Marty Supreme de Josh Safdie (2026) - ★★★★★★★★★☆

 

 

Après une carrière en commun longue d'une dizaine d'années qui a vu éclore quelques pépites parmi lesquelles l'on peut citer Good Time en 2017 ainsi que Uncut Gems en 2019, les frères Safdie se sont séparés pour, officiellement, poursuivre chacun de leur côté des carrières de cinéastes bien distinctes. Pourtant, les raisons invoquées semblent bien plus sombres qu'elles n'en n'ont l'air mais nous ne nous attarderons pas ici à leur sujet. En effet, il est sans doute plus préférable d'évoquer le dernier long-métrage réalisé par Josh, l'aîné des deux frères qui après le départ de Benjamin vient de réaliser, écrire et produire (en collaboration avec son principal interprète Timothée Chalamet, Ronald Bronstein, Eli Bush et Anthony Katagas) ce qui sans doute demeurera comme l'un des meilleurs films à avoir vu le jour en cette année 2026 même si celle-ci n'en est pour l'instant qu'à son troisième mois. Après avoir habitué le public à assister à des spectacles relativement sombres notamment à travers les deux exemples cités plus haut, Josh Safdie perpétue un genre dont les frères Joel et Ethan Coen ont longtemps été les portes-étendards. Un mélange entre thriller noir, absurde, drame et dont Blood Simple, Fargo, No Country for old Men ou Burn After Reading demeurent les plus remarquables exemples. Pourtant, ici, nulle trace de l'un et de l'autre à la réalisation ou à l'écriture. En solo, John Safdie assure lui-même la réalisation. Ainsi que l'écriture à laquelle a collaboré le scénariste, acteur, monteur et producteur Ronald Bronstein auquel les frères Safdie offrirent notamment le rôle de Lenny dans Lenny and the Kids il y a dix-sept ans. Derrière un titre qui renvoie à l'appellation des balles de Tennis de Tables oranges dont le personnage central Marty Mauser s'enorgueillit d'être l'inventeur alors même que leur conception provient du fait que les blanches étaient difficilement décelables lorsque des matchs étaient diffusés à la télévision, Marty Supreme décrit avec raison la personnalité excentrique de cet ''anti-héros'' arrogant, opportuniste et très souvent dénué de toute morale lorsqu'il s'agit d'arriver à ses fins...

Un personnage charismatique pourtant dénué de l'ampleur physique que l'on prêterait généralement à ce genre d'individu. Relativement frêle comme l'était celui que l'acteur est censé reproduire à l'image, doté d'une moustache et d'une coiffure qui renvoient à l'époque où chez nous la série télévisée policière Les brigades du Tigre rencontrait un certain succès, on ne peut pas dire que Timothée Chalamet jouisse ici d'un statut d’icône sexuelle. Et pourtant, comme le démontrera par la suite l'évolution de sa relation avec la comédienne Kay Stone (Gwyneth Paltrow), l'homme est si sûr de lui et possède un tel bagout que rien, vraiment rien ne semble pouvoir se mettre en travers de sa route. Pas même la relation qu'il va entretenir avec cette beauté d'âge plus ou moins mûr qui s'amusera souvent de l'attitude de ce jeune homme d'une trentaine d'années son cadet mais avec lequel elle entretiendra une relation charnelle relativement intense. L'auteur de Marty Supreme mêle les genres avec un certain brio. Contrairement à un Edgar Wright qui parfois épuise à force d'être beaucoup trop démonstratif (Baby Driver en 2017, The Running Man en 2025), cette facette du cinéma de Josh Safdie fonctionne par contre à merveille. Sur la base d'un fait parfaitement authentique (le film s'inspire en effet de Marty Reisman, un pongiste qui entre 1958 et 1960 remporta deux fois l'US Open de Tennis de Table), Josh Safdie et son scénaristes ont conçu une œuvre qui dépasse de loin les frontières du Biopic tel qu'il est généralement envisagé sur grand écran pour introduire son arrogant personnage dans un récit qui fait appel à un genre auquel ceux qui connaissent bien l'histoire de l'ancien champion de ''Ping Pong'' aujourd'hui décédé depuis une quinzaine d'années ne s'attendaient certainement pas...

