Avatar 3 : de Feu et de Cendres de James Cameron (2025) - ★★★★★★★★☆☆

 

 

James Cameron l'a annoncé : si les résultats de son Avatar 3 : de Feu et de Cendres n'atteignent pas des résultats satisfaisant au box-office, les quatrième et cinquième volets ne verront probablement pas le jour. Maintenant, reste à savoir ce qu'attend de son nouveau bébé l'auteur des deux premiers Terminator, d'Abyss ou de Titanic. S'il espère atteindre ou voire même dépasser les chiffres d'Avatar 2 : la Voie de l'eau, on en est encore loin. Et même si les deux milliards de recettes sont un objectif qui peut être encore tout à fait envisagé, pour l'instant, les nouvelles aventures de Jack Sully, de Neytiri, de Quaritch et de l'ensemble des personnages évoluant à la surface de Pandora n'ont rapporté à l'échelle mondiale ''que'' sept-cent soixante millions de dollars ! Dans ce troisième chapitre, James Cameron intègre un nouveau clan qui par opposition aux Omaticaya (Peuple de la Forêt) et aux Metkayina (Peuple des Récifs) est beaucoup plus dur et donc beaucoup moins pacifique. Les Mangkwan (ou Peuple des Cendres) possèdent une physionomie égale à celles des autres Na'vi à la différence où leur peau est grise et parfois recouverte de peintures tribales rouge. La première des couleurs rappelant la cendre et la seconde le feu. Les Mangkwan sont un peuple de guerriers, de conquérants menés par la charismatique Varang (interprétée par l'actrice hispano-britannique Oona Chaplin qui n'est autre que la petite-fille de Charlie Chaplin et la fille de Géraldine Chaplin). L'on retrouve ici la totalité des personnages ayant évolué dans le précédent long-métrage, qu'il s'agisse des protagonistes d'ordre humanoïde ou des créatures marines...

James Cameron ajoutant à son univers foisonnant quelques animaux aériens et océaniques. À l'image des Raies des Vents et des Medusoid qui conduisent les engins pilotés par les marchands volants ou ces créatures maritimes qui ressemblent à des calamars particulièrement agressifs connus sous le nom de Syong. Beaucoup moins apaisant que le second opus qui parfois pouvait être vu comme une sorte de documentaire ethnologico-botanico-zoologique parfois lointainement inspiré des modes de vie terrestre et comme une étude géoscientifique propre à la planète Pandora, Avatar 3 : de Feu et de Cendres est clairement un film de guerre. Connaissant le talent de James Cameron pour cette approche beaucoup plus frontale et ''énervée'' (le bonhomme nous avait déjà prouvé son talent en transformant l'univers d'Alien, le huitième passager en véritable film de guerre entre Xénomorphes et Marines dans Aliens, le retour) on pouvait d'ors et déjà nous attendre à des combats spectaculaires et épiques. Et si certains reprochent au cinéaste canadien de s'être insuffisamment éloigné de l’Élément qui constituait l'essentiel des décors d'Avatar 2 : la Voie de l'eau, d'avoir fait peu de cas de la région qui donne son sous-titre à ce troisième volet en ne lui consacrant que quelques dizaines de minutes sur les cent-quatre vingt que dure le long-métrage ou de relancer une fois de plus la grosse machinerie guerrière qui concluait le récit du second opus, il faudrait vraiment faire le difficile pour ne pas se laisser séduire par cette aventure que d'aucun pourrait juger effectivement de mise à jours du second volet en mode 2.0. Ce qu'il faut retenir est que James Cameron a tourné le 2 et le 3 à la suite. Et cela se voit très clairement. Il est donc logique qu'Avatar 3 : de Feu et de Cendres soit dans la continuité du précédent volet...

Mais que celles et ceux qui ne l'ont pas encore découvert en salle se rassurent. Si l'aventure se déroule effectivement en majorité autour de l'atoll de coraux où sont implantés les Metkayina, de nombreuses séquences permettent de ''changer d'air''.Visuellement, Avatar 3 : de Feu et de Cendres est un spectacle sans cesse renouvelé. On en prend plein les yeux du début à la fin et les ventres mous sont rarissimes. Quoique, parler de passages à vide serait très exagéré puisqu'ils impliquent l'un des aspects les plus fondamentaux de ce troisième long-métrage. Conflits intérieurs, remords, autorité, liens familiaux, etc... Avatar 3 : de Feu et de Cendres distille de nombreuses séquences aussi profondes qu'émouvantes qui permettent de plonger encore davantage dans la psychologie des personnages. Bien évidemment, l'on reconnaît le goût de James Cameron pour la critique environnementale dès lors que les protagonistes approchaient dans le second opus les fonds marin, leur faune et leur flore. Dans Avatar 3 : de Feu et de Cendres, le cinéaste continue d'explorer l'idée d'espèces indigènes exoplanétaires se référant aux peuples terriens vivant notamment en Papouasie-Nouvelle-Guinée ou en Amazonie mais se réfère encore davantage qu'auparavant à la notion de colonisation (les territoires du peuple amérindien) à travers le personnage de Spider (Jack Champion), lequel est l'un des éléments centraux de ce nouveau récit. Après avoir vécu une expérience de cinéma toujours aussi intense, après être sortis de la salle conquis par le spectacle auquel nous avons assisté et une fois les doutes effacés, il ne nous reste plus qu'à espérer que James Cameron choisira de poursuivre l'aventure de Jack Sully et des Na'vi même si l'on rêve de le voir un jour réaliser son rêve qui consiste à écrire, réaliser et produire un remake du Voyage fantastique que Richard Fleischer réalisa en 1966..

