Pauvres Créatures de Yórgos Lánthimos (2024) - ★★★★★★★★☆☆

 

 

Chaque année apporte son lot de bons et même, d'excellents films. Mais pour pouvoir assister à la projection d'œuvres telles que Pauvres Créatures, il faut parfois se montrer patient et attendre une décennie toute entière. Après avoir été profondément interloqué par la bande-annonce non pas pour l'intérêt que pouvaient engendrer les quelques images mises à disposition avant la sortie du film sur grand écran mais pour le désintérêt qu'elles me procurèrent, il fallait au moins que le nom du réalisateur grec Yórgos Lánthimos s'affiche à l'écran pour voir naître en moi une certaine curiosité. Le sien mais aussi celui de l'acteur américain Willem Dafoe dont la carrière a pris un essor fulgurant depuis le début des années 2000. Yórgos Lánthimos est l'homme que certains tentent d'abattre chaque fois que sort l'un de ses nouveaux délires en salle obscure. Mais ces réducteurs de têtes qui depuis son Canine de 2009 cherchent par tous les moyens à le prendre dans leurs filets auront bien du mal en cette année 2024 à faire du réalisateur et dramaturge leur nouveau trophée de chasse ! Plus de deux-cent ans après sa toute première publication sur le territoire britannique, le roman de Mary Shelley Frankenstein ou le Prométhée moderne continue à faire des émules. Avec son dernier long-métrage Yórgos Lánthimos est donc quasiment en terrain conquis. Sauf que le bonhomme semble avoir des ambitions narratives et esthétiques qui s'éloignent drastiquement de l’œuvre originale. Le grec convie aux noces de sa nouvelle égérie, le français Bertrand Mandico, l'américano-britannique Terry Gilliam, l'américain Wes Anderson et parfois même le créateur de jeux vidéos Ken Levine, auteur notamment de Bioshock Infinite avec lequel Pauvres créatures partage certaines ''visions''... De ce dernier, il emprunte l'approche rétro-futuriste et s'emploie à remanier l'architecture de Lisbonne ou de Paris en offrant à leurs ruelles et leurs façades une nouvelle patine et des moyens de locomotion qui demeurent encore à ce jour, pur fantasmes. Retrouvant Emma Stone après l'avoir dirigée dans La favorite cinq ans auparavant, Yórgos Lánthimos la transforme en créature, en pantin désarticulé dont les origines repoussent le concept originel sur lequel reposait le roman de Mary Shelley.

Ici, il n'est plus simplement question de créer la vie à partir de bouts de cadavres mais bien d'implanter le cerveau d'un bébé né urgemment sous césarienne dans la boîte crânienne de sa propre génitrice morte noyée ! Au temps où le féminisme sur grand écran semble être devenu un genre à part entière, l'on jugera ou non du bien-fondé du terme employé même si de toute évidence, le film est presque intégralement porté par l'interprétation d'Emma Stone qui dans le rôle de Bella Baxter, passera de la marionnette disloquée dont l'âge mental ne dépassera tout d'abord pas celui en rapport avec le tout jeune cerveau qui lui fut implanté pour se diriger ensuite vers sa propre émancipation et le passage en accéléré à l'âge adulte. Un voyage curieux, inédit, fantasmagorique mais aussi très drôle, à la limite parfois du burlesque et de l'incongru. De l'érotisme aussi, parfois, lorsque l'héroïne découvre sa propre sexualité par des moyens qui là encore, sont loin de rejoindre l'apprentissage tel qu'il est généralement enseigné. Willem Dafoe incarne le docteur Godwin Baxter, ''père'' de Bella et scientifique un brin dérangé qui poursuit les travaux que son père mena sur lui dès sa plus tendre enfance. Mark Ruffalo, lui, interprète le rôle du Duncan Wefferburn, personnage que l'on nommait en un temps ancien ''coureur de jupons'' et qui désormais est plus couramment connu sous le nom de ''prédateur sexuel''. Si l'apprentissage de Bella atteint son aboutissement lors de la conclusion, le chemin sera pavé de très nombreux pièges auxquels la jeune femme saura faire face du haut de sa pureté.... virginale... qui ne le demeurera guère longtemps puisque le film multipliera les séquences de sexe. Peut-être en trop grand nombre d'ailleurs, trahissant alors sans doute les limites d'un scénario qui regorge par la suite davantage de séquences visuellement bluffantes que de réels ressorts dramatiques, lesquels finissent par s'épuiser. Le film n'aurait-il d'ailleurs pas mérité d'être quelque peu resserré sur sa durée ? Toujours est-il que Pauvres créatures est une expérience cinématographique fort réjouissante, parfois graphiquement époustouflante et remarquablement interprétée...

 

Les Secrets de la Princesse de Cadignan d'Arielle Dombasle (2023)

 

 

À l'origine des Secrets de la Princesse de Cadignan fut un vain de jeu de séduction qui se soldat par un échec. Et à l'issue duquel, l'écrivain et dramaturge français Honoré de Balzac créa ce personnage de fiction. L'homme aura eu beau tenter de prendre dans ses filets Claire de Maillé de La Tour-Landry, épouse du Duc de Castries, sa déception aura au moins eu pour conséquence de faire naître dans l’œuvre d'Honoré de Balzac une héroïne qui constamment apparaîtra au fil de divers écrits. Et parmi ces derniers, celui qui donne désormais son nom au dernier long-métrage mis en scène par l'actrice et réalisatrice française Arielle Dombasle, Les secrets de la Princesse de Cadignan. D'une remarquable rigueur que d'aucun pourrait considérer de suicidaire, la septuagénaire n'a pas encore osé proposer à d'autres les idées parfaitement saugrenues qui lui passent par la tête et qu'elle préfère visiblement elle-même diriger. Depuis trente années qu'elle partage la vie de Bernard Henri-Levy, on remarquera que des débuts érotiques jusqu'à l'apogée grandiloquente de ses dernières œuvres en tant que réalisatrice, Arielle Dombasle aura su faire fi des commentaires obséquieux et aura su demeurer telle que ses diverses apparitions télévisuelles et cinématographiques nous l'ont présentée. Libre, joyeuse, vivant peut-être essentiellement pour le regard énamouré de son homme, véritable pense-bête rappelant que la vie n'est que plaisir et excentricité à ceux qui vivent dans l'obscurité, la voici donc aux commandes d'un nouveau long-métrage qui comme les autres et notamment Opium ou Alien Crystal Palace, est emprunt d'une passion défaillante pour la direction d'acteurs et l’auto-centrisme. Dans Les Secrets de la Princesse de Cadignan, forcément, Arielle Dombasle s'offre la part du lion... ou de la lionne en interprétant l'héroïne du récit. Cette femme aux conquêtes multiples dont elle confie le contenu à l'écoute très amicale de la marquise d'Espard qu'interprète de son côté Julie Depardieu.

