Alter Ego de Nicolas et Bruno (2026) - ★★★★★★★☆☆☆

 

 

Nicolas et Bruno est un duo formé autour des réalisateurs, scénaristes, photographes et acteurs français Nicolas Charlet et Bruno Lavaine dont les premières collaborations datent des années quatre-vingt dix. Leur première œuvre cinématographique en tant qu'auteurs principaux date quant à elle de 2002 et s'intitule Restauratec. Un court-métrage auquel y succèdent plusieurs autres avant que les deux hommes n'intègrent Canal+ toujours en tant que réalisateurs, scénaristes, monteurs et doubleurs du programme humoristique Message à caractère informatif. Durant trois ans, ils développent un concept similaire au film culte de Michel Hazanavicius et Dominique Mézerette qui en 1993 réalisèrent donc ensemble La classe américaine dans lequel il compilèrent des extraits de films produits par la Warner Bros tout en y proposant de nouveaux dialogues sur un ton humoristique, créant ainsi un tout nouveau récit... Ce n'est qu'en 2008 que Nicolas Charlet et Bruno Lavaine tournent ensemble leur tout premier long-métrage, la comédie La personne aux deux personnes. Une œuvre totalement originale, loufoque et au final très amusante qui reprend certains codes kitschissimes de leurs aventures télévisuelles puisque s'y télescopent un chanteur has-been (Alain Chabat dans le rôle de Gilles Gabriel) et un employé de la COGIP, entreprise fictive imaginée par les deux hommes au temps de Message à caractère informatif, de plusieurs autres émissions disséminées entre 2002 et 2018, mais également de leur nouveau long-métrage sorti en début d'année 2026 sous le titre Alter Ego. Pour celles et ceux qui apprécient l'univers des deux cinéastes, aucun soucis à se faire puisque Nicolas Charlet et Bruno Lavaine y prolongent leur vision toute personnelle du cinéma et de la comédie en particulier. Dix-huit ans après La personne aux deux personnes et treize après Le grand méchant loup dans lequel les deux cinéastes s'écartèrent exceptionnellement de leur ''mythologie'' puisqu'ils y réinterprétèrent sous forme de remake le film du québécois Patrick Huard, Les 3 P'tits cochons, lui-même étant une adaptation du conte populaire Les trois petits cochons que retranscrivit pour la toute première fois sous forme littéraire le britannique James Orchard Halliwell-Phillipps en 1843.

Retour en 2026 avec l'univers des deux français puisque les personnage masculins et centraux du récit tous deux interprétés par un seul et même acteur en la personne de Laurent Lafitte travaillent dans l'entreprise devenue désormais l'une des marques de fabrique du duo de réalisateurs et scénaristes : La COGIP. À deux années prêt de fêter son trentième anniversaire, cette entreprise fictive a forcément évolué, à travers des responsables et des subalternes qui ont changé au fil de ses différentes représentations télévisuelles et cinématographiques. Désormais, à la tête de la COGIP l'on retrouve l'actrice Zabou Breitman dans le rôle de Nicole Lecovec, la patronne d'Alex Floutard et bientôt celle d'Axel Chambon qu'incarne donc ''doublement'' Laurent Lafitte. Une directrice bienveillante malgré les piètres résultats obtenus par le premier des deux ''sosies'' et par le collègue de bureau du premier, Denis Moulard qu'incarne l'humoriste et comédien français Marc Fraize. Et allez savoir pour quelle raison, mais l'actrice y est affublée d'une... moustache ! Sans autre forme d'explication autre que l'intention de faire rire, voilà le type de détails dont aiment agrémenter dans sa globalité, leur œuvre, les deux cinéastes. Auteurs de leur propre script, Nicolas et Bruno imaginent l'emménagement d'un couple juste à côté de la demeure habitée par Alex et son épouse Nathalie (Blanche Gardin). Sauf que pour celui-ci, la présence dans son champ de vision d'Axel ainsi qu'au sein même de l'entreprise qui bientôt emploiera ce dernier va causer de graves problèmes chez Alex.

Bien que personne dans son entourage n'ait remarqué la troublante ressemblance qui existe entre lui et son nouveau voisin, Alex accepte mal la présence d'Axel. Un homme avec qui il ne partage absolument rien. L'homme devient rapidement populaire auprès du voisinage ou de la directrice de la COGIP et de ses nouveaux collègues. Et tandis qu'Alex s'enfonce peu à peu dans un état dépressif, Axel, lui, montre son indéfectible confiance en lui. Les deux cinéastes développent ici le concept du double avec une certaine maîtrise en opposant deux hommes physiquement proches mais qui intellectuellement, professionnellement et même dans le cadre intime sont totalement différents l'un de l'autre. Calvitie, taciturnité, défiance, jalousie et voire même paranoïa d'un côté et charisme, extraversion, assurance et réussite sociale et professionnelle de l'autre. De quoi créer une aversion chez Alex qui va doucement mais assurément se laisser glisser sur la pente de la folie. Si Nicolas et Bruno s'amusent avec ce ''duo'' parfaitement antinomique, ce qui pour un long, très long moment ressemblera à une comédie bien dans l'esprit des deux hommes se transformera peu à peu en une comédie noire, très noire même, un peu à la manière des œuvres signées de Jean-Christophe Meurisse, Oranges Sanguines et Les pistolets en plastique... Plutôt drôle dans un premier temps mais ensuite savoureusement sinistre dans son dernier acte, Alter Ego est de ces comédies trop rares dont l'arrivée subite dans le paysage français est une vraie bouffée d'air malgré leur ponctuelle noirceur. À voir...