 

Avatar 2 : la voie de l'eau de James Cameron (2022) - ★★★★★★★★★☆

 

 

Majoritairement et prioritairement préoccupé par l'intensité d'un scénario, Avatar 2 : la voie de l'eau aura pourtant fondamentalement changé mon opinion sur le fait qu'une œuvre peut et même, SE DOIT de contenir un véritable script. Un critère dans lequel doit forcément intervenir la notion d'originalité. Une jolie forme, je veux bien, mais surtout, du fond, du fond, du fond ! Autant dire qu'en redécouvrant récemment le premier volet de la franchise datant de 2009 me vint l'envie de me cogner la tête contre les murs de mettre laissé ''berner'' par son délicieux enrobage. Avatar 2 : la voie de l'eau continuera sans doute à brasser autant d'émules que de détracteurs. Mais aujourd'hui, j'ai presque envie d'être malhonnête au point de refuser aux derniers toute critique. Quelle soit constructive ou non. Il y eu le James Cameron de Terminator. Ce film constitué de matière brute que ne parviendrait pas à égaler et encore moins à surpasser le second volet de la franchise, n'en déplaise aux fans hardcore de Terminator 2 : Le Jugement dernier. Désormais, le James Cameron nouveau est arrivé et avec lui, un film-somme, représentatif de sa carrière toute entière d'amoureux du cinéma mais aussi et surtout de sa passion pour les fonds marins. On pourrait quasiment remonter aux origines de sa filmographie avec Piranha 2 : Les Tueurs volants mais non, hein, on va tout de même pas réveiller de mauvais souvenirs à ceux qui ont découvert la chose à l'époque de sa sortie où lors de sa diffusion en VHS. Une purge que même son auteur préfère oublier, c'est dire...

On va plutôt remonter en 1989 avec son sublime Abyss dont tout le monde connaît l'histoire par cœur et qui déjà, s'avèrait être une prouesse technologique. Huit ans plus tard, James Cameron revenait avec sa grandiose adaptation d'une catastrophe que tout le monde connaît : celle du paquebot transatlantique (soit disant) insubmersible Titanic qui à la suite d'une collision avec un iceberg s'enfonça dans les eaux de l'océan Atlantique Nord, causant ainsi la mort de 1500 passagers environ... Depuis longtemps déjà James Cameron se passionnait pour le mythe mais sa réalisation sous forme de fiction ne marquera pas la fin de l'aventure ''sous-marine'' pour le réalisateur puisqu'après le succès phénoménal de son septième long-métrage, il réalisera trois documentaires portant peu ou prou sur la même thématique : les fonds marins. Ghosts of the Abyss en 2003, Volcanoes of the Deep Sea en 2004 et enfin Aliens of the Deep en 2005. On a donc bien compris que James Cameron et sa passion pour l'océan ne font plus qu'un... même si la chose ne saute pas aux yeux lorsque sort sur les écrans Avatar premier du nom puisque l'aventure situera essentiellement son action dans une zone vaguement comparable aux forêts tropicales terrestres...

Puis vint Avatar 2 : la voie de l'eau dont le sous-titre à lui seul démontre que James Cameron n'a pas encore tout à fait finit d'explorer mers et océans. Sauf qu'ici, ben, tout est... faux ! Ouais ! Mais ce qui pourrait paraître comme un inconvénient prend des allures de voyage sur l'une de ces planètes que les astronomes professionnels ou en herbe rêveraient un jour de fouler. Bonne nouvelle : on peut avoir détesté l'original pour se passionner pour cette séquelle qui, très honnêtement, n'a rien de vraiment commun avec Avatar. Treize années d'un travail titanesque qui ont permis à James Cameron d'obtenir un résultat très haut dessus des espérances de son public. Coinçant cependant ses détracteurs dans une boucle qui ne cesse de tourner autour du mythe : celui selon lequel le point faible de la franchise se situe au niveau du scénario. Et là, force est de reconnaître que tout comme il y a treize ans en arrière, cet Avatar 2 : la voie de l'eau n'est pas le film le plus original qui soit. On pourrait même dire qu'il brasse des thématiques tellement usées qu'on pourrait vanter les qualités de l’œuvre sur ses seules prouesses technologiques. Mais bon, comme je l'annonçais au début de cet article, le manque de profondeur du scénario est très largement pallié par tout ce qui se situe en dehors de ce seul aspect du long-métrage.

Car tout en entrant dans la salle d'un pas méfiant, à la sortie, le constat est sans appel. Le film tant attendu existe bel et bien et il s'appelle Avatar 2 : la voie de l'eau. Avec cette suite, Avatar premier du nom ressemble à brouillon dont l'ampleur visuelle se doit désormais d'être revue à la baisse. Découvert au cinéma Mega CGR de Narbonne ce lundi aux côtés de ma compagne, la suite des aventures de Jake Sully (toujours interprété par l'acteur Sam Worthington) et de Neytiri (l'actrice Zoe Saldaña) le fut en 3D, forcément, mais également en HFR, ou High Frame Rate. Ce qui, en gros, signifie une nette augmentation du nombre d'images par seconde, permettant ainsi une fluidité de l'image totalement novatrice et visible notamment lors des scènes d'action. Il existe dans l'esprit d'une partie du public un point noir qu'il est nécessaire d'évoquer lors de l'emploi du HFR : si cette technologie permet effectivement de rendre plus lisibles les arrières-plans, il a pour certains, la fâcheuse tendance à lisser l'image. Ce que j'appelle personnellement, ''l'effet Soap-Opera''. Il faut donc d'abord choisir dans quelles conditions l'on va aborder le long-métrage. Soit en 24 images par secondes, soit en 48. Sachant que le film passe, paraît-il, allégrement de l'un à l'autre dans sa version HFR...

Notons que si cela semble avoir gêné une partie du public, ça n'a pas été le cas pour ma compagne et moi. Bien au contraire puisque la lisibilité n'en fut que plus grande que par le passé. Avatar premier du nom, je le répète, m'avait causé des maux de tête (image beaucoup trop sombre). Tandis que Avatar 2 : la voie de l'eau, lui, projette directement le spectateur au cœur de l'action. Plus immersif, voire même intrusif, l'on n'est plus simple spectateur mais ''acteur'' de l'action qui se déroule devant nos yeux. James Cameron invente un nouveau concept. Ou plutôt, réinvente la notion de documenteur en plongeant les spectateurs dans un univers à ce point réaliste que l'on ne se pose même plus la question de ce qui est vrai et de ce qui est faux. Images de synthèse ? Véritables décors ou personnages ? Des questions qui n'ont ici plus la moindre importance ni même le moindre sens. Pandora existe bel et bien et James Cameron nous le prouve ici. La moindre texture de peau, la moindre gouttelette d'eau, du plus petit au plus grand des représentants de la faune et de la flore, tout est pensé, généré et proposé au spectateur avec un sens inouï du réalisme. Avatar 2 : la voie de l'eau est une fiction, certes.

