Nous, les Leroy de Florent Bernard (2024) - ★★★★★★★☆☆☆

 

 

Sandrine, Christophe, Loreleï et Bastien forment les quatre membres de la famille Leroy. Mais alors que le père de famille incarné par José Garcia passe le plus clair de son temps au travail sans vraiment se soucier des siens, son épouse Sandrine (Charlotte Gainsbourg) prend la décision de prendre ses distances avec lui. Christophe propose alors à sa femme et à ses deux enfants de partir en week-end afin de revivre les grands moments qui ont ponctué l'existence du couple dans l'espoir de reconquérir le cœur de celle qu'il aime. À commencer par la visite du tout premier appartement qu'ils partagèrent vingt ans en arrière... Nous, les Leroy est le premier long-métrage du réalisateur français Florent Bernard qui jusque là avait réalisé quelques courts-métrages et épisodes de séries télévisées mais avait surtout participé à l'écriture de La flamme et du Flambeau pour la télévision et plus récemment à celles de la décevante comédie Jack Mimoun et les secrets de Val Verde de Malik Bentala et Ludovic Colbeau-Justin en 2022 et du film d'horreur Vermines de Sébastien Vanicek l'année dernière. Des couples qui se séparent, le cinéma en compte des centaines et certainement même, des milliers. Nous refaire le coup des flash-back, Charlotte Gainsbourg avait déjà connu ça de manière indirecte auprès d'Alain Chabat dans le très sympathique Prête-moi ta main d'Eric Lartigau voilà presque vingt ans. C'est désormais auprès de José Garcia que la chanteuse et actrice, fille de l'immense Serge Gainsbourg, traîne une nouvelle fois son joli minois au sein d'une famille moins dysfonctionnelle qu'il n'y paraît. L'on y retrouve les rapports conflictuels généralement acquis au sein d'une famille qui ne s'écoute plus vraiment. Lui est souvent absent, elle gère les courses et les gosses. Quant à leurs deux enfants, Bastien rencontre des problèmes sentimentaux tandis que Loreleï semble avoir vraiment peu confiance en elle. Les jours qui vont venir vont avoir une importance considérable sur le maintien ou non de la famille telle qu'elle fut jusque là.

À l'issue du week-end, Sandrine prendra alors la décision de rester auprès de Christophe et de leurs deux enfants ou de partir vivre seule. Bien que le scénario, écrit de la main même du réalisateur, lequel s'inspire de sa propre expérience, apparaisse relativement convenu, le duo que forment Charlotte Gainsbourg et José Garcia est plutôt attachant. Les deux principaux interprètes sont accompagnés par les deux jeunes acteurs Lily Aubry et Hadrien Heaulmé dont les carrières débutent à peine (2022 pour elle, 2021 pour lui) et qui dans le cas présent incarnent deux adolescents un peu perdus, lui à cause de son histoire d'amour compliquée avec la jeune Melha (Louisa Baruk) et elle par le manque d'attention dont elle se pense victime de la part de son entourage. L'intérêt de Nous, les Leroy se porte moins sur les événements qui se produiront lors de ce week-end un peu particulier dont parfois, il est vrai, certaines séquences s'avèrent plus gênantes que réellement drôles (le malaise lors du passage au restaurant) que dans ce quatuor d'interprètes attachants et sincères. La comédie de Florent Bernard s'éloigne très clairement de toutes ces purges qui sortent chaque année sur le territoire français. Des comédies dont la bêtise n'a d'égale que la médiocrité de l'écriture et des répliques bas du front. Nous, les Leroy est une œuvre au fond assez simple dans sa construction et dans le déroulement des événements. Un long-métrage qui n'a peut-être en réalité rien de fondamentalement ''cinématographique'' dans ce sens où le récit et la mise en scène n'ont rien de ''flamboyant'' ou de visuellement percutant... La justesse du ton et de l'interprétation font le reste.