 

L’Incroyable femme des neiges de Sébastien Betbeder (2026) - ★★★★★★★☆☆☆

 

 

Dix ans après avoir mis en scène Thomas Blanchard et Thomas Scimeca dans Le Voyage au Groenland dans lequel les deux interprètes faisaient le connaissance d'une communauté inuit, le réalisateur et scénariste Sébastien Betbeder retourne côtoyer ce peuple autochtone de l'Arctique et y plonge désormais les personnages incarnés par Blanche Gardin, Philippe Katerine et Bastien Bouillon. Lesquels interprètent respectivement Coline, Basile et Lolo, une sœur et ses deux frères qui n'ont plus communiqué entre eux depuis des années depuis que la jeune femme a fait le choix de partir au Pôle Nord afin de rechercher le Yéti, une créature légendaire issue de divers folklores. L'Incroyable Femme des neiges commence alors que Coline, transite de froid, s'écroule au sol. Le récit opère alors un voyage dans le temps. Un temps effectivement indéfinissable passe et l'on retrouve la jeune femme dans le village natal du Jura où elle vécu sa jeunesse auprès de ses deux frères et de leurs parents. Coline retrouve Basile, lequel travaille dans un restaurant. Lolo, quant à lui, ne débarquera qu'un peu plus tard, lorsque son frère estimera qu'il est tant que la fratrie se réunisse alors que Coline est devenue mutique. Entre temps, celle-ci aura eu l'occasion de revoir Christophe (Laurent Papot), un ancien petit ami qui avait fait le choix de la quitter. Car Coline est une femme instable. Bipolaire. Tandis que sa mort approche, elle et ses deux frères vont partir retrouver la petite communauté inuit qui l'avait accueillie alors qu'elle risquait de perdre la vie quelques années auparavant avant d'être miraculeusement retrouvée par deux hommes de la communauté en question... Notons que pour une fois, Blanche Gardin nous épargne la vulgarité dont elle s'est rapidement faite l'une des ''spécialistes'' lors de ses spectacles pour au contraire approcher son personnage de manière plutôt sobre. De son côté, et bien que le rôle de Basile lui colle relativement bien à la peau, l'exubérance de Philippe Katerine est ici beaucoup moins visible.

Aux côtés de Bastien Bouillon, ils composent une fratrie quelque peu dysfonctionnelle qui s'explique notamment lors d'une périlleuse et vertigineuse randonnée devant mener nos trois protagonistes jusqu'au refuge de leur père décédé. Sans trop être caricaturaux, l'on peut tout de même considérer les personnages comme des ''originaux''. Un terme qui sied d'ailleurs parfaitement au récit, dont la sobriété ainsi qu'une certaine austérité range L'Incroyable Femme des neiges dans une catégorie de longs-métrages qui s'écartent drastiquement du cinéma populaire et grand public. Et même si le titre prétend à l'origine opérer une rencontre ''fabuleuse'' entre notre héroïne féminine et l'un des plus célèbres mythes relatant l'existence d'une créature parfois nommée Bigfoot, Basajaun ou Kaptar, le long-métrage de Sébastien Betbeder est aussi et surtout ancré dans une réalité tragique : la mort annoncée de Coline. L'occasion pour le réalisateur et scénariste français d'évoquer à travers le récit, des coutumes ancestrales inuit qui porteront nos trois protagonistes en un lieu sacré, une porte, un chemin emprunté par nombre d'habitants de la région lorsque la Mort se fait pressante. Une issue abordée de manière d'ailleurs très optimiste puisque même si Sébastien Betbeder évoque l'idée d'un adieu entre la sœur et les deux frères, rien ne semble véritablement inéluctable. Derrière cette idée originale emprunte de mysticisme se cache malgré tout une œuvre qui ne se départit pas d'un certain humour. À travers la personnalité des divers protagonistes, certes, mais également à travers certaines situations. Comme les retrouvailles on ne peut plus extravagantes entre Coline et Sophie Giroud (Clémentine Baert), cette gamine que l'héroïne détestait assez peu cordialement du temps de leur adolescence et qui depuis est mariée avec Christophe, son ancien compagnon ! L'Incroyable Femme des neiges demeure malgré tout une œuvre très particulière, dénuée d'une énergie propre à la comédie. Humour et drame s'imbriquent dans un récit qui fait la part belle à des décors parfois saisissants de beauté et à une communauté inuit que le réalisateur rend très attachante...

 

Un monde merveilleux de Giulio Callegari (2025) - ★★★★★☆☆☆☆☆

 

 

Voici où en est en 2025 ! À adouber une comédie qui n'en mérite certainement pas tant. Parce qu'il ne faut surtout pas toucher à MADAME Blanche Gardin. Dont la propension à la vulgarité a quand même cette faculté de repousser les limites qu'avait déjà franchi un certain Jean-Marie Bigard. Vous vous souvenez ? Ce type qui débarqua sur nos petits écrans dans Le Petit Théâtre de Bouvard puis dans La Classe dans les années quatre-vingt, et qui rencontra ensuite un immense succès avant de se jeter dans le complotisme et dans un humour de plus en plus naze, grossier, vulgaire, hurlant à mesure qu'il perdait l’ouïe ? Et bien, que l'on soit d'accord ou non, Madame Gardin est du même tonneau. Mais à tendance féministe. Et selon elle, pas du versant 2.0 qui ne pourrit pas uniquement l'existence des hommes mais aussi celle des vraies combattantes et pas de celles qui cherchent à faire parler d'elles en se ridiculisant dans les médias et sur les réseaux sociaux. Des extrémistes dont je dû faire les frais il y a quelques mois en osant affirmer que l'humoriste et actrice française était un peu trop vulgaire à mon goût ! Bref, Blanche Gardin est la vedette d'Un monde merveilleux. Une comédie de science-fiction dystopique située ''dans un futur un peu trop proche'' mais, soyez-en sûrs, dans un contexte maintes fois rebattu au cinéma. Un road-movie, également, et qui, allez savoir pourquoi, allait me rappeler Les fugitifs de Francis Veber avec Pierre Richard et Gérard Depardieu. La comparaison ne s'arrêtant qu'aux frontières du sujet que les deux œuvres partagent en partie, il semblerait que certains éprouvent le besoin de trouver de nouvelles références cinématographiques afin de pouvoir constituer un patrimoine culturel français qui dans les années 2020 ne se serait pas soumis à la médiocrité. De la poudre aux yeux, je vous le dis, concernant ce Monde Merveilleux au titre semble-t-il ironique même si sa conclusion mène à un questionnement auquel le réalisateur paraît avoir de grandes difficultés à répondre. Pour son premier long-métrage après le court Erratum en 2021, Giulio Callegari est assisté de Moritz Parisius. Également auteur de son propre scénario, le réalisateur semble en effet ne plus savoir sur quel pied danser à mesure que l'intrigue évolue vers une relation beaucoup plus chaleureuse entre Max (Blanche Gardin) et le Robot T-0 (sous le costume duquel se camoufle l'actrice Angélique Flaugère). Modèle plus que démodé et technologiquement dépassé, ce T-0 (ou T- Zéro) qui sera phonétiquement surnommé Théo n'a tout d'abord pas les faveurs de Max qui l'a récemment volé dans un hospice.