Mais c'est peut-être aussi et surtout un formidable voyage au cœur d'un peuple qui n'est pas si éloigné de certains que l'on rencontre sur notre propre planète. Des références inévitables qui me firent dire au temps du premier Avatar que l'aventure manquait d'originalité. Sans doute parce qu'au fond, je ne croyais pas vraiment à cet univers qui visuellement m'avait pourtant séduit à l'époque. Tandis qu'à travers Avatar 2 : la voie de l'eau, James Cameron s'est employé à nous faire découvrir un monde merveilleux tout en exploitant scénaristiquement les failles qui agitent en temps réel notre planète la Terre. Impossible en effet de ne pas ressentir un certain malaise face à ces baleiniers qui déciment à la surface de nos océans les plus grands mammifère marins lorsque survient l'infâme chasseur de tulkun, Mick Scoreby (l'acteur Brendan Cowell). Quant à l'homme, James Cameron continue à en faire le visage du mal. L'envahisseur, destructeur d'un écosystème dont il ne cesse de vouloir prélever les ressources. Avec un affolant soucis du timing, James Cameron passe de la contemplation d'un univers aquatique et de ses magnifiques autochtones à l'arrivée ''en grandes pompes'' particulièrement tonitruante de l'armée commandée par l'avatar du Colonel Miles Quaritch (toujours interprété par Stephen Lang). Si bien que l'amateur de cinéma d'action et le doux rêveur pourront se retrouver côte à côte pour cette grande messe de plus de trois heures qui en paraissent moitié moins...

Avatar 2 : la voie de l'eau se présente moins comme une séquelle attendue que comme un nouveau cycle. Un nouveau point de départ. Mieux : une remise à zéro de l'univers de Pandora et des Na'vis. Un nouveau volet pour de nouveaux environnements qui s'avéreront au final beaucoup plus riches que dans le premier volet. Sorti des prouesses technologiques dont est gavé le film et qui pour une fois dans l'univers des blockbusters ne sert pas qu'à remplir des vides scénaristiques, l'aventure se veut également humaine. Moins portée sur l'amour entre deux ''créatures'' de nature différente que sur le lien familial, le film touche par la proximité qui relie les valeurs morales des Na'vis à celles que l'on rêverait de voir se généraliser sur notre propre planète. Pandora, c'est le paradis tel que la Terre devrait l'être. Sans l'homme pour la détruire. Un message profondément naïf, certes... Le nouveau long-métrage de James Cameron brasse une quantité de sujets, ce qui permet au film de toucher tout le monde à divers degrés. Fraternité, symbiose, dualité, environnement, etc... Rien que de très classique comme l'argueront sans doute certains. Mais pour une fois, oserais-je dire, quelle importance puisque le spectacle est ici total et que le fond rejoint la forme telle que les a voulu James Cameron. Et dire qu'il va falloir attendre 2024 pour découvrir la suite...

 

Avatar de James Cameron (2009) - ★★★★★★★☆☆☆

 

 

Avant de plonger la tête sous l'eau et d'espérer trouver deux places côte à côte pour ma compagne et moi en fin d'année pour la projection du ''tant attendu'' Avatar 2 : la voie de l'eau, retour sur le premier volet dont la seconde bouture aura mis treize années à voir le jour. À l'époque, le spectacle enchanteur avait, je l'avoue, pris le dessus sur la profondeur du scénario. Si la forme avait pris tant d'emprise sur l'écriture, c'était sans doute parce que Avatar me semblait avoir d'abord été conçu pour offrir un spectacle visuel inédit. Ce qu'il fut d'ailleurs, en terme de technologie numérique. C'est donc ainsi que je décidais consciemment d'aborder Pandora et ses Na'vis comme une sorte de Apocalypto en mode 2.1 sans qu'il soit pour autant forcément plus spectaculaire que le chef-d’œuvre réalisé par Mel Gibson quelques années en arrière. Sorti de la salle j'étais comme beaucoup, essoré, éreinté, mais néanmoins subjugué par la quantité de données que James Cameron avait pu concéder à son public. Une claque monumentale qui me fit immédiatement oublier la vacuité du scénario. Un spectacle total qui ne parvint cependant pas à faire oublier ces durs instants de souffrance céphalique provoquée par une 3D et une image parfois si sombre que j'osais durant la projection, retirer à diverses reprises les lunettes que je portais sur le nez. L'étrange flou qui irradiait alors l'écran devenait incontestablement plus supportable que l'impression de ''gris'' qui ruinait un visuel que j'osais supposer nettement plus confortable en 2D ! Que le nombre des années porte chance ou non, voilà que treize ans plus tard je décide de me replonger dans l'aventure Avatar premier du nom. Je l'avoue, ça n'est pas la première fois puisque quelques années en arrière, j'ai tenté de retrouver ce même frisson mêlé de nausée en espérant être enfin débarrassé de ce très incommodant vertige lié à sa 3D. C'est ainsi que la réalité m'a enfin sauté au visage et que j'ai pu constater combien le scénario pouvait être convenu. À me demander même si le mal de tête d'origine n'avait pas eu davantage de conséquences sur cette indifférence liée au récit que les effets-spéciaux eux-mêmes. Aujourd'hui est enfin l'occasion de redécouvrir le film dans sa version ''ultime''. J'entends par là, dans son montage rallongé de seize minutes. Soit presque trois heures de spectacle, considérant cette fois-ci que la 2D est peut-être définitivement pour moi, la meilleure alternative pour m'immerger dans le merveilleux univers de Pandora...

