The Machinist de Brad Anderson (2003)

Trevor Reznik travaille dans une usine lorsqu'il provoque par erreur d'inattention un accident qui cause la perte d'un bras à l'un de ses collègues de travail. Trevor va mal, très ml en ce moment. Il a perdu énormément de poids et d'étranges événements émaillent son existence. Heureusement, il peut compter sur le soutient de la serveuse Marie et de la prostituée Stevie, à laquelle il fait une incroyable révélation: Trevor Reznik n'a pas dormi depuis un an...

Tourné en Espagne, le film de Brad Anderson possède des qualités indéniables. D'abord un scénario en béton signé Scott Kozar, véritable labyrinthe scénaristique qui a du donner du fil à retordre à Luis De La Madrid pour le montage final du film. L'histoire aurait pu donner une œuvre inaccessible, hermétique et qui aurait pu avoir comme conséquence, le rejet des spectateurs. Mais 'il n'en n'est rien... 

Ensuite, l'image, sublime, donne un coté sombre et presque désespéré tout en gardant une impression de rêve éveillé que seules quelques teintes criardes, comme le véhicule de ce fameux personnage énigmatique campé par l'excellent John Sharian, viennent "déranger" dans l'unicité des couleurs. La musique, elle, n'est pas en reste. Quelques notes jetées de ci de là qui font pour beaucoup dans l'ambiance générale du film et qui sont l’œuvre de Roque Banos. Mais c'est surtout Christian Bale qui impressionne dans le rôle titre. Celui de Trevor Reznik. A l'image Robert De Niro dans Raging Bull qui avait du prendre un poids conséquent pour jouer le rôle d'un boxeur, Christian Bale, lui, au contraire a fondu comme neige au soleil et a perdu 28 kilos pour interpréter le rôle de de Trevor Reznik. Dans le film, il n'est plus que l'ombre de lui-même et interprète son rôle de façon prodigieuse. Des qualités, le film en regorge du début jusqu'à la fin et l'on reste pantois d'admiration devant un tel exploit.

Certains plans du film, et même beaucoup rappellent un peu la manière dont David Lynch opère dans son approche de la réalisation, le plus surprenant étant que The Machinist n'est que la seconde œuvre cinématographique de Brad Anderson, ce qui tente à prouver que l'expérience n'est pas tout mais qu'il faut avoir aussi au départ un sacré sens de la mise en scène. Là ou très souvent Lynch nous perd dans de savantes, mais très complexes situations, nous donnant à réfléchir longuement, sans jamais nous donner les clés, ou alors très peu, allant même jusqu'à laisser le spectateur dans l'expectative quand arrive le générique de fin, Anderson lui, parvient en l'espace d'un instant à nous faire comprendre ce qui pendant une heure trente nous a plongé dans un brouillard épais. Chaque scène, chaque moment clé du film devient alors limpide et les pièces du puzzle s'imbriquent entre elles, nous apportant la réponse à toutes ces questions que nous nous sommes posées durant le film et qui nous livrent avec un calme apparent l'effroyable vérité. 

Car quoi que l'on dise, force est de reconnaître que l'on s'en pose des questions. Et pas qu'un peu. D'abord, pourquoi le héros ne dort-il plus depuis un an ? Est-il la victime d'un complot qui voudrait le pousser à l'auto-destruction? Devient-il simplement fou à force d'événements terrifiants s'accumulant autour de lui? Et qui est cet homme étrange que personne dans son entourage ne semble connaître ni ne parait même avoir jamais vu? Et que dire de tous ces petits événements qui se produisent dans son appartement? Comme s'il était épié, peut-être même le cobaye d'une expérience abominable menée à des fins tragiques. Toutes les réponses, vous les trouverez dans une conclusion remarquable et terrifiante de simplicité.

The machinist est un expérience hors du commun à coté de laquelle il serait regrettable de passer.Une œuvre subtile, envoutante, remarquablement mise en scène et interprétée...

Eye of a Stranger de Ken Wiederhorn (1981) - ★★★★★★☆☆☆☆

 

 

Sous-genre cinématographique du cinéma d'horreur, le Slasher est l'un de ses plus récurrents représentants. Né pourtant bien après la naissance du septième art, il a nourri l'imagination de nombres de fans de cinéma d'épouvante tout en demeurant paradoxalement l'un des courants les moins inspirés en terme d'écriture. En effet, le Slasher invoque généralement un croquemitaine au lourd passé, désirant parfois se venger d'une humiliation. Découle alors de cette situation, des meurtres en série, souvent perpétrés à l'arme blanche, par un individu dont l'identité est généralement révélée en toute fin de récit. Et lorsque celle-ci est déjà connue, le tueur a au moins le mérite de porter un masque cachant jusqu'à la toute dernière minute son visage. Et puis, il y a quelques exemples comme dans le cas de Eye of a Stranger de Ken Wiederhorn pour qui le mystère n'a pas forcément besoin d'être entretenu jusqu'au bout et où le tueur déambule le visage découvert. Réalisateur, scénariste et producteur d'origine américaine, Ken Wiederhorn est tout d'abord connu pour avoir réalisé en 1977 le nanar culte Le Commando des morts-vivants avec Peter Cushing et Brooke Adams. Genre dans lequel il replongera en 1988 en signant la suite du génial Le retour des morts-vivants de Dan O'Bannon, comédie d'horreur dépassant de loin bon nombre d’œuvres se prenant quant à elles beaucoup trop au sérieux. Ce qui ne sera malheureusement pas le cas de la séquelle signée par Ken Wiederhorn, trop parodique dans son approche mais surtout, d'un ennui profond dans sa mise en scène. Entre ses deux incartades dans le monde des morts-vivants, celui-ci réalisera notamment Dark Water en collaboration avec Freddie Francis et donc Eye of a Stranger dont l'intrigue repose sur un principe qui en font pratiquement un genre à part entière et que l'on pourrait catégoriser ainsi : le film de harcèlement téléphonique! En 1979, Fred Walton réalisa When a Stranger Calls dans lequel une ancienne baby-sitter devenue mère de famille fut la proie d'un dingue bien des années après avoir été harcelée une première fois. Neuf ans plus tôt, Bob Clark mis en scène Black Christmas officiellement reconnu comme le tout premier Slasher de l'histoire du cinéma et dans lequel ce sont les jeunes filles d'un pensionnant pour étudiantes qui furent les cibles d'un maniaque. La télévision américaine elle aussi s'empara du phénomène avec l'excellent téléfilm de John Carpenter diffusé un an auparavant et intitulé, Someone’s Watching Me! dans lequel une jeune femme prétendait être harcelée par un inconnu qui en plus de multiplier les coups de téléphone lui envoyait des cadeaux.

