Silent Hill : Revelation de M.J. Bassett (2012) - ★★★★★★☆☆☆☆

 

 

En 2006, le réalisateur français Christophe Gans signait l'adaptation du Survival-Horror vidéoludique Silent Hill sorti tout d'abord en 1999 sur la console de salon Playstation de Sony. Une œuvre beaucoup moins flippante que le jeu mais qui avait néanmoins le mérite d'être l'une des rares adaptations à réellement demeurer fidèle à l'esprit d'origine et à ne pas être qu'un insipide portage bénéficiant simplement de l'aura du concept initial. Alors que l'issue laissait planer un certain doute quant à l'avenir de la franchise, Christophe Gans abandonne l'idée de réaliser la suite alors même qu'il semblait excité par le projet. En cause, son implication dans l'adaptation d'un autre jeu vidéo, Onimusha, série vidéoludique développée et publiée par le principal concurrent de Konami, Capcom. Bien mal lui a pris puisque le long-métrage ne vit finalement jamais le jour. En cause, le décès de l'acteur australien Heath Ledger à l'âge de 28 ans d'une surdose médicamenteuse alors qu'il devait participer au projet. Du moins est-ce la version qu'invoqua l'auteur du Pacte des loups... Finalement remplacé par la réalisatrice, scénariste et productrice britannique M.J. Bassett dont la carrière fut notamment marquée par l'excellent Wilderness six ans auparavant, le titre de la séquelle riche de promesse permet à la nouvelle héroïne du récit de prendre la place de sa mère au sein de la fameuse et cauchemardesque ville de Silent Hill. N'ayant aucun rapport avec Silent Hill 2 développé par Konami CE Tokyo en 2001 et sorti sur la Playstation 2, Silent Hill : Revelation met principalement en scène l'actrice australienne Adelaide Clemens que l'on a pu notamment découvrir dans X-Men Origins: Wolverine de Gavin Hood trois ans plus tôt. La jeune interprète incarne le personnage de Sharon qui dans Silent Hill était une toute jeune enfant interprétée par la canadienne Jodelle Ferland alors âgée de seulement douze ans. Dans cette séquelle qui fait à nouveau appel à l'acteur britannique Sean Bean dans le rôle tout aussi insignifiant de Christopher Da Silva, sa fille et lui fuient depuis les précédents événements.

Six années à déménager chaque fois qu'il leur semble que les adeptes de l'Ordre de Valtiel sont sur leurs traces. Avoir changé d'identité ne leur a servi à rien puisqu'une fois de plus, ils sont rattrapés. Mais alors que Christopher vient d'être kidnappé et ramené au sein du Culte installé à Silent Hill, Sharon décide de s'y rendre afin de le retrouver. La jeune femme pourra en outre compter sur l'aide de Vincent Cooper qui tout comme elle est nouvel élève dans l'école de la nouvelle ville où elle et son père se sont installés... Jouissant d'une réputation on ne peut plus catastrophique, Silent Hill : Revelation n'est pourtant pas l'engeance à laquelle l'on pourrait s'attendre. Forcément moins intéressant que son prédécesseur, doté d'un budget revu à la baisse puisque passant de cinquante à trente millions de dollars, le long-métrage de M.J. Bassett contient malgré tout quelques bonnes surprises. L'on retrouve en effet l'ambiance cauchemardesque du premier Silent Hill même si cette fois-ci, et sans doute en raison d'un plus petit budget, la réalisatrice a dû faire des choix artistiques qui ont permis de réduire les frais. Et notamment au niveau des effets-spéciaux. Car même si les protagonistes continuent d'évoluer dans des décors monstrueusement évocateurs de ce que peut être l'Enfer, concernant la transition d'un monde à l'autre (de celui que l'on pourrait citer, à défaut de pouvoir le décrire autrement, comme étant le notre, à celui des ténèbres), le déclenchement de la fameuse sirène n'aura lieu qu'une fois pour un résultat visuel très décevant en comparaison de ce que l'on pouvait voir six ans plus tôt dans la première adaptation du jeu vidéo.

Notons que la présence d'un parc d'attraction et l'apparition d'un détective privé du nom de Douglas Cartland raccorde directement le long-métrage de M.J. Bassett au troisième opus de la saga vidéoludique sobrement intitulé Silent Hill 3. Faisant ainsi l'impasse sur le deuxième, cette seconde incarnation cinématographique fait de nouveau appel à quelques iconiques créatures découvertes précédemment dans les différents jeux et lors de la première adaptation. L'on redécouvre donc l'impressionnant Pyramid Head ainsi que les Nurses. Des infirmières au cœur d'une séquence lors de laquelle le jeune Vincent Cooper est transporté sur une civière par deux adeptes du culte jusqu'à une pièce remplie de ces créatures. Lesquelles réagissent désormais non plus à la lumière mais au bruit ! Une scène totalement incohérente puisqu'en pénétrant dans la salle, les deux adeptes du culte connaissant forcément la nature belliqueuse des Nurses, comment ne pas trouver absurde cette plongée directe dans la gueule du loup qui les condamnera à une mort certaine ? Comme son titre l'indique, Silent Hill : Revelation permet d'en apprendre beaucoup sur les différents personnages qui évoluent durant le récit. Et même, aussi insignifiant que cela puisse paraître, l'on apprend enfin pourquoi les adeptes du Culte portent un masque. Une réponse à l'imparable question que l'on pouvait se poser lors du premier Silent Hill lorsqu'ils sortirent masqués tandis que la responsable du Culte Christabella sortait le visage découvert. Bref, pas aussi mauvais qu'on aimerait nous le faire croire mais moins bon que le précédent, Silent Hill : Revelation n'est pas tout à fait désagréable à regarder...