Une ambition dévorante qui poussera Marty ainsi que celle qu'il a engrossé huit mois auparavant (l'actrice Odessa A'Zion dans le rôle de Rachel Mizler) à suivre un chemin pavé d'embûches, mettant à diverses reprises sa vie et celle de la jeune femme en danger. Pourquoi ? Pour atteindre un but, un seul. Rencontrer de nouveau Endo (Koto Kawaguchi), le champion japonais de Tennis de Table qui quelques mois auparavant sortit vainqueur de la finale de l'Open d'Angleterre qui opposa les deux hommes. Persuadé que son adversaire fut avantagé grâce à un nouveau modèle de raquette, Marty n'a plus qu'un seul objectif. Partir au Japon pour les prochains championnats du monde afin de jouer contre Endo et de le battre. Problème : le jeune homme n'a pas l'argent nécessaire qui lui permettrait de prendre l'avion pour le Pays du Soleil Levant... Si Marty Supreme repose sur une mécanique parfaitement huilée, le film profite également d'un casting trois étoiles. À Commencer par Kevin O'Leary, lequel incarne le rôle du richissime homme d'affaire Milton Rockwell sur lequel compte Marty pour réaliser son projet. Tyler Okonma interprète de son côté le chauffeur de taxi et ami/complice d'arnaques Wally. Mais aussi et surtout, le long-métrage de Josh Safdie est l'occasion de redécouvrir l'immense Abel Ferrara dans le rôle d'Ezra Mishkin. Un personnage ambigu, dont les contours sont volontairement mal définis (mafioso ? Bookmaker ?) mais qui sera lui aussi au centre d'un récit touffu, transcendé par un cinéaste qui n'a pas laissé au hasard la moindre petite porte de sortie. Bref, foncez voir Marty Supreme tant qu'il est en salle, vous ne le regretterez pas...

 

Bones and All de Luca Guadagnino (2022) - ★★★★★★☆☆☆☆

 

 

Le dernier long-métrage de Luca Guadagnino (Call me by your name en 2017, Suspiria en 2018) ressemble tout d'abord au cinéma indépendant vouant une approche spécifique des marginaux en général et à celui d'un certain Harmony Korine en particulier (Gummo en 1997, Trash Humpers en 2009). Un cinéma souvent réaliste qui pourtant trouve ici une résonance avec le fantastique. Si l'anthropophagie et le cannibalisme sont des mythes qui trouvent leur source dans les coins les plus reculés des territoires africains et même bien avant puisque les tribus d’Homo erectus, de Néandertaliens et d’Homo sapiens recoururent à leur époque au cannibalisme, cette thématique qui effraie et s'avère donc propice à bâtir des récits horrifiques fit florès sur grand écran dans les années soixante-dix/quatre-vingt. Des dizaines de longs-métrages qui mirent tout d'abord en avant des individus vivant au cœur de la forêt vierge amazonienne, donnant ainsi l'un de ces films cultes qui encore aujourd'hui, dérangent. On parle bien évidemment du cultissime Cannibal Holocaust du réalisateur italien récemment disparu, Ruggero Deodato. Le mythe dégénérant et allant jusqu'à être transposé jusqu'en Occident, peu à peu, ce qui semblait n'être encore qu'une légende allait se transformer en un fait-divers des plus concret. De la famille de dégénérés de Massacre à la tronçonneuse de Tobe Hooper en 1974, en passant par La semana del Asesino de l'espagnol Eloy de la Iglesia et jusqu'au Grave de la française Julia Ducournau... Des dizaines, voire des centaines de longs-métrages plus ou moins crédibles mettant en scène des hommes et des femmes dévoreurs de chair humaine... Mais le dernier méfait de l'italien Luca Guadagnino, lui, semble également se rapprocher d'un autre mythe. Celui de ces tueurs en série qui parcourent le territoire américain à la recherche de proies. Et plus précisément, des couples d'assassins comme les divers médias en ont conté les horribles affaires. Pourtant, ses héros incarnés par Taylor russell (dans le rôle de Maren) et Timothée Chalamet (dans celui de Lee) semblent moins se rapprocher des couples formés par Bonnie Parker et Clyde Barrow ou Raymond Fernader et Martha Beck que de Charles Starkweather et Caril Ann Fugate auxquels plusieurs cinéastes consacrèrent une œuvre cinématographique parmi lesquelles, Terrence Malick avec La Balade sauvage (Badlands). Et c'est précisément à celui-ci que l'on se référera immédiatement même si le fond est diamétralement différent du récit offert par Bones and All, le dernier film de Luca Guadagnino. Dans le cas de La Balade sauvage, s'il n'était nul question de cannibalisme ou d'anthropophagie, il est en revanche difficile de nier les rapports qu'entretiennent les deux longs-métrages lorsqu'il s'agit d'évoquer la forme. Car l'un comme l'autre mettent en scène de jeunes individus parcourant le territoire américain en semant derrière eux la mort...