Nous pourrions continuer jusqu'à épuiser le sujet, parler notamment de l'une des premières séquences de l'excellent Peur sur la ville d'Henri Verneuil lors de laquelle l'actrice italienne Lea Massari basculait par dessus son balcon pour aller s'écraser des dizaines de mètres plus bas après avoir reçu plusieurs appels d'un certain Minos traqué par notre Bebel national... Ou encore revenir sur bon nombre de Gialli provenant tout droit d'Italie et dans lesquels là encore héros et victimes recevaient d'inquiétants appels téléphoniques. Eye of a Stranger ne fut donc pas le premier ni le dernier à voir hantée la pellicule par un maniaque adepte du téléphone comme arme de pression morale mais aussi du couteau comme instrument de mort. Car si dans la forme Eye of a Stranger n'a rien de véritablement original, l'un des intérêts du film provient des quelques meurtres relativement sanglants qui interviennent durant le récit. Incarné par John DiSanti dont le faciès colle idéalement à l'idée que l'on peut se faire d'un maniaque obsédé par les femmes qu'il tue après les avoir fait mariner dans leur jus, le long-métrage marque surtout la présence à l'écran de l'actrice Lauren Tewes, bien connue des téléphages qui durant une dizaine d'années entre 1977 et 1986 incarna le personnage de Julie McCoy dans la série culte, La croisière s'amuse. Ici, la jeune femme interprète le rôle de la journaliste télévisée Jane Harris, laquelle soupçonne l'un des locataires vivant dans l'immeuble d'en face d'être l'homme dont toute la presse évoque les meurtres. La jeune femme vit en outre aux côtés de sa jeune sœur Tracy (Jennifer Jason Leigh) qu'elle surprotège après que celle-ci ait perdu la vue, l’ouïe et la parole à la suite d'un viol. Personne ne semble cependant vouloir entendre ce que Jane a à dire. Pas même son petit ami. La jeune femme va donc s'attaquer elle-même à celui qu'elle soupçonne en jouant au même jeu que lui en le harcelant à son tour au téléphone. Mais très vite, le maniaque reconnaît la voix de la journaliste... John DiSanti incarne un tueur adipeux dont le visage crée un certain malaise. Le film nous gratifie de quelques meurtres bien cracra comme une décapitation ou quelques égorgements et découvrir en vedettes Lauren Tewes et Jennifer Jason Leigh dans ce pseudo-Slasher se révèle assez amusant. Bref, pas un classique mais une petite série B horrifique qui s'en sort avec les honneurs...

 

Possessor [Uncut] de Brandon Cronenberg (2020) - ★★★★★★★★☆☆

 

 

Avec son second long-métrage Possessor, le réalisateur Brandon Cronenberg poursuit son chemin sur les traces de son père David Cronenberg. Après une très courte série de courts-métrages, il réalise Antiviral qui sort en 2012 mais ne fait pas l'unanimité au sein de la critique même s'il s'avère déjà très prometteur. Il faudra attendre huit ans pour que sorte enfin sur grand écran son second long-métrage. Une œuvre dans la lignée de la précédente et mettant en scène une organisation secrète chargée de perpétrer des meurtres par personnes interposées. S'ouvrant sur une séquence particulièrement gratinée, celle-ci suit les pas d'une femme connectée au système neurologique de Tasya Vos (l'actrice britannique Andrea Riseborough) dont le visage est recouvert par un appareil permettant d'associer le cerveau de deux individus. S'ensuit alors une scène particulièrement gore lors de laquelle la première est sous ''l'emprise'' de la seconde et commet un meurtre au couteau. Mais alors que l'assassinat doit être logiquement suivi du suicide de la jeune femme, celle-ci est abattue par des agents de sécurité. Ce qui permet ensuite à Tasya de se déconnecter et de reprendre le cours normal de sa propre existence. Une mise en bouche qui permet d'emblée de comprendre les enjeux d'un récit qui va toutefois s'avérer relativement complexe...

En effet, si le concept se montre éventuellement abordable par le commun des mortels, les dialogues de Possessor seront en général construits autour d'un charabia scientifique parfois très flou. Alors que le récit semble presque exclusivement tourner autour de Tasya, la prochaine ''mission'' de l'organisation visant le riche PDG d'une grande entreprise (l'acteur Sean Bean dans le rôle de John Parse) met en scène l'acteur Christopher Abbott dans le rôle de Colin Tate, lequel est fiancé à Ava (Tuppence Middleton) qui n'est autre que la fille de l'homme à abattre. Brandon Cronenberg décortique alors toutes les phases menant de l'emprise cérébrale du ''cobaye'' jusqu'à l'exécution du meurtre. Mais l'implication de Colin ne va pas se dérouler comme prévu. Aussi froid que pouvait l'être Antiviral à l'époque, Possessor est une œuvre qui ne se digère que très lentement. La présence de personnages secondaires apparemment dénués de tout intérêt (le fils de Tasya ainsi que son ancien compagnon) précède une conclusion qui loin de satisfaire les spectateurs qui accordent énormément d'intérêt aux liens familiaux démontrera ce que d'autres auront compris dès le départ. Car si Brandon Cronenberg filme une cité aux mornes architectures, c'est pour mieux démontrer que l'environnement dans lequel l'on vit a forcément des répercussions sur la manière d'envisager son existence. Ajoutant à celui un dédain vis à vis de ces personnages secondaires, le réalisateur et scénariste canadien positionne le spectateur sur un même plan émotionnel que son ''héroïne''...

