : L’Empire du Milieu de Guillaume Canet est malheureusement vrai... Mais il y a des aspects de cette ''comédie'' financée à hauteur de soixante-six millions d'euros qui s'avèrent plus graves que d'autres me semble-t-il. La présence de certains ''acteurs'' secondaires m'aura moins dérangé que celle d'autres interprètes dont les valeurs artistiques sont ici du niveau de l'amateurisme. Angèle ? Orelsan ? Bigflo et Oli ? Bun Hay Mean ? Connais pas ! Et donc, leur participation au projet m'a sensiblement moins ébranlé que leur jeu. Et c'est là tout le problème qui réside dans cette comédie aussi pathétique que Astérix et Obélix : Au service de Sa Majesté de Laurent Tirard qui était déjà une belle merde voilà onze ans auparavant. La prouesse étant pour Guillaume Canet d'être parvenu à faire pire. Plus indigeste, moins ''bien'' écrit, réalisé avec les pieds et cadré avec les moignons ! Le scénario ? Astérix et Obélix partent au secours de l'impératrice de Chine ! Un anachronisme (la seule impératrice qu'ait connue la Chine est née en 624 et a disparu en 705 alors que l'action se situe en 50 avant Jésus Christ) qui s'explique certainement à travers les intentions d'un Guillaume Canet sans doute plus préoccupé par certains courants actuels (féminisme et véganisme) que par un sens réel de l'Histoire et de la gastronomie gauloise ! Des valeurs qui tout comme cette plâtrée de ''guests'' invités sur le tournage poussera quelques milliers de spectateurs supplémentaires à venir assister au naufrage du cinéma français sur grand écran dès le 1er février 2023. Réalisé, écrit (aux côtés de Philippe Mechelen) et interprété par Guillaume Canet, Astérix & Obélix : L’Empire du Milieu a-t-il été pour lui un projet trop ambitieux ou trop lourd à porter sur ses épaules ?

La réponse semble être oui. Finalement, la blague la plus drôle concernant le projet aura été de l'entendre affirmer que de ne pas aller voir son dernier long-métrage signerait la mort du cinéma français alors que le film constitue à lui seul une raison valable de ne plus jamais retourner dans les salles obscures. Payer pour voir ça ! J'ai ri, je l'avoue, une fois, une seule. C'est con et certainement par nervosité que Ramzy m'a fait rire, au début, lorsqu'il enleva son casque pour révéler une abondante chevelure blonde. Mais après ça, quel ennui. Difficile en effet de se passionner pour se récit où les seconds rôles s'enchaînent non plus pour faire vivre l’œuvre mais pour contenter ceux qui l'ont financé. Qui peut croire en effet que la participation de la plupart des interprètes secondaires a pour but d'enrichir l'intrigue alors qu'au fond l'on sait pertinemment qu'il s'agit davantage d'attirer dans les filets, ceux qui s'abreuvent en priorité des réseaux sociaux ? Tourné en studio ainsi que dans le Massif du Sancy situé en Auvergne, le tournage était au départ prévu en Chine. Mais avec l'arrivée du Covid-19, tout fut remis en question.

Mais alors, où est passé le pognon ? À lui seul, Guillaume Canet touche 250 000 pour son rôle d'Astérix. Une somme que l'on peut doubler grâce à sa fonction de réalisateur. Sans compter les bénéfices liés au ventes de billets. Un salaire qui ne pèse finalement pas très lourd au regard de la somme mise dans le projet par les producteurs Alain Attal et Yohan Baiada. Ce qui d'emblée choque, c'est le peu de différence de taille entre Astérix et Obélix. Si bien que Guillaume Canet avec ses 1.80 et Gilles Lellouche avec ses 1.74 semblent souvent faire la même taille. Il faudra d'ailleurs user d'artifice pour que le premier ne regarde pas le second de haut. Pour s'enfoncer dans le costume d'Obélix, Gilles Lellouche prendra vingt kilos. Pourtant, à l'écran, le personnage donne sans cesse l'impression de nager dans son costume. Face à lui, un Guillaume Canet poussif dont l'incarnation s'éloigne très nettement de l'Astérix tel qu'on le connaît. Mais de toute manière, la véritable vedette du film reste bien évidemment Jonathan Cohen dans le rôle de Graindemaïs. Et autant prévenir tout de suite ceux qui n'aiment pas l'acteur et humoriste : vous retrouverez dans son interprétation tout ce qui vous défrise chez lui. Bref, Jonathan Cohen fait du Jonathan Cohen. Si Vincent Cassel tire quelque peu son épingle du jeu dans le rôle de Jules César (vu la médiocrité des dialogues et de la direction d'acteurs, ça tient du miracle), que dire de la pauvre Julie Chen, ex étudiante en économie qui depuis toute petite se rêvait actrice. Bien que la jeune femme qui interprète ici le rôle de la princesse Fu Yi ait pris des cours de comédie, on constate combien son jeu est désastreux.

