Comme des frères de Hugo Gélin (2011) - ★★★★★★★★☆☆

 

 

Le premier long-métrage réalisé par Hugo Gélin, petit-fils de l'acteur Daniel Gélin et fils du producteur, réalisateur et assistant-réalisateur Xavier Gélin réunit trois interprètes dont les carrières se sont envolées après des débuts parfois fort convaincants. Après avoir incarné le rôle de l'humoriste français Coluche dans le biopic Coluche : l'histoire d'un mec d'Antoine de Caunes, François-Xavier Demaison interprète dans Comme des frères le rôle de Boris. Avant d'avoir dernièrement endossé le costume d'Edmond Dantès dans la récente adaptation du Comte de Monte-Cristo d'Alexandre Dumas qu'ont transposé sur grand écran Alexandre de La Patellière et Matthieu Delaporte, Pierre Niney matérialise celui de Maxime. Quant à Nicolas Duvauchelle, quatorze ans après interprété le rôle principal de l'excellent Le petit voleur d'Erick Zonca, le voici portant le costume du troisième larron de cette fameuse comédie dramatique, Élie. Une jolie, très jolie surprise pour une œuvre qui aborde les sujets de l'amitié, de l'amour, de la séparation et du deuil sans pour autant verser dans le misérabilisme. Un brillant trio d'acteurs dont les personnages vont se lancer sur la route, à destination d'un charmant petit coin de Corse afin d'honorer une promesse faite à Charlie, l'ex compagne du premier, meilleure amie du second et ''grande sœur'' du troisième qui rêvait de les emmener tous les trois découvrir une maison où elle aimait se réfugier. Sur fond de tragédie puisque celle-ci se savait condamnée, Comme des frères débute au moment même où la jeune femme décède, bouleversant les trois garçons. Dévastés et bien que ne partageant en réalité pas grand chose d'autre entre eux que cette relation qu'ils eurent tous les trois avec elle, Boris, Élie et Maxime partent sur la route à bord du véhicule du premier avec, à l'arrière, un sac à dos contenant les cendres de leur amie tout juste dérobées par le troisième à la famille de leur amie disparue...

Trois interprètes, trois personnalités

Le titre du long-métrage réalisé par Hugo Gélin et co-écrit en collaboration avec Hervé Mimran et Romain Protat est presque mensonger. Surtout si l'on s'en réfère à cette étrange relation qui unit quasiment dans la contrainte les trois hommes. Fils d'un grand comédien de théâtre relativement méprisant et castrateur envers son fils (Jacques Frantz dans le rôle de Pierre Naillac), Boris a du mal à refaire surface depuis sa récente séparation. François-Xavier Demaison endosse ainsi le rôle le plus ingrat du récit. Personnage austère, réservé et parfois prudent lorsqu'il s'agit de s'exprimer, les bons mots, ceux qui sortent le long-métrage du seul statut d’œuvre dramatique auquel il n'aurait pu échapper sans une bonne dose d'humour, sont plutôt l'apanage de ses deux compagnons. L'une des grandes force de Comme des frères est justement d'avoir mêlé les différents types d'état d'esprit de nos trois héros. Car aux côtés de Boris, Pierre Niney incarne le plus jeune des trois. Un optimiste parfois immature et ce, quasiment en toutes circonstances. Lunaire, comme le rappelait très justement ma compagne lors de la projection. Quant à Nicolas Duvauchelle, dans la peau d’Élie, l'acteur vient juste s'interposer entre la rigueur parfois étouffante du premier et la naïveté ou la trop grande liberté d'âme du second. Pour des individus que le titre du long-métrage voudrait considérer comme pouvant hypothétiquement appartenir à une fratrie, le voyage ne va pas s'avérer de tout repos. Pour le bonheur des spectateurs qui assisteront alors à des joutes verbales entre les trois hommes qui fonctionnent à merveille.

Des sourires et des larmes

Malgré des débuts relativement délicats qui laissent augurer d'une comédie très légère, et même peut-être un peu trop d'ailleurs (la séquence du parking), on sent bien que les dialoguistes se sont fait plaisir pour concocter à l'adresse de leur futur public des échanges entre les trois hommes particulièrement bien écrits. La bataille des mots fait rage entre Boris, Maxime et Élie, chacun opposant des traits de caractère et une vision des choses qui théoriquement devraient aller à l'encontre de leur amitié. Très drôle, Comme des frères est aussi très touchant. De manière à ce que le spectateur ne s'attende pas à ce que l'événement se produise à ce moment là, après que Hugo Gélin et ses scénaristes se soient amusés à confronter tour à tour les trois hommes lors d'une partie de football virtuelle, voilà que l'annonce leur tombe sur la tête comme un coup de massue : Charlie est morte ! Depuis l’hôpital, sa mère annonce au téléphone que tout est finit. Dire que le changement de ton est brutal est alors un euphémisme et l'on est sidéré par cette séquence qui nous fait passer du rire aux larmes. Ces mêmes larmes que garde en lui Boris, que laisse tout naturellement couler Maxime et qu’Élie cache derrière ses mains avant de prendre la fuite...

Le noyau dur d'une drôle d'émulsion

Charlie, justement. Formidablement incarnée à l'image par Mélanie Thierry. Une jeune femme cash ! Entière, naturelle, ciment de cette improbable relation entre ses trois amis. On se dit qu'une fois passée sa timide découverte à l'image et ainsi consommée la disparition hors-champ de la caméra du personnage, nous ne la reverrons plus. Sauf que Hugo Gélin a la brillante idée d'intercaler entre les différentes scènes de ce road-movie que devient par la suite Comme des frères, diverses séquences en forme de flash-back remontant peu à peu le fil du temps. Ces trente derniers mois, environ, qui sous la forme d'une antéchronologie part des faits les plus récents jusqu'à la toute première rencontre entre les trois hommes qui interviendra donc dans les derniers instants du récit. Mélanie Thierry est magnifique. Entre gravité, retenue, éclat, son personnage porte le récit vers quelque chose de beaucoup plus profond que la simple comédie. Emportant avec elle ses trois compagnons. Modeste dans sa mise en scène puisqu'une large partie du récit se déroule à bord d'une voiture (et même deux, pour être précis) tout en offrant quelques extérieurs et intérieurs de toute beauté, Comme des frères est une complète réussite. Le carré d'interprètes principaux est irréprochable. Tout comme les seconds rôles parmi lesquels les grands-parents d’Élie sont interprétés par Micheline Presle et Philippe Laudenbach qui, triste hasard du calendrier, nous ont quitté en 2024 à seulement deux mois d'intervalle. Notons enfin la superbe bande musicale presque exclusivement composée par le groupe de pop-rock français Revolver qui nous offre quelques pépites folk remarquablement belles... A voir ou revoir, sans modération...