Et l'on comprend rapidement pourquoi. Ancienne prof, elle a, comme beaucoup de ses concitoyens, été remplacée par une machine. Aujourd'hui contrainte de voler des robots pour ensuite les revendre à un receleur, la voici désormais affligée d'un ancien modèle qui les suivent partout elle et sa fille Paula (Laly Mercier). Un jour, alors qu'ils font tous les trois les courses dans un supermarché, Max est surprise en train de voler des marchandises. Paula est alors placée dans un foyer avant d'être confiée à la sœur de sa mère qui vit en Bretagne. Après une nuit passée en cellule, Max n'a plus d'autres objectif que celui de retrouver sa fille. Le bras dans le plâtre et donc incapable de se mettre au volant de son véhicule, elle va être contrainte de faire la route en compagnie de T-0... Un monde merveilleux se veut être une comédie satirique. Ouais, pourquoi pas. Seulement, l'on se rend rapidement compte que le film ne nous arrachera pas le moindre sourire. Quant à son côté grinçant, là encore l'on peut d'ors et déjà faire une croix dessus. Avec son petit budget de deux-millions et cinq-cent mille euros, le film de Giulio Callegari dû faire de drastiques concessions en matière d'effet-visuels. Ici, pas la moindre trace de CGI. Les robots en question, qui pullulent désormais dans le quotidien des français ne sont que des costumes endossés par des figurants incapables de se mouvoir comme des robots. Des mimes de bas étage tandis qu'en Chine et par opposition, la start-up PNDbotics a conçu à contrario le robot Adam, lequel est capable d'imiter presque parfaitement la marche humaine. Un détail tout à fait ironique me direz-vous... Constituant ce qui fait le sel du récit l'on se trouve donc face à un Road-movie des plus classique. Une mère partant à la recherche de sa fille confiée à sa sœur par les services sociaux. Rien que de très anodin pour une comédie dont la seule différence est donc l'intrusion de machines robotisées particulièrement évoluées dans le quotidien de l'humanité ! Parvenu à la conclusion, on ne sait donc pas comment se positionne le réalisateur. Doit-on s'inquiéter de l'arrivée de nouveaux ''dispositifs'' auxquels sont confiées la plupart des tâches quotidiennes, voire professionnelles, ou au contraire, doit-on observer cela comme une évolution normale et bénéfique pour notre société ? La question reste posée...

 

Dans la peau de Blanche Houellebecq de Guillaume Nicloux (2024) - ★★★★★★★★☆☆

 

 

Alors que certains ''contemplaient'' la cérémonie d'ouverture des Jeux Olympiques de Paris 2024, d'autres comme nous avaient choisi de se divertir tout autrement. D'une absurdité à l'autre, point de différence autre que de se plonger dans la polémique ou au contraire de se lancer dans ce qui s'apparente à une fiction tout en ayant l'air d'avoir été inspiré par l’œuvre d'un auteur français ayant lui-même été sujet à la controverse. Si l'écrivain Michel Houellebecq est ponctuellement convié à suivre des cinéastes relativement marginaux (Benoît Delépine et Gustave Kervern), il en est un qui parmi eux surprend quasiment à chacune de ses interventions dans le domaine du septième art. Si en 2022, Guillaume Nicloux s'était montré relativement décevant avec le curieux La tour, ce cinéaste décidément à part dans le paysage français a toujours su se démarquer en réalisant des œuvres dont le ton et l'expérience n'a rien de commun avec d'autres auteurs beaucoup plus terre à terre. Pour n'évoquer que le seul auteur d'Extension du domaine de la lutte, des Particules élémentaires, de Plateforme ou de Soumission, le réalisateur et scénariste français lui offrit à quatre reprises l'occasion de s'exprimer avec le ton si singulier qui le caractérise. Après être simplement apparu dans le téléfilm L'Affaire Gordji : Histoire d'une cohabitation en 2012, Michel Huellebecq est devenu la vedette principale de L'Enlèvement de Michel Houellebecq en 2014, de Thalasso en 2019 et dernièrement de Dans la peau de Blanche Houellebecq. L'une des particularités de ces trois longs-métrages étant que l'écrivain y est à chaque fois apparu dans son propre rôle. L'occasion pour les curieux de découvrir ce ''Freak'' sans dents, apparemment aviné et dont la diction peut sembler impropre à la verve que l'on imaginerait tenir de la part d'un auteur à succès. Passée cette étape lors de laquelle le verbe est apathique et quelque fois confus, il demeure une inexplicable évidence : le cinéma de Guillaume Nicloux fascine. Car lorsqu'il ne s'essaie pas au cinéma d'anticipation dans ce sens où le genre décrit une fin du monde causée soit par le dérèglement climatique soit par une pandémie forcément causée par l'homme, le réalisateur convie les spectateurs à des excursions souvent étranges mais dont il est rare de sortir indemne.

Du diptyque formé autour de Valley of Love et The End (avec notre Gégé national) jusqu'au surprenant Les confins du monde, quelque soit le schéma dont il bouleverse les habitudes, Guillaune Nicloux compte ! Dès son absurde affiche sur laquelle trônent Michel Houellebecq et Blanche Gardin façon photographies découpées et reconstituées, Dans la peau de Blanche Houellebecq peut éventuellement évoquer En même temps de Benoît Delépine et Gustave Kervern, cette œuvre tout aussi aberrante que fascinante qui voyait durant presque quatre-vingt dix minutes Vincent Macaigne et Jonathan Cohen collés l'un derrière l'autre. Pourtant, pas grand chose à voir si ce n'est ce long passage durant lequel Houellebecq et Gardin seront liés par des menottes. Dans cette comédie où les accompagnent Luc Schwarz et Franck Monier, Michel et Blanche se rejoignent en Guadeloupe pour un concours de sosies consacré au premier. Comédie ? Thriller ? Rien de véritablement définissable dans ce long-métrage où le sujet des sosies demeurera l'un des rares aspects à n'avoir finalement aucun intérêt. L'on se passionnera davantage pour cette étrange affaire de meurtre pour lequel sera principalement concerné le garde du corps de l'écrivain (Luc Schwarz dans le rôle de Luc), évocation d'un homicide gore plus drôle que tragique et qui aura des conséquences sur les événements à venir. Entre docu-fiction et brouillon de thriller où l'absurde s'invite à grands renforts de séquences improbables (prise de champignons hallucinogènes suivis de ses effets, évocation de l'esclavage dans un véhicule dont la climatisation a été volontairement cassée par le chauffeur d'origine guadeloupéenne), le film ressemble à un grand fourre-tout d'idées toutes plus farfelues les unes que les autres mais au sein desquelles règne cependant une grande homogénéité. En outre, et malgré l'impression que Michel Houellebecq y passe son temps sous l'effet de l'alcool ou des champignons, Guillaume Nicloux parvient une fois de plus à démontrer le grand pouvoir comique de l'écrivain. Bref, Dans la peau de Blanche Houellebecq est l'une de ces grandes réussites que l'on peut mettre sur le compte du réalisateur en particulier et de la comédie française en général...