Ce qui semble-t-il avait beaucoup fait réfléchir les sceptiques à l'époque contenait dans la simple idée qu'une civilisation moins évoluée que l'espèce humaine ait pu avoir l'avantage sur cette dernière lors de certains affrontements. Car ne l'oublions pas. Si l'homme est parvenu à atteindre Pandora, c'est d'abord et avant tout parce que des technologies avancées le lui ont permis. Les spectateurs ont donc pu constater qu'en matière d'armement, là encore le peuple des Na'vis avait encore de très grands progrès à faire. Avatar souffrait d'un défaut majeur dont certains tentèrent de noyer l'évocation sous un déluge d'informations revendiquant la majesté visuelle et technique du long-métrage. De ce point de vue là, il était logique d'accorder que le film de James Cameron n'avait de leçons à recevoir de personne. Après, que l'on soit simple spectateur ou fan avéré de cinéma dans tous les compartiments qui le composent, on peut avoir des doutes quant à une quelconque innovation en terme d'écriture puisque Avatar n'est ni plus ni moins qu'une œuvre où le Bien combat le Mal. Où l'armée est caractérisée comme à son habitude, avec ses soldats et ses officiers surentraînés, bodybuildés, mais aussi souvent bas du front. C'est donc à ce propos que l'on est en droit de s'interroger sur certaines des valeurs artistiques du projet qui paraît alors n'être qu'une vitrine technologique repoussant les limites de tout ce qui a été étalé sur grand écran jusque là ! Et c'est vrai que Avatar est beau, qu'il en met plein la vue, avec ses formidables environnements, ses décors et ses personnages générés par ordinateurs. Cette nouvelle norme qui à l'époque met tout le monde d'accord. Mais après ça, que reste-t-il du long-métrage de James Cameron ? Une réécriture de l'Histoire terrienne en mode extraterrestre ?

Comme dans tout bon ou mauvais film traitant de l'asservissement, du remplacement ou de l'extermination de tout un peuple, Avatar faisait bien les choses en mettant en scène une guerre entre deux civilisations. L'une, colonisatrice et la seconde, constituée d'autochtones. L'homme face au peuple originaire de Pandora. Avec, toujours en toile de fond, le duel éternel entre soldats et scientifiques. Il est si simple de prendre fait et cause pour les seconds et pour le peuple qu'ils vont tenter d'approcher. Surtout lorsque l'armée est figurée par un individu aussi primaire que le colonel Miles Quaritch. OUI ! Un colonel ! Car on ne peut pas dire que l'acteur Stephen Lang fasse dans la finesse. Pas plus que son doubleur français Jean-Bernard Guillard et son timbre de voix rauque. On ne s'étonnera qu'un très court instant de cette imagerie un brin stéréotypée qui ne s'éloigne au fond pas vraiment de celle que véhiculaient Aliens, le retour en 1986 ou Abyss trois ans plus tard que réalisait déjà le Sieur Cameron... On l'aura donc compris, son Avatar, celui qui fait référence aux personnages représentant tel ou tel internaute, est bien davantage que la simple icône numérique qu'il est censé représenter et se veut tout d'abord un message de paix pour tout homme et toute femme vivant sur notre planète. Accepter la différence, respecter les peuples, leurs terres, leurs coutumes et leurs croyances. Mais pour faire la différence, James Cameron possède l'arme ultime : la féerie de l'imaginaire et surtout, les armes pour s'en emparer et la transposer à l'écran. Le concept est simple. Se fondre parmi les Na'vis sous une forme hybride. Comprendre qu'une fois reposant dans d'étranges caissons, les héros humains ne seront plus reconnaissables qu'à travers leur voix ainsi qu'à travers leur visage. Le réel se confond si bien avec l'illusion que l'on est parfois incapable de dissocier le vrai du faux. Et ce même s'il arrive que certaines images de synthèse parviennent avec beaucoup de mal à se substituer aux véritables interprètes comme cela peut être notamment le cas lorsque le colonel Miles Quaritch s'installe à bord d'un mecha !

Le sujet de Avatar est universel. Il est même évident que les sources d'inspiration du scénario reposent sur des exemples propres à l'humanité. Il est inconcevable d'imaginer que James Cameron ait pu créer un tel univers sans avoir à l'esprit les us et coutumes de certaines tribus d'Afrique, d'Amazonie ou des indiens d'Amérique. Tout ou presque renvoie à ces peuplades dont l'homme dit civilisé n'a jamais cessé de vouloir entreprendre la destruction au profit des ressources naturelles. Ce qui est tout ou partie de l'intrigue de Avatar puisque l'on comprend rapidement que l'homme tient à s'approprier les richesses naturelles propres à Pandora. Mais le long-métrage de James Cameron n'est pas qu'une vision manichéenne opposant nos semblables à ce qui est comparable à des cultures technologiquement ''sous-développées''. Il met également au cœur de l'intrigue l'initiation de son héros incarné par l'acteur Sam Worthington qui dans la peau du soldat Jake Sully intègre le clan Omaticaya dont la princesse Neytiri (l'actrice Zoe Saldana) va devoir faire l'éducation. S'imposent à l'image des valeurs qui semblent chez nous s'être peu à peu délitées et qui renvoient encore une fois aux coutumes terriennes qui ne subsistent aujourd'hui qu'au plus profond des forêts tropicales terrestres. La bande musicale du compositeur James Horner renvoie d'ailleurs régulièrement les personnages à ces tribus ancestrales. James Cameron habitue tout d'abord le public à ce peuple connecté à la nature environnante (Sigourney Weaver, dans le rôle du Docteur Grace Augustine donnera d'ailleurs une définition claire et précise du cadre dans lequel vivent les Na'vis). Jake est initié à la chasse, à la découverte de la nature, aux coutumes du clan Omaticaya, tout cela au cœur d'un spectacle sonore et visuel foisonnant. Faune et flore brillent de mille feux et de mille couleurs. Mais si l'imagination foisonne, on retrouve encore certaines inspirations. La flore renvoie aux espèces tropicales terrestres tandis que la flore rappelle certaines créatures du temps de la Préhistoire... Au spectateur ensuite de choisir son camp. Entre culture new age et gros bras armés, pacifisme et affrontements, amour et génocide, Avatar en met plein la vue et plein les oreilles mais reste scénaristiquement convenu...

