La poupée de Sophie Beaulieu (2026) - ★★★★★★★★☆☆

 

 

Dans Monique : toujours contente de Valérie Guignabodet, Albert Dupontel se trimbalait avec une poupée gonflable. De l'autre côté de l'Atlantique, Ryan Gosling développait dans Lars and the Real Girl de Craig Gillespie une relation émotionnelle avec lui aussi, une poupée. Dans Mannequin de Michael Gottlieb, il s'agissait pour le réalisateur de mettre en scène un mannequin de vitrine qui prenait vie et tombait amoureux d'un employé. Mais celui qui se rapproche sans doute le mieux du long-métrage dont nous allons parler ici nous vient du Japon avec Air Doll du cinéaste Hirokazu Kore-eda, dans lequel une poupée gonflable découvrait le monde après avoir pris vie ! Nous étions alors en 2009 et dix-sept ans plus tard, c'est au tour de la réalisatrice, scénariste, linguiste et traductrice française Sophie Beaulieu de s'atteler à la tâche de donner vie à un personnage inerte. Une poupée sexuelle conçue généralement pour le plaisir des hommes et qui dans le cas de La poupée est tout d'abord le moyen pour Rémi (excellent Vincent Macaigne) de faire table rase sur une séparation dont il a conservé des traces psychologiques. Devenu incapable d'aimer et d'éprouver des sentiments réels pour une femme (contacts physiques, chaleur humaine, etc...), ce vendeur de gazon synthétique qui travaille dans une petite entreprise uniquement constituée de collègues masculins vit donc depuis six mois aux côtés d'Audrey. Le concept, aussi absurde puisse-t-il paraître, repose pourtant sur un constat tout à fait réel puisque les Tpe Doll sont des poupées qui existent réellement et qui sont d'un réalisme parfois bluffant. Tandis que Rémi prévoit de se marier avec elle prochainement alors qu'il n'a toujours pas osé la présenter à ses collègues de travail ou à sa famille (en dehors de sa sœur qui sait qu'Audrey n'est qu'une poupée), l'entreprise GAZONZON accueille une jeune intérimaire qui durant l'absence pour congé parental de l'un des employés va le remplacer...

Une jeune femme pétillante qui semble pourtant en être revenue de ses relations avec les hommes. Étrangement, son arrivée dans la boite coïncide avec le ''réveil'' d'Audrey qui subitement se matérialise en femme en chair et en os... Visuellement, La poupée fait parfois penser à la comédie réalisée voilà dix ans par Franck Magnier, Les têtes de l'emploi. Dans un cas comme dans l'autre, tous deux évoquent parfois dans leur forme la mythique émission de télévision humoristique française Message à caractère informatif qui à la fin du vingtième siècle détournait de vieux documents vidéos d'entreprises. Ou encore la série Caméra café et sa bande de collègues de bureau dans une esthétique moderne relativement minimaliste. Un cachet qui se veut donc parfois cheap, désuet, voire ringard et sur lequel s'attarde pour son premier long-métrage Sophie Beaulieu avec cette petite start-up très masculine et travaillant dans la bonne humeur, jouant au baby-foot durant la pause et accueillant donc Patricia. Personnage incarné à l'écran par une Cécile de France qui à cette occasion est affublée d'une ridicule coiffure qui participera à l'élaboration de son personnage. Gentiment mythomane, certes, mais l'accroche entre elle et Rémi est pratiquement immédiate. Ahhhh, Rémi. Ce type à l'irrésistible bonhomie, à la voix douce et au courage tout relatif (il faut voir sa réaction face à sa poupée devenue femme). Et puis, il y a bien sûr Audrey. Poupée à taille adulte que son propriétaire déplace de pièce en en pièce, face à lui lorsqu'il cuisine et dîne, ou à ses côtés lorsqu'il regarde de vieux documents télévisuels mettant en scène les Grands Hommes de l'Histoire de France ou lorsqu'il dort ! Audrey, donc, interprétée Zoé Marchal, laquelle n'est autre que la fille de Catherine et Olivier Marchal. Nouvelle valeur sûre du cinéma et de la télévision française qui brilla tout récemment dans l'excellente mini série Les lionnes d'Olivier Rosemberg et Carine Prévot dans laquelle elle interprétait l'un des rôles principaux d'un quatuor de braqueuses de banques...

Dans le cas de La poupée, la jeune femme personnifie l'émancipation de son personnage qui jusque là, et à l'image de cette poupée incarnant une femme enfermée dans sa condition de victime du patriarcat, va donc notamment découvrir le libre arbitre ! Avec justesse, beaucoup d'humour, de sincérité et parfois même d'émotion, Sophie Beaulieu signe une comédie plus simple que simpliste. Drainant en outre comme un cahier des charges imposé, quelques idées bien dans l'air du temps comme la ''Non binarité'' ou son contraire, la ''Cisidentité'', à travers le personnage de Domi, la sœur de Rémi, interprétée par l'actrice Adèle Journeaux dont il s'agit ici du premier rôle sur grand écran. Faussement naïve, la comédie de Sophie Beaulieu est un véritable bol d'air frais et derrière le message que l'on pourrait parfois estimer d'opportuniste se cache l'une de ces rares bonnes comédies qui chaque année sortent en France. Originale, drôle, touchante, entre comédie romantique, satire sociale et fantastique, La poupée fonctionne très bien grâce à sa mise en scène sobre mais efficace et surtout grâce à l'excellent jeu d'acteurs. Notons d'ailleurs que parmi ces derniers, Marianne Basler et Gilbert Melki incarnent les parents de Rémi. À découvrir très vite en salle puisque le film est sorti il y a deux semaines environ...

 

La Trilogie Marseillaise de Marcel Pagnol : Marius d'Alexander Korda (1931) - ★★★★★★★★★☆

La Trilogie Marseillaise de Marcel Pagnol : Marius.

Avant-propos :

 J'ai cinquante-quatre ans, suis originaire de la région parisienne, vis depuis trente ans à Marseille et donc dans le sud depuis plus de la moitié de ma vie. Et pourtant, si je prends en compte ce que certains habitants du cru ne cessent de me ressasser, j'aurai beau vivre trente ans de plus à Marseille, jamais ô grand jamais je ne serais moi-même marseillais. N'ayant de toute façon jamais eu cette prétention, je ne me formalise pas. D'autres compatriotes cette fois-ci originaires de Seine-et-Marne pourraient considérer de traîtrise que de m'être laissé aller à goûter à la bouillabaisse ou au panisses et au chichi. Devenu apatride dans mon propre pays la France, c'est donc dans l'imaginaire offert par de grands auteurs que j'ai choisi de me réfugier lorsque souvent je me pose la question : '' d'où viens-je...?  ''.  La langue française, lorsqu'elle est écrite, est universelle. Sans accents. Presque anonyme si ce n'est le ton que lui donne l'auteur du texte que l'on tient entre les mains. Accent marseillais ? Parisien ?  Qui sait...?