 

La tête dans les étoiles d'Emmanuel Gillibert (2023) - ★★★☆☆☆☆☆☆☆

 

 

Étrange sentiment que de devoir remonter le temps jusqu'en 2005, année de sortie sur les écrans de Un ticket pour l'espace d'Éric Lartigau avec en vedette, le duo d'humoristes formé par Olivier Baroux et Kad Merad aux côtés desquels l'on pouvait retrouver Marina Foïs, André Dussolier ou encore Guillaume Canet. À l'époque, le film fut une surprise plutôt sympathique, projetant dans l'espace un père et époux mythomane profitant de l'occasion pour redorer son blason auprès des siens. Il y a donc un peu des idées de Kad, Olivier et du réalisateur et scénariste Julien Rappeneau dans les début de La tête dans les étoiles, second long-métrage d'Emmanuel Gillibert après la sympathique comédie Les dents, pipi et au lit en 2018. On y retrouve l'acteur Hakim Jemili que l'on découvrait pour la première fois sur grand écran aux côtés de Michel Blanc dans Docteur ? de Tristan Séguéla en 2019. Après une poignée de séries télévisées et de films, le voici qui incarne le livreur Ali, séparé de sa compagne Nathalie (Nawell Madani) depuis quelques années, père d'une charmante petite fille, étant incapable de rembourser la dette qui devait lui permettre de payer la pension alimentaire de son ancienne compagne le voilà contraint d'accepter une improbable mission qui va involontairement le propulser à bord de la station ISS pour un projet à destination de la planète Pluton ! Alors que sur Terre l'équipe chargée de coordonner la mission cherche à cacher sa présence à bord de la station, le monde découvre rapidement sa présence. Devenant officiellement le tout premier clandestin de l'espace (notons que le concept fut déjà évoqué à travers le personnage du Capitaine Jorgen et même des Dupont et Dupond dans la bande-dessinée d'Hergé, On a marché sur la Lune ou dans le long-métrage de Joe Penna Le Passager nº 4 sorti il y a deux ans), Ali va rapidement devenir un symbole sur Terre avant de tenter de fuir à bord d'une capsule de secours lors d'un incident qui se révélera n'être qu'un exercice. Aux côtés de Hakim Jemili l'on retrouve notamment Alice Pol dans le rôle Johanna qui est aux commandes de la mission et qui décidément tourne plus vite que son ombre et sur Terre, dans la salle des opérations, François-Xavier Demaison ou Olivia Côte...

Quatre-vingt dix minutes environ. Voilà le temps qu'il faudra pour notre héros pour passer de statut de phénomène de société à pleutre avant de le voir subitement se muer en authentique héros. S'il on part du principe qu'il s'agit avant tout d'une comédie de science-fiction, il est logique de prendre La tête dans les étoiles avec légèreté. Ce dont fait preuve Emmanuel Gillibert puisque quelle que soit la situation, chaque étape du récit est menée avec l'entrain d'une meute se ruant dans les magasins sur la toute nouvelle console de jeu du marché ! Il faut comprendre que même si la comédie prime sur la science-fiction, cette dernière reposant avant tout sur l'environnement dans lequel vont être plongés Ali et les trois membres officiels de l'expédition, le spectateur était en droit d'assister non pas à cet enchaînement de séquences trop abrupt mais à histoire réalisée, interprétée et montée avec davantage de soin. De là à penser qu'une bonne demi-heure supplémentaire n'aurait pas été de trop afin d'étoffer les quelques aspects du récit qui sans doute auraient mérité de l'être, il n'y a qu'un pas. La mise en scène de La tête dans les étoiles est grossière, poussive et même si le ton humoristique permet en général de passer au dessus de certaines incohérences, voir le visage affligé de ces hommes et de ces femmes qui sur Terre retiennent leur souffle tandis qu'Ali s'apprête à commettre un acte héroïque laissera le spectateur totalement indifférent. Comme Jacques Chirac la consacra dans le milieu des années quatre-vingt, une phrase vient invariablement à l'esprit : Cela nous en touchera une sans faire bouger l'autre ! Sur le papier, La tête dans les étoiles se montre ambitieux mais à l'image, nettement moins. Le compositeur Erwann Chandon (Quand on crie au loup en 2019) signe en outre une partition elle-même relativement ambitieuse qui ne parvient malheureusement pas à tirer le film vers le haut. La mise en scène et le jeu d'acteur rabaissent le long-métrage au seul statut qu'il mérite : celui de n'être qu'une toute petite comédie mal inspirée au niveau des dialogues et, comble du comble, pas drôle du tout. Un film disponible depuis quelques jours seulement sur Prime Video. À réserver à celles et ceux qui n'ont vraiment rien de mieux à faire que de perdre quatre-vingt dix minutes de leur temps...

 

Hommes au bord de la crise de nerfs d'Audrey Dana (2022) - ★★★★★★★☆☆☆

 

 

La France... Ce si beau pays qui dégringole, qui fuit de partout, aux frontières poreuses, à l'éducation brinquebalante, aux mœurs de plus en plus délétères, future idiocratie qui n'en doutons pas, sera un jour dirigée par une ''intelligentsia'' décérébrée. Il n'y a pas si longtemps pouvions-nous encore nous changer les idées en nous enfermant dans les salles obscures, à rêver devant ces utopies où tout va bien et où le mauvais est invariablement balayé au détour d'un bon mot. Ces comédies écrites avec soin, par et pour des femmes et des hommes de bon goût ! Aujourd'hui, la comédie française est tel que nous est représenté notre pays. Désargentée, piteuse et artistiquement régressive. De la mal-bouffe numérique ou plus rarement imprimée sur pellicule. Il en est, mais si rares, qui heureusement sauvent les meubles chaque année. Mais combien d'entre eux ? Michel Hazanavicius et Coupez ! ? Oui, sans doute, mais à quel prix ? Celui de devoir aller chercher l'inspiration jusqu'en Asie et découvrir que sans l'habituel ''couplet/refrain'' (!?!), certains ne s'y retrouvent pas ? Hommes au bord de la crise de nerfs d'Audrey Dana, laquelle n'en est pourtant pas à sa première comédie signe avec celle-ci, un pur produit de consommation qui ne demande pas la moindre réflexion. Tout juste que l'on plonge la main dans son porte-monnaie pour y dénicher la poignée d'euros qui ouvriront les portes des salles obscures. C'est donc aujourd'hui que sort en dvd le nouveau long-métrage de la réalisatrice française. Et autant dire que portes-feuilles, portes-monnaie, comptes en banque et cartes bleues sont aux abois, suppliant que leur propriétaire n'aura pas la mauvaise idée d'acheter au format physique ce qu'ils avaient déjà enduré quatre mois en arrière au cinéma...