C'est bien simple, elle a l'air de lire son texte et ne parvient donc pas à entrer dans son personnage. Mais qu'elle se rassure, elle n'est pas la seule dans cette situation ! Visuellement, si quelques paysages auvergnats font illusion, certaines reconstitutions comme la cité chinoise ou le désert égyptiens piquent les yeux. C'est sans aucun doute pour cela et pour une question de budget que ceux-ci sont d'ailleurs filmés de très loin... pour ne pas voir la piètre qualité des images de synthèse. Quant au cadrage, si Guillaume Canet eut le culot d'évoquer Braveheart de Mel Gibson et Tigre et Dragon d'Ang Lee comme principales sources d'inspiration, le français ne rend absolument pas hommage à ce dernier auquel il emprunte visiblement la volonté de filmer des combats de haute voltige spectaculaires. Mal cadrés, on devine un semblant de créativité dans l'accomplissement des chorégraphies malheureusement ruinée en raison d'une mise en scène à la ramasse. Enfin, pour finir, inutile de dire qu'en matière de dialogues, on est proche du néant. Pour un film de presque deux heures qui se veut drôle,Astérix & Obélix : L’Empire du Milieu enchaîne les vannes à deux balles, lourdingues, archaïques et donc pas drôle pour un sesterce. Tous ou presque font les pitres (lorsqu'ils ne semblent tout simplement pas ''effacés''), à l'image de José Garcia qui endosse le rôle de Biopix et retrouve un peu de la verve qui était la sienne lorsqu'il était auprès d'Antoine de Caunes sur la chaîne Canal+ ! Bref, plutôt que de vouloir sauver le cinéma français, Guillaume Canet aurait mieux fait de s’exiler en Chine pour aider les victimes du Covid-19 !!!

 

Bac Nord de Cédric Jimenez (2021) - ★★★★★★☆☆☆☆

 

 

Apologie de la police (ici, la BAC Nord de Marseille), relent de racisme, propagande pro-Rassemblement National.... Depuis la diffusion sur grand écran de Bac Nord, le dernier long-métrage de Cédric Jimenez, on en voit, on en lit et on en entend des vertes et des pas mûres. Parce qu'on le sait, il faut suivre la voie toute tracée de l'hypocrisie, aller dans le sens du vent, vers là où le seul ''danger'' est de se voir estampillé démagogue. C'est tellement plus simple de ne pas faire de vagues, d'aller dans le sens de la foule. Malgré un objectif consistant à suivre les pas de trois flics de la Bac Nord de Marseille, tenir de tels propos, c'est nier l'évidence. Cette litanie des violences urbaines que les médias relèguent au quotidien mais dont on n'a surtout pas le droit de parler sur grand écran. La voyoucratie a bonne presse. Il en faut parmi ses soldats, des vedettes. Des stars. Mais lorsqu'il s'agit de mettre en avant des hommes qui mettent tous les jours en péril leur existence, là, c'est une autre histoire. Porte est ouverte à la curée... Fort heureusement non généralisée. Pour le principe, Bac Nord fait du bien là où ça fait mal. Contrairement à ce qu'éprouve un journaleux qui de son Irlande, le cul vissé derrière son bureau, a émis une théorie aberrante selon laquelle la vision de son auteur tombait mal vu le contexte politique actuel (un an avant l'élection présidentielle). Comme si Cédric Jimenez, dont l'épouse Audrey Diwan est, je le rappelle, d'origine libanaise, pouvait avoir eu l'intention de tourner là, un long-métrage de propagande au bénéfice du Rassemblement National...

A moins d'être atteint de surdité depuis la naissance ou d'avoir passé les vingt dernières années dans le coma, il faut être un ignorant pour ne pas savoir que dans certains quartiers de France et notamment à Marseille s'y passent des choses qui sont parfaitement retranscrites dans Bac Nord. La caméra du réalisateur ainsi que ses interprètes Gilles Lellouche, Karim Leklou et François Civil pénètrent certains quartiers difficiles de la cité phocéenne. Tout commence avec ce choix narratif relativement crispant qui consiste à nous imposer une séquence qui normalement aurait dû être située en fin de long-métrage. Un flash-forward qui laisse présager du pire pour nos trois flics qui vont subir durant presque une heure et quarante minutes une hiérarchie qui les brime (l'acteur Cyril Lecomte) et des voyous qui les insultent et les agressent chaque fois qu'ils font une descente dans une cité. Plus proche du mythe que du docu-fiction, Bac Nord n'est pas la scrupuleuse démonstration d'une police chargée de démanteler un trafic de drogue. Même si le sujet est évoqué lors d'une impressionnante et anxiogène descente dans une cité des quartiers Nord de Marseille, on demeure loin de ces reportages télévisés qui fleurissent et suivent les pas de tout un tas de services policiers. Plus film d'action et thriller que drame social, le long-métrage de Cédric Jimenez a le mérite d'être bien rythmé.