Marius donne des regrets. Celui qui tout d'abord nous a refusé de vivre il y a près d'un siècle, proche de ce Vieux Port de carte postale en noir blanc. De ces autochtones au fort accent qui de nos jours se dilue au profit d'un parler '' racaille ''. Premier volet de la La Trilogie Marseillaise de Marcel Pagnol reposant sur l'ouvrage du célèbre écrivain et cinéaste français, ce long-métrage de plus de deux heures est comme très souvent chez son auteur, ce que l'on peut considérer comme l'un des plus précieux nectars en matière d'écriture. Bien avant Michel Audiard, Francis Veber ou Bertrand Blier, l'écrivain, scénariste et réalisateur français donne ici ses lettres de noblesse au cinéma méridional. Un héritage culturel et cinématographique qui pour certains fait probablement la nique à la concurrence parisienne de l'époque dont les qualités sont pourtant très '' flatteusement'' mises en avant par les archéologues du septième art... Tandis que le réalisme poétique du cinéma parisien s'ancre à l'époque au travers de certaines œuvres aussi célèbres que Quai des brumes ou Hôtel du Nord de Marcel Carné ou Sous les toits de Paris de René Clair, au ton plus sombre et donc beaucoup plus pessimiste, le cinéma de Marcel Pagnol s'inscrit dans un courant beaucoup plus chaleureux. Pourtant, l'un et l'autre de ces cinémas se trouvent être très proches du peuple. D'où des thématiques qui dans Marius parlent invariablement au plus grand nombre, que l'on soit du sud ou du nord. Ironiquement, si plusieurs séquences situées notamment aux abords du Vieux Port ont effectivement été très exactement tournées sur le lieu de l'intrigue, d'autres furent réalisées dans les Studios de Joinville, situés à Joinville-le-Pont, dans le Val-de-Marne. Et parmi ces dernières, celles situant leur action dans le Bar de la Marine, un lieu authentique du Vieux Port reconstitué à l'occasion du long-métrage...

Si l'histoire est somme toute classique et tourne autour de deux idées principales, Marius vaut évidemment davantage pour ses dialogues et son interprétation que pour son cadre, lequel se résume rapidement au Bar de César Ollivier qu'interprète l'excellent Raimu et à quelques séquences tournées en extérieur et notamment sur le quai du Vieux Port de Marseille. Si le père de Marius est très présent à l'image et donne la réplique au héros lors de séquences souvent admirables, c'est bien autour du jeune homme que tourne ce premier volet de la La Trilogie Marseillaise de Marcel Pagnol. Laquelle se poursuivra l'année suivante avec Fanny avant de prendre fin en 1936 avec César. Dans Marius, il est beaucoup question d'amour et de passion. Écrit par Marcel Pagnol mais réalisé par le britannico-hongrois Alexander Korda, le long-métrage fait effectivement la part belle à cet amour que partagent l'un pour l'autre Marius et la jeune Fanny. Respectivement interprétés par Pierre Fresnay et Orane Demazis, cette dernière accompagnera la carrière de Marcel Pagnol durant un temps tout en partageant son existence entre 1925 et 1938. L'on pourra d'ailleurs regretter qu'en 1952 le cinéaste et écrivain n'ait pas préféré opter pour une actrice de la trempe d'Orane Demazis plutôt que pour sa nouvelle compagne Jacqueline dont l'incarnation dans la seconde partie de Manon des sources intitulée Hugolin laissa quelque peu à désirer ! Si beaucoup semblent tout d'abord se souvenir de la mythique partie de carte et de la légendaire réplique de César ''Tu me fends le cœur, Marius vaut surtout pour ses innombrables lignes de dialogues dont la richesse et l'esprit parfois très méridional régalent les oreilles du spectateur en permanence. Un humour très présent, donc, mais aussi quelques moments plus graves qui démontrent notamment la richesse d'interprétation de la plus part des acteurs présents à l'image. Les rapports entre Marius et son père César. Et plus encore, cette séquence relativement longue durant laquelle Marius et Fanny avouent s'aimer tandis que le jeune homme révèle à la jeune femme la raison pour laquelle il ne peut pas l'épouser. Bref, Marius est une pépite du cinéma français des années trente qui n'a pris que très peu de rides. De formidables acteurs. Une histoire simple campée par des personnages fascinants, touchants et souvent drôles...

Avignon de Johann Dionnet (2025) - ★★★★★★★★★☆

 

 

Depuis 1947, la ville d'Avignon accueille le plus important festival des arts du spectacle et de théâtre du monde. Fondé par le metteur en scène français Jean Vilar, il a servi cette année de cadre au premier long-métrage réalisé par l'acteur, réalisateur et scénariste Johann Dionnet. Présenté le 16 janvier dernier au festival de l'Alpe d'Huez aux côtés des très sympathiques Les règles de l'art de Dominique Baumard, Le répondeur de Fabienne Godet ou du Mélange des genres de Michel Leclerc (tous les trois chroniqués par votre serviteur), le film a remporté le Grand Prix ainsi que ceux de Canal+ du meilleur film et du Coup de cœur des Alpes ! Trois prix amplement mérités pour l'une des vraies bonnes comédies françaises à avoir vu le jour sur grand écran dès le 18 juin dernier... Écrit par Johann Dionnet lui-même ainsi que par le réalisateur et scénariste Benoît Graffin, Avignon a beau avoir été couronné de ces trois prix, force est malgré tout de reconnaître qu'en terme d'originalité, cette comédie très rafraîchissante est allée puiser dans des sources d'inspiration que l'on aurait pu croire asséchées. Car des histoires où passion amoureuse et humour s'entremêlent, le cinéma français en charrie depuis que le septième art existe. L'un des principaux atouts du long-métrage reste donc son cadre et ses festivités. Mais alors qu'il semble avoir été tourné en plein cœur du Festival d'Avignon, le tournage a en réalité eu lieu en plein été 2024 pour se conclure en septembre à Paris où se situent les dernières séquences du film. Avignon met en scène l'humoriste et acteur Baptiste Lecaplain dans le rôle de Stéphane. Comédien de théâtre, il accepte de rejoindre son ancienne troupe au Festival d'Avignon pour reprendre le rôle qui tenait dans la pièce de boulevard Ma sœur s'incruste qui avait été repris par un remplaçant qui s'avère indisponible. Réticent à l'idée de reprendre le rôle en question, il remonte finalement sur les planches aux côtés de Coralie (Alison Wheeler), d'Amélie (Constance Carrelet) et de Patrick (un rôle interprété par Johann Dionnet lui-même). La pièce est dirigée par leur ami Serge (Lyes Salem), lequel vient de faire appel au tout nouveau régisseur Marc (Rdy Milstein). Alors que Stéphane et les autres membres de la troupe placardent dans les rues de la ville affiches de leur pièce, il tombe sur celle de la chanteuse Fanny (Elisa Erka), une jolie jeune femme qu'il a brièvement connue il y a des années et sur laquelle il tombe peu de temps après.