C'est que l'on finirait par oublier que Thierry Lhermitte fit partie de la troupe du Splendid, que Ramzy Bédia fut l'acolyte d'Eric Judor, que François-Xavier Demaison incarna au cinéma un Coluche convainquant ou que Laurent Stocker... Hein ! Quoi ? Ouais, non, pas lui ! Pour être tout à fait honnête, j'exagère peut-être un peu. Car entre le mauvais souvenir de sa vision en salle et sa redécouverte en DVD par l'entremise d'un ami achetant en magasin tout et n'importe quoi de manière compulsive, force est de reconnaître que Hommes au bord de la crise de nerfs n'est pas si mauvais qu'il n'y paraît. Au contraire même, ce bol d'air frais tant rêvé que promet la situation géographique du récit réussira le temps de sa projection à faire oublier presque n'importe lequel de vos tracas. Projet réunissant la vieille et la nouvelle garde de la comédie française (du quasi septuagénaire Thierry Lhermitte au jeune Max Baissette de Malglaive du haut de ses vingt-deux ans), le nouveau long-métrage d'Audrey Dana se montre en réalité fort généreux. Écrit par ses soins ainsi que ceux de Claire Barré, le scénario plonge ses protagonistes en pleine nature avec à leur disposition, un service minimum : une yourte et des produits locaux poussant ou gambadant à portée de main. Sans oublier Marina Hands qui dans le rôle légèrement perché d'Omega va tenter de leur faire oublier tous leurs tracas. Si le film commence sous les meilleurs augures avec sa brochette de personnages tantôt dépressifs, tantôt râleurs, contraints d'obéir à un concept de thérapie de groupe plutôt original, au fil de récit l'on finit par s'attacher aux personnages. Une thérapie exclusivement réservées aux hommes mais coachée par une femme ! Malgré les divers désagréments et les personnalités différentes de ces sept adultes se comportant parfois comme des enfants, la bonne humeur va lentement mais sûrement s'installer. Une bonne humeur communicative qui parviendra d'ailleurs à se transmettre jusque chez le spectateur. Si Hommes au bord de la crise de nerfs n'est clairement pas la comédie de l'année (laquelle l'est-elle d'ailleurs?), les personnages sont attachants, suffisamment différents les uns des autres pour s'y retrouver ici ou là et l'environnement ''aéré'' particulièrement séduisant. De la tendresse et de l'humour, quoi demander de plus... ?

 

La Traque d'Yves Rénier (2021) - ★★★★★★★☆☆☆

 

 

Il est mort, le commissaire Moulin... ce personnage qui demeurera éternellement lié à l'acteur Yves Rénier. Un interprète qui aura majoritairement voué sa carrière au petit écran même s'il fut l'interprète ponctuel d'une vingtaine de longs-métrages en soixante ans de métier. Acteur, mais aussi réalisateur qui depuis le milieu des années 2010 est revenu à quatre reprises sur des affaires criminelles françaises parfaitement authentiques. Flic tout simplement revenait en 2015 sur le tueur en série Guy Georges et sur la fonctionnaire de police Martine Monteil qui participa à son arrestation. Je voulais juste rentrer chez moi se penchait en 2017 sur l'étonnante histoire de Patrick Dils, adolescent de seize ans qui se retrouva accusé du meurtre horrible de deux jeunes enfants et passa quinze années derrière les barreaux alors même qu'il était innocent. Quant avec Jacqueline Sauvage : C'était lui ou moi, Yves Rénier s'intéressait à ce fait-divers entourant une femme condamnée à dix ans de prison pour avoir abattu son époux, un homme violent qu'elle affirma avoir tué en état de légitime défense. Enfin, devait sortir sur le petit écran un mois avant son décès, la dernière réalisation d'Yves Rénier inspirée de l'enquête menée par deux policiers au sujet du tueur en série Michel Fourniret, La Traque. Si jusqu'à maintenant Yves Rénier avait fait un sans faute, aborder le sujet de l'un des pires serial killer hexagonaux était un pari éminemment risqué et sujet à d'éventuelles polémiques concernant l'aspect moral d'une telle entreprise...

Connaissant la sensibilité du bonhomme pour les victimes et pour leurs familles, nous n'attendions pas moins qu'une approche du sujet loin de l'aspect racoleur qui fleurit parfois dans les magasines et les émissions de télévision spécialisés dans ce genre d'affaires criminelles. Le plus délicat dans le cas présent (sachant que Michel Fourniret est encore vivant et que l'évocation d'un téléfilm mettant en scène ses méfaits pourrait s'avérer pour lui comme une consécration) et donc tout le problème, est d'aborder le fait-divers sans faire du tueur une icône comme pu l'être notamment le Hannibal Lecter de Jonathan Demme dans Le silence des agneaux en 1991. Pour incarner Michel Fourniret, Yves Rénier confie le rôle à l'acteur Philippe Torreton. Un comédien discret malgré une importante carrière au cinéma et à la télévision dont l'apparente rareté de ses apparitions lui permet de se fondre à la perfection dans ce personnage au point de lui ressembler parfois de manière particulièrement troublante. Face à Michel Fourniret aux côtés duquel sévissait Monique Olvier (excellente et méconnaissable Isabelle Gélinas), deux flics qui ne lâcheront rien, jusqu'à épuiser leurs dernières cartouches. François-Xavier Demaison et Mélanie Bernier interprètent respectivement le Commissaire Declerck et le capitaine Nielsen. Deux personnages de fiction pour une Traque qui n'en a que le nom. Ici, pas de chasse sur les territoires français et belge ni sur les différents lieux des meurtres perpétrés par celui que la presse surnomma L'Ogre des Ardennes et par sa compagne, mais d'innombrables interrogatoires se déroulant sur une année entière.

Pourtant, le téléfilm d'Yves Rénier (qui s'offre ici un tout petit rôle en la personne d'Arnaud Costenoble, le supérieur du Commissaire Declerck) n'est pas aussi puissant que pu l'être des décennies auparavant l'excellent Garde à vue de Claude Miller. Et même si les interprètes sont tous convaincants, il manque à La traque de cette tension qui aurait pu en faire un excellent téléfilm policier. L'acteur/réalisateur préfère aux monstruosités commises par le duo, décrire les méthodes de deux flics pour faire avouer à l'une les horreurs perpétrées par Michel Fourniret afin de le compromettre avant que la loi n'oblige les autorités à le remettre en liberté. Si La traque déroule son récit de manière relativement froide, ce n'est que pour en tirer tout l'aspect clinique de ses interrogatoires. Surtout, Yves Rénier éloigne aussi souvent que cela lui est possible du champ de la caméra, le monstre Fourniret qui dès lors n'est pas dans la lumière mais dans l'ombre de la seule qui puisse encore aider la police à le faire condamner. Plus que Philippe Torreton, François-Xavier Demaison ou Mélanie Bernier, c'est bien Isabelle Gélinas qui brille dans ce téléfilm en deux parties de quarante-cinq minutes chacune. Inspiré du roman La mésange et l'ogresse de l'écrivain français Harold Cobert, le scénario qu'il en tire lui-même en compagnie de Jean-Luc Estèbe et Benoît Valère nous fait grâce des détails concernant les meurtres et s'attache surtout à rendre hommage à celles et ceux qui participent à l'arrestation des plus grands criminels. La traque est une surprise agréable même si l'on a tout de même connu Yves Rénier plus inspiré...