 

Le livre des solutions de Michel Gondry (2023) - ★★★★★★★☆☆☆

 

Nul besoin d'aller chercher dans l'histoire personnelle de Michel Gondry pour comprendre que son dernier long-métrage Le livre des solutions est en partie autobiographique. Il suffit de voir comment le cinéaste a dès le départ façonné les clips Human Behaviour, Army of Me et Isobel de la fée islandaise Bjork ou le Knives Out de Radiohead pour découvrir l'univers de cet homme dont l'imaginaire ressemble parfois à la chambre encombrée d'un enfant hyperactif atteint de bipolarité. Les deux pôles d'une créativité hors du commun qui trouve désormais en la personne de l'acteur Pierre Niney son pendant cinématographique. Mise en abîme dans l'exercice de création, Le livre des solutions paraît étonnamment fluide malgré les incessantes circonvolutions qui touchent le héros et atteignent ceux qui gravitent autour de lui. L'auteur du génial Eternal Sunshine of the Spotless Mind revient à ses amours de toujours, entre bricolage et imaginaire florissant. Une œuvre où le cinéaste et son principal interprète déploient une tentaculaire vision du cinéma amateur et où les compagnons de route des deux hommes font preuve d'une patience remarquable. Autour du héros orbitent dans l'espace confiné de ses pensées, Blanche Gardin en monteuse, laquelle fait preuve d'une sobriété bienvenue, ainsi que Frankie Wallach et Mourad Boudaoud en assistants. Ajoutons à ce carré de ''techniciens'' du septième art l'actrice Françoise Lebrun, remarquable de douceur et de compréhension dont le personnage de Denise est aux petits soins pour son neveu Marc Becker qu'interprète donc Pierre Niney. Tout dans le rôle qu'elle incarne par la douceur de son expression et du regard qu'elle projette sur son neveu est visible à l'écran. C'est tout le passé d'une enfance difficile qui se déploie. Une hyperactivité, une boulimie de travail, une humeur changeante. Bref, Marc use ses collaborateurs à travers une imagination débordante et des remises en question permanentes.

Résultat : le personnage incarné par Pierre Niney est tout autant crispant qu'il peut être touchant. Réalisateur d'un film dont il se refuse de suivre pas à pas le montage, Marc part avec son équipe se réfugier dans la maison de campagne de sa tante Denise pour fuir le loup qui s'est introduit dans la maison de production (Vincent Elbaz dans le rôle de Max Laporte). Mais le calme apparent des lieux ne va pas adoucir le comportement du réalisateur qui en outre a pris la décision de ne plus prendre les médicaments qui lui permettent de mettre un frein aux phases maniaco-dépressives dont il est atteint. D'un égocentrisme qui peut rebuter mais qui dans son grand étalage finis par faire sourire, Marc envisage son nouveau film alors même que le précédent est en post-production. L'univers de Michel Gondry, celui que l'on connaît à travers son œuvre mais sans doute aussi celui qui dans l'ombre envisage le cinéma, est visiblement constitué d'un fatras d'idées mises en œuvre à la manière d'un château de cartes branlant sur des bases incertaines d'où le génie se bat en duel avec les idées les plus improbables. À tel point qu'un Quentin Dupieux n'aurait sans doute pas eu suffisamment d'imagination pour concevoir le fameux Camiontage improvisé par le héros du Livre des solutions. Concernant ce dernier d'ailleurs, qui n'intervient qu'à de sporadiques occasions, il agit tel un outil de stratège et de création sans lequel la conception d'une œuvre est chez Marc quasiment impossible. Ouvrage totalement vierge redécouvert après des décennies, Marc y décrit par la voie de symboles, la construction d'une œuvre à laquelle il semble pour l'instant être le seul à croire. La technique et la mise en scène de Michel Gondry étant bien rodées et le récit finalement lapidaire (bien plus en tout cas que pour La Science des Rêves qu'il réalisa vois dix-huit ans), Le livre des solutions reste sans doute l'une de ses œuvres les plus accessibles malgré le cahier des charges qui repose sur le personnage de Marc. Au delà de l'agacement et des crispations que peut parfois générer le comportement du héros, le film est drôle, émouvant (on remerciera chaleureusement l'actrice Françoise Lebrun pour l'attention que porte son personnage à l'encontre de son neveu et de ses invités) et perclus d'idées absolument géniales comme cette fameuse séquence lors de laquelle Marc dirige un orchestre sans partition !