Celles et ceux qui vivent près des cités sensibles de Marseille où se déroulent les trafics en question risquent de sourire. Non parce qu'il découvriront telle ou telle rue qu'ils connaissent bien (comme le chemin du littoral) mais plutôt en raison de certains ''petits détails'' qui peuvent s'avérer incommodants. Lorsque l'on sait la difficulté que rencontre la police pour s'introduire dans un quartier sans y être repérée, on rit doucement devant ce flic qui du haut d'un immeuble situé au beau milieu de la cité surveille l'arrivée d'un charbonneur (revendeur de drogue), debout, jumelles entre les mains. Ou un peu plus loin lorsqu'une quinzaine de flics est confrontée à plusieurs dizaines de jeunes les nerfs à vif. Des détails qui très honnêtement se justifient (sinon, on lance l'assaut, on massacre les flics et le film se termine tout net sur un bain de sang) tout en maintenant une certaine gêne. Nerveux et plutôt bien interprété, Bac Nord s'inscrit dans un contexte réaliste et surtout très actuel. N'en déplaise à ceux qui prônent la complaisance dans une certaine forme d'obscurantisme, et notamment ce journaleux irlandais qui ferait mieux de rester chez lui, dans ses vertes contrées, au lieu de venir juger un film pour ce qu'il révèle de vérité. Bac Nord est un sympathique thriller. Encore très loin des canons hexagonaux du genre mais l'essentiel du spectacle y est...

 

Belles familles de Jean-Paul Rappeneau (2015) ) - ★★★★★★★☆☆☆

 

Si l’on met de côté le court-métrage « Chronique Provinciale » qu’il réalisa en 1958, le réalisateur français Jean-Paul Rappeneau n’aura réalisé en tout et pour tout que huit longs-métrages entre 1966 et 2015, année de sortie de « Belles Familles », son dernier film à ce jour. Ses quatre-vingt treize printemps n’ont en tout cas pas entamé sa vigueur et sa fraîcheur puisqu’au travers de cette comédie dramatique atteignant presque les deux heuresécrite en compagnie de son fils Julien et de Philippe Le Guay, Jean-Paul Rappeneau signe une œuvre brillante qui repose autant sur l’excellente écriture des trois hommes que sur la mise en scène du réalisateur qui prouve que l’âge n’est parfois qu’une donnée subjective dans l’implacable univers du septième art. Autre facteur important : l’interprétation. Et dans le genre, ce grand cinéaste notamment auteur de « Cyrano de bergerac » en 1990 et du « Hussard sur le Toit » cinq ans plus tard nous a concocté un casting aux petits oignons. A commencer par la véritable vedette de ce huitième long-métrage, Mathieu Amalric qui dans le rôle d’un expatrié vivant en Chine revient en France au moment même où la discorde règne sur la vente de la demeure familiale. Jérôme Varenne est le frère de Jean-Michel (Guillaume de Tonquédec) et le fils de Suzanne (Nicole Garcia) tandis que son père est mort après avoir vécu durant un certain nombre d’années avec une autre femme. Florence Deffe (Karin Viard) et sa fille Louise (Marine Vacth) ont vécu auprès du père de Jérôme durant ses dernières années d’existence. Mais aujourd’hui, chassées de la demeure familiale que le père Varenne semble leur avoir pourtant légué, Florence et Louise ne peuvent plus compter que sur Grégoire Piaggi (Gilles Lellouche) qui promet de racheter la demeure afin de l’offrir ensuite à la mère et à sa fille...

Sans doute vais-je encore me répéter mais « Belles Familles » n’est pas le film dont j’attendais grand chose malgré le pedigree de son auteur. Et pourtant, c’est parfois l’inattendu qui réserve les meilleures surprises. Le script est généreux et survole à peu près tous les cas de figure que l’on peut rencontrer lors de la vente d’une propriété au demeurant, particulièrement luxueuse. Un combat acharné entre deux familles au cœur duquel intervient également la mairie. Le récit est touffu, sans temps morts, drôle, tendre et parfois même tragique. On rit peu mais finalement, l’intérêt réside ailleurs. Dans l’extrême précision de la caractérisation de certains personnages même si d’autres sont quelque peu laissés de côté. Il faut dire qu’en à peine plus d’une heure et cinquante minutes, Jean-Paul Rappeneau nous offre un panel de situations dont le nombre s’explique en partie par la profusion d’interprètes parmi lesquels il ne faudrait surtout pas oublier la présence de l’excellent André Dussollier. Entre nostalgie, amertume, romance et comédie, « Belles Familles » cultive la bonne humeur, certaines séquences apparaissant comme ubuesques dans un contexte qui à l’origine ne s’y prête peut-être guère. On ressort de l’expérience avec le sentiment d’avoir vécu un instant de magie malgré l’apparente simplicité de l’interprétation et de la mise en scène. À quatre-vingt treize ans, Jean-Paul Rappeneau prouve en tout cas qu’il en a encore sous la semelle. Superbe interprétation générale mais une mention spéciale pour Mathieu Amalric, Gilles Lellouche et Karin Viard. Ce qui ne doit bien entendu pas faire oublier le reste du casting. Petit bémol. On regrettera un final versant dans les retrouvailles à l’eau de rose. Une séquence Envisageable mais discutable dans son traitement...