 

Yves Rénier

(1942-2021) 

Connectés de Romuald Boulanger (2020) - ★★★☆☆☆☆☆☆☆

 

 

Il fallait bien que cela arrive un jour, et ce jour là est arrivé. Connectés de Romuald Boulanger est le premier film portant officiellement et en partie son sujet sur le confinement. Mais à vrai dire, à part quelques allusions au début du film, Connectés évoque en premier lieu un autre long-métrage qui fit beaucoup parler de lui bien avant que l'épidémie de Covid ne cloue les gens chez eux. Ce film, c'est Unfriended du soviétique Levan Gabriadze. Le concept des deux films est le même. Un groupe d'amis se réunit chacun devant son ordinateur pour discuter de choses et d'autres avant que n'intervienne ce qui s'apparente à un hacker. Un pirate informatique qui s'incruste dans la conversation sans pour autant y avoir été invité. Mais alors que Unfriended pouvait se vanter d'apporter une touche d'originalité à l'époque (2014), le film de Romuald Boulanger se plante, lui, dans les grandes largeurs. Mélange de thriller et de comédie, Connectés convie neuf amis à se retrouver afin de partager un apéro virtuel lorsque l'un d'eux est sauvagement agressé par un inconnu qui s'introduit dans l'appartement qu'il occupe. Inquiets, ses amis tentent de reprendre contact avec lui lorsque devant l'écran d'ordinateur de la victime désormais inanimée, surgit son agresseur. L'homme porte un masque noir, des lunettes noires une casquette noire ainsi qu'un poncho rouge !

Connectés repose sur un concept évidemment assez simple puisque sous la forme d'une intrigue à la Hercule Poirot du pauvre MAIS, d'un nouveau genre, les spectateurs devront se faire une idée sur l'identité du bonhomme dont le cynisme rend l'ensemble aussi peut crédible qu'inquiétant. À défaut de semer le trouble autre part que parmi les personnages et ne parvenant à aucun moment à générer le moindre sentiment de tension, ce long-métrage d'une durée avoisinant les soixante-quinze minutes a le seul mérite de n'être finalement pas trop long. Si le concept est séduisant, surtout qu'il s'agit d'un film français, l’œuvre repose parfois sur du vide que tentent de remplir des interprètes qui ne semblent pourtant pas tous près à s'investir corps et âme dans le projet.

Si l'on compte la présence de Franck Dubosc durant le tout dernier acte qui ne dure qu'une toute petite poignées de minutes, la parité hommes/femmes est respectée. Cinq actrice pour cinq acteurs. D'un côté, Audrey Fleurot, Nadia farès, Vanessa Guide, Claudia Tagbo et Dorothée Pousséo. De l'autre, Pascal Demolon, François-Xavier Demaison, Michael Youn, Stéphane de Groodt et Franck Dubosc, donc. Tous n'ont pas l'air scrupuleusement impliqués, et tous n'ont pas le même temps de présence à l'écran. Un écran d'ailleurs splitté en deux, trois, quatre ou même cinq écrans., pour un rendu visuel étonnamment laid. Ce qui n'empêche pas la lisibilité puisque contrairement au long-métrage de Levan Gabriadze, celui de Romuald Boulanger ne requiert à aucun moment l'utilisation des claviers des personnages. Tout ne nous est donc retranscrit qu'à travers la vidéo et la parole des personnages. Parmi les interprètes, Stéphane de Groodt paraît être celui pour qui le procédé semble le plus compliqué à mettre en place. Hésitant souvent, nous mettrons ça sur la personnalité de son personnage. Scénario quasi inexistant, interprétation parfois hésitante (ici, pas de vrai live mais plutôt un montage parfois laborieux), humour de très faible intensité... Connectés est vraiment peu satisfaisant. Sans que l'on s'y ennuie, on peut en revanche se demander l'intérêt de développer un tel concept... Effet de mode ? Très certainement...

 

Divorce Club de Michael Youn (2020) - ★★★☆☆☆☆☆☆☆

Après cinq ans de mariage, Benjamin Catala découvre lors d'une cérémonie commémorant son union avec Vanessa que celle-ci le trompe avec son patron, Blaise. Humilié en public alors qu'un micro diffuse sur de grandes enceintes les ébats amoureux entre les deux amants, Ben est anéanti et se refugie chez son ami Patrick qu'il n'a pas revu depuis de nombreuses années. Installé dans l'immense demeure de son ami d'enfance, Ben est toujours aussi amoureux de Vanessa et ne parvient pas à faire un trait sur leur mariage. Et ce, même si un jour, alors qu'il fait découvrir à une cliente un établissement mis en vente, il tombe sous le charme de Marion Rush, elle-même divorcée. Alors que dans la luxueuse demeure de Patrick tout semble dégénérer avec l'arrivée de nouveaux pensionnaires tous profondément touchés par leur propre problème de couple, Ben émet tout à fait par hasard l'idée de transformer les lieux en club pour divorcés. Une idée que Patrick trouve lumineuse. Le jour où Ben s'aperçoit qu'il fréquente l'ex-épouse de Patrick en la personne de Marion, les choses se compliquent. Incapable d'avouer à l'un et à l'autre qu'il les connaît respectivement, Ben va bientôt découvrir la dure réalité de la vie : qu'il est parfois difficile en effet de mettre en application pour soi les conseils que l'on donne aux autres...

En terme de qualité, qu'il s'agisse d'interprétation ou de mise en scène, l'acteur et réalisateur Michael Youn joue involontairement aux montagnes russes. Et Divorce Club ne semble malheureusement pas là pour nous convaincre du contraire. Capable d'interpréter de petits rôles (dans Carbone d'Olivier Marchal en 2017) comme des plus importants (Chamboultout d'Eric Lavaine en 2019) avec un talent qui peut parfois paraître inattendu (surtout si l'on demeure hostile à ses débuts de carrière à la télévision), capable aussi d'être l'auteur complet d'un authentique ovni cinématographique moyennant un humour qui tâche mais une écriture plus que plausible (Fatal qu'il réalisa en 2009), Michael Youn est parfois victime de cette légèreté qu'il injecte dans son œuvre comme cela pu être le cas avec le très anecdotique Vive la France en 2013 dans lequel il interprétait l'un des deux rôles principaux aux côtés de José Garcia. Son dernier long-métrage en tant que réalisateur est donc Divorce Club. Plutôt que d'élever le débat tout en restant dans le genre ''comédie bouffonne'' qu'il semble chérir depuis le début de sa carrière, l'acteur/réalisateur déçoit...