Yannick de Quentin Dupieux (2023) - ★★★★★★★☆☆☆

Alors que l'on attend la sortie prochaine de son nouveau long-métrage intitulé Daaaaaali ! qui devait à l'origine sortir cette année mais qui au final verra le jour sur grand écran le 7 février 2024, le réalisateur et scénariste français Quentin Dupieux nous a régalé cet été avec Yannick. Une œuvre dont l'une des règles fondamentales est de ne surtout pas ressembler à ce qui se fait de plus courant en matière de cinéma hexagonal ou bien même, soyons chauvins, au niveau international. Pour une nouvelle fois encore dans sa carrière, l'homme qui se cache derrière le fascinant musicien Mr Oizo prouve ici qu'il a encore quelques bonnes idées à nous proposer. Et même si parfois l'impression d'être pris pour des buses se fait ressentir, dans le cas de Yannick, on n'aura jamais eu autant l'impression d'avoir été les témoins d'un récit avec un début, un milieu et une conclusion. Tout ceci, bien entendu, sous le prisme de l'étrangeté et du décalage propre au cinéma de cet électron libre capable de mettre en scène un pneu tueur en série (Rubber), le chanteur Marilyn Manson (Wrong Cops), une mouche géante enfermée dans un coffre de voiture (Mandibules) ou de rendre hommage à certaines séries télévisées japonaises de type Sentai (Fumer fait tousser) ! Avec Yannick, Quentin Dupieux réalise sa toute première pièce de théâtre filmée. Du moins est-ce sous cette apparence que sera perçu le récit de ce trio de comédiens dérangés par l'un des spectateurs venu se détendre devant une pièce de boulevard. L'un des points culminants de cette nouvelle farce proposée par LE spécialiste français du genre pose à travers le point de vue d'un preneur d'otages, une question essentielle : comment peut-on accepter de se rendre au théâtre pour aller y découvrir une pièce dont l'auteur ne s'est même pas donné la peine d'y être présent ? Une réflexion produite par le cerveau psychologiquement fatigué de Yannick. Celui du titre mais aussi et surtout, celui incarné par l'acteur Raphaël Quenard dont la carrière s'est envolée depuis quelques années et lequel retrouve le réalisateur après Mandibules en 2020 et Fumer fait tousser l'année dernière. Il incarne cette fois-ci un agent de sécurité travaillant de nuit qui pour pouvoir assister à la représentation d'une pièce de théâtre intitulée Le Cocu a dû poser sa soirée et faire un long chemin dans l'espoir de se changer les idées. Mais quoi de pire que de se retrouver face à des comédiens peu talentueux et contraints de se donner la réplique lors d'une pièce de très mauvaise qualité ?

Le génie de l'Accroche : Quentin Dupieux convia à l'occasion de la sortie de son dernier film en salle tous les Yannick de France à aller le découvrir gratuitement...

Lorsque de surcroît le metteur en scène est absent, une idée, une seule, émerge dans l'esprit de Yannick : proposer au public et aux comédiens de réécrire la pièce. Face à Raphaël Quenard, trois interprètes totalement médusés par ce qui leur arrive. Blanche Gardin dans le rôle de Sophie Denis, Pio Marmaï dans celui de la vedette Paul Rivière ainsi que Sébastien Chassagne dans la peau de William Keller. Tout commence de manière relativement classique avec la pièce en question. Le rire vient moins de son écriture que de découvrir Pio et Blanche tenter de sauver les apparences devant la pauvreté des dialogues. Du pathétique par couches successives que n'amenuisera pas l'intervention de Yannick en pleine représentation. Humilié puis chassé de la salle pour désordre public, l'homme réapparaît quelques instants plus tard avec un flingue ! Débute alors une œuvre sous tension même si l'absurdité de la situation fait sourire. Il n'empêche que derrière ce drame engendré par la solitude et le désœuvrement, Quentin Dupieux signe l'un de ses films les plus savoureusement comiques. Cette manière si particulière que le réalisateur, scénariste, monteur et photographe a de capter l'attention et le regard de ses figurants témoigne d'un soucis bien plus profond que la simple volonté de nous jeter au visage le fruit d'un scénario tenant en deux ou trois lignes. Comme à son habitude, Quentin Dupieux met en lumière des idées totalement farfelues, avec des moyens presque dérisoires (concernant Yannick, le film n'a coûté qu'un million d'euros). Il crée une multitudes de contrastes entre le ton naturellement excessif des personnages de boulevard incarnés par le trio de comédiens, l'accent à couper au couteau de Yannick et la parole donnée aux otages qui dans la salle tentent de garder leur contenance. Avec, à la clé, des sursauts de cruauté, comme ce pauvre homme qui après avoir généreusement prêté son PC au preneur d'otages se fait copieusement humilier. Ou pire, lorsque Yannick lui-même est rabaissé par un Paul Rivière ayant repris le contrôle de la soirée. Si réellement Quentin Dupieux craint d'avoir à signer un jour un mauvais film, qu'il se rassure. Ça ne sera pas pour aujourd'hui ou en tout cas, et surtout pas avec Yannick...

Tout le monde aime Jeanne de Céline Devaux (2022) - ★★★★★☆☆☆☆☆

 

 

Jusqu'à aujourd'hui, la réalisatrice française Céline Devaux était l'auteur d'une poignée de courts-métrages. La jeune femme débutait donc sa carrière sur grand écran l'année passée avec Tout le monde aime Jeanne... Un titre qui aurait pu être prophétique si seulement ce premier long-métrage n'était pas parcouru d'aussi nombreux défauts. Car si effectivement l'on appréciera peu ou prou Blanche Gardin qui interprète la Jeanne en question, la mise en forme de cette première incartade pour l'actrice dans l'univers de la réalisatrice déçoit quelque peu. Sans attendre de l'humoriste qu'elle y déploie tout son talent pour le trash et le décalé qu'on lui connaît et sans même espérer qu'elle y tienne LE rôle de sa vie, on reprochera surtout à Céline Devaux d'avoir tardé à exploiter ses capacités puisque durant cinquante bonnes minutes et même peut-être davantage, le personnage qu'incarne Blanche Gardin ne fait rien d'autre que subir son entourage et reste désespérément muette. Il faudra donc lors d'une très large partie du long-métrage se farcir une succession de séquences sans intérêt ou presque. L'arrivée inespérée de Laurent Lafitte dans le rôle de Jean n'étant pas encore tout à fait synonyme d'espoir. Rencontre inopinée entre une jeune femme dont l'entreprise environnementale a fait faillite et Jean, un ancien camarade don Jeanne n'a apparemment conservé aucun souvenir. Un cleptomane à la philosophie de vie très particulière mais non dénuée d'une certaine rationalité. Sauvé in extremis dans ses derniers retranchements, Tout le monde aime Jeanne prend toute sa saveur lorsque Blanche Gardin ''ose'' enfin s'exprimer, laissant de côté le mutisme dans lequel la plongeait jusque là son personnage. Sans être véritablement avare en paroles, le long-métrage exploite en fait les failles de son héroïne dont les signes de la dépression s'expriment justement à travers ses silences et son apparente inaptitude au bonheur...

