Avatar 3 : de Feu et de Cendres de James Cameron (2025) - ★★★★★★★★☆☆

 

 

James Cameron l'a annoncé : si les résultats de son Avatar 3 : de Feu et de Cendres n'atteignent pas des résultats satisfaisant au box-office, les quatrième et cinquième volets ne verront probablement pas le jour. Maintenant, reste à savoir ce qu'attend de son nouveau bébé l'auteur des deux premiers Terminator, d'Abyss ou de Titanic. S'il espère atteindre ou voire même dépasser les chiffres d'Avatar 2 : la Voie de l'eau, on en est encore loin. Et même si les deux milliards de recettes sont un objectif qui peut être encore tout à fait envisagé, pour l'instant, les nouvelles aventures de Jack Sully, de Neytiri, de Quaritch et de l'ensemble des personnages évoluant à la surface de Pandora n'ont rapporté à l'échelle mondiale ''que'' sept-cent soixante millions de dollars ! Dans ce troisième chapitre, James Cameron intègre un nouveau clan qui par opposition aux Omaticaya (Peuple de la Forêt) et aux Metkayina (Peuple des Récifs) est beaucoup plus dur et donc beaucoup moins pacifique. Les Mangkwan (ou Peuple des Cendres) possèdent une physionomie égale à celles des autres Na'vi à la différence où leur peau est grise et parfois recouverte de peintures tribales rouge. La première des couleurs rappelant la cendre et la seconde le feu. Les Mangkwan sont un peuple de guerriers, de conquérants menés par la charismatique Varang (interprétée par l'actrice hispano-britannique Oona Chaplin qui n'est autre que la petite-fille de Charlie Chaplin et la fille de Géraldine Chaplin). L'on retrouve ici la totalité des personnages ayant évolué dans le précédent long-métrage, qu'il s'agisse des protagonistes d'ordre humanoïde ou des créatures marines...

James Cameron ajoutant à son univers foisonnant quelques animaux aériens et océaniques. À l'image des Raies des Vents et des Medusoid qui conduisent les engins pilotés par les marchands volants ou ces créatures maritimes qui ressemblent à des calamars particulièrement agressifs connus sous le nom de Syong. Beaucoup moins apaisant que le second opus qui parfois pouvait être vu comme une sorte de documentaire ethnologico-botanico-zoologique parfois lointainement inspiré des modes de vie terrestre et comme une étude géoscientifique propre à la planète Pandora, Avatar 3 : de Feu et de Cendres est clairement un film de guerre. Connaissant le talent de James Cameron pour cette approche beaucoup plus frontale et ''énervée'' (le bonhomme nous avait déjà prouvé son talent en transformant l'univers d'Alien, le huitième passager en véritable film de guerre entre Xénomorphes et Marines dans Aliens, le retour) on pouvait d'ors et déjà nous attendre à des combats spectaculaires et épiques. Et si certains reprochent au cinéaste canadien de s'être insuffisamment éloigné de l’Élément qui constituait l'essentiel des décors d'Avatar 2 : la Voie de l'eau, d'avoir fait peu de cas de la région qui donne son sous-titre à ce troisième volet en ne lui consacrant que quelques dizaines de minutes sur les cent-quatre vingt que dure le long-métrage ou de relancer une fois de plus la grosse machinerie guerrière qui concluait le récit du second opus, il faudrait vraiment faire le difficile pour ne pas se laisser séduire par cette aventure que d'aucun pourrait juger effectivement de mise à jours du second volet en mode 2.0. Ce qu'il faut retenir est que James Cameron a tourné le 2 et le 3 à la suite. Et cela se voit très clairement. Il est donc logique qu'Avatar 3 : de Feu et de Cendres soit dans la continuité du précédent volet...

Mais que celles et ceux qui ne l'ont pas encore découvert en salle se rassurent. Si l'aventure se déroule effectivement en majorité autour de l'atoll de coraux où sont implantés les Metkayina, de nombreuses séquences permettent de ''changer d'air''.Visuellement, Avatar 3 : de Feu et de Cendres est un spectacle sans cesse renouvelé. On en prend plein les yeux du début à la fin et les ventres mous sont rarissimes. Quoique, parler de passages à vide serait très exagéré puisqu'ils impliquent l'un des aspects les plus fondamentaux de ce troisième long-métrage. Conflits intérieurs, remords, autorité, liens familiaux, etc... Avatar 3 : de Feu et de Cendres distille de nombreuses séquences aussi profondes qu'émouvantes qui permettent de plonger encore davantage dans la psychologie des personnages. Bien évidemment, l'on reconnaît le goût de James Cameron pour la critique environnementale dès lors que les protagonistes approchaient dans le second opus les fonds marin, leur faune et leur flore. Dans Avatar 3 : de Feu et de Cendres, le cinéaste continue d'explorer l'idée d'espèces indigènes exoplanétaires se référant aux peuples terriens vivant notamment en Papouasie-Nouvelle-Guinée ou en Amazonie mais se réfère encore davantage qu'auparavant à la notion de colonisation (les territoires du peuple amérindien) à travers le personnage de Spider (Jack Champion), lequel est l'un des éléments centraux de ce nouveau récit. Après avoir vécu une expérience de cinéma toujours aussi intense, après être sortis de la salle conquis par le spectacle auquel nous avons assisté et une fois les doutes effacés, il ne nous reste plus qu'à espérer que James Cameron choisira de poursuivre l'aventure de Jack Sully et des Na'vi même si l'on rêve de le voir un jour réaliser son rêve qui consiste à écrire, réaliser et produire un remake du Voyage fantastique que Richard Fleischer réalisa en 1966..