Un monde d'hommes où l'on croise Honoré de Balzac, forcément, Eugène de Rastignac, l'un des personnages récurrents de l'écrivain, ainsi que divers aristocrates qui les uns après les autres sont tombés sous le charme de la jeune femme. Celle-ci a beau avoir la trentaine et celle qui l'interprète plus du double, chaque individu qui tombe dans ses filets est hypnotisé par sa beauté. On pourrait facilement opposer aux Secrets de la Princesse de Cadignan, le Danton d'Andrzej Wajda, le Barry Lindon de Stanley Kubrick ou une partie de l’œuvre de Peter Greenaway afin d'asseoir le fait que le génie de la réalisatrice lui a été ôté dès sa naissance. Mais plus sobrement et donc avec infiniment plus de délicatesse, c'est avec le cinéma de Jean-Pierre Mocky que l'on comparera plutôt cette grandiloquente approche du romanesque ou tout ou presque est l'occasion d'évoquer le pire... et donc le meilleur si l'on est un tant soit peu fanatique de ce qui touche de près ou de loin au Nanar ou au cinéma Z ! Pourtant, qui voudrait vraiment s'acharner sur cette pauvre créature qui vraisemblablement sans s'en rendre compte, signe presque à chaque fois des œuvres ni faites ni à faire ? Pas moi, en tout cas. Sans être l'horrible descendant de la pire engeance cinématographique hexagonale des années ''Philippe Clair'' et consorts, on pourrait même dire que le film repose parfois sur quelques éclats de génie, si rares cependant, qu'on les considérera d'accidentels. Les deux actrices jouent avec un tel manque de naturel que celui-ci cantonnerait presque en parallèle, l'expression théâtrale à une certaine forme d'hyperréalisme. Musique baroque ou romantique entrecoupée de sessions électroniques parfaitement anachroniques, costumes en frou-frou et outrancièrement colorés, l'idée de la décadence traverse l'esprit sans pour autant jamais choquer l'auditoire. Comme d'habitude, Arielle Dombasle est en roue libre et emporte avec elle dans un tourbillon d'idée saugrenues, un parterre d'interprètes prêts à sacrifier leur carrière et leur réputation. Une certaine idée de l'abandon de soi, de l'abnégation, et sans doute aussi du renoncement au profit d'une artiste s'auto-déifiant. Bref, et contrairement aux apparences, Les Secrets de la Princesse de Cadignan est un incunable... pour spectateurs avertis, cela va sans dire...

Un plan parfait de Pascal Chaumeil (2012) - ★★★★★★★☆☆☆

 

 

Si l'on se fie strictement à l'affiche et à l'air de benêt qu'y arbore l'acteur, réalisateur, scénariste et humoriste Dany Boon, Un plan parfait pourrait s'envisager comme une comédie française simplement bête et innocente. Si l'apparente invraisemblance de certains sentiments véhiculés par le récit se joue entre le charme de l'actrice Diane Kruger et la physionomie nettement plus ''brute de décoffrage'' de Dany Boon, le regretté Pascal Chaumeil qui deux ans auparavant aura réussi le coup parfait avec L'arnacœur prouve qu'une ''Belle'' et une ''Bête'' ont tout autant le droit et la possibilité de s'aimer que n'importe quel autre couple. C'est d'ailleurs une habitude pour Dany Boon chez qui le contraste entre les différents personnages qu'il incarne sur grand écran et ceux auxquels il se frotte est parfois étonnant. Dans le cas de Un plan parfait, il s'agit tout d'abord de briser une malédiction. Celle qui en général touche tous les membres de la famille d'Isabelle. Chaque premier mariage se soldant par un divorce, celle qui prévoit d'épouser dans un mois son compagnon Pierre (l'acteur Robert Plagnol) a décidé de défier en duel le mauvais sort en épousant tout d'abord le premier venu, puis de divorcer pour enfin épouser en seconde noce l'homme de sa vie. Une vie d'ailleurs bien rangée. Isabelle et Pierre sont tous les deux dentistes, travaillent dans le même cabinet, partagent absolument tout et vivent l'un et l'autre vingt-quatre heures sur vingt-quatre. On devine alors que sa rencontre avec Jean-Yves, employé du Guide du Routard va changer bien des choses dans la future perspective de vie du couple formé par la très belle jeune femme et son compagnon. Mais d'ici là, beaucoup d'eau aura coulé sous les ponts. Le récit étant développé sous forme de flash-back, l'occasion y est notamment offerte de découvrir dans des rôles secondaires les acteurs Jonathan Cohen et Étienne Chicot ainsi que les actrice Alice Pol, Laure Calamy et Bernadette Le Saché.