Alors qu'ils échangent quelques mots, un quiproquo va contraindre Stéphane à mentir à Fanny. En effet, séduite par le jeune homme et surtout à l'idée qu'il joue le rôle principal de Rodrigue dans la pièce Le Cid donné par une autre troupe, celui-ci n'ose pas lui avouer qu'il joue en réalité dans une petite pièce de boulevard... Sur ce postulat de base, Johann Dionnet signe une comédie fraîche reposant sur une interprétation et des dialogues absolument jouissifs. Avignon se situe à la croisée des chemins entre le style propre à la Troupe du Splendid (formée il y a presque cinquante ans autour de Christian Clavier, Gérard Jugnot, Thierry Lhermitte, Michel Blanc, Josiane Balasko, Marie-Anne Chazel et Bruno Moynot) et une œuvre vers laquelle le long-métrage de Johann Dionnet tente à se rapprocher : Les grands ducs de Patrice Leconte dans lequel trois comédiens de théâtre en retraite (incarnés par Jean Rocheford, Jean-Pierre Marielle et Philippe Noiret) voyaient l'opportunité de remonter sur scène dans une pièce de boulevard intitulée Scoubidou ! Dans un cas comme dans l'autre, les deux films jouent sur les rapports humains, les jeux de séduction tandis que le personnage de Serge rappelle peu ou prou celui incarné à l'époque par Michel Blanc (le producteur escroc devenant désormais un metteur en scène ayant de grosses difficultés à financer ses interprètes et la location du théâtre). Avignon présente une galerie de personnages hauts en couleurs, brillamment caractérisés et auxquels chaque interprète fait honneur. Les bons mots fusent en permanence et le spectacle auquel il nous est donné d'assister ressemble lui-même à une pièce de boulevard. Adaptation de son propre court-métrage Je Joue Rodrigue qu'il réalisa deux ans auparavant en 2022, Johann Dionnet signe une comédie romantique tout sauf mièvre, très drôle et profondément humaine. Bref, de quoi satisfaire toutes celles et ceux qui depuis des lustres ne croient plus en la comédie française...

 

Un mariage sans fin de Patrick Cassir (2025) - ★★★★★☆☆☆☆☆

 

 

À la suite de la sortie en 2020 de Palm Springs de Max Barbakow, l'un de ses interprètes principaux Andy Samberg osait comparer cette sympathique comédie de science-fiction romantique au classique de Harold Ramis, Un jour sans fin (Groundhog Day). Autant dire que la comparaison était un brin infamante pour ce dernier même si le parallèle mis en avant entre les deux longs-métrages n'en demeure toujours pas moins évident. Cinq ans ! C'est le temps qu'il aura fallut au réalisateur et scénariste français Patrick Cassir pour mettre en scène le remake de Palm Springs. Second long-métrage après la comédie Premières Vacances en 2018 dans lequel les personnages interprétés par Jonathan Cohen et Camille Chamoux se rencontraient sur Tinder avant de partir ensemble en vacances, Patrick Cassir reprend donc le postulat de départ du scénario écrit en 2018 par Andy Siara et l'adapte à la sauce française en mettant en scène Tarek Boudali de la bande à Fifi (Philippe Lacheau) dans le rôle de Paul et l'actrice et ancien mannequin franco-américaine Camille Rowe (vue notamment dans The Deep House d'Alexandre Bustillo et Julien Maury en 2021) dans celui de Louna, la sœur de Gala (Marie Papillon) qui aujourd'hui doit épouser l'homme de sa vie, Luc (Bertrand Usclat). Parmi les personnages plus ou moins secondaires, l'on retrouve également Hakim (Youssel Hadji), un protagoniste tout d'abord énigmatique qui poursuit Paul avec une arbalète dans l'intention de l'assassiner. Notons également la présence de Justine (Claire Chust), petite amie du héros un brin écervelée et meilleure amie de la future mariée. Tout ce petit monde se prépare donc au mariage. Surtout les parents de Gala dont la mère a tendance à oublier le prénom de son autre fille ! Durant le repas qui fait suite à l'union des deux nouveaux époux, Paul s'impose admirablement comme le sauveur d'une Louna incapable de décrocher un mot lorsque vient son tour de rendre hommage à sa sœur et à son beau-frère fraîchement mariés.

Si les festivités se déroulent telles qu'on les imagine, pour Paul, elles sont surtout pour lui l'occasion d'approcher Louna dont il est secrètement amoureux. L'invitant à faire un tour tandis que les mariés, leurs familles et leurs proches font la fête, le jeune homme est attaqué par Hakim et reçoit deux fléchettes dans le corps. En prenant la fuite, il entre dans une grotte au fond de laquelle une intense lumière surgit. Suivit de près par Louna, Paul lui promet qu'ils se reverront avant d'être aspiré au fond de la grotte. Louna fait alors le choix de le suivre... Bon ! Au risque d'en faire rugir certains, Un mariage sans fin est probablement l'une des meilleures comédies de ces dix ou vingt dernières années, fine, bourrée d'esprit, émouvante, drôle, charmante.... Meuh naaaaan, j'déconne ! À dire vrai, le film se regarde. On n'ira donc pas jusqu'à dire qu'il a les mêmes défauts que les bousins réalisés ces dernières années par Michèle Laroque (pour ne citer que la plus évidente) mais bon, tout ceci ne fleure franchement pas l'innovation en terme de mise en scène, d'écriture et d'interprétation malgré son sujet axé sur le thème de la boucle temporelle. Une comédie bateau, sans éclats et dont la seule bonne idée est de n'avoir pas été projetée dans les salles de cinéma mais directement sur la plateforme Prime Video. L'occasion rêvée de se faire une opinion sur l'objet en question sans avoir à débourser un seul centime supplémentaire autre que l'abonnement ! Hasard du calendrier, un peu moins de deux semaines plus tard a été proposé sur Netflix Nuestros Tiempos du réalisateur mexicain Chava Cartas et dans lequel les héros incarnés par Juan Carlos Garzón et Angélica Gudiño interagissent cette fois-ci directement sur le phénomène de voyage dans le temps en créant leur propre machine...