 

Silent Hill de Christophe Gans (2006) - ★★★★★★☆☆☆☆

 

 

Mais par quel moyen Christophe Gans est-il parvenu à manipuler mon esprit ? Quel subterfuge a-t-il employé pour m'endormir et me faire croire voilà près de vingt ans que son Silent Hill n'était rien moins que LA référence en matière d'adaptation cinématographique d'un jeu vidéo ? Ce n'est qu'aujourd'hui que j'ai obtenu une réponse à ma question : le réalisateur et scénariste français peut d'ors et déjà être rassuré : Toutes les charges que j'avais fait peser sur lui sont tombées. Je sais bien que derrière cette formule se cache un esprit qui pourrait paraître singulièrement narcissique. Car à vrai dire, qui se soucie réellement de ce que peut penser un petit cinéphile inconnu ? Certainement pas Monsieur Gans qui a d'autres chats à fouetter ! La vérité est enfouie beaucoup plus profondément que dans les fondations de cette ville perpétuellement plongée sous une pluie de cendres causée à l'origine par un incendie déclenché en 1962 dans la ville fantôme de Centralia, située dans le comté de Columbia en Pennsylvannie. Un drame bien réel qui sert de base à un récit totalement fictif dont les premiers soubassements purent être découverts par les fans d'univers vidéoludiques à la toute fin du siècle dernier lorsque sortait en 1999, le jeu Silent Hill développé et édité par Konami. L'un des plus grands effrois, tenu entre les mains des possesseurs de la toute première version de la Playstation et créé par l'esprit fertile et ô combien ''tordu'' du concepteur de jeux vidéos japonais, Keiichiro Toyama. Il faut donc remonter à plus d'un quart de siècle, lorsque les amateurs de Survival se faisaient jusque là, la main sur Resident Evil.

Déboulant alors comme le principal rival du jeu édité par la société japonaise de développement et d'édition de jeux vidéos Capcom, Silent Hill aura tout d'abord marqué les esprits par son atmosphère hautement anxiogène. Un manteau de cendres recouvrant la ville du même nom, une population qui semblait avoir subitement disparu et un homme lancé à la recherche de son fils lui-même évaporé dans la nature. Combien d'entre nous se sont laissés happer par cette atmosphère brumeuse, ces créatures cauchemardesques auxquelles pas même Clive Barker et ses cénobites ne parvinrent à se hisser à la cheville ? Pinhead et sa cohorte d'adeptes du sado-masochisme peuvent aller se rhabiller ! Le Pyramid Head, les nurses, les Lying Figures et autres entités provenant du plus profond des entrailles de l'Enfer demeurent encore aujourd'hui l'une des plus remarquables représentations de la Souffrance extraites des abîmes pour surgir à la surface de notre planète. Et puis, survint cette sirène, signe du délabrement. D'une ville déjà peu en accord avec ce que l'on peu concevoir comme étant un havre de paix, voilà que Silent Hill mutait en un terrain de jeu effroyable où seul notre héros évoluait... La manette tenue entre des mains tremblantes chaque fois que se profilait au loin une étrange créature, l'on rêvait une fois l'aventure arrivée à son terme que quelqu'un ose franchir la frontière vidéoludique pour en proposer une relecture cinématographique. Ce que fit donc Christophe Gans sept ans plus tard...

Alors que le Mouvement #MeToo ne commencera à faire parler de lui qu'un an après la sortie du film Silent Hill dans les salles et bien avant que le néo-féminisme ne vienne griller les neurones d'une partie de la population mondiale, Christophe Gans offre le rôle principal à une femme. Actrice, réalisatrice et productrice d'origine australienne, Radha Mitchell incarne donc le rôle de Rose Da Silva. Cette jeune femme fort jolie, épouse de Christopher (Sean Bean) et mère de Sharon, part donc accompagnée de sa fille jusqu'à Silent Hill afin de percer le mystère qui entoure les visions qui accablent la gamine lors de ses crises de somnambulisme. Poursuivie en chemin par une policière à moto (Cybil Bennett), Rose manque de peu de renverser une enfant dès son arrivée à Silent Hill. Après un dérapage fort heureusement contrôlé, son visage frappe le volant et la jeune femme perd connaissance. À son réveil, la portière passager de son véhicule est ouverte et Sharon a disparu. Commence alors une aventure que l'on espère aussi riche que celle pleine de frissons et de sursauts que causa à son époque le jeu vidéo. Tout commence d'ailleurs assez bien. Une ambiance lourde. Un visuel opaque. Et puis, cette fameuse sirène que l'on redoutait tant d'entendre résonner sept ans plus tôt lorsque l'on allumait notre console de salon pour nous plonger une énième fois dans l'univers de Silent Hill. Une Rose imprudente qui s'enfonce alors dans les entrailles de la ville alors que dehors la lumière laisse la place à l'obscurité tandis que dans les profondeurs, les fondations mutent en l'une des visions de l'Enfer les plus crédible qui soit !