Lesquels participent tous à un dîner organisé par la maîtresse de maison (un brin froide et rigide) et lors duquel chacun va tenter de réconforter Valérie (Laure Calamy) qui vient d'être quittée par son petit ami. Ensemble, ils vont lui raconter l'aventure qu'a vécu Isabelle au bras de Jean-Yves. Les scénaristes Laurent Zeitoun et Yoann Gromb sur la base d'une histoire écrite par Philippe Mechelen développent un récit autour de deux personnages qui n'ont absolument rien à voir l'un avec l'autre. D'un côté, une jeune et très belle dentiste aux revenus et à l'existence fort satisfaisant. De l'autre, un célibataire apparemment bourru et endurci passant son temps sur les routes. C'est sur ce point que l'invraisemblance de cette romance à venir est éclipsée au profit d'une réalité : la monotonie du couple ravageant la passion, c'est ailleurs qu'Isabelle trouvera finalement l'amour. Ce n'est pas révéler un secret d'état que d'afficher au milieu de cet article ce que tout le monde aura deviné par avance. Surtout que derrière les oripeaux de la perfection que semble afficher le personnage interprété par Robert Pagnol, un détail viendra bientôt gripper la relation qu'il entretient avec celle qu'il doit épouser dans un mois. Savoureuse comédie romantique, Un plan parfait sera l'antépénultième long-métrage cinématographique de Pascal Chaumeil qui malheureusement mourra d'un cancer à l'âge de cinquante-quatre ans le 27 août 2015. Le couple Diane Kruger/Dany Boon fonctionne à merveille et même si l'on peut douter de la véracité des sentiments de la première envers le second, on plonge, littéralement. Au delà de l'humour qui ne faillit jamais vraiment, le film se montre également parfois touchant. Surtout lors du dernier tiers. Le réalisateur et toute son équipe n'ont semble-t-il pas ménagé leurs efforts puisque ils se déplaceront, ainsi que le principal duo, jusqu'à Moscou, en Russie, ainsi qu'au Kenya, au cœur d'un petit village Maasaï ! Des cadres dépaysants pour la sensuelle et séduisante Isabelle mais aussi pour le public qui se prend à rêver d'une idylle de cette ampleur... Bref, Un plan parfait est une bonne surprise, divertissante, amusante et parfois émouvante. Sans doute en deçà de L'arnacœur, il est vrai, mais ne boudons pas notre plaisir de redécouvrir cette sympathique comédie romantique qui affiche désormais les douze ans d'âge...

 

Leonor de Juan Luis Buñuel (1975) - ★★★★★★★★☆☆

 

 

L'un de nos plus grands acteurs français disparu voilà plus de trois ans toucha à tous les genres. De la comédie au thriller en passant par le drame (social ou non), le film historique ou de guerre, le biopic et j'en passe, Michel Piccoli aura marqué de son empreinte si particulière le cinéma français et même mondial. Jouant dans d'innombrables longs-métrages, convié par des metteurs en scène de tous pays, on le vit notamment apparaître à plusieurs reprises dans des œuvres signées du réalisateur espagnol Luis Buñuel. Le fils même de l'auteur de L'Ange exterminateur, de Belle de jour ou de Cet obscur objet du désir dirigea l'acteur français dans l'un des plus beaux films fantastiques tournés en collaboration entre la France, l'Italie et l'Espagne. Malgré son patronyme et les origines de son père, Juan Luis Buñuel est né dans l'hexagone le 9 novembre 1934 dans le 4ème arrondissement de Paris. Disparu trois ans après la vedette de ce troisième long-métrage qui fera suite à Au rendez-vous de la mort joyeuse en 1973 et La femme aux bottes rouges l'année suivante, c'est une fois encore le fantastique qui intéresse ici le réalisateur qui signe avec Leonor une œuvre fantastico-médiévale relativement étrange. Curieuse, mais non dénuée de références auxquelles certains amateurs se raccrocheront certainement pour justement... ne pas décrocher ! Car alors, quel dommage cela aurait été que de se dispenser d'un film aussi émotionnellement fort et au contenu si ensorcelant. Bien que l'approche du cinéaste soit très particulière, intégralement contenue dans une fréquence engourdie par un rythme éthéré, voire léthargique, c'est peut-être justement dans ce choix de ne pas ressembler au tout venant du cinéma fantastique que Leonor retient l'attention. Le film met donc en scène Michel Piccoli dans le rôle de Richard, riche seigneur du milieu du quatorzième siècle dont les apparats s'éloignent très largement de l'image que l'on peut avoir d'un aristocrate, de sa cours et de son royaume. Ici, l'univers de cet homme un peu rude mais fou amoureux de son épouse qui meurt très rapidement des suites d'une maladie est à l'image de la dureté qui entoure son existence et celle de ses sujets. Rien de visuellement flamboyant donc, si l'on prend uniquement en compte la propriété de cet homme qui s'octroiera aussitôt une nouvelle épouse en la personne de Catherine (interprétée par la sublime actrice italienne Ornella Muti). Leonor, elle, est incarnée par la norvégienne Liv Ullmann.

Donnant son prénom à ce film envoûtant, cette histoire d'amour fantastique dont on perçoit l'empreinte toute française dont elle puisse être dotée mais également l'héritage dont est pourvu son auteur, digne descendant de l'un des plus grands cinéastes espagnols est une brillante réussite. Épousant donc Catherine à la mort de sa première épouse, Richard lui donnera deux fils, qu'élèvera tout d'abord l'un de ses sujets. Dix ans après la mort de Leonor dont il a fait enfermer le corps dans un caveau naturel et dont il a fait condamner l'entrée, Richard, toujours hanté par la disparition de sa première épouse, croise la route d'un mystérieux personnage qui lui offre l'opportunité de retrouver celle qu'il n'a jamais cessé d'aimer. Leonor revient donc à la vie, les traits inchangés mais dégageant une forte odeur de mort rappelant qu'elle a passé une décennie enfermée sous la dalle d'une pierre tombale ! Tout va alors se bousculer et la menace d'un fléau dont les premiers signes se sont révélés en Italie va s'étendre jusqu'au royaume de Richard. Sans que le mot ne soit véritablement posé au cœur de l'intrigue et alors qu'il faudra patienter presque trois quarts-d'heure avant que Leonor ne reviennent du monde des morts, on devine de quelle mythologie fantastique s'est inspiré Juan Luis Buñuel pour écrire et réaliser son troisième long-métrage. Tout commence en effet à transpirer le film de vampire et ce, jusqu'à l'évocation de ce fléau qui se propagea en Europe au quatorzième siècle et dont certaines idées reçues accusèrent la propagation par les rats. Une allégorie qui oppose donc le personnage de Leonor à son pendant masculin, le célèbre comte Dracula ! C'est donc assez tardivement que la jeune femme s'adonnera à cette ''nouvelle passion'' consistant à boire le sang de très jeunes victimes, confirmant donc l'allégorie en question. Tourné dans de superbes décors dont un très vieux pont, Leonor est une œuvre rare, méconnue et tournée à une époque où le fantastique fut en général et en Europe, l’apanage de la maison de production britannique Hammer Films. Non content d'accueillir au sein du récit de très grands interprètes, le film est en outre accompagné par la superbe musique du célèbre compositeur italien Ennio Morricone. Notons enfin que Leonor fut à l'origine une nouvelle écrite par le poète et romancier allemand du dix-neuvième siècle, Ludwig Tieck, transposée non plus par le cinéaste au dix-neuvième mais bien avant, durant la période où une épidémie de peste noire fit des dizaines et des dizaines de millions de morts en Europe... Remarquable...