Ma Part du Gâteau de Cédric Klapisch (2011) - ★★★★★★☆☆☆☆

L'auteur en 1992 de Riens du Tout rouvre dix-neuf ans plus tard les plaies des conflits sociaux qui peuvent opposer patrons et employés. Cette fois-ci, pourtant, Cédric Klapisch (Le Péril Jeune, Un Air de Famille, L'Auberge Espagnole) œuvre à une toute petite échelle et confronte deux individus qui n'ont à priori rien en commun. Et si Ma Part du Gâteau laisse planer l'espoir que même chez l'individu le plus cynique, égocentrique et amoral qui soit, le contact avec une certaine réalité sociale peut le rendre un peu plus... ''humain'', il ne faut pas toujours se fier aux apparences. Drôle de rencontre que celle de Karin Viard et Gilles Lellouche. ELLE, interprète le rôle de France, mère de trois filles, habitant Dunkerque, et qui comme les mille deux-cents employés d'une usine vient d'être mise au chômage. LUI, incarne Stéphane, un trader divorcé, père d'un jeune Alban dont il n'a pas le temps de s'occuper. Le boss de son entreprise lui confie un important poste à Paris. C'est là-bas que décide d'aller chercher du travail France sur les conseils d'un ancien collègue qui lui confie que son père forme des femmes de ménage. C'est ainsi donc que la jeune femme et le trader vont faire connaissance. Elle cherche du boulot, lui a besoin d'une femme qui s'occupera de tenir en ordre son luxueux appartement, et plus encore lorsque débarque Alban et sa mère qui confie son enfant à Stéphane pour les trente jours à venir...

Ma Part du Gâteau est le dixième long-métrage de Cédric Klapisch. Une œuvre sur fond de social où les ''grands'' dévorent les ''petits'' sans que cela ne les émeuve jamais. Le réalisateur et scénariste évoque la vie mouvementée d'un trader mais aussi les failles de son existence personnelle. Cet homme qui brasse des millions, auquel son PDG lui offre un poste important avec à la clé l'espoir de prendre la direction est pourtant désespérément seul. Divorcé, incapable de s'occuper seul de son fils, sans amis véritables, il est hautain, dédaigneux, égocentrique et cynique. Face à une France/Karin Viard mère de trois enfants, employée de ménage d'abord, et garde-d'enfant ensuite, Cédric Klapisch évoque la possibilité pour cet homme particulièrement froid et amer de devenir un peu plus humain à son contact. C'est presque tout l'enjeu de Ma Part du Gâteau qui démarre assez ''foutraquement'' avec d'un côté, France et sa smala et de l'autre Stéphane plongé au cœur des négociations financières. Et puis, vient la rencontre entre celle que l'on considérera comme la protagoniste de cette histoire tandis que lui incarne une certaine forme d'antagonisme. Petit à petit, la relation patron-employé s'étoffe et semble se diriger vers cette voie que partagent beaucoup d’œuvres. On est pourtant encore très du formidable Quelques Jours avec Moi de Claude Sautet. La formidable relation qu'entretenaient les personnages incarnés par Sandrine Bonnaire et Daniel Auteuil vingt-trois ans plus tôt est ici viciée par le naturel d'un individu ''hors-norme' qui revient à la charge dès que l'occasion se présente...

Gilles Lellouche et Karin Viard portent littéralement le film vers un message d'espoir. Du moins, jusqu'à ce que ce petit malin de Cédric Klapisch n'explose les certitudes du spectateur en évoquant un fait qui va en partie tout remettre en question. Ma Part du Gâteau prend alors une tournure très étrange qui à réfléchir à posteriori, cadre de manière inappropriée dans un contexte où le jeu de séduction a su se faire une place entre deux individus que rien ne r approche. Le réalisateur et scénariste précipite alors les événements jusqu'à un final révolté et un arrêt sur image déstabilisant. Critiquable pour son parti-pris parfois mal dégrossi et caricatural (Gilles Lellouche/Stéphane est parfois vraiment immonde), Ma Part du Gâteau a cependant l'honnêteté de proposer une dernière partie qui évite l'écueil des comédies dramatiques qui se terminent toutes de la même manière. Parfois risible dans sa construction, glaçant dans sa galerie de portraits, émouvant dans la relation qu'entretiennent les deux héros du récit, Cédric Klapisch signe avec ce dixième long-métrage une œuvre plus cynique qu'elle n'en a l'air. Au final, on est pourtant très loin du meilleur de sa filmographie. Cependant, le couple Karin Viard/ Gilles Lellouche fonctionne bien et derrière le message social, on est séduit par les rapports qu'entretiennent leurs personnages respectifs. A noter les présences de Zinedine Soualem, d'Audrey Lamy ou encore d'Alex Lutz