 

The Exorcism de Joshua John Miller (2024) - ★★★★★★☆☆☆☆

 

 

Un an après avoir incarné le rôle du Père Gabriele Amorth dans le très mauvais The Pope's Exorcist de Julius Avery, le néo-zélandais Russell Crowe est réapparu en 2024 dans celui d'Anthony Miller, acteur alcoolique, veuf depuis que son épouse est morte d'un cancer et qui renoue avec sa fille Lee (Ryan Simpkins). Sevré, lui est alors offerte l'opportunité d'interpréter le rôle principal d'un film d'horreur depuis que l'acteur qui devait le tenir à été retrouvé mort dans d'étranges circonstances sur le plateau de tournage. Bien que le réalisateur ait toute confiance en lui, les mauvais démons d'Anthony vont pourtant ressurgir. C'est du moins ce que semble tout d'abord nous dire le film avant que le comportement de l'acteur ne change. Devenu violent, paranoïaque et incapable de jouer son rôle tel qu'il a été défini par son auteur, l'homme replonge dans ses travers avant de montrer des signes de possession... Bien qu'il ait effectivement connu une sortie en juin 2024 sur le territoire américain, The Exorcism de Joshua John Miller remonte en réalité à quelques années en arrière, en 2019. Alors que le Covid-19 devient l'une des principales causes d'inquiétudes à travers notre planète, la sortie du long-métrage est repoussée aux calendes grecques et ne verra donc le jour que cinq ans plus tard. Donnant ainsi l'impression que le film de Joshua John Miller succède à celui, totalement raté, de Julius Avery. N'étant ni une suite ni réellement proche de la plupart des œuvres portant sur le sujet de la possession, des exorcismes et du Malin, The Exorcism est une mise en abîme du septième art qui s'exprime à différents niveaux. Déjà, comme la plupart des longs-métrages qui reposent sur ce concept, les personnages évoluent au sein d'un récit qui les place au beau milieu du tournage d'un film. Ensuite, l’œuvre ayant été réalisée par le fils de l'acteur Jason Miller qui dans le chef-d’œuvre de William Friedkin L'exorciste en 1973 incarna le rôle du père Damien Karras, le rapport entre les deux œuvres est indéniable. Assistant le père Lankester Merrin (Max Von Sydow) dans sa tentative de délivrer du Mal la pauvre Regan Theresa MacNeil (Linda Blair), on se souvient des conditions dans lesquelles son personnage se sacrifia en se jetant dans le vide depuis la fenêtre de la chambre de l'adolescente ! Bien que rien ne vienne corroborer le fait que Jason Miller ait eu à l'époque un quelconque problème d'alcool ou d'addiction à une ou plusieurs drogues, le long-métrage de son fils ressemble à une catharsis, réglant ainsi des comptes probablement imaginaires avec celui qui fut son père...