 

Don't Breathe 2 de Rodo Sayagues (2021) - ★★★★★★☆☆☆☆

 

Il y a cinq ans sortait sur les écrans Don't Breathe: La Maison des ténèbres du réalisateur uruguayen Fede Alvarez. Pas vraiment un manchot le bonhomme car quoi qu'on en dise, quoi qu'on en pense, son remake du Evil Dead de Sam Raimi réalisé trois ans auparavant demeurait très objectivement réussi. Sus aux fans de l'original (et dont je fais partie) qui seraient restés coincés en 1981. Le film reposait sur un scénario écrit par le réalisateur lui-même ainsi que par Rodo Sayagues, homologue lui aussi originaire de l'Uruguay qui prend désormais les commandes de cette séquelle sobrement intitulée Don't Breathe 2 et dans laquelle nous retrouvons avec plaisir le personnage d'aveugl.... pardon, de non-voyant, qu'incarnait déjà l'acteur Stephen Lang (Avatar et ses suites prochaines toutes réalisées par James Cameron, VFW de Joe Begos, The Seventh Day de Justin P. Lange). Que peut donc nous offrir de novateur cette séquelle qui après nous avoir coupé le souffle avec ce vieil homme atteint de cécité s'en prenant à une poignée de cambrioleurs avant que nous soit révélée la tétanisante séquence située dans la cave ? On pouvait supposer qu'une suite allait voir le jour avec sa conclusion ouverte tout en ayant eu le temps d'oublier cette dernière pour passer à autre chose. Scénariste sur le premier volet, donc, Rodo Sayagues n'a cependant pas l'expérience de metteur en scène de Fede Alvarez. Mais alors que l'on attend avec fébrilité le reboot de Massacre à la Tronçonneuse prévu finalement sur Netflix et dont le scénario est l’œuvre de Rodo Sayagues, retour sur Don't Breathe 2, que l'on ait patiemment attendu sa venue ou qu'on l'ait scrupuleusement ignorée...

Dans cette séquelle, les motivations des nouveaux intervenants sont tout d'abord bien moins claires que celles des jeunes de l'original dont le projet était de dévaliser Norman Nordstrom, cet ancien marines rompu au combat atteint de cécité. Des individus bien plus dangereux que les petits voyous qu'incarnaient les personnages de Rocky, Alex et Money. Des cambrioleurs qui devenaient des proies tandis que dans le long-métrage de Rodo Sayagues, la proie, ou plutôt, les proies sont bien dans le camp de Norman et de cette gamine qu'il a pris sous son aile après un dramatique incendie lors duquel ses parents ont perdu la vie. Se dessine alors une étrange relation qui rappelle la séquestration dont fut la victime l'adolescente de l'original. Un événement inattendu qui à l'époque devait sans doute préparer le terrain à ce qu'allait nous infliger cinq ans plus tard le nouveau scénario de Fede Alvarez et Rodo Sayagues. D'une certaine manière, aborder cette séquelle à la suite de Don't Breathe: La Maison des ténèbres serait faire du tort à un scénario sinon original, du moins proposant une atmosphère et une angoisse à la hauteur de ce que nous avait proposé le réalisateur uruguayen en 2016. Si les agresseurs changent, le contexte reste le même. Une demeure plongée dans l'obscurité, terrain propice pour l'aveugle dont les autres sens sont alors mis à contribution, ce qui doit logiquement lui offrir une longueur d'avance. Plus que sa survie, c'est bien celle de la toute jeune Phoenix (l'actrice Madelyn Grace) qui importe à ce vieil homme qui malgré son âge n'a pas perdu toutes ses ressources physiques...

Au beau milieu de ses cent-huit minutes et des poussières, le réalisateur choisit de lâcher une information capitale qui, si elle entre dans cette même logique que la tragique découverte de l'adolescente enfermée dans la cave de l'aveugle du volet original, aurait sans doute mérité de rester secrète un peu plus longtemps. Don't Breathe 2 est traversé de séquences véritablement anxiogènes même si l'on pourra éprouver cette désagréable sensation de redondance. Une resucée de l'original ne changeant que ses protagonistes au profit d'une galerie de méchants patibulaires dont le plus saisissant d'entre eux demeure sans doute le personnage de Jim Bob et son visage de psychopathe incarné par l'acteur Adam Young. L'incarnation absolue du Mal pour qui le meurtre est un sacerdoce. Au point que disparaisse assez rapidement un personnage que l'on croyait pourtant tenir sur la longueur (Stephanie Arcila dans le rôle de la fliquette Hernandez). Don't Breathe 2 pourra éventuellement être envisagé comme une franche réussite dans le domaine du thriller et de l'épouvante mais pourra tout aussi bien rebuter ceux qui connaissent l'original. La révélation à mi-parcours aura bien moins d'impact que celle diaboliquement conçue par les deux réalisateurs/scénaristes cinq ans auparavant. Moins innovante et donc bien moins surprenante, cette suite souffre malheureusement de son hérédité même si au bout d'une heure Rodo Sayagues tente tout autre chose en déplaçant avec bonheur l'intrigue en un autre lieu tout en faisant fi de toute crédibilité. Demeurent alors quelques moments de tension particulièrement efficaces et quelques saillies gore qui ne font pourtant pas de Don't Breathe 2 la suite rêvée...