Non seulement, Divorce Club n'est pas drôle, contrairement à ce que d'une manière générale la presse spécialisée semble s'accorder à dire, mais en plus, il ne bénéficie pas du même soin accordé à l'écriture que Fatal dix ans en arrière. Une déception, effectivement. Car pas même la présence du pourtant excellent Arnaud Ducret, de François-Xavier Demaison, d'Audrey Fleurot (à laquelle les mésaventures du personnage de divorcée qu'elle interprète donne des ailes), de Caroline Anglade, de Youssef Hadji (excellent dans Problemos d'Eric Judor en 2017) ou de Frédérique Biel, Benjamin Biolay et de la transfuge de l'équipe des Babysitting Charlotte Gabris n'y changent rien. C'est plat même si une certaine vigueur dans la mise en scène empêche l'ennui de s'installer définitivement. Pourtant, à bien écouter les dialogues, dans leur ensemble ils n'apportent rien de vraiment frais et semblent avoir déjà été mille fois proposés par le passé. Pas drôle ? Ouais, bon, j'exagère peut-être un peu car parmi des interprètes que l'on apprécie en général, les deux à vraiment sortir du lot sont le lémurien Michel ainsi que la bruyante cafetière. Deux ''interprètes'' qui arrachent littéralement la minuscule poignées de sourires (voir de rires gênés) que Divorce Club parvient au final à générer...

Séjour à Paris... (seconde partie) : Neuilly sa Mère, sa Mère ! de Gabriel Julien-Laferrière

Au lendemain d'une journée richement accomplie dans la capitale au bras d'Anna, c'est en sa compagnie et en celle de mes parents que je franchissais dès 17h45 les portes du Cinéma Etoile Cosmos de la charmante petite ville de Chelles en Seine et Marne, plus de trente ans après y avoir usé le même fauteuil durant sept jours consécutifs. Sept séances qui devinrent en 1985, une messe quotidienne où fut honorée par sa présence à l'affiche, le cultissime Retour des Morts-Vivants de Dan O'Bannon. Trente-trois ans plus tard, et Dan O'Bannon mort et enterré depuis presque dix ans, c'est la suite de Neuilly sa Mère !, sorti en 2009 qui nous fit pousser tous les quatre les portes de ce cinéma où adolescent, j'avais commencé à apprendre ce qu'était le septième art. De Neuilly sa Mère !, curieusement, je ne garde que quelques vagues souvenirs. Celui d'avoir passé un agréable moment en compagnie d'Anna, mais cette fois-ci, au MEGA CGR de Narbonne. De l'histoire et de ses interprètes, par contre, rien de bien clair ne fut retenu par ma mémoire, malheureusement défaillante. C'est donc presque vierge de toute référence que je pénétrais dans un lieu qui malgré les nombreuses années qui me séparaient de mon précédente, n'avait pas tant changé que ça.

Après une batterie de réclames et de bandes-annonces, cette salle dont le point commun qui la raccordait avec celle de la veille demeurait dans la rareté des spectateurs nous plongea dans l'obscurité. Et là encore, aucun souvenir ne ressurgit. Pas même grâce au récapitulatif du précédent volet aidant à remettre le récit dans son contexte. De toute manière, pour les personnages, le temps ayant passé aussi lentement que pour celui séparant les deux volets, voir Neuilly sa Mère ! avant ce deuxième volet sobrement intitulé Neuilly sa Mère, sa Mère ! ne se révélait finalement pas indispensable.

Le cinéaste ayant fort logiquement fait appel aux mêmes interprètes que dans le premier volet, nous retrouvons donc Samy Seghir, Jérémy Denisty, Joséphine Japy, mais aussi Valérie Lemercier, ou bien même l'excellent Denis Podalydès dans un rôle qui au final ne lui ira pas vraiment, cet acteur d’exception ayant sa place ailleurs et surtout pas dans cette comédie beaucoup trop classique pour mériter entrer au Panthéon de la comédie française. D'ailleurs, Neuilly sa Mère, sa Mère ! commence assez tragiquement. Le film de Gabriel Julien-Laferrière transpire d'abord le jeunisme jusque dans son générique. Résultat : de grosses gouttes de sueur froide perlèrent assez rapidement au sommet de mon crâne à la pensée que le film allait sans doute déplaire à mes géniteurs (les quelques rires qu'ils allaient exprimer plus loin finiraient cependant de me rassurer).

Le cinéaste choisit de plonger ses interprètes durant l'élection présidentielle de l'année 2017. Nous y retrouvons Sami, Stanislas, Djamila (désormais incarnée par l'actrice Sophia Aram), Brigitte, Marie, mais également le père Dinaro (interprété par le savoureux François-Xavier Demaison). Mais sans doute, celui qui tire le mieux son épingle du jeu, c'est le jeune Jéméry Denisty qui dans la peau de Charles s'offre une performance irrésistible. Désormais, les rôles sont inversés. Alors que dans le premier volet Sami quittait la cité Maurice-Ravel à Chalon-sur-Saône pour Neuilly-sur-Seine, c'est désormais au tour des de Chazelle de s'inviter dans l'appartement de Sami, dans la cité Picasso à Nanterre. Neuilly sa Mère, sa Mère ! repousse alors les limites de la caricature et de la gaudriole. Le père de famille incarné par Denis Podalydès, victime d'un scandale financier, va se retrouver à fumer la chicha et porter la djellaba en compagnie des jeunes du quartier où il vit désormais en compagnie des siens tandis que son fils Charles devra faire de drastiques concessions s'il veut un jour espérer grimper dans la voie hiérarchique politique. 

Alors que l'un chute, et que l'autre grimpe peu à peu au sommet, les scénaristes Djamel Bensalah et Marc de Chauveron imaginent tout à un tas de situations et de personnages, transformant le récit en un bordel qui heureusement saura peu à peu élaguer les branches inutiles. En effet, la présence de la pourtant excellente Valérie Lemercier est totalement anecdotique, et les scènes incarnées par Denis Podalydès peu amusantes. En réalité, seuls les personnages interprétés par Samy Seghir et Jérémy Denisty justifient l'existence du long-métrage de Gabriel Julien-Laferrière. Si le film est loin d'atteindre le niveau de certaines comédies sorties cette année (Le Retour du Héros, Tout le Monde Debout), il réserve cependant son lot de passages relativement drôles. On passe davantage de temps à sourire qu'à rire aux éclats mais Neuilly sa Mère, sa Mère ! reste sympathique à regarder. Une suite dont l'existence restera cependant à justifier. Le spectateur notera la présence de Josiane Balasko dans le rôle de Madame Bachelot, de Jacky Berroyer dans celui de Ricoeur, ou bien encore de Julien Courbey dans la peau du voisin musulman Jérôme...