Lux Æterna de gaspar Noé (2019) - ★★★★★☆☆☆☆☆

 

 

Si le chiffre sept est connu pour avoir été sacré par les sumériens, Gaspar Noé n'aura pas attendu si longtemps pour renouveler SON cycle à lui, de quatre années, et initié il y a cinq ans avec Love, cette ''histoire d'amour'' pornographique tellement dénuée d'émotion que l'auteur de Carne, de Seul Contre Tous ou de Irréversible allait signer son plus mauvais film. Ou du moins, le seul qui, en plus d'être dénué d'émotion s'avère surtout dénué d'intérêt. Ou comment saler sexuellement la note sans laquelle le film n'aurait sans doute jamais fait parler de lui. Quatre ans plus tard, donc, (et dix-sept après avoir ''définitivement'' entériné son statut de cinéaste culte et de réalisateur de génie avec l'incroyable Enter the Void, en 2010), Gaspar Noé semble avoir une fois encore ressenti le besoin, après son Climax de 2018, de relâcher la pression. De limiter son travail d'orfèvre à la partie congrue et en se reposant sur les acquis pas toujours évidents de ses interprètes. Ici, Charlotte Gainsbourg et Béatrice Dalle, tout d'abord lors de confidences qui ont autant d'intérêt que les pages, au hasard, de Voici. Difficile effectivement d'être subjugué par l'improvisation de ces deux là, filmées sous la forme d'un Split Screen, la première étant surtout attentive à ce que lui révèle la seconde. Comme le fera plus tard le producteur sous pression, qui peut-être sans le vouloir proposera le seul bon mot de ce Lux Eternae (« « Béatrice Dalle ? Béatrice que Dalle ! »), Charlotte ''Gainsbourrée'' d’anxiolytiques est effacée, écrasée par une Béatrice ''Dalle de plomb'', mâchant ses mots, la mâchoire crispée lors de son monologue inaugural...

 

 

En hommage à Carl Theodor Dreyer et Benjamin Christensen auxquels il emprunte quelques images de deux classiques respectifs (Häxan, La sorcellerie à travers les âges et Jour de colère) et même plus loin au cinéaste allemand Rainer Werner Fassbinder duquel il prélève une citation, Gaspar Noé propose en ouverture ce qui en terme d'intérêt se révélera finalement comme le seul véritable point positif d'une œuvre se noyant dans des conjectures artistiques dont le spectateur est en général laissé dans l'ignorance. Ici, le tournage d'un film sur la sorcellerie qui va tourner à l'aigre lorsque producteur, interprètes, chef opérateur et réalisatrice vont se frotter les uns aux autres. Il n'est pourtant pas tout à fait certain que l'envers du décor doive forcément être envisagé sous cet angle même si l'on connaît la réputation de certains cinéastes. Gaspar Noé ''abandonne'' ses interprètes sans directives apparentes. Ce qui au fond, apporte un semblant de crédibilité mais condamne par contre l’œuvre à une accumulation de dialogues absolument ineptes. À ce titre, le duo Gainsbourg/Dalle rame tant lors des quinze premières minutes que les deux femmes ne savent plus comment s'y prendre pour rejoindre la berge. Reste le montage, le principe du Split Screen utilisé servant sans doute pour tout ou partie à noyer le spectateur lors d'une joute, d'un duel d'images et de sons d'arrière-cour signifiant les coulisses, cette cour des miracles où chacun tente de tirer à soi la couverture. Projet ambitieux mais auquel il manque néanmoins le travail d'ampleur d'un Enter the Void, Lux Eternae arrive en seconde position dans le classement des œuvres les moins convaincantes réalisées par Gaspar Noé... Dommage...