Passée cette séquence qui rappelle d'excellents souvenirs, Silent Hill pèche par un choix qui opposera une fin de non recevoir de la part des fans de la première heure. Alors que le jeu abandonnait son personnage au triste sort de devoir vivre son aventure en solo, voici que notre héroïne est accompagnée de la fliquette ! Transformant le matériau de base en une expérience évidemment moins flippante qu'à l'origine. Et puis, comment envisager le film de Christophe Gans comme une expérience aussi tendue et effroyable que celle du jeu vidéo quand le spectateur n'a plus la vie du personnage entre les mains ? Silent Hill se vivra alors avant tout comme une expérience visuelle et sensorielle unique. Un voyage en enfer, où la rencontre avec des créatures sans commune mesure avec ce que l'on a l'habitude de voir sur grand écran est parfois véritablement palpable. Mais aussi, parfois, un brin ridicule. Comme lorsque Rose croise la route des Nurses. Une petite touche de gore (à l'entrée de l'église tenue par une secte, l'une des adeptes se retrouve en effet atrocement écorchée), des décors qui mettent tout le monde d'accord, mais aussi, malheureusement, une cruelle absence de peur. Trop long (le film dépasse les deux heures) et donc victime de quelques ventres mous, Silent Hill n'est finalement pas le grand film et la grande adaptation cinématographique à laquelle on pouvait s'attendre. Le film de Christophe Gans rappelle surtout qu'à l'origine de son projet fut l'un des plus grands Survival. Un classique vidéoludique qui depuis n'a émotionnellement pas pris une ride. Bref, le film déçoit et ce, même s'il demeure l'une des rares adaptations d'un jeu vidéo à être parvenu à tenir la route face à une cohorte d'autres ''relectures'' cinématographiques totalement foireuses...

 

Clones de Jonathan Mostow (2009) - ★★★★☆☆☆☆☆☆

Y aurait-il tromperie sur la marchandise ? Ben oui, un peu quant même, non ? Clones n'est pas tout à fait ce que le titre laissait présager à l'origine. Surtout si l'on considère qu'un clone est la réplique parfaite d'un individu d'un point de vue génétique. S'agissant de la division d'une cellule sans qu'aucune de celles produites n'ait la moindre différence avec l'originale, on peut se demander dans quelles mesures le titre du cinquième long-métrage de Jonathan Mostow (U-571, Terminator 3) ne serait pas une escroquerie en terme de promesses. Ici, n'espérez pas une étude scientifique approfondie équivalente à l'expérience menée sur la célèbre brebis Dolly. Clones n'est donc pas le film de hard science-fiction que l'on aurait pourtant aimé découvrir mais plutôt l'un de ces nombreux films d'actions ''améliorés'' grâce à l'apport croissant d'effets-spéciaux de dernière génération. Froid comme une dystopie (ce que le film du réalisateur, producteur et scénariste américain est au demeurant) et interprété par l'un des grands maître de ''l'inexpressivité'' faciale (oui, oui, je veux parler de Bruce Willis), Clones est un petit blockbusters, bourrin comme il se doit (il faut bien contenter les amateurs de pure action), et pas vraiment fin en terme de réflexion.

On n'en attendait pas davantage de la part d'un Bruce Willis se spécialisant surtout dans le domaine de l'action et du thriller depuis la flamboyante trilogie Die Hard de John McTiernan. Cependant, ne crachons pas dans la soupe. Car qui dit blockbuster dit généralement surabondance d'effets-spéciaux, visuels et pyrotechniques et absence PRESQUE totale de scénario (c'est qu'il ne faudrait surtout pas chez ces mêmes amateurs d'action provoquer une surchauffe du moteur central !!!). Si les effets-spéciaux sont ici bien présents, leur accumulation ne vous forcera pas à faire après la projection, un petit tour chez votre ophtalmologue... Bon, j'avoue, j'exagère un peu. Surtout qu'en matière de gros blockbusters essentiellement constitués de CGI et autres fonds verts, certains font parfois des prodiges (demandez à Peter Jackson ce qu'il en pense)...

Le clonage étant une chose partiellement, mais très largement acquise par la communauté en cette année... (tiens, d'ailleurs, quand se déroule l'intrigue de Clones ?), il en demeure qui refusent d'être remplacés par une copie parfaite, qui vivra à l'air libre à leur place sans pour autant ressentir la moindre émotion, aspect que conserve fort heureusement l'hôte d'origine. Ici, nous sommes en terrain presque conquis puisque à partir d'un scénario écrit à quatre mains par les scénaristes Michael Ferris et John Brancato sur la base du roman écrit, lui, par Robert Venditti et Brett Weldele (The Surrogates, qui n'est autre que le titre original du film), Clones ressemble (!!!) à des légions de films passés, et semblera lui-même en inspirer d'autres (le premier quart-d'heure du remake de Robocop signé en 2014 par le cinéaste américain José Padilha a littéralement ''siphonné'' le réservoir à idées du long-métrage de Jonathan Mostow). Un calque honteux et impardonnable se foutant probablement d'un public sans doute considéré alors comme d'assez fragile intellectuellement pour ne pas faire le rapprochement.