Tout le Monde Debout de Franck Dubosc (2018) - ★★★★★★★☆☆

C'est sans appréhension ni aucun enthousiasme particuliers que nous nous sommes rendus au MEGA CGR de Narbonne afin d'y découvrir le premier long-métrage de Frank Dubosc. Juste l'envie de retourner dans une salle obscure, à la séance de onze heures, sans les portables qui brillent dans le noir et sans avoir à supporter des spectateurs bavards, loin d'être attentifs au spectacle qui se déroule devant leurs yeux. C'est dans une ambiance de fin du monde (quatre spectateurs, pas un de plus) qu'Anna et moi avons jeté notre dévolu sur Tout le Monde Debout. Première réalisation sur grand écran de l'humoriste et acteur Franck Dubosc. Et comme le bonhomme n'a apparemment pas l'intention de faire les choses à moitié, on le retrouve au générique à l'écriture du scénario et des dialogues. Autant dire que capitaine du navire, c'est lui. D'autant plus (pourquoi faire petit lorsque l'on voit grand), l'auteur s'est également mis en scène aux côtés de la toujours lumineuse Alexandra Lamy.

Le récit tournant autour du handicap, on aurait pu supposer trouver ça et là des critiques acerbes de journaleux soucieux de donner dans la morale à deux balles et pourtant, chose exceptionnelle, la presse semble unanime. A part quelques critiques raclant de vieux fonds de tiroirs en argumentant que le premier long-métrage de Franck Dubosc manque d'âme, de mordant ou de personnalité.

Tout le contraire de ce que le spectateur éprouvera finalement au sortir d'une comédie de presque deux heures qui nous aura paru n'en durer qu'une seule. Et oui, car malgré un premier quart d'heure épuisant de légèreté qui nous laissait présager un film fonçant tout droit (et aussi sûrement que Brillantissime) dans le mur, on en ressort avec la certitude que Monsieur Dubosc méritait qu'on lui accorde deux heures de notre temps pour aller voir son bébé. Humour et tendresse sont les maîtres-mots d'une comédie qui n'abandonne rien au misérabilisme ambiant. Le handicap (fictif) de Jocelyn allié à celui (bien réel) de Florence sert de fil conducteur à une histoire liant deux interprètes (et donc deux personnages) de manière fort homogène tandis que l'on percevait jusqu'à maintenant Franck Dubosc comme l'interprète idéal et exclusif du beauf. Et même si son rôle de mythomane (dans le sens pathologique du terme) renvoie forcément aux puérils séducteurs qu'il a l'habitude d'incarner, l'arrivée d'Alexandra Lamy à l'écran change la donne. Le petit monde satellisant autour du personnage de Jocelyn (la géniale Elza Zylberstein et le toujours épatant Gérard Darmon en première ligne) s'en trouve ainsi métamorphoser, et ce qui devait apparaître comme l'une des ces myriades de comédies inconsistantes se généralisant de plus en plus au fil des années, se révèle en réalité posséder d'énormes qualités. Dans la mise en scène pour commencer, mais surtout dans l'écriture de Franck Dubosc, lequel ne s'engage pas avec facilité sur la route déjà tracée par d'autres cinéastes spécialisés dans la comédie.

Tout le Monde Debout révèle un auteur bien plus important que celui qui participa à l'écriture de la trilogie Camping ou de Disco. Son premier long ne prétend jamais refaire le monde mais procure un enchaînement de sensations dont on ne pouvait présager de l'ampleur au moment d'entrer dans la salle. On rit beaucoup, oui, mais l'on s'émeut aussi énormément. La sensibilité de l'écriture se ressent ensuite dans le jeu des interprètes. Entre un Gérard Darmon en proctologue homosexuel meilleur ami et conseiller du héros incarné par Franck Dubosc, et une Elza Zylberstein en secrétaire d'abord à côté de la plaque, mais s'adaptant ensuite à la situation tout en révélant finalement une vraie personnalité, l'acteur-réalisateur semble s'être attaché à ce que chaque personnage bénéficie d'une écriture pointue. D'où l'importante caractérisation d'individus se révélant donc forcément attachants.

Le contexte de la comédie romantique très en vogue, Franck Dubosc intègre au phénomène sa tuche personnelle. Si certains clichés relatifs au genre sont par définition inévitables, l'une des forces de Tout le Monde Debout est de nous emmener parfois là où on ne l'attend pas forcément. Pour un premier long-métrage, l'acteur-réalisateur s'offre le culot de réaliser l'une des meilleures comédies françaises de ce début d'année 2018. Un prodige. Et surtout, un Franck Dubosc dont il devient nécessaire de réévaluer le talent. Le plus dur dans cette histoire est de se dire que désormais, il va falloir attendre jusqu'au prochain, en espérant qu'il se remettre très vite à l'écriture, et surtout à la réalisation...

Sélection de 3 films à voir, à revoir... ou à éviter (6)

Retourner en arrière, remonter dans le passé, de quelques années. Une grosse dizaine à vrai dire, et passer des postérieurs Héros, La Traversée et Carbone au plus ancien Incontrôlable, c'est un peu comme de déguster un met raffiné avant de manger une vulgaire tambouille. Sur les conseils (mal)avisés d'un ami (désolé Christophe), j'ai donc opté pour une œuvre antérieure. Une comédie balourde, loin des rôles dramatiques qu'ont désormais l'habitude d'offrir les cinéastes à un Michael Youn, ma foi, pas aussi mauvais interprète que je l'aurai cru. C'est ainsi donc que l'on reprochera à l'ancien animateur du Morning Live d'avoir assez mal débuté sa carrière d'acteur en enchaînant des œuvres désarmantes de niaiseries. Dont cet Incontrôlable échappant justement à toute forme de raison d'être. Débile, oui. Vulgaire, certainement. Drôle... ? En de TRES rares occasions. A vrai dire, surtout au début, lorsque l'on découvre que le personnage de Georges, scénariste de métier, se réveille un matin avec la voix d'Eddy Murphy. Comprendre, la voix FRANCAISE de l'acteur américain. Et plus spécifiquement celle du film d'animation Shrek. Une situation originale qui n'est pas sans rappeler La Personne aux deux Personnes de Nicolas Charlet et Bruno Lavaine, une comédie là encore, assez faible incarnée par Daniel Auteuil et Alain Chabat. Originale, et grotesque, puisque malgré l'assurance dont fait preuve le nouvel et très collant alter ego du héros, sa voix à de quoi décourager n'importe quel spécimen de la gente féminine confronté au scénariste en mal d'inspiration. Même la jolie Hélène de Fougerolles aura bien du mal à garder son calme dans la peau de Manon, plus vieille amie du héros et en secret, très amoureuse de ce bêta de Georges qui va durant une heure trente, accumuler les bourdes.