C'est avec une certaine fébrilité que j'attendais de pouvoir découvrir le dernier film du réalisateur italien. Après avoir été conquis par son remake du classique de Dario Argento Suspiria, j'attendais de pouvoir apprécier comment allait évoluer la frange horrifique de son cinéma avec son dernier né. Un road-movie ayant les allures d'un cinéma indépendant typique du festival de Sundance, avec sa description d'une Amérique parcourue par des marginaux. Et c'est en cela que Bones and All procure un certain intérêt. D'abord à travers son couple de cannibales faisant connaissance au détour d'une supérette et de son voyage à travers l'Amérique profonde à la recherche de leur passé. Une œuvre intéressante, s'éternisant tout de même au delà des deux heures, mais procurant tout de même parfois le sentiment de tourner en rond. L'un des aspects les plus inattendus s'inscrivant moins dans ce voyage parfois très sanglant que dans la découverte d'une multitude de personnages s'adonnant eux-même au délice de la chair humaine, Bones and All paraît ainsi se rapprocher d'un certain cinéma fantastique foulé de plain-pied par des hordes de créatures monstrueuses dévorant nos semblables. Bien que Luca Guadagnino ait su parfois se saisir de l'imagerie des laissés pour compte vivant sur le territoire américain, et bien que le couple formé par les deux jeunes interprètes s'avère parfois touchant (quoique parfaitement glaçant lors de leurs ''repas''), ce couple nouvellement formé à bien du mal à séduire le public dès lors que le réalisateur tente de nous convaincre des sentiments qui les emploie à parcourir une Amérique pourtant filmée avec grand intérêt. Une œuvre parfois confondante de beauté lorsqu'elle filme ses personnages au coucher du soleil ou lors d'une fête foraine mais dont la vanité empêche de s'accrocher tout à fait à cette histoire d'amour... et de mort ! Le spectateur ayant l'estomac fragile sera donc moins séduit par les rapports qu'entretiennent Maren et Lee qu'écœuré par les quelques repas que partage notre duo, rappelant ainsi l'une des séquences effroyables de Trouble Every Day que réalisa en 2001 la réalisatrice française Claire Denis... L'inconvénient est ici que Luca Guadagnino se penche sur des thématiques qui n'ont plus rien de véritablement novatrices. Le ''beau'' et ''le monstrueux'' se confondant en une seule œuvre. Une ambiguïté qui à l'ère où le cinéma d'horreur a pris une grande place dans le cœur des spectateurs n'aura d'autre effet que de battre avec difficulté le froid et le chaud. C'est donc avec une certaine indifférence que l'on parcours l'Amérique en compagnie de nos deux jeunes ''amoureux'', si ce n'est pour l'exploitation, à l'image, d'une certaine misère sociale. Bones and All confirme donc davantage le talent de ses deux jeunes interprètes et sans doute un peu moins celui de son auteur. Un Luca Guadagnino dont on retiendra en outre et surtout sa vision crépusculaire des provinces rencontrées que par sa propension à nous conter une histoire d'amour tragique...

 

Dune de Denis Villeneuve (2021) - ★★★★★★★☆☆☆

 

 

Connu pour être l'un des romans de science-fiction les plus célèbres mais sans doute également parmi les plus ardus à lire et à adapter sur grand écran, Dune est à l'origine un roman de l'écrivain américain Frank Herbert. À vrai dire, l’œuvre ne se contente pas d'être un ouvrage unique mais un véritable cycle en six volumes poursuivit ensuite à partir de 1999 par le propre fils de l'écrivain ainsi que par Kevin J. Anderson. Au début des années soixante-dix, le réalisateur chilien Alejandro Jodorowsky, le réalisateur des films cultes El Top, La montagne sacrée ou Santa Sangre envisage d'adapter le roman de Frank Herbert. Un projet si ambitieux qu'il ne parviendra pas à le mener à terme. En résultat quarante ans plus tard, un passionnant documentaire intitulé Jodorowsky's Dune. En 1984 sort sur les écrans la première véritable adaptation du roman. Réalisé par l'immense David Lynch, le film se prend une volée de châtaignes de la part du public et des critiques. Un film de commande dans lequel on retrouve quelques gimmicks de l'auteur de Eraserhead, de Lost Highway ou de Inland Empire mais qui s'éloigne tout de même en grande partie de son style si personnel. Depuis, une partie du public semble ressentir un certain regain d'intérêt pour ce film dont certaines versions occultent volontairement le nom de son réalisateur au ''profit'' de Alan Smithee, pseudonyme bien connu utilisé par les réalisateurs qui ne désirent plus voir leur nom s'afficher au générique d'un projet qu'ils ont mis eux-même en scène. Depuis qu'est sortie en salle la version de Denis Villeneuve il y a quelques semaines, on n'a jamais autant évoqué la version de David Lynch. Si certains évoquent les prouesses de la version 2021, d'autres en revanche assurent que celle de 1984 lui est bien supérieure...