C'est en tout cas ce que semble vouloir exprimer le réalisateur. Ajoutant à cela, la rédemption d'un père alcoolique, de la difficulté d'assumer son rôle jusqu'aux retrouvailles et une conclusion bienheureuse entre sa fille et lui. De manière tout à fait allégorique, The Exorcism explore également cette forme d'emprise que peut avoir un personnage sur son interprète. Tout étant ici, qu'il s'agisse de l'implication d'Anthony dans le projet, son alcoolisme ou dans ses rapports familiaux, symbolisé à travers ce (mauvais) démon qui s'est emparé de son esprit. N'étant pas un pur film d'horreur ou d'épouvante même si le réalisateur tente de jouer sur la relance perpétuelle du concept de Jumpscares avec, au moins, une réussite en la matière, et sur la peur du noir et de l'inconnu dont il abuse d'ailleurs parfois, The Exorcism s'inscrit également sur la fibre dramatique des liens familiaux. Le long-métrage débouchant sur une série de séquences relativement lentes que les plus critiques jugeront de ''ventres mous'' ! Et pourtant, dès lors que l'on accepte le concept s'agissant d'un mélange des genres, entre fantastique et dramatisation des rapports humains, The Exorcism s'avère être en fait une assez bonne surprise. Surtout si nous vient l'idée de le comparer à la purge The Pope's Exorcist. Les acteurs sont majoritairement convaincants. Surtout Russell Crowe, son visage bouffi et son regard triste participant à l'incarnation d'un individu jamais vraiment libéré de ses mauvais démons. Le film n'évite pas quelques écueils. Comme cette part d'inclusivité qui continue à parasiter le septième art dans son ensemble. Que la fille du héros soit lesbienne et qu'elle entretienne une relation avec une jeune femme d'origine afro-américaine (Chloe Bailey) n'est en soit pas un problème. Mais que cette dernière face figure d'alternative woke de l'irremplaçable Regan lors de séquences de possession proprement ridicules rend le projet parfois absurde. En effet, dans le rôle de Blake Holloway, la jeune femme incarne une pseudo-Regan possédée plus risible que véritablement effrayante. Bref, le long-métrage de Joshua John Miller n'est peut-être pas LE nouveau classique du genre mais ayant vu pire en la matière, les fans du genre s'en contenteront malgré tout aisément...

 

Avatar 2 : la voie de l'eau de James Cameron (2022) - ★★★★★★★★★☆

 

 

Majoritairement et prioritairement préoccupé par l'intensité d'un scénario, Avatar 2 : la voie de l'eau aura pourtant fondamentalement changé mon opinion sur le fait qu'une œuvre peut et même, SE DOIT de contenir un véritable script. Un critère dans lequel doit forcément intervenir la notion d'originalité. Une jolie forme, je veux bien, mais surtout, du fond, du fond, du fond ! Autant dire qu'en redécouvrant récemment le premier volet de la franchise datant de 2009 me vint l'envie de me cogner la tête contre les murs de mettre laissé ''berner'' par son délicieux enrobage. Avatar 2 : la voie de l'eau continuera sans doute à brasser autant d'émules que de détracteurs. Mais aujourd'hui, j'ai presque envie d'être malhonnête au point de refuser aux derniers toute critique. Quelle soit constructive ou non. Il y eu le James Cameron de Terminator. Ce film constitué de matière brute que ne parviendrait pas à égaler et encore moins à surpasser le second volet de la franchise, n'en déplaise aux fans hardcore de Terminator 2 : Le Jugement dernier. Désormais, le James Cameron nouveau est arrivé et avec lui, un film-somme, représentatif de sa carrière toute entière d'amoureux du cinéma mais aussi et surtout de sa passion pour les fonds marins. On pourrait quasiment remonter aux origines de sa filmographie avec Piranha 2 : Les Tueurs volants mais non, hein, on va tout de même pas réveiller de mauvais souvenirs à ceux qui ont découvert la chose à l'époque de sa sortie où lors de sa diffusion en VHS. Une purge que même son auteur préfère oublier, c'est dire...

On va plutôt remonter en 1989 avec son sublime Abyss dont tout le monde connaît l'histoire par cœur et qui déjà, s'avèrait être une prouesse technologique. Huit ans plus tard, James Cameron revenait avec sa grandiose adaptation d'une catastrophe que tout le monde connaît : celle du paquebot transatlantique (soit disant) insubmersible Titanic qui à la suite d'une collision avec un iceberg s'enfonça dans les eaux de l'océan Atlantique Nord, causant ainsi la mort de 1500 passagers environ... Depuis longtemps déjà James Cameron se passionnait pour le mythe mais sa réalisation sous forme de fiction ne marquera pas la fin de l'aventure ''sous-marine'' pour le réalisateur puisqu'après le succès phénoménal de son septième long-métrage, il réalisera trois documentaires portant peu ou prou sur la même thématique : les fonds marins. Ghosts of the Abyss en 2003, Volcanoes of the Deep Sea en 2004 et enfin Aliens of the Deep en 2005. On a donc bien compris que James Cameron et sa passion pour l'océan ne font plus qu'un... même si la chose ne saute pas aux yeux lorsque sort sur les écrans Avatar premier du nom puisque l'aventure situera essentiellement son action dans une zone vaguement comparable aux forêts tropicales terrestres...