Incontrôlable, c'est du lourd(ingue), et même, du très lourd(ingue). Allez, j'avoue, j'ai ri très fort. Une fois. Et un peu plus discrètement, à deux autres occasions. La première fois, lors d'un repas partagé entre Georges et son ami dentiste Roger interprété par Hippolyte Girardot dont on se demande encore ce qu'il est venu foutre dans une telle galère. Ne parlons même pas de Patrick Timsit dans la peau d'un David parfaitement insignifiant, de Régis Laspalès en prêtre (pas le pire personnage du film au demeurant), ou bien entendu, Thierry Lhermitte qui incarne sans doute le personnage le moins décourageant de cette comédie vraiment ratée. On s'en doute assez rapidement mais Michael Youn est doublé par la voix française officielle d'Eddy Murphy, l'acteur d'origine mauritanienne, Med Hondo. Bouffi, l'acteur s'est de plus astreint à un régime particulier à base de kebab qui lui a fait prendre plus de quinze kilos. On est cependant loin des trente kilos que pris l'américain Robert de Niro au tout début des années quatre-vingt pour les besoins du tournage de Raging Bull de Martin Scorsese. Toujours est-il que c'est à cause de ce long-métrage et de quelques autres également que la mauvaise réputation de Michael Youn le précède. Et c'est bien dommage car dorénavant, les cinéastes lui font confiance et lui confient des rôles du plus grande envergure. Que les réfractaires lui laissent alors une chance de leur prouver sa valeur, tout en évitant copieusement, bien sûr, ce furoncle cinématographique... ! ❤❤❤💔💔💔💔💔💔💔

Lorsque l'on s'écrase au sol, l'important, c'est de se remettre en selle. Sur un cheval, une bicyclette. Ou comme ici sur un fauteuil de cinéma. Ne jamais lâcher sa passion pour le cinéma malgré les désagréments que l'on peut rencontrer lorsque l'on est confronté à des contrariétés du même type que le film chroniqué précédemment. Sans Laisser de Trace renoue d'une manière générale avec ce que l'on attend d'un long-métrage en évacuant toute la misère que l'on peut ressentir devant ces heures perdues devant des films qui ne mériteraient même pas que l'on évoque leur titre. Le réalisateur, acteur et scénariste français Grégoire Vigneron mettait en scène en 2010, ce qui devait demeurer jusqu'à aujourd'hui comme son unique long-métrage. Une œuvre qu'il co-écrivit en compagnie d'un autre habitué du septième art, le cinéaste et scénariste Laurent Tirard, auteur dernièrement de l'excellent Le Retour du Héros avec Jean Dujardin et Mélanie Laurent. Sans Laisser de Trace a l'intelligence des thrillers français qui n'essaient jamais de copier leurs homologues américains, scandinaves ou sud-coréens. Valeur sûre du cinéma français, l'immense Benoît Magimel s'implique comme toujours avec force dans le rôle d’Étienne Meunier, PDG d'une entreprise florissante spécialisée dans les produits d'entretien. Un jour, alors qu'il vient de retrouver son ancien ami Patrick Chambon qu'il n'a plus revu depuis vingt ans, Étienne ressent le besoin de lui confier un secret qui le ronge depuis de nombreuses années. En effet, il y a longtemps, Étienne s'est approprié l'invention d'un homme, laquelle a fait depuis sa réussite professionnelle. Sur les conseils de Patrick, et afin de soulager sa conscience, Étienne et celui-ci se rendent chez cet homme bafoué afin de lui avouer l'outrage dont il s'est rendu responsable bien des années auparavant. Mais plutôt que de libérer sa conscience, Étienne va sans le vouloir se retrouver empêtré dans un engrenage dont il aura bien du mal à se sortir...

Un casting impeccable pour un thriller psychologique haletant, dont le scénario écrit avec concision ne souffre d'aucun défaut ni d'aucune sorte de maladresse. Preuve si l'en est que le cinéma français en a sous le coude lorsqu'il s'agit de nous conter des histoires aux multiples ramifications. Sans Laisser de Trace est l'exemple type de long-métrage qui assouvit les pulsions du spectateur avide de récits tout à la fois alambiqués et pourtant parfaitement limpides dans leur constructions. Grégoire Vigneron est un sacré pervers. L'enchaînement d'événements pouvant jouer sur la carrière et la vie privée du héros (un personnage, si l'on réfléchit un instant, qui n'est pourtant pas des plus remarquable moralement), est tel que l'on s'inquiète de la tournure que pourrait prendre son histoire personnelle. D'autant plus que Sans Laisser de Trace accumule les twists avec une régularité diabolique sans jamais empiéter sur le terrain du ridicule. Benoît Magimel y est énorme, comme à son habitude. François-Xavier Demaison incarne un Patrick Chambon inquiétant dans sa manière irraisonnée d'aborder la situation. Si les deux principaux interprètes emportent l'adhésion grâce à leur excellente interprétation, il serait dommage d'oublier Julie Gayet, Jean-Marie Winling, et Dominique Labourier formant à eux trois la compagne et la belle-famille du héros. Ou bien encore Stéphane de Groodt dans le rôle du collant inspecteur Kazinski, Léa Seydoux dans celui de Fleur, fille de François Michelet, incarné lui par l'acteur André Wilms (le très touchant Joseph de l'excellent Ôtez-moi d'un doute de Carine Tardieu). Sans Laisser de Trace n'est pas de ces thriller nerveux reposant sur des courses-poursuites et des séquences de gunfight. Non, le long-métrage de Grégoire Vigneron repose sur un scénario brillant reposant sur le principe des dominos. A voir, donc. Absolument ! ❤❤❤❤❤❤❤❤💔💔