Détachée et indifférente à la mort d'autrui, Tasya ne se montrera pas davantage prise d'effroi lorsqu'elle-même sera visée par Colin. Échouant dans sa mission et demeurant toujours en vie, Colin se lance alors sur les trace de Tasya qui ne peut se déconnecter ni sortir de la machine sans risquer sa vie afin de quitter l'emprise qu'a la jeune femme sur son système neurologique. Possessor évoque le thème du dédoublement de personnalité lors de séquences particulièrement troublantes renvoyant notamment au court-métrage Please Speak Continuously and Describe Your Experiences as They Come to You que Brandon Cronenberg réalisa l'année précédente et dont on pouvait espérer une adaptation sur grand écran. C'est chose faite et autant dire que le film brille non seulement par son scénario et ses effets gore (rares mais terriblement efficaces) mais aussi et surtout par ses divers environnements. En effet, le spectacle offert par le décorateur Rupert Lazarus demande une acuité permanente de la part du spectateur qui se ravira des architectures ne s'éloignant quant à elles pas vraiment des premiers travaux de Papa Cronenberg (on pense notamment à Stereo qu'il réalisa en 1969 ou à Crimes Of The Future qu'il tourna l'année suivante). Et que dire également de l'incroyable travail de photographie de Karim Hussain, entre monochromes et visuels automnaux. Une fois de plus, l’œuvre nous replonge à l'époque des premiers longs-métrages de David Cronenberg et de rage en particulier. À tel point que Possessor aurait pu lui-même être tourné au milieu des années soixante-dix. Si l'ombre écrasante de David Cronenberg plane encore au dessus de la tête de son réalisateur de fils, ce dernier parvient cependant à se démarquer au fil de ses projets personnels... Saisissant...

 

Annihilation d'Alex Garland (2018) - ★★★★★☆☆☆☆☆

Il m'aura fallut deux séances pour que me soit définitivement acquise la mauvaise impression que me fit d'abord la première projection du troisième long-métrage de l'auteur du pourtant remarquable film de science-fiction Ex Machina du réalisateur, scénariste et écrivain britannique Alex Garland. Partant d'un postulat pourtant alléchant, son second long-métrage a connu les honneurs d'une sortie sur grand écran dans son pays d'origine et au Québec tandis que les spectateurs français et britanniques ont dû se contenter d'une diffusion exclusive sur la plate-forme Netflix. Il est pourtant inutile d'être un fan inconditionnel de ''hard science-fiction'' pour juger des faibles qualités d'un long-métrage qui pourtant bénéficie d'un scénario particulièrement original. C'est dans une zone proche d'un phénomène électromagnétique que ni l'armée ni les scientifiques ne sont encore parvenus à s'expliquer que l'héroïne incarnée par l'actrice israélo-américaine Natalie Portman vient chercher des réponses sur la disparition et la réapparition soudaine de son époux. Alors qu'à l'origine Lena n'est pas prévue parmi les membres exclusivement féminins qui doivent pénétrer la zone iridescente, la jeune femme se porte volontaire. C'est donc auprès d'Anya, de Josie et de Cassie qu'elle traverse le champ électromagnétique et se retrouve en leur compagnie dans un monde où les valeurs temporelles, génétiques et magnétiques sont bouleversées. Ce qui s'apparente notamment à une traversée en canoë de quelques heures a pris en réalité plusieurs jours aux quatre jeune femmes. La végétation semble avoir muté. Tout comme la faune d'ailleurs puisqu'après avoir tué un alligator qui s'en prenait à elles, Lena et les autres constatent que la mâchoire du saurien est tout sauf semblable à celle de ses congénères. Plus le temps avance, et plus l'expédition est l'occasion de découvertes étonnantes. Pour autant, ce magnifique voyage haut en couleur n'est pas dénué de danger et les jeunes femmes vont très vite en faire l'expérience...

Ce qui très rapidement saute au yeux et peut tout aussi bien déranger qu'émerveiller dès lors que les quatre protagonistes féminines ont commencé à fouler le sol de cet étrange environnement, ce sont les décors. Ou plutôt, certains détails des dits décors. La flore par exemple. Il n'est pas rare d'y trouver des plantes aux couleurs si marquées qu'il devient difficile de croire à autre chose qu'à un décor de cinéma. Trop de couleurs appliquées sur la flore donne à l'ensemble un aspect artificiel qui ne permet pas de se plonger tout à fait dans ce récit au demeurant fort intriguant. Il y a pourtant de quoi se passionner pour cette aventure qui en dehors de ces quelques détails qui paraîtront cependant sans importance pour certains, conserve un certain mystère et offre quelques tableaux angoissants. Telle l'idée d'un secteur bouleversant le code génétique de la faune et de la flore (on imagine en frissonnant les conséquences que pourrait avoir un tel processus sur nos héroïnes si elles avaient la mauvaise idée de roder dans les parages plus que nécessaire), ou bien encore le complexe militaire abandonné et ses grandes salles anxiogènes. Et que dire de la séquence nocturne durant laquelle trois des héroïnes attachées sur une chaise font connaissance avec un ours sur le code génétique duquel l'environnement a fait son œuvre ?