Puis vint Avatar 2 : la voie de l'eau dont le sous-titre à lui seul démontre que James Cameron n'a pas encore tout à fait finit d'explorer mers et océans. Sauf qu'ici, ben, tout est... faux ! Ouais ! Mais ce qui pourrait paraître comme un inconvénient prend des allures de voyage sur l'une de ces planètes que les astronomes professionnels ou en herbe rêveraient un jour de fouler. Bonne nouvelle : on peut avoir détesté l'original pour se passionner pour cette séquelle qui, très honnêtement, n'a rien de vraiment commun avec Avatar. Treize années d'un travail titanesque qui ont permis à James Cameron d'obtenir un résultat très haut dessus des espérances de son public. Coinçant cependant ses détracteurs dans une boucle qui ne cesse de tourner autour du mythe : celui selon lequel le point faible de la franchise se situe au niveau du scénario. Et là, force est de reconnaître que tout comme il y a treize ans en arrière, cet Avatar 2 : la voie de l'eau n'est pas le film le plus original qui soit. On pourrait même dire qu'il brasse des thématiques tellement usées qu'on pourrait vanter les qualités de l’œuvre sur ses seules prouesses technologiques. Mais bon, comme je l'annonçais au début de cet article, le manque de profondeur du scénario est très largement pallié par tout ce qui se situe en dehors de ce seul aspect du long-métrage.

Car tout en entrant dans la salle d'un pas méfiant, à la sortie, le constat est sans appel. Le film tant attendu existe bel et bien et il s'appelle Avatar 2 : la voie de l'eau. Avec cette suite, Avatar premier du nom ressemble à brouillon dont l'ampleur visuelle se doit désormais d'être revue à la baisse. Découvert au cinéma Mega CGR de Narbonne ce lundi aux côtés de ma compagne, la suite des aventures de Jake Sully (toujours interprété par l'acteur Sam Worthington) et de Neytiri (l'actrice Zoe Saldaña) le fut en 3D, forcément, mais également en HFR, ou High Frame Rate. Ce qui, en gros, signifie une nette augmentation du nombre d'images par seconde, permettant ainsi une fluidité de l'image totalement novatrice et visible notamment lors des scènes d'action. Il existe dans l'esprit d'une partie du public un point noir qu'il est nécessaire d'évoquer lors de l'emploi du HFR : si cette technologie permet effectivement de rendre plus lisibles les arrières-plans, il a pour certains, la fâcheuse tendance à lisser l'image. Ce que j'appelle personnellement, ''l'effet Soap-Opera''. Il faut donc d'abord choisir dans quelles conditions l'on va aborder le long-métrage. Soit en 24 images par secondes, soit en 48. Sachant que le film passe, paraît-il, allégrement de l'un à l'autre dans sa version HFR...

Notons que si cela semble avoir gêné une partie du public, ça n'a pas été le cas pour ma compagne et moi. Bien au contraire puisque la lisibilité n'en fut que plus grande que par le passé. Avatar premier du nom, je le répète, m'avait causé des maux de tête (image beaucoup trop sombre). Tandis que Avatar 2 : la voie de l'eau, lui, projette directement le spectateur au cœur de l'action. Plus immersif, voire même intrusif, l'on n'est plus simple spectateur mais ''acteur'' de l'action qui se déroule devant nos yeux. James Cameron invente un nouveau concept. Ou plutôt, réinvente la notion de documenteur en plongeant les spectateurs dans un univers à ce point réaliste que l'on ne se pose même plus la question de ce qui est vrai et de ce qui est faux. Images de synthèse ? Véritables décors ou personnages ? Des questions qui n'ont ici plus la moindre importance ni même le moindre sens. Pandora existe bel et bien et James Cameron nous le prouve ici. La moindre texture de peau, la moindre gouttelette d'eau, du plus petit au plus grand des représentants de la faune et de la flore, tout est pensé, généré et proposé au spectateur avec un sens inouï du réalisme. Avatar 2 : la voie de l'eau est une fiction, certes.

Mais c'est peut-être aussi et surtout un formidable voyage au cœur d'un peuple qui n'est pas si éloigné de certains que l'on rencontre sur notre propre planète. Des références inévitables qui me firent dire au temps du premier Avatar que l'aventure manquait d'originalité. Sans doute parce qu'au fond, je ne croyais pas vraiment à cet univers qui visuellement m'avait pourtant séduit à l'époque. Tandis qu'à travers Avatar 2 : la voie de l'eau, James Cameron s'est employé à nous faire découvrir un monde merveilleux tout en exploitant scénaristiquement les failles qui agitent en temps réel notre planète la Terre. Impossible en effet de ne pas ressentir un certain malaise face à ces baleiniers qui déciment à la surface de nos océans les plus grands mammifère marins lorsque survient l'infâme chasseur de tulkun, Mick Scoreby (l'acteur Brendan Cowell). Quant à l'homme, James Cameron continue à en faire le visage du mal. L'envahisseur, destructeur d'un écosystème dont il ne cesse de vouloir prélever les ressources. Avec un affolant soucis du timing, James Cameron passe de la contemplation d'un univers aquatique et de ses magnifiques autochtones à l'arrivée ''en grandes pompes'' particulièrement tonitruante de l'armée commandée par l'avatar du Colonel Miles Quaritch (toujours interprété par Stephen Lang). Si bien que l'amateur de cinéma d'action et le doux rêveur pourront se retrouver côte à côte pour cette grande messe de plus de trois heures qui en paraissent moitié moins...