 

The Seventh Day de Justin P. Lange (2021) - ★★☆☆☆☆☆☆☆☆

 

 

Mouarf ! Me suis fais avoir comme un bleu-bite, un bitau comme nous surnommaient les anciens de l'armée de l'air, il y a presque trente ans. Ouais, par ce site que je ne connaissais ni d'Eve ni d'Adam et que je ne risque pas de revisiter les dix ou quinze prochaines années à venir. J'étais parti sur un autre objectif mais tenté par la promesse d'un ''film d'horreur avec des exorcistes faisant un carton en France'', j'm'étais dis, pourquoi pas ? Bon, apparemment il aurait peut-être fallut parcourir davantage que l'énoncé de l'article pour constater que son auteur fut sans doute plongé dans un coma profond et durable l'année de sortie de L'exorciste de William Friedkin en France. Parce qu'évoquer The Seventh Day et son ''petit côté original'' provenant du fait que le démon du film va devoir affronter des hommes d'église, c'est faire abstraction des pères Lankester Merrin et Damien Karras (respectivement interprétés par Max Von Sydow et Jason Miller) qui bien avant eux s'attaquèrent au démon Pazuzu. Ensuite, l'affiche. Ouais, bon, je sais que les qualités d'un film ne s'évaluent pas forcément par rapport à ce grand bout de papier glacé trônant sur l'entablement des salles de cinéma, mais là, on a tout de même le droit de faire la tête. Une vraie gueule de téléfilm cette affiche là et un slogan ultra balisé : ''God Help Us''. Pas de quoi réveiller un mort..... plutôt de quoi faire rire le Diable et ses hordes de suppôts. En tête d'affiche de ce long-métrage signé par Justin P. Lange, le second après The Dark en 2018, les acteurs Guy Pearce (Memento de Christopher Nolan, La Route de John Hillcoat, Brimstone de par Martin Koolhoven) et Stephen Lang (Avatar de James Cameron, Don't Breathe de Fede Alvarez et la série Terra Nova), ainsi que le mexicain Vadhir Derbez, sans doute plus connu dans son pays qu'aux États-Unis ou chez nous...

Rares auront été les films à faire autant l'unanimité. The Seventh Day fait partie de ceux-là. Mais de quoi s'agit-il ? C'est triste à dire mais l’œuvre de Justin P. Lange est de ces engeances tellement imbuvables qu'en extraire la moindre trace d'intérêt révèle de l'exploit. Le réalisateur signe tout simplement l'un des pires longs-métrages sur le sujet. Concernant l'originalité présumée tout d'abord. Le personnage du père Daniel n'est qu'une resucée sans saveur du père Damien Karras du film de William Friedkin. Un débutant en matière d'exorcisme que va devoir accepter de former bien malgré lui un père Peter au charisme d’huître. Quant à afficher l'acteur Stephen Lang au milieu de l'affiche, entre les deux autres interprètes, même si légèrement en retrait, cela ne peut être dû qu'à un désir de promotion tant sa présence s'avère anecdotique. Ennuyeux et ne renouvelant jamais le concept, il arrive que l'on ferme les yeux de sommeil façon ''clipping'' (je m'endors, je me réveille, je m'endors, je me réveille, je m'endors, je me réveille, etc...) avec cette forte impression que d'autres longs-métrages ont pris le relais entre chaque coupure. Mais non... Pourtant, à chaque évolution du récit l'on a le sentiment d'un tout autre récit. Comme lorsque cette vieille dame qui offre ses services pour une œuvre de charité à l'attention des sans-abris se retrouve possédée et éructe à la manière d'une infectée...

Puis le récit se focalise ensuite sur le cas du jeune Charlie (interprété par l'acteur Brady Jenness), jeune victime d'un démon que le père Peter connaît bien pour l'avoir ''rencontré'' vingt-cinq ans plus tôt lors d'un exorcisme qui s'est terminé dans de tragiques circonstances. Sauf que, ben, vu que c'est le premier jour de formation du débutant Daniel, ben va falloir que ce dernier se démerde tout seul pendant que son ''éducateur'' le regardera agir comme un professeur écoute l'étudiant qu'il vient de faire venir au tableau ! Tellement peu crédible qu'il est quasiment impossible de se retenir de sourire. Tout comme lors de cette séquence durant laquelle on assiste à un flash-back lors duquel le père Peter reste prostré alors qu'une jeune victime est en train de cramer sur son lit. Autant dire qu'en cas de possession, on ira consulter un autre exorciste que lui. Le scénario de Justin P. Lange est laborieux et le déroulement léthargique. La faute à trop de dialogues et pas assez de séquences visuellement saisissantes. Et dire que L'exorciste a été réalisé voilà presque cinquante ans et que The Seventh Day n'arrive même pas à le faire oublier à aucun moment. Justin P. Lange sème une petite graine qui pousse malheureusement tellement vite que la surprise qu'il tente grossièrement d'amener au terme d'une histoire ultra-convenue se voit à des kilomètres de distance. À fuir...

 

VFW de Joe Begos (2019) - ★★★★★★☆☆☆☆

 

 

L'année suivant la sortie de Bliss, l'avant dernier long-métrage de Joe Begos à avoir vu le jour jusqu'à maintenant, VFW met en scène quelques vieux routiers du cinéma bis parmi lesquels on retrouve notamment l'ancien joueur professionnel de football américain Fred Williamson qui fut surtout l'un des principaux représentants de la vague de Blaxploitation durant les années 1970. À ses côtés, impossible de ne pas reconnaître l'acteur William Sadler qui joua notamment dans Les Evadés et La ligne Verte de Frank Darabont, deux brillantes adaptations du romancier Stephen King ou David Patrick Kelly, interprète de Luther dans 48 heures de Walter Hill, Sully dans Commando de Mark L. Lester ou DropShadow dans Sailor et Lula de David Lynch. Ils incarnent avec d'autres un tout petit groupe d'anciens combattants qui ont leurs habitudes dans un bar, propriété de Fred Parras, ex combattant du Vietnam qu'interprète l'acteur Stephen Lang, surtout connu chez nous pour avoir joué le rôle du Colonel Miles Quaritch dans Avatar de James Cameron et plus récemment celui de l'aveugle dans l'anxiogène et donc très réussi Don't Breathe de Fede Alvarez. Face à ce petit groupe de résistants qui vont sans doute vivre la plus intense nuit de leur existence, l'actrice Dora Madison, déjà dérangeante dans Bliss et qui dans le cas présent interprète le rôle relativement anecdotique de Gutter, proche du trafiquant de drogue Boz qu'incarne l'acteur Travis Hammer...