Malheureusement, à part quelques bonnes intentions, Alex Garland ne réussit pas l'exploit de réitérer tout l'intérêt de son précédent long-métrage. Trop contemplatif mais ne survolant que trop superficiellement son sujet, Annihilation est une grosse déception qui cependant, offrira un cadeau appréciable à celles et ceux qui auront eu le courage d'aller jusqu'au bout. En effet, arrivée au terme de son périple, l'héroïne incarnée par Natalie Portman vivra (et fera par conséquent vivre au spectateur) une expérience pour le moins psychédélique dans des décors partiellement inspirés des oeuvres du suisse Hans Ruedi Giger. Le genre de séquence qui aurait pu faire de cet Annihilation, un vrai bon film s'il ne s'était pas majoritairement contenté de nous balader au cœur d'un scénario, au fond, plutôt stérile et linéaire. Dommage... !

Eyes of a Stranger de Ken Wiederhorn (1981) - ★★★★★★★☆☆☆

Eyes of a Stranger est intéressant à plus d'un titre. Non pas parce qu'il s'agit du troisième long-métrage du cinéaste américain Ken Wiederhorn. Non, ça, on s'en fiche un peu vu que le bonhomme n'a pas signé grand chose de ''remarquable'' à part le nanar culte (mais malheureusement assez mou) Le Commando des Morts-Vivants en 1977, et quinze années plus tard le pitoyable Retour des Morts-Vivants II, suite du très réussi (et premier) volet de la saga signé Dan O'Bannon. C'est plutôt du côté du casting que le film est d'abord intéressant. Dans le rôle principal, l'actrice Lauren Tewes qui dans la peau de la présentatrice télé Jane Harris est confrontée à un tueur et violeur en série qui va s'avérer être un habitant du quartier dans lequel elle réside auprès de sa jeune sœur Tracy qui, la pauvre, est sourde, muette et aveugle depuis qu'elle a été victime d'un viol. Une idée peu originale si l'on tient compte du fait que même sans offrir autant de tares à la gamine de son héros, le réalisateur Michael Winner signait en 1974 Un Justicier dans la Ville dans lequel l'épouse et l'enfant du héros incarné par l'acteur Charles Bronson étaient elles-mêmes violées, la première finissant par mourir sous les coups de ses assaillants et la seconde demeurant catatonique. De même que Clint Eastwood s'en souviendra peut-être au moment de tourner Le Retour de l'Inspecteur Harry en 1984 et dans lequel il sera confronté à une série de meurtres perpétrés par une jeune femme traumatisée par le viol collectif dont elle fut victime plus jeune.

Concernant la méthode particulièrement sadique employée par le violeur et tueur en série de Eyes of a Stranger qui consiste à téléphoner à ses victimes afin de les terroriser avant de s'en prendre physiquement à elles, le film semble quelque peu s'inspirer de Terreur sur la Ligne que réalisa Fred Walton en 1979 (soit deux ans auparavant) et sans doute plus loin encore de l'excellent Peur sur la Ville de Henri Verneuil avec notre Jean-Paul Belmondo en vedette réalisé, lui, en 1974.

Au générique, donc, l'actrice Jane Harris qui, si elle n'a tourné que trois longs-métrages pour le grand écran (les deux autres étant les barrés The Doom Generation, en 1995 et Nowhere deux ans plus tard, tout deux signés par Gregg Araki), est surtout connu pour avoir tenu le rôle de Julie McCoy durant dix ans dans la célèbre série télévisée La Croisière s'Amuse. Outre de nombreuses séries où elle fit diverses apparitions, l'actrice s'est généralemen t contentée d'apparaître dans tout une série de téléfilms. À ses côtés, une toute jeune actrice qui tournait là son deuxième long-métrage après avoir débuté cinq ans auparavant (mais sans y être cependant créditée) dans le drame de Reza Badiyi et Uri Massad, Tod eines Fremden. Jennifer Jason Leigh est en effet la jeune Tracy qui vit aux côtés de sa sœur Jane. Depuis, l'actrice a plutôt brillamment tracé sa route et on a pu notamment la revoir plus tard chez Barbet Schroeder (JF Partagerait Appartement), les frères Coen (Le Grand Saut), David Cronenberg (Existenz) ou encore Brad Anderson (The Machinist) et Quentin Tarantino (Les Huit Salopards). Quant au rôle du violeur et assassin de Eyes of a Stranger, il est tenu par l'acteur John DiSanti qui malheureusement, est sous-exploité. 

Avec sa gueule de l'emploi, il aurait été intéressant que le réalisateur développe davantage la caractérisation de ce personnage qui en dehors de ses coups de fils, ne prononcera que quelques phrases devant la caméra. Pas le meilleur des slashers mais pas le pire non plus, Eyes of a Stranger est parfois ''creepy'', parfois gore. Je pense notamment au premier double-meurtre et à la dernière séquence se déroulant chez les deux sœurs. Une très grosse baisse de régime survenant au beau milieu du film empêche l’œuvre de Ken Wiederhorn d'atteindre les cimes du genre. C'est d'autant plus dommage qu'il s'agit sans doute de l'un de ses meilleurs films...