L'on découvre alors ce qui taraude véritablement Jeanne. Non pas seulement ce projet écologique qui s'est effondré mais aussi et surtout, la disparition de sa mère. Plongeant sa principale protagoniste au sein d'une œuvre finalement peu divertissante, l'action est surtout plombée en raison d'une voix-off (celle de Céline Devaux elle-même) relativement crispante et de passages animés qui n'apportent absolument rien au récit. Celle dont on attendait sans doute un peu trop les dérapages verbaux abandonne son statut d'humoriste caustique au profit d'un Laurent Lafitte qui déborde de théories fumeuses mais non moins amusantes. Si la forme est agaçante (l'intégration permanente des animations commentées par la réalisatrice), le fond s'avère au final parfois miraculeusement convaincant. Reste que Céline Devaux s'appesantit avec un peu trop d'application sur son concept, lequel rompt sans cesse avec la linéarité du récit. Si à l'origine l'idée est plutôt séduisante, le résultat n'atteint pas le degré d'intérêt sans doute espéré par la réalisatrice. Tout le monde aime Jeanne semble pourtant avoir majoritairement conquis le public et les critiques. Le film a cependant le cul entre deux chaises. Et même entre trois ! D'un côté, le comportement neurasthénique de Blanche Gardin qui, à force d'apparaître lymphatique, pourra contaminer une partie du public lui-même. De l'autre, un Laurent Lafitte savoureux en ''parasite'' exploitant les failles du système. Et enfin, comme dit plus haut, l'insertion de scénettes animées qui rompent un peu trop régulièrement le récit... Original, curieux, mais au final assez peu satisfaisant...

 

Oranges sanguines de Jean-Christophe Meurisse (2021) - ★★★★★★★★☆☆

 

 

J'avoue, de Jean-Christophe Meurisse, je n'avais jusqu'ici jamais entendu parler. Pourtant, cet acteur, scénariste et réalisateur est à l'origine de trois longs-métrages dont le dernier Oranges sanguines est sorti le 17 novembre dernier en salle. Une fois passée les portes du cinéma et retrouvée la lumière et la chaleur des rayons du soleil, une chose est certaine : cette comédie dramatico-horrifique ne nous aura rien épargné. Entre rire et malaise. Tout y commence avec l'évocation d'un concours de danse auquel doivent bientôt participer le couple formé par Laura et Olivier (respectivement interprétés par les anciens Deschiens Lorella Cravotta et Olivier Saladin), et se poursuit par une longue discussion entre un jeune avocat coincé et sa petite amie pour ensuite se diriger vers une route de campagne sur laquelle le ministre des finances soupçonné d'avoir détourné de l'argent pour son profit personnel va tomber en panne. Si Oranges sanguines est tout d''abord la promesse de rires presque ininterrompus (il suffit d'avoir été dans une salle de cinéma pour entendre le public rire aux éclats durant une bonne partie du film pour s'en convaincre), le long-métrage de Jean-Christophe Meurisse bifurque en passant de l'humour à l'horreur ''champêtre''. Une approche presque digne d'un certain Massacre à la tronçonneuse devant lequel il y a longtemps, les spectateurs firent connaissance avec une famille américaine de dégénérés. Source d'inspiration infinie, ce film de 1974 semble avoir une fois de plus encouragé un cinéaste à se pencher sur ces individus créés par une société inhumaine et individualiste...

Un couple de retraités financièrement pris à la gorge. Une adolescente de seize ans qui compte bien faire l'amour pour la première fois lors d'une fête organisée par des amis. Un ministre corrompu qui bientôt va découvrir ce qu'est la France profonde. Un jury dont les membres ne font que s'engueuler au sujet des conditions de remise d'un prix de danse. Une gynécologue sans filtre (l'actrice et humoriste Blanche Gardin telle qu'on la connaît) qui fait un exposé sur le sexe féminin et son usage. Ou encore un dingue qui ne semble faire aucune distinction entre un porc, une femme et un homme. Bienvenue dans l'univers trash et déjanté de Jean-Christophe Meurisse. Un long-métrage qui, semble-t-il est pratiquement passé inaperçu alors même qu'il s'agit sans doute de l'une des meilleures propositions de comédies françaises de l'année 2021 ! Oranges sanguines passe du concours de danse au drame social en passant par l'évocation des premiers émois, au sexe, et jusqu'au viol, le film se transformant carrément en rape and Revenge à la française. Autant dire que l'on réfléchira un long moment avant de mettre de jeunes enfants devant l'écran lorsque le film sera à nouveau disponible à l'achat, en streaming ou diffusé sur une chaîne de télévision nationale...

Parmi les quelques interprètes évoqués ci-dessus nous retrouvons également Denis Podalydès dans le rôle de l'avocat du ministre Stéphane Lemarchand (interprété quant à lui par Christophe Paou), la jeune Lilith Grasmug dans le rôle de l'adolescente Louise ou Vincent Dedienne et l'excellente Guilaine Londez dans ceux de deux membres du jury du concours de danse. Sans oublier Fred Blin, ici digne successeur de Jackie Berroyer/Bartel du film culte de Fabrice du Welz, Calvaire (2004). Quant à l'ancien animateur de télévision Patrice Laffont, il joue le rôle du président de ce même jury. On rit beaucoup mais l'on grince aussi parfois des dents devant le traitement que subira par vengeance l'un des personnages du film. Les changements de ton sont courants, le film passant d'un humour parfois cru (on y parle handicapés sans retenue) à un autre tellement noir que les spectateurs auront fini dans la salle par ne plus oser rire, réellement outrés par ce qu'ils découvrirent à l'écran ou réellement gênés à l'idée que l'on ait pu les croire aussi dérangés que le dingue qui subitement vient ''joyeusement'' pervertir le récit. Celles et ceux qui s'attendaient à découvrir une comédie fade et sans saveur comme la plupart de celles qui sortent chaque année dans notre pays furent sans doute très surpris. Quant aux autres, sûr qu'ils ont dû prendre leur pied. Jouissif...

 

Effacer l'Historique de Gustave Kervern et Benoît Delépine (2020) - ★★★★★★★★☆☆

Samedi 19 Septembre 2020, Cinéma des Corbières à Sigean. Cinq spectateurs, pas un de plus pour découvrir le dernier long-métrage de Gustave Kervern et Benoît Delépine. Est-ce le mauvais temps qui a découragé les gens à venir en masse ? Ou bien le port du masque obligatoire même si dans un si petit cinéma, les gérants y sont plutôt cool ? Peut-être est-ce plus simplement le manque de communication sur la toile car peu d'informations, voire aucunes, n'a filtré sur sa diffusion dans cette charmante petite ville qu'est Sigean. Il fallait pour le savoir, être passé devant le cinéma ou avoir été mis au courant par une personne au courant de l'événement. Effacer l'Historique est le neuvième long-métrage du duo formé par Gustave Kervern et Benoît Delépine qui se sont d'abord fait connaître sur la chaîne Canal+ avant de débuter leur carrière cinématographique en 2004 avec leur premier long-métrage Aaltra (Benoît Delépine ayant en réalité fait ses premières armes aux côtés de Christophe Smith huit ans auparavant avec le court-métrage À l'Arrachée). Seize ans plus tard, rien n'a vraiment changé. Ou plutôt, si. Car si le fond est toujours le même, la forme a pris une ampleur incroyable dans la maîtrise de ces deux maîtres es cynisme. Avec une rigueur ''militaire'' (une expression qui devrait forcément leur déplaire), Gustave Kervern et Benoît Delépine démontent les maux de notre société avec aujourd'hui en toile de fond, la technologie dans son ensemble, et plus précisément certains outils comme les téléphones portables et les réseaux sociaux. En matière de social, justement, les deux hommes en profitent notamment pour s'attaquer également de front à l'administration...