Avatar 2 : la voie de l'eau se présente moins comme une séquelle attendue que comme un nouveau cycle. Un nouveau point de départ. Mieux : une remise à zéro de l'univers de Pandora et des Na'vis. Un nouveau volet pour de nouveaux environnements qui s'avéreront au final beaucoup plus riches que dans le premier volet. Sorti des prouesses technologiques dont est gavé le film et qui pour une fois dans l'univers des blockbusters ne sert pas qu'à remplir des vides scénaristiques, l'aventure se veut également humaine. Moins portée sur l'amour entre deux ''créatures'' de nature différente que sur le lien familial, le film touche par la proximité qui relie les valeurs morales des Na'vis à celles que l'on rêverait de voir se généraliser sur notre propre planète. Pandora, c'est le paradis tel que la Terre devrait l'être. Sans l'homme pour la détruire. Un message profondément naïf, certes... Le nouveau long-métrage de James Cameron brasse une quantité de sujets, ce qui permet au film de toucher tout le monde à divers degrés. Fraternité, symbiose, dualité, environnement, etc... Rien que de très classique comme l'argueront sans doute certains. Mais pour une fois, oserais-je dire, quelle importance puisque le spectacle est ici total et que le fond rejoint la forme telle que les a voulu James Cameron. Et dire qu'il va falloir attendre 2024 pour découvrir la suite...

 

Avatar de James Cameron (2009) - ★★★★★★★☆☆☆

 

 

Avant de plonger la tête sous l'eau et d'espérer trouver deux places côte à côte pour ma compagne et moi en fin d'année pour la projection du ''tant attendu'' Avatar 2 : la voie de l'eau, retour sur le premier volet dont la seconde bouture aura mis treize années à voir le jour. À l'époque, le spectacle enchanteur avait, je l'avoue, pris le dessus sur la profondeur du scénario. Si la forme avait pris tant d'emprise sur l'écriture, c'était sans doute parce que Avatar me semblait avoir d'abord été conçu pour offrir un spectacle visuel inédit. Ce qu'il fut d'ailleurs, en terme de technologie numérique. C'est donc ainsi que je décidais consciemment d'aborder Pandora et ses Na'vis comme une sorte de Apocalypto en mode 2.1 sans qu'il soit pour autant forcément plus spectaculaire que le chef-d’œuvre réalisé par Mel Gibson quelques années en arrière. Sorti de la salle j'étais comme beaucoup, essoré, éreinté, mais néanmoins subjugué par la quantité de données que James Cameron avait pu concéder à son public. Une claque monumentale qui me fit immédiatement oublier la vacuité du scénario. Un spectacle total qui ne parvint cependant pas à faire oublier ces durs instants de souffrance céphalique provoquée par une 3D et une image parfois si sombre que j'osais durant la projection, retirer à diverses reprises les lunettes que je portais sur le nez. L'étrange flou qui irradiait alors l'écran devenait incontestablement plus supportable que l'impression de ''gris'' qui ruinait un visuel que j'osais supposer nettement plus confortable en 2D ! Que le nombre des années porte chance ou non, voilà que treize ans plus tard je décide de me replonger dans l'aventure Avatar premier du nom. Je l'avoue, ça n'est pas la première fois puisque quelques années en arrière, j'ai tenté de retrouver ce même frisson mêlé de nausée en espérant être enfin débarrassé de ce très incommodant vertige lié à sa 3D. C'est ainsi que la réalité m'a enfin sauté au visage et que j'ai pu constater combien le scénario pouvait être convenu. À me demander même si le mal de tête d'origine n'avait pas eu davantage de conséquences sur cette indifférence liée au récit que les effets-spéciaux eux-mêmes. Aujourd'hui est enfin l'occasion de redécouvrir le film dans sa version ''ultime''. J'entends par là, dans son montage rallongé de seize minutes. Soit presque trois heures de spectacle, considérant cette fois-ci que la 2D est peut-être définitivement pour moi, la meilleure alternative pour m'immerger dans le merveilleux univers de Pandora...