Cycle Stephen King : Dolores Claiborne de Taylor Hackford (1995) - ★★★★★★★★☆☆

Lorsqu'un cinéaste adapte un ouvrage de qualité, on pourrait être en droit de penser qu'il part sur des bases beaucoup plus saines et solides que celui qui aura la dure mission de transformer un piètre roman en un long-métrage convainquant et que la réussite est acquise dès le départ. Mais encore faut-il que ce cinéaste puisse rendre à l'écran tout ce que l'écrivain a injecté dans son roman. Plus que jamais, Stephen King, celui que tout le monde à découvert un jour caché derrière l'un de ses romans d'épouvante, n'a sans doute jamais été aussi profond qu'en abordant l'écriture sous un angle différent. Quoique, l'épouvante pouvant ressembler à autre chose qu'à des fantômes, des vampires et autres loups-garous, l'auteur de The Dead Zone, de Misery, de Rita Hayworth and Shawshank Redemption, ou de The Body a déjà prouvé à maintes reprises qu'elle pouvait s'inscrire dans un contexte tout à fait crédible. Un peu comme cela est le cas avec son dix-neuvième roman Dolores Claiborne. Un excellent ouvrage qui montrera à ceux qui ne cessèrent de le conspuer en affirmant que son oeuvre est mineure, qu'il est capable de grandes choses.

Il fallait donc que son adaptation sur grand écran soit à la hauteur, et ainsi donc confié à un cinéaste capable de produire une œuvre aussi riche et profonde que l'est le roman. C'est donc au cinéaste américain Taylor Hackford qu'échut la responsabilité de mettre en scène ce drame poignant. Un cinéaste qui s'était notamment fait remarquer jusque là avec An Officer and a Gentleman en 1983. Dolores Claiborne n'est pas un film d'épouvante. Ou si peu...

Car la vie de cette femme au service d'une richissime vieille dame depuis plus de vingt ans va basculer du jour au lendemain, lorsque Dolores Claiborne va être surprise par le facteur, un rouleau à pâtisserie entre les mains, assise au dessus de son employeuse agonisante. Soupçonnée par l'infâme détective John MacKey (excellent Christopher Plummer) qui n'a jamais accepté que la gouvernante soit reconnue innocente de la mort de son époux il y a de nombreuses années, le film de Taylor Hackford revient sur le douloureux passé de Dolores Claiborne. De sa vie avec son époux Joe (génial David Strathairn), alcoolique et violent, jusqu'aux années passées au service de l’acariâtre et méprisante Vera Donovan (Judy Parfitt), en passant par les moqueries dont elle fut la victime de la part des habitants de Little Tall, dans le Maine.

Dolores Claiborne, c'est l'actrice Kathy Bates, qui cinq ans après son incroyable performance dans le film de Rob Reiner, Misery, réapparaît pour la seconde fois dans une adaptation d'une œuvre de Stephen King. A ses côtés, l'actrice Jennifer Jason Leigh incarne avec talent la propre fille de Dolores, Selena St. George. Deux personnages, une mère et sa fille, qui n'ont eu de cesse de subir des épreuves terribles et qui entretiennent des rapports difficiles et conflictuels depuis la mort du mari de la première et du père de la seconde. Alors ? Accident ou meurtre ? Le mystère se prolonge. Longtemps... Dolores a-t-elle tué son mari, et beaucoup plus tard, son employeuse ? C'est ce que tente d'établir le cinéaste qui avec Dolores Claiborne signe l'une des meilleures adaptations de Stephen King. Une œuvre profonde, oui, mais parfois, également, terriblement sombre. Comme si aucune fée ne s'était penchée sur le berceau de son héroïne, martyrisée par un Mal prenant autant de visages que Little Tall compte d'habitants.

Taylor Hackford bâtit une œuvre au scénario complexe mais d'une étonnante fluidité, revenant de manière incessante sur différentes périodes de l'existence de son héroïne. Bourru, le personnage magnifiquement incarné par Kathy Bates n'en est pas pour autant moins attachant. Au contraire, l'actrice y est si convaincante qu'il n'est pas rare que l'on soit bouleversé. Il ne faudra cependant pas éclipser Jennifer Jason Leigh, qui offre une composition qu'il serait dommage d'oublier vu l'immense présence de Kathy Bates à l'écran. Accompagné par une partition musicale signée du compositeur « attitré » de Tim Burton, Danny Elfman, Dolores Claiborne impressionne par la mise en scène du cinéaste et par le jeu absolument bouleversant de Kathy Bates et Jennifer Jason Leigh, ainsi que par celui, effroyable, de Christopher Plummer et David Strathairn. Un film majeur dans la carrière cinématographique "adaptée" de Stephen King... Regardez-le, vous n'en ressortirez pas indemne. Car lorsque l'on croit que tout est dit, Stephen King possède cette faculté stupéfiante consistant à nous asséner des coups de poignard supplémentaires. Comme si le spectateur n'avait pas suffisamment enduré d'épreuves. Un classique !!!

Cycle les Frères Coen: The Hudsucker Proxy de Joel et Ethan Coen (1994) ★★★★★★★★☆☆

Pour ce quatrième article consacré à la carrière de Joel et Ethan Coen, j'aurais pu, j'aurais dû même, respecter une certaines chronologie. Et si, de fait, c'est le cas puisque The Hudsucker Proxy demeure postérieur au dernier article leur étant dédié (Arizona Junior), je reviendrai plus tard sur ce que je considère toujours être l'un de leurs meilleurs films (Barton Fink). Quant à Miller's Crossing, c'est la deuxième fois en plus de vingt-cinq ans que je tente l'expérience tout en m'y ennuyant toujours aussi prodigieusement. Ce qui n'est évidemment pas le cas avec le cinquième long-métrage qu'en France nous avons traduit sous le titre Le Grand Saut. Que l'on soit fan ou pas des Frères Coen. Qu'on les adule ou qu'on les déteste, que l'on soit « pro » ou « anti », j'ai encore beaucoup de mal à imaginer que l'on puisse rester de marbre devant une œuvre aussi brillante.

Une fois de plus, les frangins sont aux commandes du scénario, mais pas seulement eux puisque le cinéaste Sam Raimi, leur copain de toujours vient les soutenir et rembourse la monnaie de leur participation à l'écriture de son excellent Crimewave sorti neuf ans auparavant.