Ce qui se révélera assez déconcertant concernant l’œuvre de Jonathan Mostow est sa volonté d'empiéter sur des territoires qui n'ont plus rien de commun avec le sujet invoqué. Les clones désignés par le titre ne sont en fait que des machines, sans doute constituées d'une part infime de gènes humains bien présents, mais qui ne font finalement office que d'ersatz du flic-robot inventé vingt-deux ans auparavant par Michael Miner et Edward Neumeier pour les biens de Robocop du réalisateur néerlandais Paul Verhoeven. Et non seulement, il s'agit de machines, mais de plus, elles semblent posséder des capacités leur permettant des prouessesphysique  exceptionnelles. De quoi rendre encore plus fou l'amateur de science-fiction intelligente qui ne pourra que constater être devant un pur divertissement, sans âme propre et à destination unique du grand public...

Sélection de 3 films à voir, à revoir... ou à éviter (4).

Bushwick part d'un principe fort intéressant. Du moins le suppose-t-on durant les cinquante premières minutes qui ne nous éclairent pas vraiment sur ce qui se déroule en ville. Les cinéastes américains Jonathan Milott et Cary Murnion semblent préférer mettre en scène un récit tournant autour de ce qui pourrait éventuellement ressembler aux prémices d'un monde post-apocalyptique en devenir. Il est vrai qu'en temps normal, le septième art a tendance à offrir aux spectateurs quelques rares explications concernant l'éradication de toute forme de civilisation et par la même, de toute espèce d'humanité chez les rares survivants. Plongeant ainsi ces héros d'un monde nouveau dévasté par une guerre nucléaire, une invasion extraterrestre ou un virus, directement au cœur de terres dévastées où le seul but n'est plus que de survivre à la barbarie environnante et à la famine. D'un conflit, il s'agit ici, comme nous l'apprendra plus tard le soldat d'une armée qui tue sans distinction d'âge, de sexe ou d'origine quiconque se trouve sur son chemin. Serait-ce l'armée de l'ancienne URSS ? Ou celle d'un état islamiste ? Peut-être encore un contingent de soldats venus d'on ne sait quel pays qui jusqu'ici sommeillait en attendant le meilleur moment pour s'attaquer aux États-Unis ? Non, le combattant vient en réalité de beaucoup moins loin. En effet, le Texas a décidé de faire sécession avec les États-Unis par ordre des Pères Fondateurs de la Nouvelle Coalition Américaine. En bref, ce que veut le peuple du Texas, c'est son indépendance, loin de toute tyrannie gouvernementale. Un message éminemment emprunt de paranoïa. N'empêche, dans les rues, le massacre prend une ampleur catastrophique. Surtout qu'armés jusqu'aux dents, les habitants du coin se défendent contre l'armée des envahisseurs. La guerre civile étant déclarée, certains en profitent même pour perpétrer des vols et des assassinats en toute impunité. C'est au cœur de cette violence qu'interviennent Stupe et Lucy, les deux principaux personnages de Bushwick.

Techniquement, le film est construit autour d'une série de très longs plans-séquences qui parfois, ont malheureusement beaucoup de mal à cacher les raccords. Car en effet, ces dits plans-séquences sont tous truqués et révèlent les limites du procédé. Apparemment très inspiré par l'un des fabuleux plans-séquences de l'excellent film d'anticipation de Alfonso Cuarón, Les Fils de l'Homme, c'est au niveau de l'intrigue que Bushwick montre surtout ses limites. Car à part la traversée d'une ville assiégée par des tirs de mitraillettes nourris et des explosions fréquentes, il n'y a pas grand chose à se mettre sous la dent. Alors bien sûr, le film en jette plein la vue visuellement. La mise en scène et le montage sont aux petits oignons, mais à part la prouesse technique, le film de Jonathan Milott et Cary Murnion manque cruellement d'émotion... ❤❤❤❤💔💔💔💔💔💔

Silent Hill, c'est au départ un jeu vidéo créé par le concepteur  japonais Keiichiro Toyama. L'idée d'une adaptation au cinéma pouvait autant faire frissonner de méfiance les fans du jeu qu'elle pouvait laisser imaginer un univers aussi effroyable que le jeu vidéo lui-même. Méfiance tout d'abord car jusqu'en 2006, les adaptations de jeux vidéos avaient donné naissance à de redoutables navets (Street Fighter et Mortal Kombat pour ne citer que parmi les plus connus). Mais aussi, quelque part, un certain intérêt puisque Silent Hill, le jeu, ce fut des millions d'exemplaires écoulés, plusieurs suites sur différents supports et surtout, des heures et des heures de jeu terrifiantes dans un univers cauchemardesque. Un univers que parviendra pourtant à retranscrire sur grand écran et ce, avec brio, le cinéaste français Christopher Gans. Pas seulement une grande adaptation d'un monde au départ strictement vidéoludique, mais un grand film tout court. Une œuvre de plus de deux heures faisant la nique à la plupart des films d'épouvante toutes générations confondues et cela grâce à une esthétique et une vision de l'Enfer tout à faits inédits. Avec un luxe de détail, Christopher Gans plonge son héroïne incarnée par l'actrice australienne Radha Mitchell dans un dédale tortueux procurant une sensation d'étouffement démultiplié grâce à la sensation que rien ne peut permettre à cette jeune femme lancée à la recherche de sa petite fille, de pouvoir quitter les lieux. Une ville sinistrée, plongée dans un brouillard opaque, recouvert d'une épaisse couche de cendre. Outre des décors qui se désagrègent au son d'une sirène dont le retentissement laisse forcément son empreinte sur la santé mentale du spectateur, l'un des atouts de Silent Hill demeure dans son bestiaire fantastique, parmi lequel on trouve de terrifiantes et hyper-charismatiques créatures des Enfers. Qui parmi ceux qui ont vu le film de Christopher Gans peut aujourd'hui encore oublier les Bubble Head Nurses, le Janitor, ou le pire de tous, le Pyramid Head et son immense hachoir ? Pas ceux qui ont plongé tête baissée dans l'un des meilleurs films sur le sujet. Une œuvre que l'on rangera aux côtés du Hellraiser de Clive Barker pour ses visions torturées et ses âmes damnées. Une œuvre qui de plus, apporte un certain nombre de réponses aux interrogations que l'on pouvait se poser à l'époque de la sortie du jeu. Six ans plus tard une suite tardive arrivera sur les écrans en 2012. Un Silent Hill Révélation 3D de piètre réputation, réalisé par le cinéaste britannique Michael J. Basset (Christopher Gans étant lui-même malheureusement retenu sur un autre projet). Malgré le bide retentissant de cette suite et la majeure partie des critiques l'ayant purement et simplement assassiné, un troisième opus est toujours prévu, avec, à la réalisation Michael J. Basset lui-même... ❤❤❤❤❤❤❤💔💔💔