 

A toute allure de Lucas Bernard (2024) - ★★★★★★☆☆☆☆

 

 

Le président honoraire du musée du Louvre Pierre Rosenberg disait : ''Il faut voir le maximum d’œuvres et prendre son temps pour les regarder, un peu comme l’œnologue goûte le vin.'' Pas de bol, j'aime pas le vin ! Une bonne bière suffisant à me combler de joie après une dure journée de labeur dans notre petit paradis terrestre qu'est notre Jardin aux Succulentes, j'ai quand même choisi de laisser sa chance au dernier long-métrage de Lucas Bernard. Parce que je n'étais pas seul devant l'écran et que je n'allais pas immédiatement imposer mon point de vue à ma compagne après seulement quinze minutes de projection, mais aussi parce qu'il ne faut pas toujours se fier à sa première impression. Qui fut ? Ben... que le film avait quand même l'air d'être une belle grosse merde ! Pour paraphraser la citation de Laurent Outang ''L'indifférence, c'est le contraire de la différence'' mais aussi pour avoir l'air moins bête et sans doute pour paraître moins rigide que je ne le suis auprès de celle qui partage ma vie, j'ai donc choisi de ronger mon frein. D'autant plus que le film ne dura que quatre-vingt cinq minutes. C'est quand même pas la fin du monde, hein ? Surtout, si en comparaison, il avait dû nous falloir choisir durant des plombes une autre option que A toute allure. Rarement déçus par Pio Marmaï ou par José Garcia, c'est bien plus en raison de leur présence à l'image que pour le sujet invoqué que nous avons donc visionné le film de Lucas Bernard. Et moins pour l'éventualité d'assister à une comédie... romantique ! Aussi fantaisiste qu'elle puisse être. Et en matière de cocasserie, justement, le film en est perclus. Au point que l'indigestion allait me semblait-il, se pointer après seulement quelques dizaines de minutes. Celles qui en général servent à présenter les personnages et le lieu de l'action. La folie des personnages et des dialogues aidant, la bluette entre Marco Mariani (Pio Marmaï, donc) et Marianne (l'actrice franco-malienne Eye Haïdara) est à l'aune de l'incongruité d'un récit dans lequel les personnages dans leur ensemble sont plongés. Alors, que l'on y croit fermement ou pas, la pilule de cette étrange relation qui se noue entre les deux protagonistes passe crème.

Le coup de foudre entre ces deux là va amener le premier, chef de cabine d'une compagnie aérienne, à se faire involontairement enfermer à bord du sous-marin nucléaire Le Fringant (en réalité, l'escorteur d'escadre de la Marine nationale, Maillé-Brézé). Embarqué comme passager clandestin dans un bâtiment aux commandes duquel le capitaine de frégate Benazech (José Garcia) en est le commandant, Marco va jouir de la complicité de l'un des officiers (Victor Potecorvo dans le rôle de Fred) et se retrouver à faire la cuisine pour l'équipage aux côtés du très grincheux Gueguen (Frédéric Maranber). Une comédie romantique en huis-clos glorifiant à sa manière très particulière la Marine Nationale lors des fêtes de fin d'année. A toute allure oppose un Marco habitué des conquêtes féminines à une officière engoncée dans ses principes et qui ne s'en laisse pas compter devant ce séducteur un peu trop entreprenant. Plutôt laborieux lors d'un premier quart poussif et théâtral, il faut surtout se faire à l'idée que l'approche de Lucas Bernard (également à l'écriture) n'est pas inscrite dans le marbre d'une écriture ordinaire. Une œuvre absurde mais non dénué de quelques envolées qui laisse songeur vis à vis de ce qu'aurait pu donner le film si seulement Lucas Bernard avait su maintenir le cap de bout en bout. Car à vrai dire, le film repose davantage sur la relation entre les personnages et la spontanéité de leurs interprètes respectifs que sur les dialogues qui malheureusement ne sont pas toujours au top ! D'où ces émotions, diverses, qui nous traversent. Entre l'impression de nous être fait enfumés par un artiste qui se croyait pouvoir jouer dans le même registre qu'un Bruno Podalydès et le sentiment d'avoir bien fait, finalement, d'être allés à terme d'une comédie loufoque, volontairement surjouée et parfois bénie des dieux par la seule présence de José Garcia qui en capitaine de frégate nous régale de ses anecdotes autant qu'il exaspère son équipage. Par contre, si vous vous attendiez à ce qu'il s'agisse d'une parfaite émulsion entre comédie romantique et film d'aventures, vous en serez pour vos frais. Est-ce parce que le ton ne s'y prête pas vraiment ou parce que la facticité de certains environnements échappe à toute crédibilité, mais côté voyage et sensations fortes, A toute allure demeure en ce point très précis, malheureusement lettre morte...

 

Fly me to the Moon de Greg Berlanti (2024) - ★★★★★★★★☆☆

 

 

Réduire Fly me To the Moon à une simple comédie romantique, c'est un peu comme de laisser l'exclusivité à Peter Dinklage de décider du sort que l'on accorde aux acteurs de petite taille au cinéma. Bref, dans un cas comme dans l'autre, ce serait insupportable. Car si comme moi, à la seule évocation d'une comédie américaine tournant exclusivement autour d'un couple qui se cherche, se repousse, se retrouve pour enfin se faire des papouilles, des perles de sueur vous coulent dans le cou et vous préférez prendre immédiatement vos jambes à ce même endroit de votre anatomie, ce serait alors passer devant une œuvre qui mérité bien plus que ce simple statut de comédie romantique. Tout d'abord parce que le sujet a pour intrigue une période où la National Aeronautics and Space Administration plus connue à travers le monde sous l'acronyme de NASA connut un désintérêt presque général de la part de la population et de certains organismes politiques, à commencer par le Gouvernement Nixon qui rejeta le programme d’exploration spatiale soumis par la NASA en 1969. Ensuite parce que ce serait passer à côté d'une œuvre qui coche toutes les cases du long-métrage concocté aux petits oignons par la totalité de son équipe technique ainsi que par son auteur et ses interprètes. L'idée de placer Fly me To the Moon au cœur d'un événement d'ampleur mondiale et historique est sans doute le choix le plus judicieux qu'aient apporté les principaux instigateurs du projet. Et ce, même si la trame de base n'a rien de vraiment innovante. De quoi malgré tout attirer du monde devant son écran de cinéma préféré et se lancer dans l'une des ces aventures mille fois rabâchée sur petit et grand écran mais qui prend ici une dimension vraiment exceptionnelle. Confié à l'origine à l'acteur et réalisateur Jason Bateman, Fly me To the Moon sera finalement mis en scène par Greg Berlanti. Après une description du genre contenu dans son nouveau long-métrage assez peu flatteuse, voilà que le projet est réalisé par un cinéaste qui m'était jusqu'à maintenant parfaitement inconnu. Quant à l'acteur Channing Tatum, à part Ave, César ! des frères Coen et Kingsman : le Cercle d'or de Matthew Vaughn dont je n'ai malheureusement conservé aucun souvenir, il m'est d'emblée apparu ici tout d'abord comme une anomalie. Avant que je ne change plus tard mon fusil d'épaule pour constater qu'il fut au contraire le candidat idéal de cette jolie histoire entre deux êtres sur fond de conquête spatiale. L'acteur y incarne Cole Davis, le directeur du projet Apollo 11 qui doit aboutir au lancement de la fusée du même nom le 16 juillet 1969.