Toujours aussi mordants et cyniques, Gustave Kervern et Benoît Delépine plongent le spectateur dans un univers comparable à ceux proposés par les cinq saisons de la série britannique Black Mirror. Mais plutôt que de projeter leurs personnages dans un futur proche, les deux réalisateurs et scénaristes envisagent leur film sous un paysage actuel dans lequel la technologie a pris une place si importante qu'elle emprisonne ceux qui la consomment. C'est dans ce contexte (sur)réaliste qu'interviennent les trois anciens gilets jaunes Marie, Christine et Bertrand, trois amis respectivement interprétés par Blanche Gardin, Corrine Masiero et Denis Podalydès. Trois individus qui vont régler leurs comptes avec cette put.... de technologie dont ils sont malgré eux devenus esclaves. En effet, après une soirée trop arrosée dans un bar lors de laquelle elle a couché avec un ''Saxetapeur'' (excellent Vincent Lacoste) qui a filmé leur rapport, elle est menacé par le jeune homme de mettre en ligne la vidéo si elle refuse de lui donner dix-milles euros. Bertrand, père d'une adolescente harcelée et filmée par certains de ses camarades à l'école fait tout ce qu'il peut pour faire retirer la vidéo de facebook. Mais après des dizaines de relances par courrier, il n'a toujours obtenu aucune réponse. Quant à Christine, chauffeur VTC, elle se désespère de ne recevoir de ses clients que des mauvaises appréciations. En guerre contre ceux qui minent leur existence, les trois amis se lancent à leur assaut...

Gustave Kervern et Benoît Delépine signent sans doute leur film le plus abouti. Bien que la plupart des sujets abordés soient à l'origine d'une comédie particulièrement amère, on s'étonne de rire aux éclats à certains moments clés du long-métrage. L'interprétation du trio de tête y est évidemment pour beaucoup mais le script lui-même également. Totalement absurde mais reflétant l'inquiétante dictature des réseaux sociaux et leur monopole sur les données personnelles, en un peu plus de cent-cinq minutes seulement Effacer l'Historique propose un catalogue effarant de situations aussi glaçantes que réalistes même si elles sont en général enrobées sous des dehors de comédie bouffonne. Effacer l'Historique est non seulement l'occasion de découvrir un trio d'interprètes étonnants mais également des seconds rôles savoureux. Vincent Lacoste donc, mais aussi Benoît Poelvoorde en livreur ''Alimazone'', Bouli Lanners dans le rôle de ''Dieu'', un hacker vivant au sommet d'une éolienne, Philippe Rebbot dans le rôle de l'individu ayant toutes les clés pour profiter du système ou encore l'écrivain Michel Houellebecq pour un passage en forme de clin d’œil dans lequel il incarne un homme suicidaire. Humour noir, cynisme, bourré d'idées géniales et de répliques déjà cultes, l’œuvre de Gustave Kervern et Benoît Delépine n'oublie cependant pas de faire passer un message d'espoir et s'autorise, après la dérision, le désespoir et la noirceur, une jolie touche de poésie. LE chef-d’œuvre du duo ? Et pourquoi pas, tiens...

#JeSuisLà d'Eric Lartigau (2020) - ★★★★★★★★☆☆

Après avoir véritablement lancé la carrière cinématographique du duo d'humoristes formé autour de Kad Merad et Olvier Baroux avec Mais qui a Tué Pamela Rose en 2003 et Un Ticket pour l'Espace en 2006, après avoir déjà mis en scène Alain Chabat dans l'excellent Prête Moi ta Main la même année, après avoir réalisé le segment Lolita du film à sketches Les Infidèles en 2012 et après avoir connu un grand succès avec La Famille Bélier en 2014 en remportant notamment le César du Meilleur espoir féminin pour Louane Emera, le réalisateur français Eric Lartigau est revenu en février dernier avec son tout dernier long-métrage, #JeSuisLà. Il abandonne cette fois-ci l'humour loufoque de ses débuts ou celui un peu plus lourdingue des Infidèles pour une approche toute en sensibilité et en poésie. En confiant l'interprétation du restaurateur Stéphane à l'un des acteurs français les plus attachants de l'hexagone, son œuvre ne pouvait s'attirer que la sympathie de la critique et des spectateurs. Sur un scénario écrit en collaboration avec Thomas Bidegain (De Rouille et d'Os et Dheepan de Jacques Audiard), il écrit une histoire aux tenants relativement fragiles mais qui tient sur ses fondations grâce à l’expertise d'un professionnel du rire capable de naviguer dans des eaux beaucoup plus modérées.

On parle bien évidemment du réalisateur lui-même, mais aussi d'Alain Chabat qui surprend par sa grande retenue même si son nouveau personnage ne s'éloigne finalement pas tant de celui qu'il interprétait au début de Prête Moi ta Main. Un individu tout en mesure, en discrétion. Sauf qu'aujourd'hui, le Stéphane qu'il incarne a quatorze ans de plus que le Luis Costa qui côtoyait la charmante Charlotte Gainsbourg. Stéphane, lui, semble remettre son existence en question. Divorcé et père de deux fils qui travaillent à ses côtés dans le restaurant familial situé au pays basque, il tient en secret une relation virtuelle avec Soo, une artiste-peintre sud-coréenne qui ne le laisse pas indifférent. Sans prévenir personne de la raison de son voyage, Stéphane annonce un jour qu'il part pour la Corée du Sud. Une fois à bord du vol qui doit l'emmener jusqu'à l'aéroport de Séoul, il envoie un message sur Instagram à la jeune femme. Celle-ci lui annonce qu'elle viendra le chercher à son arrivée. Mais lorsque Stéphane arrive à destination, Soo n'est pas là. L'homme patiente une heure, deux... Puis un jour, un second, puis un troisième. Au bout d'une dizaine de jours, après avoir pris le temps de connaître chaque recoin de l'aéroport, après avoir conversé avec une employée à l'entretien, après avoir aidé dans un restaurant sud-coréen de l'aéroport et surtout, après avoir partagé sur Instagram des centaines de photos avec ceux qui se sont abonnés à son profil, le voilà désormais devenu populaire...