Ce qui semble-t-il avait beaucoup fait réfléchir les sceptiques à l'époque contenait dans la simple idée qu'une civilisation moins évoluée que l'espèce humaine ait pu avoir l'avantage sur cette dernière lors de certains affrontements. Car ne l'oublions pas. Si l'homme est parvenu à atteindre Pandora, c'est d'abord et avant tout parce que des technologies avancées le lui ont permis. Les spectateurs ont donc pu constater qu'en matière d'armement, là encore le peuple des Na'vis avait encore de très grands progrès à faire. Avatar souffrait d'un défaut majeur dont certains tentèrent de noyer l'évocation sous un déluge d'informations revendiquant la majesté visuelle et technique du long-métrage. De ce point de vue là, il était logique d'accorder que le film de James Cameron n'avait de leçons à recevoir de personne. Après, que l'on soit simple spectateur ou fan avéré de cinéma dans tous les compartiments qui le composent, on peut avoir des doutes quant à une quelconque innovation en terme d'écriture puisque Avatar n'est ni plus ni moins qu'une œuvre où le Bien combat le Mal. Où l'armée est caractérisée comme à son habitude, avec ses soldats et ses officiers surentraînés, bodybuildés, mais aussi souvent bas du front. C'est donc à ce propos que l'on est en droit de s'interroger sur certaines des valeurs artistiques du projet qui paraît alors n'être qu'une vitrine technologique repoussant les limites de tout ce qui a été étalé sur grand écran jusque là ! Et c'est vrai que Avatar est beau, qu'il en met plein la vue, avec ses formidables environnements, ses décors et ses personnages générés par ordinateurs. Cette nouvelle norme qui à l'époque met tout le monde d'accord. Mais après ça, que reste-t-il du long-métrage de James Cameron ? Une réécriture de l'Histoire terrienne en mode extraterrestre ?

Comme dans tout bon ou mauvais film traitant de l'asservissement, du remplacement ou de l'extermination de tout un peuple, Avatar faisait bien les choses en mettant en scène une guerre entre deux civilisations. L'une, colonisatrice et la seconde, constituée d'autochtones. L'homme face au peuple originaire de Pandora. Avec, toujours en toile de fond, le duel éternel entre soldats et scientifiques. Il est si simple de prendre fait et cause pour les seconds et pour le peuple qu'ils vont tenter d'approcher. Surtout lorsque l'armée est figurée par un individu aussi primaire que le colonel Miles Quaritch. OUI ! Un colonel ! Car on ne peut pas dire que l'acteur Stephen Lang fasse dans la finesse. Pas plus que son doubleur français Jean-Bernard Guillard et son timbre de voix rauque. On ne s'étonnera qu'un très court instant de cette imagerie un brin stéréotypée qui ne s'éloigne au fond pas vraiment de celle que véhiculaient Aliens, le retour en 1986 ou Abyss trois ans plus tard que réalisait déjà le Sieur Cameron... On l'aura donc compris, son Avatar, celui qui fait référence aux personnages représentant tel ou tel internaute, est bien davantage que la simple icône numérique qu'il est censé représenter et se veut tout d'abord un message de paix pour tout homme et toute femme vivant sur notre planète. Accepter la différence, respecter les peuples, leurs terres, leurs coutumes et leurs croyances. Mais pour faire la différence, James Cameron possède l'arme ultime : la féerie de l'imaginaire et surtout, les armes pour s'en emparer et la transposer à l'écran. Le concept est simple. Se fondre parmi les Na'vis sous une forme hybride. Comprendre qu'une fois reposant dans d'étranges caissons, les héros humains ne seront plus reconnaissables qu'à travers leur voix ainsi qu'à travers leur visage. Le réel se confond si bien avec l'illusion que l'on est parfois incapable de dissocier le vrai du faux. Et ce même s'il arrive que certaines images de synthèse parviennent avec beaucoup de mal à se substituer aux véritables interprètes comme cela peut être notamment le cas lorsque le colonel Miles Quaritch s'installe à bord d'un mecha !

Le sujet de Avatar est universel. Il est même évident que les sources d'inspiration du scénario reposent sur des exemples propres à l'humanité. Il est inconcevable d'imaginer que James Cameron ait pu créer un tel univers sans avoir à l'esprit les us et coutumes de certaines tribus d'Afrique, d'Amazonie ou des indiens d'Amérique. Tout ou presque renvoie à ces peuplades dont l'homme dit civilisé n'a jamais cessé de vouloir entreprendre la destruction au profit des ressources naturelles. Ce qui est tout ou partie de l'intrigue de Avatar puisque l'on comprend rapidement que l'homme tient à s'approprier les richesses naturelles propres à Pandora. Mais le long-métrage de James Cameron n'est pas qu'une vision manichéenne opposant nos semblables à ce qui est comparable à des cultures technologiquement ''sous-développées''. Il met également au cœur de l'intrigue l'initiation de son héros incarné par l'acteur Sam Worthington qui dans la peau du soldat Jake Sully intègre le clan Omaticaya dont la princesse Neytiri (l'actrice Zoe Saldana) va devoir faire l'éducation. S'imposent à l'image des valeurs qui semblent chez nous s'être peu à peu délitées et qui renvoient encore une fois aux coutumes terriennes qui ne subsistent aujourd'hui qu'au plus profond des forêts tropicales terrestres. La bande musicale du compositeur James Horner renvoie d'ailleurs régulièrement les personnages à ces tribus ancestrales. James Cameron habitue tout d'abord le public à ce peuple connecté à la nature environnante (Sigourney Weaver, dans le rôle du Docteur Grace Augustine donnera d'ailleurs une définition claire et précise du cadre dans lequel vivent les Na'vis). Jake est initié à la chasse, à la découverte de la nature, aux coutumes du clan Omaticaya, tout cela au cœur d'un spectacle sonore et visuel foisonnant. Faune et flore brillent de mille feux et de mille couleurs. Mais si l'imagination foisonne, on retrouve encore certaines inspirations. La flore renvoie aux espèces tropicales terrestres tandis que la flore rappelle certaines créatures du temps de la Préhistoire... Au spectateur ensuite de choisir son camp. Entre culture new age et gros bras armés, pacifisme et affrontements, amour et génocide, Avatar en met plein la vue et plein les oreilles mais reste scénaristiquement convenu...