Pour terminer, je voudrais revenir sur un long-métrage que je n'avais vraiment pas  apprécié à sa juste valeur lors de sa découverte alors que la seconde et très récente vision allait m'être bénéfique. Terminée cette impression d'assister à un spectacle pro-adolescents, de ces œuvres qui érigent des gamins en nouveaux et incohérents sauveurs d'une humanité en perdition. Contrairement à ce que j'avais pu supposer la première fois, Hunger Games est beaucoup mature qu'il n'en a l'air. Basé sur le premier volet de la trilogie éponyme écrite par la romancière américaine Suzanne Collins, ce premier long-métrage installe un univers dystopique qui n'est pas loin de rappeler des œuvres cinématographiques telles que Logan's Run, Running Man ou plus près de chez nous, Le Prix du Danger. Un futur immédiat s'appropriant certains codes du péplum, du survival, tout en traitant sous l'angle de la science-fiction, des faits-divers, eux, bien réels (les émeutes raciales). Ce que cite le film comme districts n'est rien d'autres qu'une somme de quartiers concentrationnaires cultivant le communautarisme régit par une Haute Société ne mélangeant pas les torchons et les serviettes. Sous un prétexte aussi fallacieux que celui qui voudrait que la descendances d'individus ayant accompli des actes répréhensibles paient pour ces derniers, Hunger Games est l'occasion de maintenir une certaine cohésion entre les populations défavorisées en jouant sur leurs peurs. Mais c'est aussi un moyen efficace de divertir dans une certaine allégresse, les nantis, qui sous couvert du spectacle, peuvent sans honte se repaître de la mort d'individus dont la survie n'a aucune espèce d'importance de toute manière.

Ce premier volet de la quadrilogie Hunger Games assure le spectacle dans des environnements aussi divers qu'une cité où l'abondance règne, tandis que dans les Districts, la moindre bouchée de pain se monnaie. Arrive alors la seconde partie, énergisant un scénario déjà fort passionnant, jetant vingt-quatre adolescents âgés de douze à dix-huit ans dans une arène sauvage où tous les coups sont permis. A ce titre, on comparera le film de Gary Ross (qui abandonnera la réalisation du second volet au profit de Francis Lawrence) au Battle Royale du japonais Kinji Fukasaku. Le Japon y étant en proie à une adolescence violente et désobéissante, le gouvernement s'en débarrasse en lui laissant libre cours pour assouvir son désir de mort sur une île sauvage. Hunger Games, sous ses allures de blockbuster (ce qu'il demeure d'ailleurs, au passage), est un grand film d'aventure où la violence n'épargne même pas des gamins âgés d'à peine douze ans. Le rythme est soutenu (surtout dans sa deuxième partie). L'un des points positifs du long-métrage de Gary Ross est d'éviter toute surenchère en matière d'effets-spéciaux, offrant ainsi à son œuvre, une certaine crédibilité. Jennifer Lawrence et Josh Hutcherson y forment un couple épatant, tandis que l'on croise en chemin, la route des excellents Woody Harrelson et Donald Sutherland. Au passage, on notera la présence du chanteur Lenny Kravitz dans le rôle de Cinna. Une opportunité habituellement agaçante qui loin d'être casse-gueule se révèle ici être un atout majeur. Le film, superbement mis en musique par les compositeurs  James Newton Howard et T-Bone Burnett, à sa sortie dans les salles, sera un immense (et mérité) succès. En deux jours seulement, et ce, sur le seul territoire américain, le film remportera soixante-dix millions de dollars de recettes. Soit pratiquement le budget du film se montant, lui, à soixante-dix huit millions de dollars. Après cet immense succès, trois suites verront le jour : Hunger Games : L'Embrasement en 2013, Hunger Games : La Révolte, partie 1 en 2014 et enfin, Hunger Games : La Révolte, partie 2 en 2015... ❤❤❤❤❤❤❤💔💔💔