Les Gorilles de Tristan Aurouet (2014) - ★★★☆☆☆☆☆☆☆

Le buddy movie est un concept cinématographique opposant deux individus qui n'ont généralement rien en commun. Aux États-Unis, le genre est célébré sur grand écran depuis presque un siècle (on ne compte pas les œuvres qui mettent notamment en scène Laurel et Hardy ou Abbott et Costello depuis les années trente), le genre ayant connu un succès phénoménal à partir des années quatre-vingt et la sortie de 48 Heures de Walter Hill en 1982, Un fauteuil pour deux de John Landis en 1983 ou encore L'Arme fatale de Richard Donner en 1987. A vrai dire, quelques rares exemples prélevés dans une liste longue comme le bras contenant d'innombrables classiques de la comédie et de l'action. La France n'aura pas attendu longtemps avant de proposer elle aussi quelques savoureux spécimens du genre avec, notamment dans les années soixante, le duo formé par Louis de Funès et André Bourvil dans Le Corniaud et La Grande Vadrouille tout deux réalisés par Gérard Oury en 1965 et 1966. Suivi notamment en 1973, par le chef-d’œuvre de Édouard Molinaro L'Emmerdeur qui opposait le dépressif Jacques Brel au tueur à gages Lino Ventura. Puis se furent les années quatre-vingt, avec l'excellente trilogie réalisée par Francis Veber et interprétée par Gérard Depardieu et Pierre Richard : La Chèvre en 1981, Les Compères en 1983 et Les Fugitifs trois ans plus tard. Là encore, quelques exemples parmi une foultitude de longs-métrages qu'il serait évidemment trop longs à énumérer. Parmi eux, quelques-uns ont malheureusement raté le coche.

Les Gorilles fait partie de ces quelques erreurs au départ pourtant prometteuses mais qui au final sentirent le rance dès leur sortie sur grand écran. Tristan Aurouet, auteur en 2003 de Narco avec Guillaume Canet qui n'était pas si mauvais malgré l'avis de certains ''spécialistes'', et en 2018 de Selfie, signait en 2014 l'une de ces comédies dans l'air du temps qui réunissent quelques stars autour desquelles le Cinéma offre une chance à des jeunes de banlieue. D'où des seconds rôles à la silhouette fort impressionnante et dont le jeu d'acteur ne doit pas être très éloigné du comportement qu'ils ont dans leur quotidien. Stéréotype ? Peut-être, mais cela n'a pas empêché le réalisateur de les employer dans des rôles de petites frappes des banlieues. Ce détail étant précisé, concernant les vedettes de ce ''french buddy movie'', Tristan Aurouet convoque les deux ''gorilles'' Joey Starr et Manu Payet. D'un côté, Joey Starr, l'une des stars du rap français aux côté de Kool Shen et leur groupe NTM qui depuis le début des années 2000 tourne pour le cinéma. De l'autre, Manu Payet, humoriste, réalisateur et scénariste (Situation Amoureuse : c'est Compliqué en 2014) et acteur qui est notamment apparu à la télévision dans les séries Kaamelott en 2009 et Péplum en 2015. D'un côté, Alfonso. la grosse brute, agent de surveillance du service de protection des hautes personnalités. De l'autre, l'immature Walter, qui a échoué à l'examen d'entrée dans le service mais qui par un concours de circonstance s'est vu offerte l'opportunité de l'intégrer. Confiée à Alfonso, la formation de Walter ne va pas être de tout repos. Alors que les deux hommes sont chargés d'assurer la protection de la chanteuse Ja-Y (Alice Belaïdi), son ancien compagnon récemment échappé de prison va tout faire pour la retrouver et la récupérer...

Joey Starr, dans la peau d'Alfonso a bien du mérite de contenir sa colère face à un Manu Payet/Walter d'une extrême lourdeur. Plus agaçant que réellement amusant, ce dernier cabotine à outrance face à un Joey Starr très professionnel. Entre les deux hommes, une Alice Belaïdi toujours aussi charmante quoique un brin vulgaire dans certains de ses propos. Une trivialité qui s'étend au delà de son seul personnage pour gangrener le reste du casting. Si l'on peut se satisfaire dans un premier temps de l'antinomique caractère de nos deux gorilles (l'un en mode brute épaisse et le second en mode pré-pubère), Les Gorilles, le film, finit par se mordre la queue en tournant en rond et ne rien proposer de réellement appétissant. Même la présence en arrière plan de l'acteur Gilles Lellouche dans le rôle du flic Petrovitch ne parvient pas à relancer une machine grippée au scénario convenu. Écrit à dix mains (!!!) par le réalisateur et les scénaristes Matt Alexander, Romain Lévy, Matthieu Le Naour et Mathieu Oullion. Les Gorilles reste finalement digne de sa proposition : d'une lourdeur incommensurable...