 

Fractured de Brad Anderson (2019) - ★★★★★★★☆☆☆

L'épidémie semble avoir touché jusqu'aux grands noms du septième art. Netflix a notamment contaminé les frères Coen (The Ballad of Buster Scruggs), le japonais Sion Sono (The Forest of Love) ou bien même Brad Anderson qui avec son dernier long-métrage La Fracture (Fractured en VO) s'intéresse à son tour à la célèbre plate-forme pour y déposer le fruit de son dernier effort cinématographique. L'auteur des éblouissants Session 9, Happy Accidents, Transsibérien, The Call mais encore plus de l’implacable thriller labyrinthique et anxiogène The Machinist dans lequel l'acteur Christian Bale repoussait les limites des contraintes physiques revenait donc en 2019 avec un projet relativement proche de ce dernier. Sur la base d'un scénario écrit par Alan B. McElroy auquel on doit notamment celui du survival cradingue Wrong Turn en 2003, Brad Anderson tente de retrouver la puissance de The Machinist tout en y parvenant avec plus ou moins de bonheur...

Alors que le chef-d’œuvre de Brad Anderson proposa en 2005 l'une des expériences cinématographiques et émotionnelles les plus intenses, quatorze ans plus tard, le cinéaste plonge l'acteur Sam Worthington dans un contexte qui se veut similaire. En effet, durant cent minutes, son personnage, Ray Monroe, va tenter de dénouer les curieux événements qui entourent la disparition de son épouse Joanne (Lily Rose) et de leur fille Peri (Lucy Capri) après que cette dernière ait été emmenée d'urgence à l’hôpital Ray à la suite d'une chute sur un chantier près d'une station-service. Là-bas, après que le père de famille ait enregistré sa fille, celle-ci et sa mère son conduites à l'étage de radiologie. Dans la salle d'attente, Ray patiente... durant de longues heures. Mais lorsqu'ensuite il demande à voir les siens, il se voit répondre que Peri n'a pas été enregistrée et que le seul patient à avoir été ausculté, c'est lui !

Si l'on comprend très rapidement que le nœud de l'intrigue se situe entre l'éventualité d'un enlèvement et le délire d'un ancien alcoolique ayant tout imaginé, Brad Anderson, contrairement à The Machinist (dont le scénario était dû au scénariste Scott Kosar), s'évertue dans le cas présent à laisser des indices trompeurs qui font de Fractured un thriller de bonne facture mais pas aussi formidablement construit que ce qui demeure la référence du réalisateur dans ce domaine. Un procédé relativement malhonnête qui laisse envisager un sévère manque d'intégrité concernant l'écriture puisqu'en usant de subterfuges, réalisateur et scénariste ont ainsi évité d'avoir trop à ''plancher'' sur le scénario et son adaptation sur grand écran. Si certains aspects participant à l'exceptionnel climat qui règne dans l’hôpital où se joue une grande majorité des scènes sont dus au score de Anton Sanko (rappelant une fois de plus celui composé par Scott Kosar pour The Machinist) et à la photographie automnale de Björn Charpentier, le spectateur émettra cependant des doutes quant à la caractérisation douteuse de certains personnages. Tel le docteur Lucadoes (interprété par Chris Sigurdson), l'agent de sécurité Jeff (Chad Bruce) ou encore la réceptionniste (Natalie Malaika) qui traînent tous derrière eux un comportement des plus ambigus qui laisse supposer une vaste organisation tournée vers le trafic d'organes. Brad Anderson en rajoute, entre comportements agressifs de la part du personnel soignant et messes-basses entre médecin et agent de sécurité... Le réalisateur pousse ainsi le spectateur vers une direction qui n'est peut-être pas celle à laquelle celui-ci s'attendait forcément. A lui de juger sur place. Moins fort, moins étourdissant et surtout bien moins développé que The Machinist, Fractured n'en est pas moins pour autant un thriller efficace, paranoïaque et malaisant qui séduira ceux qui n'ont pas encore fait la connaissance quatorze ans plus tôt, de l'insomniaque Trevor Reznik...