Mais la NASA rencontrant de graves difficultés financières, c'est alors qu'un obscure personnage du nom de Moe Berkus (excellent Woody Harrelson) travaillant pour le Gouvernement américain charge la jeune et jolie Kelly Jones (Scarlett Johansson) d'une mission qui redorera l'image de la célèbre agence fédérale chargée du programme spatial civil américain. Son passé trouble la contraint à accepter et c'est ainsi que Kelly se retrouve aux côté de Cole Davis, lequel envisage assez mal de collaborer avec cette femme, certes charmante, mais qui ne semble vouloir en faire qu'à sa tête. Scarlett Johansson et Channing Tatum son donc au cœur de cette histoire passionnée et passionnante dont le contexte nous rappelle en outre qu'il fut au centre d'une théorie selon laquelle Neil Armstrong et Buzz Aldrin n'auraient jamais posé le pied à la surface de la Lune. Impliquant même le réalisateur Stanley Kubrick dans un projet de ''film'' reconstituant secrètement sur le sol terrestre l'alunissage d'Apollo 11 ! Tout ceci étant ici remanié à la sauce humoristico-romantique. Entre la difficile relation entre nos deux principaux protagonistes, leur passé respectif, le projet de conquête spatiale et la charge politique qu'il entraîne derrière lui, Fly me To the Moon est une réussite totale. Scarlett Johansson est parfois prodigieusement agaçante tandis que Channing Tatum s'avère très touchant. Deux états d'esprit totalement opposés mais qui finalement, on le devine, vont matcher ! À côté de ces deux flamboyants interprètes l'on a droit à d'excellents seconds rôles. À l'image de Jim Rash qui incarne le réalisateur Lance Vespertine (qui s'installe donc au cœur de la théorie en lieu et place de Stanley Kubrick). Ou Ray Romano qui interprète l'ami et collègue de Cole, Henry Smalls pour une incarnation très touchante. Notons la très belle photographie de Dariusz Wolski, le montage de Harry Jierjian (avec toute une série de split-screens à l'appui) ou la partition musicale de Daniel Pemberton. Dans son genre, Fly me To the Moon délivre ce qu'il faut en humour et en émotion pour que le spectateur adhère à cette histoire un brin loufoque mais plongée lors d'un authentique événement historique...

 

Ce soir, je dors chez toi d'Olivier Baroux (2007) - ★★★★★★☆☆☆☆

 

 

Olivier Baroux, plus connu des téléspectateurs sous son simple prénom à l'époque où à la télévision il formait en compagnie de son ami Kad Merad le duo Kad et Olivier, cet humoriste et acteur s'est lancé pour la toute première fois dans la réalisation de longs-métrages en 2007 avec Ce soir, je dors chez toi. Son acolyte attendra quelques années de plus avant de réaliser lui-même un premier film avec Monsieur papa en 2011. Fidèle à son compagnon auquel il offrira ponctuellement des rôles dans certains des treize longs-métrages qu'il réalisera entre 2007 et 2022, Olivier Baroux lui confie dans Ce soir, je dors chez toi le rôle de l'éditeur littéraire et ami du héros, Jacques. À l'occasion de sa présence au sein d'un casting relativement sympathique, l'humoriste et acteur fait ce qu'il, à l'époque, savait faire de mieux : donner dans le pastiche avec ce personnage un peu ringard, affublé d'un duffle-coat mauve et d'une perruque blonde proche de celles dont il était le porteur à l'époque de l'émission La grosse émission sur la chaîne Comédie ! créée en 1997 par l'ancien Nuls, Dominique Farrugia. Un véritable vivier de talents que ce programme qui en outre fut une très intéressante plate-forme pour la troupe des Robins des Bois parmi lesquels Pierre-François Martin-Laval, Marina Foïs et Jean-Paul Rouve sont ceux qui par la suite paraissent avoir le mieux géré leur carrière. Concernant ce dernier, on a pu notamment le voir dans les quatre volets de la franchise Les Tuche également réalisés par Olvier Baroux, mais aussi dans quelques drames et thrillers, tels Bunker Paradise de Stefan Liberski en 2005 ou Le Consentement de Vanessa Filho l'année dernière, ou le voir s'afficher lui-même derrière la caméra à quatre reprises entre 2008 et 2018. Ici, il incarne l'écrivain Alex dont le premier roman vient de connaître un succès d'estime. Alors qu'il est sous contrat avec une maison d'édition et que Jacques lui met la pression afin qu'il écrive et qu'il lui confie le plus rapidement possible son prochain manuscrit, Alex rencontre Lætitia Cosso. Ils tombent sous le charme l'un de l'autre et au bout d'un an, la jeune femme propose à l'homme qu'elle aime de venir s'installer chez lui...

Mais après une nuit agitée durant laquelle Alex va faire de nombreux cauchemars, celui-ci s'inquiète de la nouvelle situation qui se profile. Et pour décourager Lætitia de venir effectivement vivre avec lui, il demande à Jacques de venir s'installer chez lui et de se faire passer pour dépressif... Les bases du récit sont ainsi définies. Comédie romantique légère et inoffensive, Ce soir, je dors chez toi est plaisant à regarder. Lætitia est incarnée à l'écran par l'actrice Mélanie Doutey. La jeune interprète alors proche de la trentaine à l'époque du tournage débutait sa carrière huit ans auparavant dans Les Gens qui s’aiment de Jean-Charles Tacchella dans lequel elle interprétait un tout petit rôle ! Dans Ce soir, je dors chez toi elle incarne l'un des deux principaux personnages, en jeune femme séduisante et touchante face à un Jean-Paul Rouve dont le rôle n'assume absolument pas certains des choix de couple. Réfractaire à l'idée de partager sa vie avec Lætitia tout en l'aimant sincèrement, l'un et l'autre des interprètes captivent par leur authenticité. Le spectateur notera la présence à l'écran des véritables parents de Mélanie Doutey. Fille de Arièle Semenoff et d'Alain Doutey (éternel Camille de la série de l'été de Jean Sagols en 1988 et 1989, Orages d'été), ils incarnent à l'écran la mère et le père de la jeune femme. Si Ce soir, je dors chez toi est une très sympathique comédie, on ne rit pas forcément aux éclats. Pourtant, les différentes interventions de Kad Merad dans le rôle du meilleur ami faussement dépressif demeurent pour les amateurs de l'ancien humoriste, un véritable régal. Quelques séquences plus profondes viennent émailler un récit pourtant relativement convenu. Adapté de la bande-dessinée Monsieur Jean des dessinateurs et scénaristes français Philippe Dupuy et Charles Berberian, le film d'Olivier Baroux se regarde donc sans déplaisir. Pas inoubliable mais très largement au dessus de ce qu'engendre le cinéma comique français depuis ces vingt dernières années...