Le Rituel du 9e Jour de Peter A. Dowling (2016) - ★★★★☆☆☆☆☆☆

Je me rends compte qu'il faut savoir parfois courber l'échine, même devant des œuvres dont on ne garde pas un très bon souvenir. Simplement parce que malgré leurs défauts, elles nous interrogent. Des questions qui devant tant de complexité demeurent sans réponses. Non seulement pour cette raison mais parce qu'il arrive que l'on tombe sur un produit dérivé de beaucoup de longs-métrages qui connurent le succès en leur temps. Des succédanés, des copies, des plagiats sans consistance qui nous font finalement regretter de ne pas être davantage malmenés par des scénarios alambiqués sortis tout droit de l'esprit de scénaristes à l'imaginaire fertile. Le Rituel du 9e Jour, ou Sacrifice fait partie de ces produits formatés, lisses, ne prenant aucun risque scénaristique et où l'ennui s'infiltre très rapidement. Un (télé)film horrifique qui ne troublera pas le sommeil des plus jeunes, à l'attention des ménagères de cinquante et soixante ans biberonnées aux Feux de l'Amour ou à Plus Belle la Vie, aux détenteurs de pacemakers qui ne voudraient pas voir leur stimulateur cardiaque chaque fois que l'héroïne croise une silhouette dans l'un des couloirs de l’hôpital où elle travaille.

Elle, c'est Tora Hamilton. Son métier, gynécologue. Elle et son mari Duncan cherchent à avoir un enfant depuis quelques temps mais une fausse couche remet tout en question et le couple décide de quitter les États-Unis pour l’Écosse, dans les îles Shetland où vit le père de Duncan. Tora trouve un emploi à l’hôpital et s'installe avec Duncan dans leur nouvelle demeure. Lorsqu'un jour elle découvre le cadavre d'un cheval dans leur jardin, elle prend la décision de l'enterrer elle-même en s'aidant d'une pelleteuse. En creusant dans la tourbière, elle met à jour le cadavre d'une jeune femme. Le médecin légiste dépêché sur place découvre plus tard que le corps de la jeune femme est recouvert de symboles runiques et que son cœur a été arraché.

Dès lors, Tora s'intéresse de très près à cette affaire, d'autant plus que les autorités policières semblent ne pas porter la moindre attention à ce curieux cas de meurtre que la gynécologue ne peut s'empêcher de croire être lié à un rite de sacrifice. Aidée par le Sergent Dana Tulloch, seule à croire à l'hypothèse de Tora, cette dernière enquête et découvre que l'affaire est sans doute liée à une légende qui court dans la région depuis de très nombreuses années. En enquêtant autour d'elle, Tora prend malheureusement le risque de se mettre en danger. Elle mais également Dana dont les supérieurs ignorent qu'elle aide la gynécologue...

DTV : Direct to Video. Voici donc le sort qui a été accordé à ce Rituel du 9e Jour. Pas de sortie cinéma donc pour cette œuvre signée par Peter A. Dowling dont il s'agit ici du second long-métrage après Stag Night qu'il réalisa en 2009. autant le dire tout de suite, son second film se révèle navrant. Pas le genre de production qui demeure inoubliable. L'actrice Radha Mitchell a beau être totalement impliquée dans le projet (il faut voir comme elle s'époumone à l'annonce de la mort de Dana alors qu'elle ne la connaît que depuis quelques jours seulement),  Le Rituel du 9e Jour ressemble à tellement de productions du genre mais sans jamais en égaler une seule d'entre elles que le film de Peter A. Dowling diffuse un doux et dérangeant parfum d'ennui. A certains moments, l’œuvre évoque le Rosemary's Baby de Roman Polanski ou The Wicker Man de Robin Hardy sans en avoir la moindre des qualités. C'en est même parfois risible, surtout pour le premier cité. On peut cependant supposer que Le Rituel du 9e Jour contentera une certaine partie du public nourrie au téléfilms de l'été diffusés par la chaîne TF1 (au hasard, Dolmen, Zodiaque, La Prophétie d'Avignon ou encore Mystère)...

The Darkness de Greg McLean (2016) - ★★★★★☆☆☆☆☆

Greg McLean fait partie de ces cinéastes dont j'aime suivre la carrière même si je ne m'attache pas forcément à écrire un article chaque fois que l'une de ses œuvres sort sur les écrans. Depuis le diptyque Wolf Creek 1&2 et Solitaire, j'avais hâte de voir qu'elle évolution allait connaître sa carrière, d'autant plus que l'australien tourne très peu (depuis son premier long-métrage en 2005, Greg McLean n'a en effet réalisé que cinq films). Évidemment, l'Amérique s'est emparée du phénomène et les producteurs Jason Blum, Matthew Kaplan et Bianca Martino se sont empressés de participer au financement de l'un de ses derniers bébés. Alors que The Belko Experiment devrait, espérons-le, sortir prochainement sur nos écrans, The Darkness a investit la VOD fin 2016. Une histoire somme toute assez commune puisque l'intrigue tourne autour d'une famille victime de phénomènes paranormaux. D'autre bien avant Greg McLean se sont lancés dans ce type d'aventures, au hasard Steven Spielberg et Tobe Hooper avec Poltergeist ou plus récemment, Conjuring : les Dossiers Waren de James Wan. Deux exemples parmi tant d'autres.