C'est un nouveau venu dans la filmographie des cinéastes qui tient ici le haut de pavé. Le génial Tim Robbins qui cinq ans plus tôt interpréta le principal rôle du traumatisant L’échelle de Jacob et jouera dans l'adaptation cinématographique Les Évadés, une nouvelle à l'origine écrite par le romancier Stephen King. Trois années après leur fabuleux Barton Fink qui obtint au festival de Cannes en 1991 la Palme d'or ainsi que le Prix de la mise en scène et le Prix d'interprétation masculine, difficile d'imaginer Joel et Ethan Coen pouvoir réitérer l'exploit de réaliser et produire une œuvre aussi forte. Et pourtant The Hudsucker Proxy a réussi à chatouiller les sceptiques. Il signent avec leur cinquième long-métrage, l'un des plus importants de leur carrière et prouvent à ceux qui en doutaient encore que les prix remportés quatre ans plus tôt à Cannes ne furent pas le fruit du hasard mais bien d'un travail acharné et à la précision chirurgicale.

Sept ans après la bouffonnerie Arizona Junior, Les frères Coen explorent à nouveau le même univers cartoonesque tout en s’immunisant du caractère parfois lourdingue de leur première comédie. Désormais, les frangins sortent les couverts en argent. Décors sublimes, lumière éclatante, musique envoûtante signée une fois de plus par le fidèle compositeur Carter Burwell, interprétation impeccable (d'énormes seconds rôles) et enfin, un scénario en bêton qui ménage une floppée de bonnes surprises.

Et dire que The Hudsucker Proxy a faillit ne jamais voir le jour. Ou du moins, de manière peut-être sensiblement différente. En effet, Joel et Ethan Coen projettent de réaliser le film depuis une dizaine d'années déjà. Mais vue l'ampleur du projet, ils n'auraient sans doute jamais accepté de tourner le film sans un budget important. La palme d'or du Festival de Cannes leur ouvrant les vannes, grâce au producteur Joel Silver, lequel, dès lors, fera tout pour que le projet arrive à terme. Alors que le producteur souhaitait offrir le rôle principal à l'acteur Tom Cruise (infamie !!!), c'est finalement le géant Tim Robbins qui l'obtient. A ses côtés, une galerie de portraits saisissants dont les collaborateurs de l'opportuniste Sidney J. Mussburger (l'excellent Paul Newman) ne sont pas des moindres. On retrouve également Bruce Campbell, le chouchou de Sam Raimi dans un rôle similaire à celui qu'il interprétait dans Crimewave, ainsi que Steve Buscemi qui fera une belle carrière chez les Coen jusqu'en 2000, année de sortie de O'Brother, John Goodman, fidèle depuis Arizona Junior, ou encore Jon Polito. Quant au principal rôle féminin, c'est l'actrice Jennifer Jason Leigh qui l'obtient alors-même que Winona Ryder et Bridget Fonda étaient tout d'abord pressenties.

Les frères Coen et Sam Raimi laissent ici s'envoler leur imaginaire. Nombre de séquences filent le vertige. L'écriture est sublime et certaines scènes renversantes d'ingéniosité. Qui pourra oublier cette tentative de suicide échouée aux trois-quart du film, ou cette invention que traîne derrière lui le héros, synonyme de railleries mais qui au final paraît tellement évidente. Là est tout le génie du duo. Reprendre une invention et la mettre au crédit de leur héros sans trahir son concepteur original dont on ne connaîtra sans doute jamais l'identité (en effet, cette invention dont je terrai le nom pour préserver la surprise remonterais trois-mille ans en arrière et serait originaire d'Égypte avant que deux américains n'en reprennent le principe à leur compte dans les années cinquante). The Hudsucker Proxy est une bande-dessinée vivante. Le crayon est ici remplacé par des actrices et acteurs en chair et en os. Un véritable conte de fée à l'attention des grands plus que des petits, et une jolie critique du loup dévorant l'agneau avant que ne soit renversée la vapeur. Un petit chef-d’œuvre...

Last Exit to Brooklyn de Uli Edel (1989)

Last Exit to Brooklyn, c'est avant tout une œuvre culte écrite en 1964 par l'écrivain américain Hubert Selby Jr. auquel on doit également Requiem for a Dream qui sera adapté au cinéma en 2000 par le cinéaste Darren Aronofsky. C'est le cinéaste allemand Uli Edel auquel échoit l'immense responsabilité d'adapter Last Exit to Brooklyn. Une œuvre littéraire majeure mise en musique par Mark Knopfler qui n'est autre que le leader du célèbre groupe de rock Dire Straits. Last Exit to Brooklyn étant un recueil de six nouvelles, Uli Edel a dû faire en sorte que les destins croisés de ses personnages apparaissent avec une certaine homogénéité. Son œuvre ne ressemble donc pas à une succession de sketches mais bien à un récit se déroulant dans les années soixante, sur fond de crise, au beau milieu d'un quartier où tentent de survivre des centaines de travailleurs en grève depuis six mois. Au beau milieu d'une révolte qui ne fait que grandir face à un patronat qui reste sourd à toute revendication, Uli Edel nous promène dans un quartier chaud de Brooklyn. Là où alcool, prostitution et violence font des ravages.