 

White Room de Patricia Rozema (1990) - ★★★★★★★★★☆

 

 

Tout n'est toujours que question de subjectivité et de sensibilité lorsqu'il s'agit d'exprimer ses émotions devant un chant, un air de musique, un poème ou un long-métrage. Pourquoi la bande musicale signée de Pino Donaggio pour le chef-d’œuvre de Brian De Palma Body Double me hante-t-elle depuis ces quarante dernières années ? Pourquoi Miracle Mile de Steve De Jarnatt a-t-il créé chez moi un phénomène de persistance rétinienne qui ne s'est depuis jamais relâché ? Et pourquoi désormais devrais-je vivre avec la sensation d'avoir découvert bien trop tard le second long-métrage de la réalisatrice américaine Patricia Rozema... ? Parce que White Room demeurera sans doute comme l'une des plus étonnantes, fascinantes et séduisantes expériences de cinéma, de cela, je suis persuadé. Le genre de long-métrage qui nous tombe entre les mains sans que nous n'ayons jamais tenté un seul instant de l'attraper au vol lorsque l'occasion se manifesta. C'est pourtant dans ce cas de figure là que s'est présentée l'occasion de découvrir ce joyau de romantisme, ce conte de fée où amour, névrose, ambition et musique se conjuguent pour nous offrir un authentique et pur moment d'humanité. Aussi déchirant que la perte de l'être le plus aimé au monde, aussi beau et intense qu'une ''première fois'' avec celui ou celle que l'on désire ardemment, derrière son énigmatique titre, White Room cache une œuvre troublante, parfois même déconcertante. Surtout lorsque la réalisatrice, également aux commandes de l'écriture monte son film en y intégrant des images iconiques et représentatives de l'esprit du personnage de Norme interprété par Maurice Godin. Un jeune homme qui après avoir quitté le cocon familial part s'installer seul, lequel a pour étrange habitude d'épier les gens chez eux lorsque tombe la nuit. C'est ainsi qu'un soir il assiste à la mort d'une chanteuse populaire connue sous le nom de Madelaine X (l'actrice (Margot ''Soeurs de sang'' Kidder), assassiné par un inconnu tandis que Norm demeure tétanisé devant l'acte. Empli de remords, il assiste aux obsèques de la chanteuse et y croise de manière brève une certaine Jane (interprétée par la magnifique Kate Nelligan) qu'il rencontrera de nouveau avant de lui proposer ses services de jardinier.

Jusque là, le jeune homme a trouvé un boulot de vendeur de journaux auprès de Zelda (Sheila McCarthy), une artiste plutôt ''originale'' qui lui propose de tenir son kiosque de manière intermittente. Fasciné par Jane à laquelle il avait tendu un mouchoir lors des obsèques de Madelaine X, la belle inconnue débarque un jour devant le kiosque afin de le lui rendre. Dès lors va naître une relation étrange entre cette très belle femme vivant à l'écart du monde et ce jeune garçon se rêvant d'écrire mais qui souffre d'être incapable de noircir la moindre page blanche... White Room démontre non seulement les qualités d'écriture et de mise en scène de Patricia Rozema mais également sa grande sensibilité. Œuvre qui sous cette forme n'aurait sans doute pas été en mesure d'être conçue par un homme, c'est bien donc toute de féminité que s'habillent le scénario et la mise en scène, dégageant une certaine poésie, une magie parfois déconcertante il est vrai, mais qui ne dénature jamais le propos et au contraire, l'enrichi. La relation entre les deux principaux protagonistes dénote une sincère complicité entre Kate Nelligan et Maurice Godin. Séduisant le spectateur à travers cette timide relation intime qui se dessine autour de leurs deux personnages et des soucis comportementaux que l'un et l'autre ont cultivé à leurs dépends tout au long de leur existence. D'un côté, un Norm pour qui parler ou même faire l'amour est une chose relativement délicate. De l'autre, le handicap de Jane face à son impossibilité de vivre au sein de ses concitoyens. Naît de ce mélange entre drame et romantisme une alchimie qui dispense chez le spectateur un réel sentiment de chaleur et de passion pour ces deux personnages hors du commun. Où le réel se confond avec l'imaginaire débridé de Norm. Et où la conclusion ne peut souffrir d'une telle noirceur que le jeune homme lui-même préférera la nier en recourant aux subterfuges qui lui ont toujours permis d'avancer dans la vie. Bref, White Room est un régal. Original, émouvant, poignant, Patricia Rozema signe là un très beau film...

 

Un plan parfait de Pascal Chaumeil (2012) - ★★★★★★★☆☆☆

 

 

Si l'on se fie strictement à l'affiche et à l'air de benêt qu'y arbore l'acteur, réalisateur, scénariste et humoriste Dany Boon, Un plan parfait pourrait s'envisager comme une comédie française simplement bête et innocente. Si l'apparente invraisemblance de certains sentiments véhiculés par le récit se joue entre le charme de l'actrice Diane Kruger et la physionomie nettement plus ''brute de décoffrage'' de Dany Boon, le regretté Pascal Chaumeil qui deux ans auparavant aura réussi le coup parfait avec L'arnacœur prouve qu'une ''Belle'' et une ''Bête'' ont tout autant le droit et la possibilité de s'aimer que n'importe quel autre couple. C'est d'ailleurs une habitude pour Dany Boon chez qui le contraste entre les différents personnages qu'il incarne sur grand écran et ceux auxquels il se frotte est parfois étonnant. Dans le cas de Un plan parfait, il s'agit tout d'abord de briser une malédiction. Celle qui en général touche tous les membres de la famille d'Isabelle. Chaque premier mariage se soldant par un divorce, celle qui prévoit d'épouser dans un mois son compagnon Pierre (l'acteur Robert Plagnol) a décidé de défier en duel le mauvais sort en épousant tout d'abord le premier venu, puis de divorcer pour enfin épouser en seconde noce l'homme de sa vie. Une vie d'ailleurs bien rangée. Isabelle et Pierre sont tous les deux dentistes, travaillent dans le même cabinet, partagent absolument tout et vivent l'un et l'autre vingt-quatre heures sur vingt-quatre. On devine alors que sa rencontre avec Jean-Yves, employé du Guide du Routard va changer bien des choses dans la future perspective de vie du couple formé par la très belle jeune femme et son compagnon. Mais d'ici là, beaucoup d'eau aura coulé sous les ponts. Le récit étant développé sous forme de flash-back, l'occasion y est notamment offerte de découvrir dans des rôles secondaires les acteurs Jonathan Cohen et Étienne Chicot ainsi que les actrice Alice Pol, Laure Calamy et Bernadette Le Saché.