Bien involontairement d'ailleurs puisque le personnage façonné d'abord par écrit par Eric Lartigau et auquel a ensuite donné vie Alain Chabat n'est pas de ces hommes qui cherchent la lumière. Juste une façon de ne pas vieillir, de suivre le train des nouvelles technologies en donnant un grand coup de balai dans son existence (symbolisé par le retrait des trophées de chasse ornant son restaurant et en communiquant grâce à l'outil Instagram). #JeSuisLà expose également la désillusion d'un homme plongé seul en terre étrangère. Dans un pays dont il ne parle pas la langue, mais qui revêt une image de carte postale idyllique qui donne furieusement envie de suivre les pas de son héros. ''Coincé'' dans un aéroport fourmillant de vie, Alain Chabat campe avec une infinie justesse un homme séduit par tout ce qui l'entoure. Accompagné par la magnifique photographie de Laurent Tangy, Alain Chabat erre dans un monde bruyant et coloré, fait de rencontres inattendues. Doona Bae incarne Soo, rencontrée virtuellement, puis en rêve (séquence d'une infinie beauté) et de manière ensuite, beaucoup plus concrète. Eric Lartigau n'en oublie cependant pas d'y inclure une note d'humour à travers le personnage de Suzanne incarné par l'humoriste et actrice Blanche Gardin. Un grand film...

Problemos de Eric Judor (2017) - ★★★★★★☆☆☆☆

Qu'il est dur de vivre en communauté. Victor, son épouse Jeanne et leur gamine vont très vite s'en rendre compte. Sur le chemin du retour des vacances, ils s'arrêtent en bord de route pour rendre visite à jean-Paul, ancien professeur de yoga et vieil ami de Jeanne. En compagnie de Gaya, Philippine, Patrice, François et bien d'autres, celui-ci a créé une communauté dont la principale cause est de manifester contre le projet de construction d'un parc aquatique en pleine nature. Bien que Victor aie du mal à se faire aux habitudes érigées par Jean-Paul, et surtout Gaya qui malgré ses principes, se comporte parfois en véritable despote ne souffrant d'aucune forme d'opposition, il accepte de rester quelques jours sur demande de Jeanne. Alors que la communauté reçoit régulièrement la visite d'une compagnie de CRS chargée de les chasser, un événement dont la portée est mondiale va venir bousculer l'ordre établi. La jeune Maéva, fille de Jean-Paul, reçoit l'une des toutes dernières informations reléguées par les réseaux sociaux : le monde vit un véritable fléau : Une pandémie a décimé la totalité de l'humanité, et les membres de la communauté semblent être les derniers survivants. De ce fait tragique vont naître au sein de cette dernière, des conflits qui peut-être, vont la mener à sa fin...

Problemos, c'est un peu la version moderne des Babas-Cool que François Leterrier réalisa trente-six ans auparavant. Après Seuls Two et La Tour de Contrôle Infernale, c'est le troisième long-métrage que l'acteur-réalisateur Eric Judor interprète et met en scène lui-même. Une communauté paisible, avec des valeurs prônant le retour à la nature, évacuant ainsi toute forme de technologie (tablettes, ordinateurs et téléphones portables sont proscrits à l'intérieur même de la communauté). Douches froides, culture de fruits et légumes, séances de discussion et résistance face à l'oppression des autorités. Mais pas seulement. Car en un peu moins d'une heure trente, Eric Judor dresse une liste (non exhaustive) de critiques. Une vision du communautarisme périmée où les valeurs ne tiennent pas longtemps face à certains manques. De la dualité entre le choix du retour à la nature et le confort que certains entretiennent naît des tensions que le cinéaste et acteur s'amuse à confronter. A ce titre, l'actrice Blanche Gardin campe une Gaya admirable. Elle signe ici une composition digne de celle qu'elle interprétait six ans en arrière dans Low Cost de Maurice Barthélémy.

Bien que le film s'ouvre sur un certains nombre d'ellipses, offrant ainsi de curieux raccourcis, le film, peu à peu prend son rythme de croisière. Les vannes fusent, toutes proportions gardées,  comme au bon vieux temps des Bronzés. La communauté que nous détaille Eric Judor ressemble à une cocotte minute prête à exploser. Youssef Hadji campe le rôle d'un ingénieur inventif, capable de miracles en fouillant la décharge avoisinante. Un génie dans sa catégorie mais, malheureusement, source de problèmes. Bun Hay Mean est le chaman du groupe. Un type zen dont nous découvrirons bientôt les véritables origines. Dorothée Pousséo est à l'image de Michel Nabokoff. Ils portent à eux seuls les véritables intentions de la communauté sans jamais défaillir un seul instant. L'humoriste Marc Fraize nous fait le plaisir de sa présence en incarnant un Patrice dépressif, impuissant mais déterminé. Eddy Leduc, est un ancien jihadiste reconverti en punk (sans chien). Quant à Claire Chust, dans le rôle de Maéva, elle incarne tout ce que représente la jeunesse actuelle. Tellement aveuglée par les télés-réalités qu'elle a choisi de s'y évader pour échapper à la dure réalité du monde qui l'entoure. Au milieu de tout cas, Eric Judor se fait plaisir en écharpant chaque procédé, participant ainsi à une véritable partie de ping-pong avec Blanche Gardin dont le personnage possède également des ressources.

Les fans du duo Eric et Ramzy seront très certainement comblés même si le second est aux abonnés absents. Le film contient suffisamment de gags pour que certains, au moins, fassent mouche. L’œuvre est plaisante à suivre même si l'on est loin d'atteindre les cimes du genre. On aurait peut-être aimé une vision un peu plus étendue du cataclysme qui a renversé l'humanité mais Eric Judor a préféré jusqu'au bout s'en tenir à sa communauté. D'où cette question : y-aura-t-il une suite ?