Le film de Greg McLean offre-t-il pour autant une réelle nouveauté au genre encombré des entités maléfiques. Et bien, pas vraiment. En réalité, The Darkness ne fait que reprendre les mêmes idées, sans même y ajouter la moindre originalité. Le thème de l'autiste ayant un impact fondamental sur les événements n'est pas un cas nouveau. Même l'introduction ne fait que s'inspirer de la superbe ouverture de L'Exorciste de William Friedkin. Quant à l'intervention d'une spécialiste, la scène renvoie aux exemples cités plus haut.

Greg McLean a beau être un talentueux cinéaste qui habituellement transforme en or tout ce qu'il touche, ici, le résultat se révèle navrant. Surtout pour un réalisateur de sa trempe. The Darkness ne dure que quatre-vingt douze minutes et pourtant, on s'y ennuie ferme. A tel point que l'on a l'impression qu'il dure au moins une demi-heure de plus, si ce n'est même une heure complète. Marre également de ces bandes-originales qui ne font que d'aller plagier des compositions déjà existantes. Ayant eu jusqu'à maintenant une confiance aveugle en Greg McLean, j'ai supposé un peu trop rapidement qu'il userait de techniques particulières et personnelles pour nous faire sursauter. Sauf qu'il use, et abuse, des Jump-scares. A tel point que les scènes censées nous faire sursauter finissent par devenir risibles. Le principe fonctionnera sans doute une fois. Peut-être deux. Mais sûrement pas trois.

En terme d'effets-spéciaux, The Darkness est relativement sobre. Quelques jolis effets, d'autres un peu ridicules (le jeune Michael disparaissant aux bras d'une tribu indienne), une musique envahissante qui cherche inefficacement à faire atteindre un haut degré d'effroi chez le spectateur, et une structure narrative un peu brouillonne. Qu'a donc été foutre le cinéaste australien chez les gars de Blumhouse Productions ? L’appât du gain ? Une reconnaissance mondiale ? L'opportunité de travailler aux côtés de la star Kevin Bacon ? Pour terminer, je dirais que le film vaut son pesant d'or lors de la scène finale qui terme de ridicule dépasse sans doute tout ce qui a été fait jusqu'à maintenant. Certainement un grand moment de solitude pour l'auteur des géniaux Wolf Creek 1&2 et Solitaire. Certains penseront sans doute que je suis un peu dur avec la note que j'ai accordée à The Darkness. Mais j'ai bien envie d'affirmer qu'elle demeure, peut-être pour la toute première fois depuis la naissance de Cinémart, d'une totale objectivité.Un conseil Greg, retourne en Australie. C'est là-bas que tu as su donner le meilleur de toi-même...

Evidence de Olatunde Osunsanmi (2013)

Les détectives Reese et Burquez sont dépêchés sur une scène de crime horrible : les corps de plusieurs personnes ont été découverts entièrement calcinés au sein même d'un garage abandonné en plein cœur du Nevada. Les téléphones portables ainsi que les caméras des victimes sont immédiatement rapportés au commissariat où les enregistrements sont scrupuleusement examinés. On y découvre une bande d'adolescents à bord d'un bus conduit par un certain Ben. Le véhicule accueille des individus qui, à part Rachel, Leann et Tyler ne se connaissent. Sur la route, le chauffeur prend un chemin de terre et alors qu'une passagère étrange se plaint d'être filmée par Rachel, le bus est renversé sur le côté, les roues prises dans des fils barbelés.

Une fois que Ben s'est assuré de l'état de ses passagers, ils font route à pieds jusqu'à se retrouver devant un immense garage désaffecté où ne subsistent que quelques poids-lourds. Alors que Ben met tout en œuvre pour y faire fonctionner le réseau électrique, le jeune Steven, fugueur qui a fuit la demeure familiale est retrouvé gravement blessé. Il est la première victime d'un meurtrier qui utilise un chalumeau pour tuer ses proies. De l'autre côté de l'écran, les détectives Reese, Burquez et leur équipe d'enquêteurs cherchent dans les vidéos des indices permettant d'identifier celui qui a perpétré le massacre dans le désert du Nevada...

Le cinéaste Olatunde Osunsanmi n'en est pas à son tout premier coup d'essai en matière de found-fountage puisque quatre années auparavant en 2009, il s'y essaya avec plus ou moins de bonheur à travers son film de science-fiction Phénomène Paranormaux. Avec Evidence, il tente donc à nouveau sa chance en mélangeant cette fois-ci thriller et épouvante. La bonne idée du cinéaste, peut-être la seule parcourant une œuvre qui empiète sur des terre déjà acquises par d'autres cinéastes (Ruggero Deodato pour le plus ancien, Paco Plaza et Jaume Balagueró pour ceux faisant partie des plus artisans du genre), c'est de ne pas avoir uniquement réalisé un film sous l'angle unique du (faux)reportage mais d'y avoir accordé une part plus ou moins importante à l'enquête en cours.