 

My Animal de Jacqueline Castel (2023) - ★★★★★★★☆☆☆

 

 

Que l'on soit français, chauvin, cinéphile, amateur de loves story fantastiques... ou non, les images qui ouvrent le bal de ce récit adolescent sont célèbres mais aussi, universelles. S'il ne fut pas le premier à poser son regard sur le mythe de La belle et la bête, le réalisateur Jean Cocteau fut celui dont l'adaptation de 1946 avec Jean Marais et Josette Day est demeurée la plus célèbre. Vision abîmée, parasitée de la Belle et de celui qui se transformera bien plus tard en Prince, vue par le prisme d'un poste de télévision à tube cathodique, mue par une antenne filaire défaillante, la réalisatrice franco-canadienne Jacqueline Castel résume en une poignée de secondes l'intrigue à laquelle elle nous convie dans ce qui demeure pour l'instant, son premier et unique long-métrage de fiction. Jusque là, l'auteur de cette romance fantastique adolescente que semble être exclusivement My Animal n'avait tourné que trois courts-métrages ainsi qu'un clip vidéo pour le chanteur new-yorkais Alan Vega (membre désormais disparu du groupe protopunk Suicide entre 1970 et 2016). A vrai dire, Jacqueline Castel est surtout connue en tant que directrice de la photographie puisque entre clip vidéos et courts-métrages pour d'autres artistes, elle a été chargée d'apporter sa contribution à près de soixante œuvres. Une spécialité qui se confirme à travers cette première fiction dont les qualités visuelles sont indéniables. Écrit par Jae Matthews, My Animal indique donc très clairement dès le départ la position de son héroïne. Mais ce qui apparaît tout d'abord comme une éventuelle allégorie va se confirmer avec douceur tout au long du récit. l'exposition d'un ouvrage consacré à la lycanthropie confirmant ainsi définitivement ce que l'on savait déjà. Présenté pour la première fois au festival de Sundance le 22 janvier de cette année, le film est sorti sur les écrans américains le 8 septembre dernier. Encore un film sur le sujet des loups-garous argueront certains spectateurs. Auxquels nous répondrons que rien ne les contraindra à aller le découvrir en salle lorsqu'il sortira de manière officielle sur notre territoire. Chaque période eut sa vague et la meilleure reste d'un point de vue personnel celle qui couvrit l'année quatre-vingt un et sa trinité de classiques Hurlements de Joe Dante, Le loup-garou de Londres de John Landis ainsi que Wolfen de Michael Wadleigh.

Ce qui n'empêche pas certains auteurs de nous avoir proposé récemment quelques idées fort intéressantes (pour exemple, Gräns de Ali Abbasi, en 2018). Le thème de la lycanthropie semble tout comme le vampirisme, frappé de jeunisme. Dans le cas de ceux dont les dents poussent également quand vient l'heure de prendre leur repas et parmi lesquels Dracula demeure le plus célèbre des représentants, l'on eut droit à quelques formidables entreprises comme le génial Morse (Låt den rätte Komma in) du suédois Tomas Alfredson. Si quelques idées du folklore entourant les loups-garous sont reprises ici, la méthode employée par la réalisatrice s'éloigne cependant drastiquement du tout venant en matière de film d'horreur, d'épouvante et fantastique. D'abord, le travail de l'image est en tout point semblable avec celui que l'on rencontre par exemple chez la française Julia Ducournau (Grave) ou le danois Nicolas Winding Refn lorsqu'il tourne en 2013 le parfois sous-estimé Only God Forgive. Des œuvres qui transpirent la moiteur et l'hémoglobine dans le rendu de l'image où le poisseux s'invite désormais en haute définition. À propos de cette étrange sensation qui colle désagréablement à la peau, le long-métrage de la franco-canadienne peut s'enorgueillir d'avoir fait appel au compositeur Augustus Muller qui propose à l'occasion une musique parfois calibrée pour les dancefloor typés années 80 mais plus généralement, de courtes mélodies plus ou moins planantes qui collent parfaitement à l'image. L’œil et le tympans sont ainsi happés par une ambiance pesante, voire parfois inconfortable, mais aussi par une approche esthétique sinon innovante, du moins irréprochable. Finalement, l'aspect fantastique intéresse moins que le contexte social dans lequel baignent les personnages. L'héroïne, subtilement incarnée par la jeune Bobbi Salvör Menuez physiquement proche d'une Gillian Anderson adolescente est touchante. Comme peuvent l'être également ses partenaires féminines Amandla Stenberg et Heidi von Palleske. Sans être au niveau de l'extraordinaire Morse de Tomas Alfredson, My Animal est un joli portrait de jeune femme en devenir, troublée et troublante comme le fut à son époque l'ado surnommée Carrie et de son vrai nom Carrietta N. White (l'actrice Sissy Spacek) de Carrie au bal du Diable de Brian De Palma. Amours naissantes et contexte familial difficile prennent forme dans ce film sensible, entre fantastique et romantisme...

Suzzanna: Bernapas dalam Kubur de Rocky Soraya et Anggy Umbara (2018) - ★★★★★★☆☆☆☆

 

 