Dans une ambiance qui se veut lourde, glauque et mortifère, Joe Begos impose une nouvelle fois après Bliss une esthétique souvent proche de celle de l'hexagonal Gaspar Noé mais avec infiniment moins de talent artistique. À trop vouloir plonger ses protagonistes et leurs agresseurs dans un climat opaque noyé sous des rouges et de bleus primaire saturés, le film en devient illisible. Ce qui s'avère dommage, d'autant plus qu'en digérant nombre d'influences, le réalisateur propose ce qui aurait pu devenir rien moins qu'une œuvre culte autant inspirée par les gangs de New York 1997 de John Carpenter que par le Self Defense de Paul Donovan & Maura O'Connell (pour ne pas citer à nouveau John Carpenter avec son Assault on Precinct 13), mais aussi et surtout par Une nuit en enfer de Robert Rodriguez. Remplacez les vampires auxquels furent opposés George Clooney, Quentin Tarantino, Harvey Keitel et Juliette Lewis à une horde de toxicomanes sous les ordres d'un immonde trafiquant de drogue et vous obtenez à peu de chose près le même contenu... sans tout le génie de Robert Rodriguez, faut-il le préciser...

Certains pourraient reprocher à VFW son manque d'énergie. Ces plages horaires lors desquelles il ne se passe pas grand chose (c'est qu'il faut les ménager nos vétérans du septième art!). Mais le problème n'est pas là. Ni d'ailleurs dans les scène d'horreur parfois bien gore qui transpirent les effets-spéciaux à l'ancienne, la majeur partie des personnages prenant visiblement un plaisir immense à utiliser fusils à pompe, haches, scie circulaire, batte de base-ball nantie de clous (arme très à la mode depuis Negan de The Walking Dead et sa batte prénommée ''Lucille'') et tout ce qui leur tombe sous la main. Joe Begos dépeint d'anciens combattants vieillissants mais auxquels il reste cependant suffisant de force pour combattre une horde de toxicomanes décrits ici comme des zombies. Mieux, des infectés dont les motivations ne sont plus de dévorer leurs semblables mais de récupérer la dope de leur fournisseurs. Si tout concourait à faire de VFW un petit bijou ''What the Fuck'', le visuel devient très rapidement usant. Car non content d'abuser de couleurs saturées, le film est si souvent plongé dans l'obscurité qu'il devient très rapidement éprouvant d'essayer de décoder ce qui se passe à l'écran. Beaucoup trop sombres, les séquences horrifiques en deviennent alors brouillonnes et ça n'est certes pas en plissant les yeux ou en visionnant le long-métrage tous volets fermés que les choses s'arrangeront. Prévoyez donc d'accentuer la luminosité, même avec les conséquences que cela pourrait avoir sur l'esthétique générale, sinon, autant ''écouter'' le film les yeux fermés, le résultat sera pratiquement le même...

 

Last Exit to Brooklyn de Uli Edel (1989)

Last Exit to Brooklyn, c'est avant tout une œuvre culte écrite en 1964 par l'écrivain américain Hubert Selby Jr. auquel on doit également Requiem for a Dream qui sera adapté au cinéma en 2000 par le cinéaste Darren Aronofsky. C'est le cinéaste allemand Uli Edel auquel échoit l'immense responsabilité d'adapter Last Exit to Brooklyn. Une œuvre littéraire majeure mise en musique par Mark Knopfler qui n'est autre que le leader du célèbre groupe de rock Dire Straits. Last Exit to Brooklyn étant un recueil de six nouvelles, Uli Edel a dû faire en sorte que les destins croisés de ses personnages apparaissent avec une certaine homogénéité. Son œuvre ne ressemble donc pas à une succession de sketches mais bien à un récit se déroulant dans les années soixante, sur fond de crise, au beau milieu d'un quartier où tentent de survivre des centaines de travailleurs en grève depuis six mois. Au beau milieu d'une révolte qui ne fait que grandir face à un patronat qui reste sourd à toute revendication, Uli Edel nous promène dans un quartier chaud de Brooklyn. Là où alcool, prostitution et violence font des ravages.

Le premier des personnages que nous présente le cinéaste est Harry Black (l'acteur Stephen Lang que l'on a pu voir récemment dans l'excellent Don't Breathe de Fede Alvarez). Représentant d'un syndicat dirigé par un certain Boyce (Jerry Orbach), il est marié et père d'un enfant. Mais sa relation avec son épouse, nous le découvrirons bien assez vite, n'est qu'une façade. La réalité est tout autre. Harry répugne à l'avouer autour de lui, mais il est homosexuel. Et dans le contexte de l'époque, mieux vaut s'en cacher. D'autant plus que durant une grande partie de Last Exit to Brooklyn, Uli Edel exhibe les penchants homophobes de ses personnages. Homophobes mais également négrophobes. On remarquera d'ailleurs l'absence totale d'hommes de couleur dans son long-métrage. Comme de tout signe d'appartenance religieuse autre que le christianisme (la scène du baptême). Ceux qui s'amusent des ces « pédés » forment un groupe soudé de petites frappes satellisant autour d'un jeune homme charismatique mais au caractère imprévisible ayant la main mise sur Tralala (Jennifer Jason Leigh), jeune prostituée peroxydée, qui attire ses clients dans un terrain vague avant que ceux-ci ne soient assommés et volés par ses complices cachés dans la pénombre.

Autres personnages importants, l'ouvrier Big Joe (le génial Burt Young) père d'une gamine qui s'est faite mettre en « cloque » par un jeune gréviste, l'homosexuel Georgette (l'épatant Alexis Arquette), ou encore Donna, la jeune femme enceinte en question (l'ancienne égérie de John Waters, Ricki Lake)... Last Exit to Brooklyn est une œuvre noire, très noire. Désespérée, dans une ville sans espoir, minée par le chômage et la délinquance. Comme cela sera le cas une décennie plus tard avec Requiem for a Dream, le récit s'enfonce peu à peu dans une horreur sociale tourbillonnante. Si les uns parviendront à obtenir gain de cause, d'autres ne se relèveront jamais. A l'image de Georgette, renversé par une voiture, Harry Black, crucifié après avoir été dénoncé par un enfant auquel il tentait de faire une fellation, et pire encore, le sort accordé à Tralala, victime d'un viol collectif « consenti » qui la laissera sur le carreau tel un pantin désarticulé et blessé dans son âme et dans sa chair.