Rogue de Greg McLean (2007)

A l'origine prévu dans le cycle "Crocodiles-alligator" du site parallèle L'Idiot Électrique, Rogue devait ouvrir une nouvelle voie à une série d’œuvres portées sur les agressions animalières initiées par le cycle "Requins-mutants". Soit un conglomérat de ce que le septième art est capable de produire de plus indigent. Mais à la vision de cette œuvre signée du cinéaste australien Greg McLean, déjà responsable d'un diptyque efficace basé sur un fait divers réel (Wolf Creek 1&2), il était inenvisageable de le faire disparaître au milieu de titres aussi grotesques que Black Water et Alligator Alley (deux films très prochainement chroniqués sur L'Idiot Électrique). Car oui, Rogue demeure peut-être à ce jour comme l'un des tout meilleurs exemples d'agression animale au cinéma.

A chaque plan, le film transpire l'amour de son réalisateur pour ce magnifique pays qu'est l'Australie. Des terres sauvages extraordinairement mises en scène, de jour comme de nuit. Accentuant l'aspect crépusculaire d'un tel environnement lorsque le soleil se couche, et après une première demi-heure décrivant l'expédition à laquelle est conviée une dizaine de personnes, le film s'enfonce dans l'horreur pure avec cette menace gigantesque qui revêt l’apparence d'un crocodile au dimensions spectaculaires.

L'histoire est au fond, toute bête. Un journaliste venu tout droit de Chicago vient exercer le métier pour lequel il est payé : visiter l'Australie, ses hôtels miteux, ses autochtones crasseux et primaires, pour en faire un compte-rendu. Mais le carnet de voyage du reporter va bientôt être rempli de pages rouge-sang. Parmi les voyageurs ayant embarqué à bord du petit bateau de croisière piloté par la guide touristique Kate, se trouve un couple et leur enfant et dont la mère a survécu à un cancer. Un homme est venu photographier l'extraordinaire site qu'ils vont bientôt tous découvrir. Un autre est venu disperser les cendres de sa défunte épouse. Autour d'eux et des autres voyageurs, un étang deux fois plus grand que le Texas et au fond duquel attendent patiemment d'énormes crocodiles. Évidemment, l'un d'eux va percuter l'embarcation au moment même où celle-ci va oser pénétrer son territoire.

C'est ainsi que l'on passe d'un décor idyllique époustouflant à une vision beaucoup plus angoissante d'un pays qui demeure pour nous totalement inconnu. Et l'on ne parle pas ici uniquement de l'Australie elle-même mais de cet étang immense entouré d'une végétation touffue qui n'autorise aucun écart de conduite. Greg McLean a l'idée judicieuse de développer la personnalité de ses personnages afin de nous les rendre tantôt attachants, tantôt agaçants. Un choix qui passe forcément par une étape rendant le rythme du film pesant. Mais ce manque d'efficacité inhérent à cette seule demi-heure qui ouvre le bal permet par sa lenteur (pour certains spectateurs, visiblement déconcertante), à rendre plus impressionnante encore l'heure qui va suivre.

Le paradis terrestre est alors définitivement éclipsé par une nuit sans Lune simplement éclairée par les torches de l'embarcation et les appareils dont sont munis les voyageurs. Le climat devient à nouveau pesant, mais cette fois-ci d'une manière totalement différente.

L'un des aspects les plus bluffant de Rogue est la présence de l'immense crocodile qui rode autour de nos personnages. Greg McLean a réfléchi durant de longs mois à sa conception. Celle-ci ne se cantonnant pas seulement à son apparence mais à la manière dont la bête surgit hors de l'eau. En fait, ce qui marque les esprits plus que dans toute autre œuvre du genre, c'est le réalisme avec lequel les effets-spéciaux donnent vie au crocodile. C'est bien simple, on a réellement l'impression qu'il s'agit d'un véritable animal alors qu'il demeure en réalité un mélange d'effets visuels numérique et d'animatronic.

On peut alors considérer Rogue comme un petit chef-d’œuvre du genre "agressions animales" et Greg McLean comme une valeur sûre du cinéma australien, lui qui avec Wolf Creek avait déjà réalisé une vraie perle du genre "serial killer". Espérons juste que personne n'aura la mauvaise idée de tourner une suite à Rogue . On sait combien la majeure partie de celles-ci font du tort aux œuvres originales...