Nous partons faire un court voyage jusqu'en Indonésie où se situe l'action de Suzzanna: Bernapas dalam Kubur qui à l'échelle internationale est sorti sous le titre Suzzanna: Buried Alive. Réalisé conjointement par les ultra-prolifiques Rocky Soraya et Anggy Umbara, le long-métrage se déroule dans une petite localité indonésienne entre une usine gérée par Satria (Herjunot Ali) et la luxueuse demeure qui les abrite lui et son épouse Suzzanna (l'actrice Luna Maya). D'une durée dépassant de peu les cent-vingt minutes et disponible sur la plate-forme Netflix depuis maintenant quatre ans, le film mêle les genres avec allégresse. C'est ainsi que Suzzanna: Bernapas dalam Kubur démarre comme une œuvre romantique fleurant bon le Soap Opera, avec ce couple qui attend son premier enfant. Mais la vie de ce riche couple n'est pas de tout repos. Surtout pour le mari qui dans l'entreprise qu'il dirige est régulièrement confronté à plusieurs de ses employés qui lui réclament constamment des augmentations de salaire. Et parmi eux, Dudun (Alex Abbad) et Jonal (Verdi Solaiman) qui aux côtés de Umar (Teuku Rifnu Wikana) et Gino (Kiki Narendra) vont mettre au point un stratagème afin d'obtenir l'argent que leur patron refuse de leur octroyer. Les quatre hommes vont profiter de l'absence de Satria pour s'introduire de nuit dans la demeure du couple afin de leur dérober des effets personnels de valeur pour les revendre et ainsi gagner de l'argent. Mais alors que Suzzanna et ses employés sont absents ce soir là puisqu'ils ont choisi de se rendre à la projection d'un film au cinéma, la propriétaire se sentant mal durant la séance, elle décide de rentrer seule chez elle. Suzzanna tombe sur les quatre hommes qui la tuent ''accidentellement''. Dès lors, Jonal, Dudun et les autres vont être confrontés à une créature démoniaque qui s'en prendra à chacun d'eux jusqu'à ce que justice soit faite. Le long-métrage de Rocky Soraya et Anggy Umbara est le remake de Sundel Bolong, une œuvre réalisée en 1981 par le réalisateur Sisworo Gautama Putra. Un nom dont la définition signifie approximativement ''prostituée trouée''. Un terme qui revient sans cesse durant le récit puisque au delà de son étonnante signification, le Sundel Bolong fait partie intégrante de la mythologie indonésienne.

Le duo de réalisateurs enlaidit l'actrice Luna Maya en l'affublant d'une invraisemblable prothèse nasale...

Il s'agit selon une légende venant plus précisément de l'île de Java, d'un fantôme portant de longs cheveux et d'une robe blanche. Suzzanna: Bernapas dalam Kubur reprend donc cette thématique en précisant même que le fantôme en question est celui d'une femme décédée alors qu'elle était enceinte. La Suzzanna du film prend plusieurs formes. Il y a donc celle qui est enterrée à la hâte par ses quatre agresseurs, celle qui apparaît ensuite comme tout à fait normale aux yeux de ses concitoyens et enfin, la dernière qui se présente sous les traits du Sundel Bolong. Une Suzzanna au dos perforé montrant une colonne vertébrale sanguinolente, aux yeux cernés de noir, au teint blafard et au rire sardonique. Tout commence donc sous les allures d'une comédie romantique kitsch et puérile s'étendant sur une bonne demi-heure. L'on y découvre le contexte social entremêlant la vie riche et insouciante de Suzzanna et la dure existence des ouvriers travaillant pour son époux Satria. Sur un ton humoristique qui dépasse de loin ce que l'on attend d'un pur film d'horreur l'on assiste aux pitreries des trois domestiques du couple. Mia (Asri Welas), Pak Rojali (Opie Kumis) et surtout l'acteur Ence Bagus qui dans le rôle de Tohir se voit affublé d'une prothèse dentaire qui arrache invariablement des rires chaque fois qu'il apparaît à l'écran. D'une manière générale, le film est traité sous une forme relativement légère même si certaines séquences se montrent réellement sinistres. On pense notamment à celle consistant à enterrer Suzzanna alors qu'elle gémit au fond de son trou. D'autres passages s'avèrent plutôt intéressants. Comme celui montrant l'acharnement du Sundel Bolong envers sa première victime. Mais d'une manière générale, Suzzanna: Bernapas dalam Kubur évoque bien ses origines et la manière si particulière qu'ont les cinéastes indonésiens d'aborder le cinéma fantastique. Entre humour, horreur, gore (quelques petites séquences bien crades viennent en effet émailler le récit) et love story, Suzzanna: Bernapas dalam Kubur mérite malgré tout mieux que les mauvaises critiques dont il fut l'objet. Un film d'épouvante dépaysant, certes un peu ringard, voire crispant (les rires continus du Sundel Bolong finissent par être agaçants) mais parfois amusant, ténébreux et d'une manière générale divertissant malgré son importante durée...

 

La falaise mystérieuse (The Uninvited) de Lewis Allen (1944) - ★★★★★★☆☆☆☆

 

 

Je me souviens très clairement de ce jour où je découvrais lors d'un passage à la télévision de l'improbable La chose à deux têtes (The Thing with Two Heads) du réalisateur américain Lee Frost. L'acteur Ray Milland y incarnait le rôle d'un chirurgien de couleur blanche très gravement malade et surtout, TRES raciste. L'on y assistait alors à la transplantation de la tête du dit chirurgien aux côtés de celle d'un condamné à mort de couleur... noire ! Un film de blaxploitation fantastique totalement farfelu mais ô combien cultissime. Je me souviens également très bien de ce pauvre homme dont la femme venait d'être retrouvée morte sur une plage et qui dans l'épisode Faux témoin de la série Columbo suppliait le plus célèbre lieutenant-détective de Los Angeles de retrouver celui qui avait commis le meurtre. Ou encore l'épisode Dites-le avec des fleurs dans lequel un vieil homme amateur de fleurs trucidait son neveu pour une question de gros sous. Dans les deux cas, Ray Milland interprétait l'époux de la victime puis l'assassin. Un acteur touche à tout, capable d'incarner n'importe quel personnage dans autant d’œuvres diverses. Comme celui qui apparaît tout d'abord comme un individu passablement pleutre dans La falaise mystérieuse (The Uninvited) de Lewis Allen. Précédant de très loin quelques-uns des grands classiques de la maison hantée tels La nuit de tous les mystères de William Castle, The Innocents de Jack Clayton, La maison du Diable de Robert Wise ou La maison des damnés de John Hough, le long-métrage de Lewis Allen doit être abordé avec infiniment de précautions. Non pas que le film regorge de séquences si effroyables que votre cœur battra la chamade plus qu'il n'en faut (bien au contraire), mais parce que le réalisateur d'origine britannique qui précédemment ne s'était manifesté qu'à travers le court-métrage Freedom Comes High choisit un angle qui ne satisfera en priorité que celles et ceux qui aiment que l'on tartine un film de bons sentiments quelle que soit sa thématique. Ici, Ray Milland incarne le rôle de Roderick Fitzgerald qui sur supplique de sa sœur Pamela (l'actrice Ruth Hussey) obtient l'autorisation d'acheter pour une somme relativement modique une superbe demeure appartenant à un certain Commander Beech (Donald Crisp) qui saute sur l'occasion pour se débarrasser de cette grande bâtisse dont il refusait jusque là l'accès à sa petite-fille Stella (Gail Russell)...