Le premier des personnages que nous présente le cinéaste est Harry Black (l'acteur Stephen Lang que l'on a pu voir récemment dans l'excellent Don't Breathe de Fede Alvarez). Représentant d'un syndicat dirigé par un certain Boyce (Jerry Orbach), il est marié et père d'un enfant. Mais sa relation avec son épouse, nous le découvrirons bien assez vite, n'est qu'une façade. La réalité est tout autre. Harry répugne à l'avouer autour de lui, mais il est homosexuel. Et dans le contexte de l'époque, mieux vaut s'en cacher. D'autant plus que durant une grande partie de Last Exit to Brooklyn, Uli Edel exhibe les penchants homophobes de ses personnages. Homophobes mais également négrophobes. On remarquera d'ailleurs l'absence totale d'hommes de couleur dans son long-métrage. Comme de tout signe d'appartenance religieuse autre que le christianisme (la scène du baptême). Ceux qui s'amusent des ces « pédés » forment un groupe soudé de petites frappes satellisant autour d'un jeune homme charismatique mais au caractère imprévisible ayant la main mise sur Tralala (Jennifer Jason Leigh), jeune prostituée peroxydée, qui attire ses clients dans un terrain vague avant que ceux-ci ne soient assommés et volés par ses complices cachés dans la pénombre.

Autres personnages importants, l'ouvrier Big Joe (le génial Burt Young) père d'une gamine qui s'est faite mettre en « cloque » par un jeune gréviste, l'homosexuel Georgette (l'épatant Alexis Arquette), ou encore Donna, la jeune femme enceinte en question (l'ancienne égérie de John Waters, Ricki Lake)... Last Exit to Brooklyn est une œuvre noire, très noire. Désespérée, dans une ville sans espoir, minée par le chômage et la délinquance. Comme cela sera le cas une décennie plus tard avec Requiem for a Dream, le récit s'enfonce peu à peu dans une horreur sociale tourbillonnante. Si les uns parviendront à obtenir gain de cause, d'autres ne se relèveront jamais. A l'image de Georgette, renversé par une voiture, Harry Black, crucifié après avoir été dénoncé par un enfant auquel il tentait de faire une fellation, et pire encore, le sort accordé à Tralala, victime d'un viol collectif « consenti » qui la laissera sur le carreau tel un pantin désarticulé et blessé dans son âme et dans sa chair.

Le film de Uli Edel demeure sans concession. Comme l’œuvre dont il s'inspire, il décrit un monde sombre et une fin inéluctable pour ses personnages. Derrière l'image heureuse d'une famille célébrant l'union d'un homme et d'une femme se déroulent des événements tragiques, marquant à tout jamais les personnages qui y sont confrontés. La partition musicale de Mark Knopfler participe au sentiment de désespoir qui ne cesse d'enrober une œuvre dont il ne ressort jamais rien de véritablement positif pour ses personnages. Pas un chef-d’œuvre (surtout comparé à l'autre œuvre adapté de Hubert Selby Jr.), mais un film à découvrir tout de même. Une vision plus sombre des États-Unis d'Amérique, loin du rêve américain...

Le Cycle de la Chair et de L'esprit: ExistenZ de David Cronenberg (1999)

Allegra Geller est mondialement connue et très populaire parmi les amateurs de jeux vidéos pour avoir créé un nouveau prototype d'interface se branchant directement sur la moelle épinière. Lors d'une représentation, elle propose à une dizaine de personnes du public de participer à la démonstration en se connectant eux-même au tout nouveau modèle de bioport créé par Allegra. Lors de la séance, la créatrice est attaquée par un commando nommé Les Réalistes, et opposé à toute forme de technologie. Heureusement pour elle, le jeune employé en marketing Ted Pikul l'aide à prendre la fuite...

Si David Cronenberg n'a jamais véritablement mis de côté ses obsessions, il a, peu de temps après Existenz, et même Spider, son film suivant, changé presque radicalement de registre. En fait de radicalité, il a su au mieux intégrer une part immense et de plus en plus importante de psychologie au détriment de l'horreur. En effet, dès l'admirable Faux-Semblant, le cinéma de Cronenberg emble revêtir un visage autrement plus mature que par le passé. Ce qui, en réalité, n'est qu'une apparence. D'ailleurs, le cinéaste d'origine canadienne joue sur cette ambiguïté dans chacune de ses œuvres. Passé maître dans l'art de manipuler le corps et la conscience, il a, à peu de chose près, frayé dans tous les domaines, créant ainsi une véritable encyclopédie de l'horreur génétique.

Depuis Frissons et Rage, à la sexualité débridée, en passant par Chromosome 3 et Scanners, deux films dont l'intrigue se concentre sur le contrôle et le pouvoir psychiques. Videodrome, lui, s'attarde sur l'influence des médias, et en l’occurrence, celle de la télévision. Crash mêle la chair au métal et Le Festin Nu, l'écriture aux drogues. Existenz ne déroge pas à la règle et aborde un thème qui, pourtant à l'époque, n'a pas encore atteint le degré d'importance qu'il connaît seize ans plus tard en 2015. Le jeu vidéo. Le jeu vidéo et son univers factice. Le jeu vidéo et ses implications morales, religieuses, politiques et même tout simplement, sociales.

Existenz est sans doute l'une de ses œuvres les moins comprises, et les moins acceptées. Certains y voyant même sont plus mauvais film (enfin, son moins bon, dirons-nous). Avouons qu'au premier abord, les décors ont l'air un peu cheap. Prenons par exemple la scène où les deux principaux protagonistes prennent la fuite à bord d'un véhicule. Les décors extérieurs de l'habitacle ont l'air d'être faits de carton-pâte. Comme ceux de ces vieux films sans le sou qui passaient un film derrière une voiture en réalité plantée dans un studio de cinéma. Croyez-le ou non, mais cette image un peu puérile et au départ grandement décevante était bien recherchée par son auteur. Et pour en avoir la confirmation, il suffit juste de se rappeler de la fin du film pour s'en convaincre. Elle se justifie à ell seule au travers d'une intrigue qui joue presque intégralement sur des faux-semblants.