Le Grand Bain de Gilles Lellouche (2018) - ★★★★★★★★☆☆

Un prix, un seul pour Le Grand Bain de Gilles Lellouche aux Césars. Alors, bien entendu, je n'ai pas vu le Shéhérazade de Jean-Bernard Marlin, le Jusqu'à la Garde de Xavier Legrand ou Les Frères Sisters de Jacques Audiard, mais à part ce dernier, la cérémonie des Césars semble s'être définitivement tournée vers une forme d’œuvre caritative mettant en avant les critiques sociales avant le divertissement. Entre un divorce qui se déroule dans des conditions délicates et la rencontre entre une jeune fille des quartiers populaires de Marseille et un ex-taulard de 17 ans, on aurait peut-être aimé que la divine comédie dramatique de Gilles Lelouche reparte avec davantage de statuettes que la seule offerte au savoureux Philippe Katerine (meilleur acteur dans un second rôle).

Les petits maux de chacun semblent avoir en effet beaucoup moins touché le jury. Des affres humaines qui touchent pourtant des millions d'âmes dans l'hexagone et plus encore de part le monde et à laquelle le réalisateur parfois sous-évalué (Narco est bien meilleur que certains l'affirment) Gilles Lellouche apporte une solution originale.

C'est dans le grand bain d'une piscine municipale que Bertrand, Laurent, Marcus, Simon, Thierry, Basile, Avanish, et plus tard John, vont retrouver le goût de vivre. Tous plus ou moins dépressifs ou en passe de le devenir, ils vont tous ensemble, sous l'impulsion de l'ancienne nageuse Delphine, former la première équipe de natation synchronisée masculine de France. Raillés par leurs collègues de travail respectifs, par certains de leurs amis, et même par l'équipe de water-polo masculine, les sept membres de l'équipe vont découvrir bientôt que cette discipline habituellement réservée aux femmes possède son propre championnat du monde situé en Norvège. C'est d'abord avec l'aide de Delphine, puis plus tard de l’entraîneuse paraplégique de l'équipe de water-polo, Amanda, que les sept hommes vont s'entraîner d'arrache-pied afin de monter jusqu'en Norvège et ainsi participer au championnat du monde de natation synchronisée masculine...

Je l'évoquais déjà l'année dernière : parmi les innombrables déceptions que le cinéma comique français produit chaque années, quelques long-métrages parvinrent à s'extraire du lot. En 2018, nous avions notamment eu droit aux excellents Le Retour du Héros de Laurent Tirard, à Tout le Monde Debout de Frank Dubosc, ou encore au Brillantissime de Michèle Laroque (pour ce dernier, évidemment, JE PLAI-SAN-TE... quoique, certains semblent avoir MIRACULEUSEMENT aimé cette abominable engeance). Et puis donc, ce Grand Bain, bébé presque exclusif d'un Gilles Lellouche qui n'y participera pas en tant qu'acteur mais qui sera non seulement derrière la caméra, mais également derrière l'écriture du scénario (assisté de Ahmed Hamidi et Julien Lambroschini) et des dialogues.

Le Grand Bain, c'est le genre de film qui vous met la banane, vous donne la pêche. On s'y fend la poire, sans se prendre le melon et sans avoir honte de rougir comme une tomate devant l'émotion que le réalisateur a ajouté à cette merveilleuse comédie qui tort le coup à toutes ces mauvaises pensées qui trahissent parfois notre bien-être. L’œuvre de Gilles Lellouche est un régime alimentaire à destination de l'âme. Après avoir vu Matthieu Amalric (le chômeur dépressif puis vendeur de meubles), Guillaume Canet (le directeur d'une aciérie et fils d'une mère sénile), Philippe Katerine (employé à la piscine municipale), Benoît Poelvoorde (le pisciniste), Jean-Hugues Anglade (le musicien raté) et les autres s'engueuler, partager leurs angoisses, un pétard, leurs espoirs et enfin la victoire, l'espoir renaît. Mieux qu'un anti-dépresseur, qu'une batterie de calmants, que l'alcool ou la drogue, le film est un bain de jouvence dans lequel des acteurs venus de bords différents forment un groupe soudé et convaincant.

Parmi lesquels on n'oubliera pas de noter la présence féminine de Virginie Efira, dans le rôle de Delphine, et de Leïla Bekhti dans celui d'Amanda. Le Grand Bain est drôle, original, ponctué de quelques savoureux échanges verbaux (Claire/Marina Foïs réglant ses comptes avec sa sœur Clem/Mélanie Doutey entre les rayons d'un supermarché), mais aussi, parfois, très émouvant (Delphine témoignant de son expérience douloureuse). On n'oubliera pas non plus la présence de l'increvable Claire Nadeau dans le rôle (plus amusant que dramatique) de la mère sénile de Laurent/Guillaume Canet.  Deux heures (ou presque) de Cinéma...