Une jeune femme âgée de seulement vingt ans dont la mère mourut dans d'horribles circonstances alors qu'elle n'avait que trois ans et dont le père est mort quelques années plus tard. Éduquée d'une main de fer par un grand-père rigide et antipathique, la jeune femme va cependant se faire de nouveaux amis grâce au couple formé par Roderick et Pamela. Ballade en voilier, invitation à dîner... Mais il se passe des choses étranges dans la demeure que viennent d'acquérir les Fitzgerald. Des pleurs nocturnes se font entendre. Les portes et fenêtres claquent régulièrement. Un étrange parfum se diffuse dans les pièces et l'attitude de leur chien change dès qu'il pénètre à l'intérieur. Bref, de quoi faire de La falaise mystérieuse un excellent film de maison hantée. Ce qui n'est malheureusement pas le cas en raison du traitement beaucoup trop romantique imposé aux personnages incarnés par Ray Milland et Gail Russell. Trop timide dans son approche du fantastique (malgré, en outre, une séance de spiritisme à base de Ouija) et donc de l'effroi, le rythme de La falaise mystérieuse est parfois pesant. Dommage car quelques séquences laissaient envisager une œuvre où la peur aurait pu dominer sur tout autre sentiment. Cette pièce étrange dotée d'une verrière et où les fleurs se fanent instantanément. Cette séquence lors de laquelle les nouveaux acquéreurs entendent des pleurs et sont filmés dans une semi-obscurité en haut des escaliers menant aux chambres. Derrière ce mystère se cache plusieurs éventualités. La présence d'un fantôme étant promptement confirmée et résolvant donc une partie de l'intrigue qui entoure la demeure et ses anciens propriétaires, ne restait plus qu'à Lewis Allen et aux scénaristes Dodie Smith et Frank Partos (sur la base d'une écrite par la romancière irlandaise Dorothy Macardle) de trouver un moyen de relancer l'intrigue à travers une toute autre énigme reliant directement les événements avec la mort de la mère de Stella. Parfois remarquable, le noir et blanc de la pellicule permet au réalisateur d'imprimer un réel sentiment d'angoisse dont la séquence opposant le frère et la sœur demeure fort malheureusement, l'une des très rares occasions de ressentir l'oppression qui se dégage des lieux. Lewis Allen s'entoure d'interprètes convaincants mais penche sans doute un peu trop l'intrigue du côté de la romance. Une approche qui bouffe littéralement le côté fantastique. D'autant plus que, choix curieux, Ray Milland interprète un Roderick Fitzgerald pas très courageux et donc certaines attitudes prêtent davantage à sourire...

 

M.Butterfly de David Cronenberg (1993) - ★★★★★★★☆☆☆

 

 

Que peut-on attendre d'une œuvre signée de l'un des plus grands cinéastes canadiens et interprétée par l'une des valeurs sûres du cinéma britannique et même, mondial ? Que la magie opérée cinq ans auparavant, en 1988, le soit une fois encore. Juste une fois. Pas seulement pour se convaincre qu'il se soit simplement agit d'un miracle mais que l'union artistique de ces deux hommes auxquels se joignirent d'autres caractéristiques puisse encore et encore produire du sublime sur support magnétique. Nous sommes en 1993 et cinq ans après le magnifique et bouleversant Faux-semblants, David Cronenberg offrait pour la seconde fois le rôle principal de l'une de ses œuvres à l'acteur originaire de Cowes en Angleterre, Jeremy Irons. Après s'être offert le pari hautement risqué de mettre en images une œuvre réputée inadaptable au cinéma (Le Festin nu du romancier américain William S. Burroughs), le plus réputé des réalisateurs canadiens s'attaquait donc à la célèbre pièce de théâtre M.Butterfly du dramaturge et scénariste américain David Henry Hwang. Mais derrière M.Butterfly se cache en réalité les destins croisés de personnages imaginaires et de personnalités ayant réellement vécu. Le film emprunte donc à l'opéra italien de Giacomo Puccini une partie de son intrigue. La rencontre entre un occidental et une jeune geisha de seulement quinze ans. L'on retrouve ce brin de cynisme chez le personnage incarné par Jeremy Irons dont l'arrogance lui fait tenir des propos diffamants envers une culture que ses semblables et lui semblent tout d'abord mépriser. René Gallimard rejoint donc l'impudent Benjamin Franklin Pinkerton pour qui, Cio-Cio-San n'était qu'une récréation teintée d'exotisme. Dès lors, le récit prend un virage à cent-quatre vingt degrés, se déleste de l'intrigue propre à l'opéra pour se pencher davantage sur celle de la pièce de théâtre. Car dans le cas de M.Butterfly, la passion est plurielle, se vit à deux et n'est plus exclusivement portée par la seule personne de Song Liling (l'acteur américain originaire de Hong-Kong, John Lone). Aïe ! Voilà que tout est dit. Car oui, mais cela ne devrait logiquement plus être un secret, la beauté sous le charme de laquelle va tomber le comptable de l'ambassade France de Pékin René Gallimard est un homme...