 

Mon Chien Stupide d'Yvan Attal (2019) - ★★★★★★★★☆☆

Trois ans après avoir abordé la question juive à travers son identité, l'antisémitisme et la paranoïa du personnage qu'il interpréta lui-même dans Ils sont Partout, l'acteur, scénariste et réalisateur Yvan Attal revient en 2019 avec son dernier long-métrage Mon Chien Stupide. Un titre qui sous son apparence de comédie légère se révèle beaucoup plus profond qu'il n'en a l'air. Mais alors qu'Yvan Attal adapte désormais le roman My Dog Stupid du romancier américain John Fante et non plus un scénario de son cru, Mon Chien Stupide prend des airs d'auto-psychanalyse. Le personnage principal incarné par l'acteur-réalisateur se retrouvant face à une crise de la cinquantaine, Yvan Attal y déploie toute une armada de principes faisant de Henri Mohen, écrivain qui depuis plus de vingt ans n'a rien écrit de bon, un individu accablé et contraint de mettre un nom sur son mal-être. C'est alors qu'arrive dans sa vie un énorme chien, sale, obsédé sexuel et pas très malin auquel Henri donne le nom de Stupide. Alors que toute la famille (son épouse et trois de leurs quatre enfants) n'en veulent pas chez eux, Henri choisit de le garder auprès de lui. La présence de Stupide va être révélatrice des dysfonctionnements qui régissent la famille Mohen dans laquelle va bientôt donner un grand coup de balai Henri...

Comme cela avait déjà pu être le cas avec Ils sont Partout qui oscillait entre le raté, le moyen et l'excellent, Mon Chien Stupide laisse tout d'abord une impression mitigée. Démarrant sous les allures d'une comédie aussi balourde que le chien qui s'invite dans la famille Mohen, le film d'Yvan Attal prend un virage à cent-quatre vingt degré au moment même où ma compagne et moi allions peut-être abandonné tout espoir envers une comédie française s'appauvrissant d'année en année (la veille, nous avions été littéralement anéantis par la médiocrité de l'infâme Les Municipaux, Trop c'est Trop des Chevaliers du Fiel). Pourtant, la dernière réalisation d'Yvan Attal finit par prend une tournure tout à fait inattendue. Car si Henri, son épouse Cécile (Charlotte Gainbourg) et leur quatre enfants Pauline (Adèle Wismes), Gaspard Panayotis Pascot), Raphaël (Ben Attal), et Noé (Pablo Venzal) ont dans un premier temps beaucoup de mal à faire rire les spectateurs en dehors d'un couple de femmes situé sur des longueurs d'ondes bien différentes des nôtres, le charme va finalement peu à peu opérer dès lors que le héros verra son entourage disparaître pour le laisser seul à la maison. L'occasion pour lui d'une introspection. C'est lors de cette étape fondamentale qui, on l'espère, lui permettra de se reconstruire, que Mon Chien Stupide prend tout son sens. De la comédie légère et pas vraiment amusante que l'on redoutait d'ingurgiter jusqu'au générique de fin, l’œuvre d'Yvan Attal se mue en une comédie tantôt acide, tantôt douce-amer.

Sur un scénario écrit à quatre mains par Yaël Langmann et Yvan Attal lui-même, Mon Chien Stupide révèle alors une puissance émotionnelle à laquelle nous n'étions sans doute pas préparés. Un changement de ton en douceur qui culmine durant la dernière partie révélant une très belle écriture. Si les différents protagonistes échangent entre eux des dialogues aussi savoureusement écrits qu'au résultat demeurant bizarrement stériles durant la première demi-heure, ceux que le spectateur gardera en mémoire sont ceux qu'il prononce en voix-off. Profonds, touchants et sincères, c'est à travers eux que l'acteur-réalisateur parvient à faire passer une émotion qui ne faiblit jamais. On ne sourit plus (en dehors du couple cité plus haut qui décidément, vit sur une autre planète ). Bien au contraire, on est ému, la gorge serrée, l’œil qui brille, totalement embarqués, chamboulés. On n'ose plus le moindre commentaire. Happés par les mots et les maux d'un Yvan Attal en état de grâce et des seconds rôles au diapason (excellent Éric Ruf dans le rôle du Professeur Mazard). Yvan Attal sauve à travers Mon Chien Stupide, une comédie française en perdition, vérolée par d'innombrables bouses. Une belle rencontre à faire en salle obscure. Ruez-vous au cinéma...