Le Sens de la Fête de Éric Toledano et Olivier Nakache (2017) - ★★★★★★★☆☆☆

Le Sens de la Fête est la sixième collaboration entre les cinéastes Éric Toledano et Olivier Nakache sur grand écran. Après l'énorme succès de Intouchables en 2011 (le film tient depuis la seconde place au box-office dans l'histoire du cinéma français), les deux auteurs utilisent à nouveau opportunément l'acteur Omar Sy pour Samba en 2014 après son premier passage à Hollywood pour le film X-Men: Days of Future Past. Le Sens de la Fête est la première collaboration entre le duo et l'acteur Jean-Pierre Bacri que l'on avait l'habitude jusque là de voir aux côtés de sa compagne, l'actrice, réalisatrice et scénariste Agnès Jaoui. Les spectateurs ont pu notamment le découvrir dans Subway de Luc Besson en 1985, Escalier C de Jean Charles Tacchella la même année, l'excellent Mort un Dimanche de Pluie Joël Santoni (dont je désespère d'écrire un article à sa hauteur) l'année suivante, Mes Meilleurs Copains de Jean-Marie Poiré en 1989, Un Air de Famille de Cédric Klapisch en 1996, La Vie très Privée de Monsieur Sim de Michel Leclerc en 2015, et donc, Le Sens de la Fête en 2017. Une année qui brillera d'ailleurs par la présence de l'acteur français par trois fois puisqu'Alain Chabat l'engagera sur le tournage de son dernier long-métrage en date Santa et Cie, et on aura également eu l'immense plaisir de le voir dans Grand Froid de Gérard Pautonnier, une comédie noire proche de l'humour scandinave avec un Bacri “Draculéen”...

Si quelques passages du dernier film d'Éric Toledano et Olivier Nakache sont situés dans les environs de Fontainebleau, la majeure partie de l'action se situe à l'intérieur et dans le jardin du Château de Courances dans l'Essonne. Un cadre magnifique pour long-métrage, bien qu'interprété par une foule de seconds rôles, et pratiquement voué à Jean-Pierre Bacri. Lequel ne se départit pas une fois encore de son rôle d'individu passablement désagréable qui ont fait son succès dans bon nombre de longs-métrages (Cuisine et Dépendances, pour ne citer que l'un des plus célèbres). Mais si cette fois-ci, le personnage de Max Angeli qu'il campe dans une unité de temps n'excédant pas les vingt-quatre heures, il y a une raison valable à cela. Car Max organise des mariages depuis trente ans. Fatigué par cette profession éreintante, il a bien envie de raccrocher les gants. Ce qui ne l'empêche pas de tout faire pour que le mariage de son nouveau « client » se déroule sans encombres.

Malheureusement, malgré une belle journée ensoleillée, rien ne va se dérouler comme prévu. Car Max va devoir assurer le service entre un futur marié arrogant et des employés qui parfois, n'en vont faire qu'à leur tête. Le récit s'articule donc autour d'une journée longue et périlleuse pour Max et ses employés. Cuisiniers, serveurs, photographe et animateur auront beau vouloir mettre du cœur à l'ouvrage, chacun voudra y mettre son grain de sel. Le résultat sera, à l'écran, particulièrement détonnant.

Le principe mis en place par Éric Toledano et Olivier Nakache est tel qu'on a parfois l'impression que les deux cinéastes (également responsables du scénario) ont installé une batterie de caméra, les laissant tourner une journée durant, bien que le tournage ait duré neuf semaines. Autour de Jean-Pierre Bacri, le duo impose d'excellents interprètes tels que Jean-Paul Rouve, Gilles Lellouche, mais également Eye Haïdara, Alban Ivanov, ou encore Vincent Macaigne qu'on a pu voir l'année précédente dans l'excellent Des nouvelles de la planète Mars de Dominik Moll aux côtés de François Damiens, et même l'actrice Hélène Vincent que l'on a pu notamment voir dans La Vie est un Long Fleuve Tranquille d’Étienne Chatiliez en 1987 et déjà chez Éric Toledano et Olivier Nakache dans Samba. Outre ces quelques visages bien connus du monde du septième art, les cinéastes ont également fait appel à Benjamin Lavernhe dans le rôle de l'insupportable futur marié ainsi qu'à des interprètes aussi étonnants que l'acteur tamoul Manickam Sritharan.

Le Sens de la Fête est savoureusement drôle, les situations abracadabrantes s'enchaînant les unes après les autres sans que le rythme n'en souffre. Constitué de différents actes, le film est accompagné d'une excellente partition de jazz composée par le contrebassiste israélien Avishai Cohen. Jean-Pierre Bacri est au sommet de son art, encore davantage mis en valeur par de solides partenaires féminins et masculins. C'est bien simple, on ne s'ennuie pas un seul instant. Mieux: Éric Toledano et Olivier Nakache se permettent même une petite touche d'émotion bienvenue vers la fin du film...