C'est là que se rejoignent alors la réalité et la fiction. Car sous des dehors improbables (l'hormonothérapie et les premières opérations consistant à une réassignation sexuelle étaient à l'époque relativement rares et certainement inenvisageables en Chine à l'époque où se situe l'action), il faut savoir que le long-métrage de David Cronenberg s'inspire de l'authentique histoire du fonctionnaire français Bernard Boursicot et de l'artiste lyrique chinois Shi Pei Pu qui eurent une relation entre 1964 et 1983. Derrière l’ambiguïté du propos, le canadien se saisit également de l'affaire d'espionnage qui envoya Shi Pei Pu en prison durant six années pour avoir transmis aux autorités de la république populaire de Chine des documents diplomatiques appartenant à l'état français. Cette histoire d'amour qui, lorsque l'on étudie son approche en profondeur ne dépareille finalement pas avec l'univers habituel de David Cronenberg, apparaît donc biaisée à plus d'un titre. Espionnage, ''tromperie sur la marchandise'', mais aussi, malice de la part de Song Liling qui évoque des coutumes ancestrales chères à sa communauté et adopte ainsi un comportement qui empêchent tout d'abord le comptable de découvrir la vérité. Sur fond de révolution culturelle et de reprogrammation mentale, David Cronenberg signe une œuvre historico-sentimentale qui n'a malheureusement pas l'ampleur de Faux-semblants. Ni même son histoire d'amour, aussi belles peuvent s'avérer certains séquences entre Jeremy Irons et John Lone, on pouvait espérer de la part de celui qui réalisa l'une des plus belles et plus tragiques histoires d'amour sept ans auparavant (La mouche) qu'il nous drape une fois encore de cette émotion qui s'extrayait pourtant d'un contexte fantastico-horrifique. Il demeurera de M.Butterfly quelques plans sur le visage de Jeremy Irons en clairs-obscurs tentant de reproduire la saisissante séquence du miroir de Faux-semblants, la superbe partition du fidèle compositeur Howard Shore ou les contacts charnels des deux principaux interprètes. Mais néanmoins, le films souffre dans sa version originale d'un défaut majeur : Afin de simuler la féminité du personnage qu'interprète John Lone, celui-ci semble avoir été doublé dans la langue de Shakespeare avec un manque de soucis qui paraît à peine pensable chez David Cronenberg. Une voix féminine qui peine à s'insérer au cœur d'un récit pourtant parfois mémorable. Loin du Body Horror, David Cronenberg signait malgré tout un beau film. Un drame romantique quelque peu... déviant, et pourtant si réel...

 

Bones and All de Luca Guadagnino (2022) - ★★★★★★☆☆☆☆

 

 

Le dernier long-métrage de Luca Guadagnino (Call me by your name en 2017, Suspiria en 2018) ressemble tout d'abord au cinéma indépendant vouant une approche spécifique des marginaux en général et à celui d'un certain Harmony Korine en particulier (Gummo en 1997, Trash Humpers en 2009). Un cinéma souvent réaliste qui pourtant trouve ici une résonance avec le fantastique. Si l'anthropophagie et le cannibalisme sont des mythes qui trouvent leur source dans les coins les plus reculés des territoires africains et même bien avant puisque les tribus d’Homo erectus, de Néandertaliens et d’Homo sapiens recoururent à leur époque au cannibalisme, cette thématique qui effraie et s'avère donc propice à bâtir des récits horrifiques fit florès sur grand écran dans les années soixante-dix/quatre-vingt. Des dizaines de longs-métrages qui mirent tout d'abord en avant des individus vivant au cœur de la forêt vierge amazonienne, donnant ainsi l'un de ces films cultes qui encore aujourd'hui, dérangent. On parle bien évidemment du cultissime Cannibal Holocaust du réalisateur italien récemment disparu, Ruggero Deodato. Le mythe dégénérant et allant jusqu'à être transposé jusqu'en Occident, peu à peu, ce qui semblait n'être encore qu'une légende allait se transformer en un fait-divers des plus concret. De la famille de dégénérés de Massacre à la tronçonneuse de Tobe Hooper en 1974, en passant par La semana del Asesino de l'espagnol Eloy de la Iglesia et jusqu'au Grave de la française Julia Ducournau... Des dizaines, voire des centaines de longs-métrages plus ou moins crédibles mettant en scène des hommes et des femmes dévoreurs de chair humaine... Mais le dernier méfait de l'italien Luca Guadagnino, lui, semble également se rapprocher d'un autre mythe. Celui de ces tueurs en série qui parcourent le territoire américain à la recherche de proies. Et plus précisément, des couples d'assassins comme les divers médias en ont conté les horribles affaires. Pourtant, ses héros incarnés par Taylor russell (dans le rôle de Maren) et Timothée Chalamet (dans celui de Lee) semblent moins se rapprocher des couples formés par Bonnie Parker et Clyde Barrow ou Raymond Fernader et Martha Beck que de Charles Starkweather et Caril Ann Fugate auxquels plusieurs cinéastes consacrèrent une œuvre cinématographique parmi lesquelles, Terrence Malick avec La Balade sauvage (Badlands). Et c'est précisément à celui-ci que l'on se référera immédiatement même si le fond est diamétralement différent du récit offert par Bones and All, le dernier film de Luca Guadagnino. Dans le cas de La Balade sauvage, s'il n'était nul question de cannibalisme ou d'anthropophagie, il est en revanche difficile de nier les rapports qu'entretiennent les deux longs-métrages lorsqu'il s'agit d'évoquer la forme. Car l'un comme l'autre mettent en scène de jeunes individus parcourant le territoire américain en semant derrière eux la mort...