Le film de Uli Edel demeure sans concession. Comme l’œuvre dont il s'inspire, il décrit un monde sombre et une fin inéluctable pour ses personnages. Derrière l'image heureuse d'une famille célébrant l'union d'un homme et d'une femme se déroulent des événements tragiques, marquant à tout jamais les personnages qui y sont confrontés. La partition musicale de Mark Knopfler participe au sentiment de désespoir qui ne cesse d'enrober une œuvre dont il ne ressort jamais rien de véritablement positif pour ses personnages. Pas un chef-d’œuvre (surtout comparé à l'autre œuvre adapté de Hubert Selby Jr.), mais un film à découvrir tout de même. Une vision plus sombre des États-Unis d'Amérique, loin du rêve américain...

Don't Breathe de Fede Alvarez (2016)

Détroit. Une ville qui se dépeuple et des quartiers laissés à l'abandon. C'est dans ce cadre austère que prend place le récit de Don't Breathe. Un titre qui colle parfaitement à cette « relecture virtuose du Sous-Sol de la Peur» comme l'affirme Alexandre Poncet du magazine Mad Movies. Un cauchemar urbain. Un huis-clos étouffant, morbide et diablement maîtrisé par un Fede Alvares qui déjà nous avait laissé une très bonne impression avec son remake du classique Evil Dead de Sam Raimi.

Don't Breathe, c'est tout d'abord trois amis. Trois jeunes cambrioleurs qui pour quitter Détroit et rejoindre la Californie décident de tenter un dernier coup dans une demeure située aux confins d'une ville fantôme. Rocky rêve de quitter son sordide quotidien et d'en extraire sa petite sœur. Alex, lui, est le fils d'un homme travaillant dans le domaine de la sécurité. Plutôt pratique lorsqu'il s'agit de passer outre les systèmes installés par ce dernier dans les demeures de riches propriétaires. Quant à Money, c'est le compagnon de Rocky. Pas le plus intéressants des protagonistes, mais de toute manière, le cinéaste lui règle son compte assez rapidement. Il se détache des trois personnages, des comportements divers. Entre la prudence de l'un et l'irrespect de l'autre (Money pisse sur la moquette des maisons qu'il « visite »). On distingue très vite qui seront les héros.

Face à nos trois protagonistes, une maison entourée d'habitations désertées, un chien vraiment hargneux, et son propriétaire, un ancien soldat rendu aveugle durant la guerre et ayant perdu sa fille lors d'un grave accident de voiture. Un scénario des plus basique me direz-vous ? Oui... mais non. Si en théorie on se retrouve face à un home-invasion classique, quelques ressorts permettent de le différencier d'une grande majorité des productions du genre.

Tout d'abord, Fede Alvarez met en scène des personnages qui ne sont, chacun à leur manière, jamais véritablement blancs comme neige. Dès le départ, le cinéaste nous renvoie en pleine gueule un fait avéré : celui qu'un soldat ne peut être tout à fait immaculé. Et pourtant, si une certaine idée de la guerre peut nous venir à l'esprit ne serait-ce qu'un instant, on demeure encore bien loin de la vérité. L'aspect social étant évacué après seulement quelques minutes de métrage (et d'ailleurs, qui s'en soucie vraiment ?). Le génie des scénaristes Fede Alvarez et Rodo Sayagues est d'avoir fait du soldat un homme atteint de cécité. Non seulement la maison devient un piège, un univers dans lequel celui qui voit demeure finalement l'individu le moins enclin à se repérer dans des couloirs mal éclairés (pour ne pas dire pas du tout). Tandis que le propriétaire, tel le soldat dans la jungle, est chez lui, et connaît donc par cœur chaque pièce, chaque coursive et sait à quelle place se situe chaque objet. On pourrait le croire affaibli, et d'ailleurs, parfois il l'est réellement. Mais forcé de protéger ses biens et de surtout garder secret le mystère entourant la pièce qui se cache derrière une porte solidement scellée, le voilà de nouveau dans la jungle. Mais ici, pas de végétation, mais des pièces, nombreuses, peut-être moins d'ailleurs qu'il nous semble mais la caméra passant de l'une à l'autre et l'obscurité faussant notre perception des lieux, on a réellement l'impression d'une bâtisse immense. Un labyrinthe dont les diverses issues demeurent inaccessibles.

Don't Breathe est divertissant, doté d'une énergie galvanisante, angoissant, opressant, et aussi rude que l'excellent Green Room de Jeremy Saulnier sorti le 27 avril dernier. Le plus stéréotypé (et par conséquent, le plus agaçant) des personnages étant donc très rapidement « évacué », l'intrigue tourne autour de Rocky, d'Alex et de l'Aveugle. Respectivement Jane Levy (qui interprétait déjà le rôle de Mia dans Evil Dead cuvée 2013, Dylan Minnette (surtout habitué aux séries télévisées) et Stephen Lang (Avatar, la série Terra Nova). Un trio à l'interprétation au plus juste de ce que l'on pouvait attendre de chacun d'eux, la palme revenant à Stephen Lang, tour à tour victime, agresseur, pour enfin révéler son vrai visage, celui que vous découvrirez en visionnant le film. Malgré toutes les éloges que l'on pourrait porter sur ce film, il demeure quelques agaçantes imperfections dont l'une n'est pas des moindres puisqu'elle concerne la crédibilité de certains événements. Je veux bien que la mode soit aux héros indestructibles mais tout de même. Se prendre deux balles de 9mm, puis une grande paire de cisailles dans le ventre avant de tomber de plusieurs mètres de hauteur en traversant une véranda et s'en relever, cela fait peut-être un peu beaucoup pour un seul personnage. Quant aux twists, s'il sont plutôt bien menés, ils demeurent cependant en trop grand nombre. Certains s'en satisferont certainement quand d'autre s'en fatigueront peut-être... Don't Breathe demeure malgré ces menus défauts un film qui en a dans le ventre. Un film à ne surtout pas manquer et à vivre... dans le noir le plus complet...