N'ayant pas lu le roman ni ses prolongements et n'ayant conservé qu'un très vague souvenir du long-métrage de David Lynch, c'est l'esprit vierge de toute référence (ou presque) et donc avec toute l'objectivité qui je l'espère me caractérise que j'ai décidé d'évoquer le Dune de Denis Villeneuve. Soit dit en passant, du réalisateur canadien, j'ai pu me forger une solide idée sur son travail puisque je n'ai jamais été déçu par aucun de ses longs-métrages que j'ai vu jusque là. Il y a a quatre ans, je doutais de son Blade Runner 2049 pour au final sortir de la salle totalement conquis. Au point même d'avoir eu envie de redécouvrir l'original de Ridley Scott, film pour lequel je n'avais jusque là conservé que très peu d'intérêt. Alors que la question se pose de savoir si la séquelle de Dune que devrait réaliser lui-même Denis Villeneuve verra bien le jour dans les années à venir, évoquons cette première partie. Nous sommes en l'an 10191. Le Duc Leto Atréides de la maison du même nom reçoit la visite d'un représentant de l’empereur Padishah Shaddam IV qui lui enjoint de prendre en charge l'extraction de l’Épice sur Arrakis en lieu et place du précédent intendant, le Baron Vladimir Harkonnen de la maison Harkonnen. Arrakis est une planète-désert sans eau mais à l'atmosphère respirable. L’Épice y est la seule ressource disponible sur place. D'une valeur inestimable, elle est sécrétée par des vers gigantesques et permet aux humains qui la consomment de prolonger leur existence. Cette précieuse richesse qui a fait la fortune des Harkonnen possède en outre d'autres formidables facultés. Après avoir promis au chef de la tribu Fremen Stilgar de ne pas empiéter sur son territoire du Sietch Tabr, Leto Atréides est victime d'une trahison. Sa concubine Dame Jessica ainsi que leur fils Paul, héritier de la Maison Atréides, partent cependant rejoindre le peuple des Fremens malgré les promesses du Duc...

Avec Dune, c'est forcément tout ou rien. Surtout pour les fans sans doute avides de trouver là une adaptation digne de leur épopée de science-fiction préférée. L'action se situe donc sur une planète balayée par des vents extrêmement violents sous les dunes de laquelle vivent d'immenses vers. Si Kenneth McMillan incarnait en 1984 un Baron Harkonnen adipeux, pustuleux, sadique et aussi effrayant que repoussant, l'acteur suédois Stellan Skarsgård n'a rien à lui envier. Méconnaissable sous son maquillage, par la magie des effets-spéciaux le voilà obèse, dénué de toute pilosité et nanti d'un goitre qui fait le tour entier de son cou et de sa nuque. Un vrai boogeyman de film d'horreur à la tête d'une bande de ''cénobites'' cruels et meurtriers. Le héros Paul Atréides est quant à lui interprété par le jeune acteur franco-américain Timothée Chalamet dont la carrière ne se résume pas qu'à une peau de chagrin puisque sa carrière semble s'être accélérée depuis le milieu des années 2010. Parfois théâtral mais plus généralement sobre, il convainc plutôt bien dans la peau de l'héritier de la Maison Atreides. Dans le rôle de sa mère, nous retrouvons l'actrice Rebecca Ferguson qui deux ans en arrière interpréta le rôle de la méchante Rose O'Hara dans le Doctor Sleep de Mike Flanagan. Production américano-américaine, Dune n'en devient pas moins le berceau d'un casting international puisqu'outre la présence du suédois Stellan Skarsgård, on retrouve l'acteur espagnol Javier Bardem dans le rôle de Stilgar ou l'actrice britannique Charlotte Rampling dans celui de la Révérende mère Gaius Helen Mohiam...

Celles et ceux qui espéraient retrouver la flamboyance visuelle de Blade Runner 2049 pourront être plus ou moins déçus puisqu'ici, tout ou presque est couleur de sable. Des teintes sobrement perturbées par quelques nuances de gris, de vert ou de bleu désaturés. Si cette première partie passe tout d'abord forcément par l'apprentissage de son jeune héros, le film n'en est pas moins doté de séquences épiques sublimées par la dantesque partition musicale de Hans Zimmer. Bien que l'aventure soit de prime abord plutôt complexe, les néophytes auront le plaisir de constater que le récit est parfaitement lisible et que Denis Villeneuve ne perd jamais ses spectateurs dans les limbes d'un récit par trop encombré de personnages primaires et secondaires. Dune est fluide, beau, violent, parfois homérique et pourvu de formidables effets-spéciaux dont une attaque assez remarquable des Harkonnen contre le camp des Atreides où sont stockées les réserves d’Épice. Malgré tout, le long-métrage de Denis Villeneuve semble dénué d'émotion. Un sentiment qui parcours le film de son ouverture jusqu'à son terme. Mais au delà de ce détail qui pourra avoir plus ou moins d'importance, le spectacle est là...