Là où Existenz rejoint les œuvres passées de David Cronenberg, c'est dans la manipulation de ses personnages, et en même temps du public. Car en effet, même si l'on a une vague idée de ce qu'à l'intention de nous raconter le cinéaste, les spectateurs sont au moins autant, si ce n'est plus, dans le brouillard le plus complet. Le film n'est pas facile d'accès. D'ailleurs ceux qui ne connaissent pas son œuvre risquent de le bannir à jamais s'ils commencent par celui-ci. Même en tant que fan du réalisateur, on peut avoir beaucoup de mal à adhérer au traitement subit par la bobine.

David Cronenberg convoque pour cette aventure un brin surréaliste Jennifer Jason Leigh, Jud Law ainsi que Ian Holm et Willem Dafoe. Nouvelle et ancienne génération se retrouvent donc dans une œuvre au premier abord complexe mais dont les tenants et les aboutissants deviennent clairs à la toute fin du film. Pas sûr pourtant que tout le monde puisse tenir jusqu'au bout...

A lire également dans le même cycle: 

Le Cycle de la Chair et de L'esprit: Cronenberg en 3 films: Faux-Semblants, Le Festin Nu et Crash

Le Cycle de la Chair et de L'esprit: Rage

 Le Cycle de la Chair et de L'esprit: Stereo

Le Cycle de la Chair et de L'esprit: Crimes Of The Future et Frissons 

Le Cycle de la Chair et de L'esprit: Chromosome 3

Le Cycle de la Chair et de L'esprit: Scanners

Hitcher de Robert Harmon (1986)

Jim Halsey parcourt les États-Unis afin de convoyer une voiture jusqu'à San Diego en Californie. En pleine nuit, alors qu'une tempête fait rage, il s'arrête au bort de la route et accepte de prendre en stop John Ryder. Lorsque Jim lui demande où il veut se rendre, celui-reste silencieux. Alors que la voiture dépasse un véhicule garé au bord de l'autoroute, Jim tente de ralentir mais John l'en empêche. Lorsque le jeune homme demande à l'auto-stoppeur les raisons de son comportement, ce dernier affirme avoir tué le propriétaire de la voiture. John joue avec son hôte un jeu pervers, mais Jim parvient à se débarrasser de son encombrant invité.

Le lendemain matin, et alors qu'il roule tranquillement, Jim laisse passer une voiture familiale avec à son bord un couple, leurs enfants et... John. Tentant d'avertir les propriétaire du véhicule qu'ils ont embarqué un dingue, Jim est victime d'un accident. Lorsqu'il retrouve tous ses sens, il reprend la route et tombe nez à nez avec la voiture familiale, stoppée sur le bas côté de la route, avec à l'intérieur, les cadavres des propriétaires. Jim fuit la scène de crime et roule à vive allure jusqu'à un restaurant situé au milieu de nulle part et tenu par la jeune Nash. L'enseigne n'est pas encore ouverte mais il supplie la jeune femme, qui accepte de le laisser utiliser le téléphone. Une fois la police avertie, Nash offre à Jim un repas à l'intérieur duquel il trouve un doigt humain. Prenant la fuite, il sort du restaurant au moment même où la police débarque. Mis à terre et fouillé, le couteau dont s'est servi John pour commettre ses méfaits est découvert sur lui.

Jim est alors, menotté, arrêté, puis emmené au poste de police. Une fois là-bas, il est interrogé par le sergent Starr. Devant le refus de Jim d'avouer être le responsable des meurtres, Jim est enfermé dans une cellule. Le jeune homme s'endort mais, lorsqu'il se réveille plus tard, il constate que la porte de sa cellule est ouverte et que les agents de police présents au poste ont tous été tués...

Hitcher est la première œuvre de Robert Harmon en tant que réalisateur. Après avoir tourné une dizaine de films entre 1986 et 2004, Harmon semble s'être cantonné depuis dans la réalisation de téléfilms pour la télévision. C. Thomas Howell, avant de jouer le rôle de Jim Halsey, interpréta celui de Tyler dans E.T. L'Extra-Terrestre de Steven Spielberg et de Ponyboy Curtis dans Outsiders de Francis Ford Coppola. Quand à Rutger Hauer et Jennifer Jason Leigh, ce n'est pas la première fois qu'ils jouent ensemble puisqu'ils se sont déjà croisés sur le tournage de La Chair Et Le Sang de Paul Verhoeven.

Le film propose un ingénieux mélange de thriller, de suspens et d'épouvante. Concernant cette dernière, elle se situe surtout dans la première partie avec une ambiance particulièrement lugubre. Le rythme imposé par Robert Harmon empêche toute lassitude et malgré la répétitivité liée à la quasi-absence de scénario (la banale et infernale course-poursuite entre un bourreau et sa proie), les scènes s'enchainent sur un tempo effréné, parcourues d'instants de violence particulièrement graphiques. Hitcher ne lésine jamais sur les explosions et le sang. Les cadavres s'accumulent autour de Jim, qui passe de victime à suspect sans jamais parvenir à convaincre l'autorité, le spectateur étant seul témoin de son innocence. Le film rappelle étonnamment deux œuvres marquantes des années 70-80. Tout d'abord le Duel de Steven Spielberg et sa course-poursuite située sur une route désespérément abandonnée. Ensuite, le Terminator de James Cameron. En effet, le tueur de Hitcher, à sa manière de revenir sans cesse à la charge sans que rien ne semble pouvoir l'arrêter rappelle l'implacable machine venue du futur pour tuer Sarah Connors. Si le rôle tenu par Rutger Hauer ne dévie pas d'un iota, celui interprété par C. Thomas Howell gagne en assurance. On passera outre certaines invraisemblances comme celle qui voit le tueur parvenir à toujours mettre le grappin sur sa victime et sur cette dernière à vouloir sauver la vie de son prochain au risque de perdre la sienne.