Lesquels participent tous à un dîner organisé par la maîtresse de maison (un brin froide et rigide) et lors duquel chacun va tenter de réconforter Valérie (Laure Calamy) qui vient d'être quittée par son petit ami. Ensemble, ils vont lui raconter l'aventure qu'a vécu Isabelle au bras de Jean-Yves. Les scénaristes Laurent Zeitoun et Yoann Gromb sur la base d'une histoire écrite par Philippe Mechelen développent un récit autour de deux personnages qui n'ont absolument rien à voir l'un avec l'autre. D'un côté, une jeune et très belle dentiste aux revenus et à l'existence fort satisfaisant. De l'autre, un célibataire apparemment bourru et endurci passant son temps sur les routes. C'est sur ce point que l'invraisemblance de cette romance à venir est éclipsée au profit d'une réalité : la monotonie du couple ravageant la passion, c'est ailleurs qu'Isabelle trouvera finalement l'amour. Ce n'est pas révéler un secret d'état que d'afficher au milieu de cet article ce que tout le monde aura deviné par avance. Surtout que derrière les oripeaux de la perfection que semble afficher le personnage interprété par Robert Pagnol, un détail viendra bientôt gripper la relation qu'il entretient avec celle qu'il doit épouser dans un mois. Savoureuse comédie romantique, Un plan parfait sera l'antépénultième long-métrage cinématographique de Pascal Chaumeil qui malheureusement mourra d'un cancer à l'âge de cinquante-quatre ans le 27 août 2015. Le couple Diane Kruger/Dany Boon fonctionne à merveille et même si l'on peut douter de la véracité des sentiments de la première envers le second, on plonge, littéralement. Au delà de l'humour qui ne faillit jamais vraiment, le film se montre également parfois touchant. Surtout lors du dernier tiers. Le réalisateur et toute son équipe n'ont semble-t-il pas ménagé leurs efforts puisque ils se déplaceront, ainsi que le principal duo, jusqu'à Moscou, en Russie, ainsi qu'au Kenya, au cœur d'un petit village Maasaï ! Des cadres dépaysants pour la sensuelle et séduisante Isabelle mais aussi pour le public qui se prend à rêver d'une idylle de cette ampleur... Bref, Un plan parfait est une bonne surprise, divertissante, amusante et parfois émouvante. Sans doute en deçà de L'arnacœur, il est vrai, mais ne boudons pas notre plaisir de redécouvrir cette sympathique comédie romantique qui affiche désormais les douze ans d'âge...

 

La dégustation d'Ivan Calbérac (2022) - ★★★★★★★☆☆☆

 

 

'' La dégustation '' d'Ivan Calbérac est typiquement le genre de long-métrage dont nous n'attendions pas grand chose. Et ce, malgré les présences d'Isabelle Carré et de Bernard Campan. D'un côté, l'une de nos plus fraîches et plus jolies actrices hexagonales et de l'autre, le membre des anciens Inconnus connaissant probablement la carrière cinématographique la plus riche. Réalisateur, scénariste et écrivain français, Ivan Calbérac adapte sur grand écran sa propre pièce de théâtre éponyme. Et pourtant, l'idée ne vient pas de lui mais de ceux qui incarneront les principaux rôles. Car après que la pièce ait remporté quelques victoires aux Molière, Isabelle Carré et Bernard Campan évoquent l'idée d'une adaptation sur grand écran avec tout ce que cela suppose de changements. En effet, comme le constatera le spectateur, l'intrigue ne se concentre désormais plus en un seul lieu (la cave où se déroulait la fameuse dégustation) mais s'ouvre sur de plus amples perspectives. '' La dégustation '' met en scène Jacques, un caviste amoureux du bon vin qui a tendance à un peu trop forcer sur ce qu'il ne considère pourtant pas comme de l'alcool. Le quinquagénaire accepte de prendre en stage dans sa boutique le jeune Steve (l'acteur Mounir Amamra), un adolescent issu d'un quartier difficile installé en foyer et en période de réinsertion. Le caviste reçoit un jour la visite de Horthense, une sage-femme pleine de vie tout d'abord entrée dans la boutique de Jacques pour lui acheter une bonne bouteille de vin avant de tomber littéralement sous son charme. '' La dégustation '' nous conte les rapports alambiqués entre un homme au passé tragique et une femme pressée par le temps... Isabelle Carré et Bernard Campan incarnant deux individus aux personnalités bien distinctes. D'un côté, Jacques, homme quelque peu fermé, ne vouant plus son existence qu'au vin et demeurant distant face à l'attitude nettement plus ouverte et donc moins ambiguë de Horthense qui lance, elle, de nombreuses bouteilles à la mer...

 

 

Ce qui rapproche par contre ces deux personnages est une certaine forme de solitude. Pas ou peu d'amis puisque dans l'entourage de Jacques gravite au mieux son ami libraire Guillaume (Éric Viellard), le jeune beur Steve ou son médecin, le docteur Milmont (Olivier Claverie). Constituant ainsi avec Horthense qui elle, vit seule avec sa mère et n'a pas vraiment d'amis (la jeune femme est cependant très appréciée des Sdf qu'elle réunit chaque semaine autour d'une table), les cinq personnages de la pièce. Une équipe d'interprètes eux aussi au complet à laquelle s'ajoute un certain nombre de personnages secondaires. Comme une petite frappe avec lequel devra en découdre Steve, une brochette de '' cloches '' plus sympathiques les unes que les autres ou encore la mère de Horthense qu'interprète l'actrice et comédienne Geneviève Mnich. Le film d'Ivan Calbérac est une comédie romantique légère qui réserve quelques bonnes surprises même si l'écriture ne parvient pas à se hisser au niveau de celles du '' Dîner de cons '' ou du '' Prénom ''. Reste que le duo Isabelle Carré/Bernard Campan fonctionne à merveille et que Éric Viellard et Mounir Amamra s'avèrent très drôles. Si le déroulement du récit est des plus classique et que l'on devine la plupart des actions dirigées par le script, le plaisir de suivre les aventures de Horthense et de Jacques est bien présent et c'est là l'essentiel. Touchant et amusant, '' La dégustation '' d'Ivan Calbérac est donc une très bonne surprise qui se déguste comme un bon vin de table...

 

#JeSuisLà d'Eric Lartigau (2020) - ★★★★★★★★☆☆

Après avoir véritablement lancé la carrière cinématographique du duo d'humoristes formé autour de Kad Merad et Olvier Baroux avec Mais qui a Tué Pamela Rose en 2003 et Un Ticket pour l'Espace en 2006, après avoir déjà mis en scène Alain Chabat dans l'excellent Prête Moi ta Main la même année, après avoir réalisé le segment Lolita du film à sketches Les Infidèles en 2012 et après avoir connu un grand succès avec La Famille Bélier en 2014 en remportant notamment le César du Meilleur espoir féminin pour Louane Emera, le réalisateur français Eric Lartigau est revenu en février dernier avec son tout dernier long-métrage, #JeSuisLà. Il abandonne cette fois-ci l'humour loufoque de ses débuts ou celui un peu plus lourdingue des Infidèles pour une approche toute en sensibilité et en poésie. En confiant l'interprétation du restaurateur Stéphane à l'un des acteurs français les plus attachants de l'hexagone, son œuvre ne pouvait s'attirer que la sympathie de la critique et des spectateurs. Sur un scénario écrit en collaboration avec Thomas Bidegain (De Rouille et d'Os et Dheepan de Jacques Audiard), il écrit une histoire aux tenants relativement fragiles mais qui tient sur ses fondations grâce à l’expertise d'un professionnel du rire capable de naviguer dans des eaux beaucoup plus modérées.