Sous le Même Toit de Dominique Farrugia (2016) - ★★★★★★★☆☆☆

Lentement, mais très sûrement, l'acteur, réalisateur, producteur et ancien humoriste Dominique Farrugia qui se distingua brillamment dès 1986 en cofondant le quatuor culte Les Nuls auprès d'Alain Chabat, Bruno Carette et Chantal Lauby réussit à se foger une belle carrière en tant que cinéaste. Des prémices un peu timides mais néanmoins fort sympathiques que furent Delphine 1 -Yvan 0 (à consacrer tout de même aux les fans purs et durs) et Trafic d'Influence, vingt ans tout rond ont passé. Une Stratégie de l’échec étonnante, une comédie romantique (L'Amour c'est mieux à deux), un Marquis qui ne convainc pas tout le monde et un Bis, il y a deux ans, réunissait Franck Dubosc, Kad Merad, Alexandra Lamy et Gérard Darmon dans un même film. Cette fois-ci, on change complètement d'interprètes mais pas de genre. Sous le Même Toit est une comédie, qui dans la lignée des œuvres passées de Dominique Farrugia se donne tout d'abord des airs de redite.

Des couples qui s'engueulent, qui s'aiment et finissent par se haïr, on en a déjà vu des tonnes, Papa ou Maman 2, sorti quelques mois plus tôt, jouant dans le même registre. Première impression : mitigée. Et même inquiète. Le film de l'ancien Nuls commence assez mal. Une ouverture pauvre, passéiste, pas vraiment innovante. D'ailleurs, Sous le Même Toit ne le sera jamais vraiment. Une femme (Louise Bourgoin) et son époux (Gilles Lellouche) divorcent. C'est la rupture et l’obligation pour Yvan, de quitter la chaleur du cocon familial. Delphine, compte bien refaire sa vie. Sortir, se « faire baiser », découvrir l'orgasme multiple. Elle s'achète de nouvelles robes, des dessous sexy et sort avec des amis avec à la clé, pourquoi pas, faire des rencontres. Tout ça alors qu'Yvan, lui, est à la rue. Lorsqu'il demande de l'aide à ses amis il fait fasse au refus. A la rue, sans argent, il retourne voir Delphine avec laquelle les rapports ne se sont pas arrangés depuis qu'ils ont divorcé. Il lui rappelle que lors de l'achat de l'appartement, il avait participé à son financement à hauteur de vingt pour cent. Une raison suffisante selon lui pour prétendre pouvoir revenir y vivre. A moins que Delphine accepte de lui racheter sa part. Mais comme elle n'en a pas les moyens, elle est forcée d'accepter le retour de son ex-mari chez elle. Les enfants sont moyennement heureux d'apprendre que leur père revient à la maison. Surtout Violette (Adèle Castillon), qui va devoir partager sa chambre avec son frère Lucas (Kolia Abiteboul) tandis que celui-ci est contraint d'abandonner la sienne à leur père. Mais le retour d'Yvan ne pas va pas être de tout repos. Ni pour lui, ni pour Delphine, ni pour leur enfants et pas davantage pour leurs amis...

Alors que dans un premier temps l'interprétation de Gilles Lellouche sonne faux, comme si l'acteur ne se sentait pas vraiment à l'aise dans le registre de la comédie, et alors que Louise Bourgoin paraît elle, fatiguée, pas vraiment impliquée, un peu... ternie (?), quelques événements viennent déclencher le sourire. Puis le rire. Sous le Même Toit n'est peut-être jamais d'une extrême finesse, mais l'on y retrouve ce débit, cette cadence, cette accumulation de gags que l'on aime dans le cinéma humoristique français. Le sujet abordé n'est peut-être pas tout neuf, mais le couple formé par Gilles Lellouche et Louise Bourgoin a suffisamment de charme et d'énergie pour qu'à aucun moment on ne s'ennuie. Le dernier long-métrage de Dominique Farrugia agit comme un diesel. Plutôt lent à démarrer, il trouve cependant son rythme de croisière assez rapidement. Les situations comiques se comptent par dizaines, avec parfois de jolies trouvailles et c'est avec un large sourire barrant notre visage que l'on sort de la projection. Le casting tout entier assure le spectacle. Des interprètes déjà cités, jusqu'aux seconds rôles. De Nicole Calfan dans le rôle de la mère de Delphine, jusqu'aux excellents Julien Boisselier dans celui de l'amant un peu gauche, en passant par Lionel Abelanski (lors d'une très courte apparition) et Marie-Anne Chazel. Sans oublier évidemment l'un des plus importants, l'acteur Manu Payet, impeccable dans le rôle de Nico, meilleur ami du couple formé par Gilles Lellouche et Louise Bourgoin. Une très belle surprise...