Pas comme... Truands de Frédéric Schoendoerffer, fils de... Pierre Schoendoerffer. A force de trop vouloir faire dans le glauque, le sexe, la violence et la noirceur, le cinéaste français originaire de Boulogne-Billancourt ridiculise tout ce qu'il entreprend. Benoît Magimel prouve que l'on peut être un excellent acteur et avoir du mal à convaincre sous la direction d'un cinéaste qui, ici présent, paraît s'être laissé pousser des ailes en s'imaginant hypothétiquement être capable de tourner SON King of New-York, mais en réalité, sans jamais avoir dans ses valises cette petite chose que l'on appelle le talent. Du moins, pas cette fois-ci. Truands est grotesque, surenchérissant dans le domaine de l'horreur lorsque son personnage principal surjoué par l'acteur Philippe Caubère pète un câble et torture (avant de tuer) tout ceux qui nuisent à ses projets mégalomaniaques. Si seulement le personnage de Claude Corti s'était contenté de cela. Mais non, car la femme, qui n'aura jamais été aussi peu considérée qu'en la présente occasion, en prend plein le cul comme voudrait être formulée l'expression à la manière des propos orduriers qui parasitent sans cesse le troisième long-métrage de Schoendoerffer fils. L'acteur se croit sur les planches d'un théâtre à l'abandon, évoquant avec férocité quelques personnages de grands films noirs américains sans pour autant convaincre l'amateur de polars. Le scénario de Frédéric Schoendoerffer et Yann Brion croupit sous une montagne de dialogues d'une confondante vulgarité. La voyoucratie sous son aspect le moins 'noble ' pourrait-on envisager...

Aux allures, paraît-il, de docu-fiction (sûrement ces mouvements de caméra imprécis ou ces voix qui parfois disparaissent sous l'épuisante (et donc insupportable) bande-son), Truands déroule une intrigue qui elle, en contrepartie, ne fatiguera certainement pas les amateurs de thrillers psychologiques en recherche de sensations inédites. Schoendoerffer signe une œuvre bas du front. A peine survolée par un Benoît Magimel qui, certainement sans le vouloir, vient avant tout empocher son cachet d'interprète. Une navrante parenthèse avant l'efficace Dealer de Jean Luc Herbulot que je m’apprêtais à regarder juste après. Mais, ça c'est une autre histoire que je vous propose de vous raconter la prochaine fois... ❤❤❤💔💔💔💔💔💔💔

Les Têtes de l'Emploi de Alexandre Charlot et Franck Magnier (2016) - ★★★★★★★☆☆☆

A Sablé, petite commune de France, Stéphane, Cathy et Thierry travaillent pour une agence pour l'emploi. Chacun à sa fonction, sa méthode, pour aider les chômeurs à retrouver du travail. Cathy, la pauvre, se fait systématiquement insulter. Cette mère qui élève seules ses trois enfants ne se départi jamais de son stoïcisme et encaisse les injures sans jamais désespérer de trouver l'homme qui lui conviendra. Thierry, lui, est l'optimiste du trio. Il est conseiller d'orientation et fait preuve d'un enthousiasme à toutes épreuves. Quant à Stéphane, son truc à lui, c'est la radiation. Pratiquement tous les demandeurs d'emploi qui s'assoient dans son bureau finissent radiés de l'agence.

Et un chômeur radié, c'est un chômeur de moins. D'après les statistiques annuelles, l'agence de Sablé a obtenu cette année les meilleurs résultats. Il ne subsiste effectivement pratiquement plus de chômeurs et c'est pourquoi la direction a décidé de fermer l'agence et de la fusionner avec une autre, située elle à plus de quarante kilomètres. Malheureusement, contrairement à leurs attentes, Cathy, Stéphane et Thierry son licenciés et donc, sans emploi. Pour pallier à leur nouvelle situation, ils décident de le lancer dans un étonnant projet : créer du chômage...

Les cinéastes Alexandre Charlot et Franck Magnier n'en sont pas à leur premier coup d'essai puisqu'ensemble il ont déjà tourné deux fois par le passé. Le sympathique Imogène McCarthery en 2009 ainsi que le navrant Boule & Bill en 2013. ils reviennent donc en 2016 avec leur troisième comédie. C'est la seconde fois qu'ils font appel à Franck Dubosc pour tenir l'un des principaux rôles et la troisième fois qu'ils offrent un rôle à l'acteur Nicolas Vaude qui pour Les Têtes de l'Emploi incarne lamine, le pédant adjoint de direction chargé de fermer l'agence pour l'emploi.

Contrairement à ce que laisse présager le premier quart-d'heure, il faut se donner le courage d'aller plus loin dans le récit pour comprendre que Les Têtes de l'Emploi n'est pas le nanar qu'il paraît être. Bien au contraire, à mesure que l'intrigue déroule le fil de son scénario, on se rend compte à quel point on a failli passer à côté de quelque chose d'énorme.

Pourtant, tout semble aller de travers. Franck Dubosc en personnage austère, semble ne pouvoir incarner que le personnage qu'il s'est créé sur scène. François-Xavier Demaison semble lui se perdre dans une œuvre dont aucun gag ne fait mouche. Il n'y a guère que la charmante Elsa Zylberstein pour nous retenir de fuir devant ce navrant spectacle. Mais comprenez que ceci ne concerne que le premier quart-d'heure. Car dès lors que cette longue introduction, ce passage obligé prend fin, tout s'emballe. Le jeu de Franck Dubosc qui jusque là semblait tristement manquer de naturel n'en devient que plus drôle par la suite. En fait, avec leur nouveau long-métrage, Alexandre Charlot et Franck Magnier nous pondent une petite merveille de comédie corrosive. Et pour ce faire, ils n'y vont pas avec le dos de la cuillère lorsqu'il s'agit d'en rajouter dans la caricature du français moyen à la recherche d'un emploi. C'est parfois presque dérangeant mais tellement jouissif que l'on ne peut qu'en sourire.

Quelques gags sont convenus, mais dans l'ambiance générale que dégage Les Têtes de l'Emploi, on n'en fait pas cas. Outre les trois principaux interprètes, les deux cinéastes dressent une galerie de portraits totalement barrés. Nicolas Vaude, donc, éminemment précieux, Patrick Bouchitey en père de Stéphane, véritable parasite comptant sur son fils pour lui verser illégalement des indemnités de chômage, Christophe Vandevelde en chômeur-psychopathe, Ricky Tribord (la scène de la boite vocale est irrésistible), et enfin Philippe Croizon en manutentionnaire (je conseille à tous ceux qui ne connaissent pas cet homme de lire sa bio afin de bien saisir l'humour lié à son personnage), et qui joue ici pour la première fois dans un long-métrage de fiction.

Contrairement aux premières impressions, le film ne s'enlise pas dans cette forme d’œuvre dépressive qu'il tend à être durant le premier quart-d'heure. Et même si certaines évocations rapprochent parfois davantage Les Têtes de l'Emploi de la comédie dramatique plus que da la comédie pure, c'est tout de même cette dernière qui l'emporte. Une belle et inattendue réussite de la part du duo formé par Alexandre Charlot et Franck Magnier, par le trio de têtes formé par Franck Dubosc, Elsa Zylberstein et François-Xavier Demaison, ainsi que par les savoureux seconds rôles.