C'est avec une certaine fébrilité que j'attendais de pouvoir découvrir le dernier film du réalisateur italien. Après avoir été conquis par son remake du classique de Dario Argento Suspiria, j'attendais de pouvoir apprécier comment allait évoluer la frange horrifique de son cinéma avec son dernier né. Un road-movie ayant les allures d'un cinéma indépendant typique du festival de Sundance, avec sa description d'une Amérique parcourue par des marginaux. Et c'est en cela que Bones and All procure un certain intérêt. D'abord à travers son couple de cannibales faisant connaissance au détour d'une supérette et de son voyage à travers l'Amérique profonde à la recherche de leur passé. Une œuvre intéressante, s'éternisant tout de même au delà des deux heures, mais procurant tout de même parfois le sentiment de tourner en rond. L'un des aspects les plus inattendus s'inscrivant moins dans ce voyage parfois très sanglant que dans la découverte d'une multitude de personnages s'adonnant eux-même au délice de la chair humaine, Bones and All paraît ainsi se rapprocher d'un certain cinéma fantastique foulé de plain-pied par des hordes de créatures monstrueuses dévorant nos semblables. Bien que Luca Guadagnino ait su parfois se saisir de l'imagerie des laissés pour compte vivant sur le territoire américain, et bien que le couple formé par les deux jeunes interprètes s'avère parfois touchant (quoique parfaitement glaçant lors de leurs ''repas''), ce couple nouvellement formé à bien du mal à séduire le public dès lors que le réalisateur tente de nous convaincre des sentiments qui les emploie à parcourir une Amérique pourtant filmée avec grand intérêt. Une œuvre parfois confondante de beauté lorsqu'elle filme ses personnages au coucher du soleil ou lors d'une fête foraine mais dont la vanité empêche de s'accrocher tout à fait à cette histoire d'amour... et de mort ! Le spectateur ayant l'estomac fragile sera donc moins séduit par les rapports qu'entretiennent Maren et Lee qu'écœuré par les quelques repas que partage notre duo, rappelant ainsi l'une des séquences effroyables de Trouble Every Day que réalisa en 2001 la réalisatrice française Claire Denis... L'inconvénient est ici que Luca Guadagnino se penche sur des thématiques qui n'ont plus rien de véritablement novatrices. Le ''beau'' et ''le monstrueux'' se confondant en une seule œuvre. Une ambiguïté qui à l'ère où le cinéma d'horreur a pris une grande place dans le cœur des spectateurs n'aura d'autre effet que de battre avec difficulté le froid et le chaud. C'est donc avec une certaine indifférence que l'on parcours l'Amérique en compagnie de nos deux jeunes ''amoureux'', si ce n'est pour l'exploitation, à l'image, d'une certaine misère sociale. Bones and All confirme donc davantage le talent de ses deux jeunes interprètes et sans doute un peu moins celui de son auteur. Un Luca Guadagnino dont on retiendra en outre et surtout sa vision crépusculaire des provinces rencontrées que par sa propension à nous conter une histoire d'amour tragique...

 

Needle in a Timstack de John Ridley (2021) - ★☆☆☆☆☆☆☆☆☆

 

 

Le terme Woke, tout le monde connaît. Et comme le féminisme ou le véganisme, son principe originel a été détourné et donc, dévoyé pour le plaisir radicalisé des uns et le rejet des autres. Le fait même de ne faire qu'évoquer le sujet me range immédiatement dans la catégorie des seconds. De celles et ceux qui de près ou de loin et par bravoure, par honnêteté ou simplement par esprit de liberté vomissent en bloc tout ce qui rappelle cette muselière, ces œillères et ces menottes soit-disant intellectuelles mais plus vraisemblablement politiques qu'un certain monde et ses médias quels qu'ils soient nous imposent. Au point d'en faire parfois l'objet d'une véritable obsession comme me l'a soufflé très judicieusement celle qui partage ma vie. Des ignares et pires, des fascistes, voici ce que certains d'entre nous sommes devenus. Il est tellement plus simple de réduire notre non-addiction à de tels propos. Bien propre sur lui le film du réalisateur John Ridley tombe à bien nommé, comme un pied gauche bienheureux d'un individu s'enfonçant dans l'étron bien fumant d'un chien-chien à sa maman. De quoi s'attirer la satisfaction des ''utilisateurs'' de la ''Woke Culture'' et l'indifférence polie des non-initiés. Je ne préciserai pas qu'autour de moi gravitent quelques amis gays, lesbiens, noirs ou maghrébins puisque évoquer l'idée même d'en avoir autour de soi ne peut être qu'un paravent camouflant en réalité les idées bien sombres de l'homophobie ou de la xénophobie. Mais si la chose est effectivement vraie, je parle de celle qui consiste à ne pas avoir autour de moi que des ''faces de craie hétéros'', le fait est que le message politique qui s'insinue désormais presque systématiquement dans le paysage cinématographique me donne la cagagne. Me transformant sans doute parfois en un individu qui, s'il n'avait pas quelques amis autour de lui pour le nier, paraîtrait comme le pire des sociopathe génocidaire.

John Rildey, encore lui, et plus encore Needle in a Timstack, ce film de science-fiction romantique se caressant l'entre-jambe d'autosatisfaction sur son premier-plan pour mettre les choses à plat : le film est Woke, qu'on le veuille ou non, le rappelant régulièrement même si quelques aspects de ce concept s'étant intellectuellement égaré n'y apparaissent pas. Car à moins qu'ils aient été évoqués, ils le furent sûrement lors des me phases de sommeil. Car tenez-le vous pour dit : Needle in a Timstack est d'un ennui sidéral plongeant le spectateur comme dans un état de stase qui ferait passer ses cent-dix minutes pour un voyage endormi à l'horizontal vers la planète rouge. Voyage dans le temps et histoire d'amour se mêlent lors d'un récit où même ma compagne n'est pas parvenue à trouver le moindre point positif. Tout au plus un concept intéressant exploité par un revendeur de cachetons spécialisé dans les somnifères. De ce point de vue là, le long-métrage de John Ridley rempli PAR-FAI-TE-MENT son contrat ! Je n'avais déjà pas du tout apprécié le très ennuyeux et très prétentieux A Ghost Story de David Lowery, mais au regard de l'assommant Needle in a Timstack, on dirait presque du John Wick ! Encore plus vicieux qu'il n'en avait l'air au premier abord, le réalisateur injecte au film un autre concept qui donne toujours à la même catégorie des hauts le cœur : la Cancel Culture ou comment, sous-couvert de voyage dans le temps, le réalisateur utilise des moyens encore scientifiquement indisponibles pour changer l'ordre des choses. Et même si certains penseront que tout ce que je viens d'écrire n'est qu'un tissu de conneries, au delà-même des concepts avérés ou non, le film est chiant. Jusque dans ses fondus au noir. Lent, répétitif (trois fois l'une des héroïnes féminines reviendra sur un concept dont je laisserai la surprise aux plus courageux), snob, faussement high-tech (ahhhh, ces séquences de vernissages vues mille fois ailleurs), le pire est le choix de l'actrice Cynthia Erivo qui dans le rôle de Janine Mikkelsen ne parvient absolument pas à nous séduire. Visage froid, traits masculins façon sprinteuse du 100 mètres au championnat du monde d'athlétisme, on se demande comment le réalisateur a pu faire preuve d'une telle faute de goût lorsque au sein de son casting se trouvait la nettement plus jolie Freisa Pinto ! L'une des pires expériences cinématographiques de mon existence. Aussi bien sur le plan intellectuel qu'au niveau du rythme et de la mise en scène...