Dès les premiers instants, Olatunde Osunsanmi tente de rendre son œuvre immersive grâce à un effet « bullet-time » plutôt convainquant. Par la suite, on est dans l'habituel film d'horreur caméra portée à l'épaule. Ici, on ne tente pas de convaincre le spectateur qu'il s'agit de vidéos réelles. De toute manière, les ficelles du genre sont tellement énormes qu'on n'y croit plus depuis belle lurette. Il ne tente même pas l'accumulation de « jum-scare » qui au final se révéleraient inefficaces. Le cinéaste compte bien jouer sur le mystère entourant l'identité du tueur en menant le spectateurs sur différentes pistes qui se révéleront évidemment au final, les mauvaises. Alors même que la fin se profile et que l'éventualité de l'identité du tueur se fait plus précise, on est déçu par ce que l'on pouvait supposer être le plus logique et que l'on avait très vite balayé de notre esprit. Sauf qu'en en fait, Olatunde Osunsanmi nous prépare un twist final (presque) inattendu.

Evidence n'est pas un mauvais film en soit. Et dans le genre found-fountage, il ne fait pas non plus partie des plus mauvais. Sauf que pas mal de moments y sont prévisibles, que d'un point de vue scénaristique, on aurait plu s'attendre à mieux, et que le film, outre son aspect documentaire, n'est ni plus, ni moins qu'un petit slasher. A voir quand même...

Rogue de Greg McLean (2007)

A l'origine prévu dans le cycle "Crocodiles-alligator" du site parallèle L'Idiot Électrique, Rogue devait ouvrir une nouvelle voie à une série d’œuvres portées sur les agressions animalières initiées par le cycle "Requins-mutants". Soit un conglomérat de ce que le septième art est capable de produire de plus indigent. Mais à la vision de cette œuvre signée du cinéaste australien Greg McLean, déjà responsable d'un diptyque efficace basé sur un fait divers réel (Wolf Creek 1&2), il était inenvisageable de le faire disparaître au milieu de titres aussi grotesques que Black Water et Alligator Alley (deux films très prochainement chroniqués sur L'Idiot Électrique). Car oui, Rogue demeure peut-être à ce jour comme l'un des tout meilleurs exemples d'agression animale au cinéma.

A chaque plan, le film transpire l'amour de son réalisateur pour ce magnifique pays qu'est l'Australie. Des terres sauvages extraordinairement mises en scène, de jour comme de nuit. Accentuant l'aspect crépusculaire d'un tel environnement lorsque le soleil se couche, et après une première demi-heure décrivant l'expédition à laquelle est conviée une dizaine de personnes, le film s'enfonce dans l'horreur pure avec cette menace gigantesque qui revêt l’apparence d'un crocodile au dimensions spectaculaires.

L'histoire est au fond, toute bête. Un journaliste venu tout droit de Chicago vient exercer le métier pour lequel il est payé : visiter l'Australie, ses hôtels miteux, ses autochtones crasseux et primaires, pour en faire un compte-rendu. Mais le carnet de voyage du reporter va bientôt être rempli de pages rouge-sang. Parmi les voyageurs ayant embarqué à bord du petit bateau de croisière piloté par la guide touristique Kate, se trouve un couple et leur enfant et dont la mère a survécu à un cancer. Un homme est venu photographier l'extraordinaire site qu'ils vont bientôt tous découvrir. Un autre est venu disperser les cendres de sa défunte épouse. Autour d'eux et des autres voyageurs, un étang deux fois plus grand que le Texas et au fond duquel attendent patiemment d'énormes crocodiles. Évidemment, l'un d'eux va percuter l'embarcation au moment même où celle-ci va oser pénétrer son territoire.

C'est ainsi que l'on passe d'un décor idyllique époustouflant à une vision beaucoup plus angoissante d'un pays qui demeure pour nous totalement inconnu. Et l'on ne parle pas ici uniquement de l'Australie elle-même mais de cet étang immense entouré d'une végétation touffue qui n'autorise aucun écart de conduite. Greg McLean a l'idée judicieuse de développer la personnalité de ses personnages afin de nous les rendre tantôt attachants, tantôt agaçants. Un choix qui passe forcément par une étape rendant le rythme du film pesant. Mais ce manque d'efficacité inhérent à cette seule demi-heure qui ouvre le bal permet par sa lenteur (pour certains spectateurs, visiblement déconcertante), à rendre plus impressionnante encore l'heure qui va suivre.

Le paradis terrestre est alors définitivement éclipsé par une nuit sans Lune simplement éclairée par les torches de l'embarcation et les appareils dont sont munis les voyageurs. Le climat devient à nouveau pesant, mais cette fois-ci d'une manière totalement différente.

L'un des aspects les plus bluffant de Rogue est la présence de l'immense crocodile qui rode autour de nos personnages. Greg McLean a réfléchi durant de longs mois à sa conception. Celle-ci ne se cantonnant pas seulement à son apparence mais à la manière dont la bête surgit hors de l'eau. En fait, ce qui marque les esprits plus que dans toute autre œuvre du genre, c'est le réalisme avec lequel les effets-spéciaux donnent vie au crocodile. C'est bien simple, on a réellement l'impression qu'il s'agit d'un véritable animal alors qu'il demeure en réalité un mélange d'effets visuels numérique et d'animatronic.

On peut alors considérer Rogue comme un petit chef-d’œuvre du genre "agressions animales" et Greg McLean comme une valeur sûre du cinéma australien, lui qui avec Wolf Creek avait déjà réalisé une vraie perle du genre "serial killer". Espérons juste que personne n'aura la mauvaise idée de tourner une suite à Rogue . On sait combien la majeure partie de celles-ci font du tort aux œuvres originales...