On parle bien évidemment du réalisateur lui-même, mais aussi d'Alain Chabat qui surprend par sa grande retenue même si son nouveau personnage ne s'éloigne finalement pas tant de celui qu'il interprétait au début de Prête Moi ta Main. Un individu tout en mesure, en discrétion. Sauf qu'aujourd'hui, le Stéphane qu'il incarne a quatorze ans de plus que le Luis Costa qui côtoyait la charmante Charlotte Gainsbourg. Stéphane, lui, semble remettre son existence en question. Divorcé et père de deux fils qui travaillent à ses côtés dans le restaurant familial situé au pays basque, il tient en secret une relation virtuelle avec Soo, une artiste-peintre sud-coréenne qui ne le laisse pas indifférent. Sans prévenir personne de la raison de son voyage, Stéphane annonce un jour qu'il part pour la Corée du Sud. Une fois à bord du vol qui doit l'emmener jusqu'à l'aéroport de Séoul, il envoie un message sur Instagram à la jeune femme. Celle-ci lui annonce qu'elle viendra le chercher à son arrivée. Mais lorsque Stéphane arrive à destination, Soo n'est pas là. L'homme patiente une heure, deux... Puis un jour, un second, puis un troisième. Au bout d'une dizaine de jours, après avoir pris le temps de connaître chaque recoin de l'aéroport, après avoir conversé avec une employée à l'entretien, après avoir aidé dans un restaurant sud-coréen de l'aéroport et surtout, après avoir partagé sur Instagram des centaines de photos avec ceux qui se sont abonnés à son profil, le voilà désormais devenu populaire...

Bien involontairement d'ailleurs puisque le personnage façonné d'abord par écrit par Eric Lartigau et auquel a ensuite donné vie Alain Chabat n'est pas de ces hommes qui cherchent la lumière. Juste une façon de ne pas vieillir, de suivre le train des nouvelles technologies en donnant un grand coup de balai dans son existence (symbolisé par le retrait des trophées de chasse ornant son restaurant et en communiquant grâce à l'outil Instagram). #JeSuisLà expose également la désillusion d'un homme plongé seul en terre étrangère. Dans un pays dont il ne parle pas la langue, mais qui revêt une image de carte postale idyllique qui donne furieusement envie de suivre les pas de son héros. ''Coincé'' dans un aéroport fourmillant de vie, Alain Chabat campe avec une infinie justesse un homme séduit par tout ce qui l'entoure. Accompagné par la magnifique photographie de Laurent Tangy, Alain Chabat erre dans un monde bruyant et coloré, fait de rencontres inattendues. Doona Bae incarne Soo, rencontrée virtuellement, puis en rêve (séquence d'une infinie beauté) et de manière ensuite, beaucoup plus concrète. Eric Lartigau n'en oublie cependant pas d'y inclure une note d'humour à travers le personnage de Suzanne incarné par l'humoriste et actrice Blanche Gardin. Un grand film...

Souvenir de Bavo defurne (2016) - ★★★★★★☆☆☆☆

Meilleure actrice française de sa génération (du moins c'est mon sentiment), et même, de plusieurs générations s'étalant du milieu des années soixante-dix (Dupont Lajoie d'Yves Boisset en 1975), en passant par les années quatre-vingt et quatre-vingt dix (Coup de Torchon de Bertrand Tavernier en 1981 ou La Cérémonie de Claude Chabrol en 1995), et jusqu'aux années 2000 depuis le début desquelles, Isabelle Huppert collectionne les rôles au cinéma, convaincue par des cinéastes aussi divers que Benoît Jacquot, Michael Haneke, François Ozon, Wes Anderson ou Anne Fontaine d'être l'interprète idéale de certaines de leurs œuvres. Sans doute le fut-elle également par le réalisateur et le propre scénariste de Souvenir, le second long-métrage du cinéaste belge Bavo Defurne (après Sur le Chemin des Dunes sorti sur les écrans français fin 2012). Une œuvre qui s'éloigne drastiquement des thématiques souvent déployées autour des divers personnages qu'elle a eu et continue encore à interpréter au cinéma. Moins froide et pourtant pas encore libérée de cette impression qu'elle donne à l'image, la merveilleuse Isabelle Huppert inonde une fois de plus de sa présence ce long-métrage qui pourtant, aura bien du mal à se faire une place dans l'immense et exemplaire carrière de l'actrice découverte notamment en adolescente délurée et émancipée dans le film culte de Bertrand Blier, Les Valseuses.

On est pourtant ici bien loin de Jacqueline et de sa petite culotte découverte dans un appartement par le duo de voyous incarnés par les immenses Gérard Depardieu et Patrick Dewaere en cette année 1974. Plus de quarante ans plus tard et après des dizaines et des dizaines d'incarnations sur grand écran, Isabelle Huppert réapparaît plus éblouissante et séduisante que jamais malgré ses soixante-trois printemps. Belle mais jamais aguicheuse, elle interprète Liliane Cheverny, l'une des employées d'une usine d'emballages alimentaires reconnue par un intérimaire comme l'ex chanteuse Laura dont était fan son père. Pressé de faire sa connaissance, Jean Leloup, qui compte davantage sur sa carrière de boxeur professionnel que sur celle d'ouvrier, approche l'ancienne chanteuse et noue rapidement avec elle une relation qui dépasse de très loin le cadre de la curiosité ou celui de l'amitié. Amants malgré les réactions un peu vives de la mère de Jean (Anne Brionne, qui interprète une mère pesante et sans finesse aucune comme le démontrera la scène durant laquelle elle questionne Laura se ses anciennes relations), Jean propose à Laura une idée saugrenue : alors qu'elle désire demeurer dans l'anonymat, son amant lui propose de devenir son manager et de l'aider à remonter sur scène. Après avoir refusé cette folle proposition, Laura se laisse cependant happer par l'idée. Bientôt, alors qu'elle s'inscrit pour un concours télévisée, la chanteuse connaît de nouveau le succès, au grand dam de Jean qui persuadé d'être mis à l'écart, fini par abandonner Laura et retourne vivre chez ses parents...

On a beau reconnaître l'immense talent d'Isabelle Huppert, il ne lui est cependant pas interdit de faire parfois de tristes choix. Non pas que Souvenir soit mauvais, mais au regard des capacités de l'actrice, son personnage se résume finalement à peu de choses. Tout comme celui de Jean qu'incarne le jeune acteur français de vingt-sept ans à l'époque, Kévin Azaïs. Suranné, Souvenir l'est sans conteste. Si Bavo Defurne a volontairement choisit cette voix pour nous conter cette romance à l'eau de rose entre un jeune boxeur de trente ans et une ex-chanteuse de plus de soixante ans, son scénario manque d'une évidente épaisseur et si les débuts sont plutôt convaincants, le film s'enlise dans une approche puérile assez néfaste. Il devient alors difficile de s'attacher vraiment à cette bluette naïve et bien trop lisse pour faire rêver, si ce ne sont les quelques poncifs un peu trop faciles dont fait usage le cinéaste (la différence d'âge entre les amants, l'indifférence de certains face au boxeur autoproclamé agent de la chanteuse lorsque celle-ci connaît le succès, ou encore l'alcoolisme latent de l'artiste...). Reste une Isabelle Huppert énigmatique, sensuelle et envoûtante... A noter que la musique est l’œuvre du groupe américain Pink Martini...