I Think We're Alone Now de Reed Morano (2019) - ★★★☆☆☆☆☆☆☆

I Think We're Alone Now ou comment signer l'un des Post-Apo les plus ennuyeux de l'année, voire de la décennie... Second long-métrage de la réalisatrice et directrice de la photographie américaine Reed Morano, ce film dont la bande-annonce mystérieuse et le casting laissaient une forte impressio n'est qu'une œuvre sans saveur particulière, au scénario écrit par Mike Makowsky relativement plat si ce ne sont quelques idées survolées de manière un peu trop succinctes pour faire de ce curieux objet réunissant à l'image Peter Dinklage, Elle Fanning, Charlotte Gainsbourg et Paul Giamatti une vraie bonne surprise. Mais alors, sur quoi donc repose I Think We're Alone Now ? Sur une certaine vision de la vie après que celle-ci ait été chamboulée à la suite d'une catastrophe. Le héros, un certain Del, persuadé d'être le seul survivant sur Terre, est une sorte de contemplatif, qui fait joujou avec les feux-d'artifice, range soigneusement et dans l'ordre les ouvrages de l'immense bibliothèque dans laquelle il a élu domicile, visite toutes les maisons du quartier afin d'en déloger les cadavres et de les enterrer un peu plus loin, et surtout profite du calme. De ce silence qui depuis la disparition des habitants lui permet d'étudier, de vaquer à ses occupations sans qu'aucun bruit ou presque ne vienne le perturber. Del, c'est l'acteur Peter Dinklage, transfuge de la série à succès Game oh Thrones dans laquelle il interprétait le rôle de Tyrion Lannister. Pour autant, si cet acteur de petite taille a accédé à la notoriété grâce à ce rôle, il n'en est pas pour autant un débutant au cinéma puisqu'il a commencé sa carrière plus de vingt ans en arrière...

Face au personnage qu'il incarne, la jeune et jolie Grace débarque dans ce monde de silence. Interprétée par l'actrice américaine Elle Fanning (Maléfique de Robert Stromberg en 2014, The Neon demon de Nicolas Winding Refn deux ans plus tard), cette jeune femme est plutôt bavarde et bruyante. Autant dire que dans le décor cette ''gamine'' fait tâche. Volubile face au silence de Del, Grace est surtout en proie à une terreur indicible : celle d'être retrouvée par ses ''parents'' Violet et Patrick respectivement interprétés par Charlotte Gainsbourg et Paul Giamatti. Et c'est peut-être dans la présence de ces deux là que le film ne sombre pas tout à fait dans le néant d'un scénario vide de toute substance. Car après avoir méchamment dérouillé durant une heure environ à essayer de comprendre où voulait en venir la réalisatrice à la sensibilité sans doute trop appuyée pour ce genre de long-métrage, le spectateur entrevoit enfin une issue qui lui permettrait sans doute de s'extraire de l'inconfortable ennui dans lequel il est plongé depuis de trop nombreuses minutes.

Si jusqu'à maintenant on pouvait se ficher des rapports léthargiques et pseudo-intellectuels qu'entretenaient les deux protagonistes, les antagonistes eux, viennent saupoudrer le récit d'une poignée de gros sel carrément libérateur. Sauf que Reed Morano s'y prend sans doute un peu trop tard. Le mal étant déjà fait, le spectateur aura tôt fait de ranger I Think We're Alone Now dans la catégorie des films post-apocalyptiques indépendants (le film fut projeté pour la première fois au festival de Sundance) prétentieux, sans éclats et assommants.On regrettera sans doute surtout que Charlotte Gainsbourg n'ait pas été davantage mise à profit, tout comme Paul Giamatti qui se révèle particulièrement inquiétant et que n'aient pas été davantage développées les idées liées à ce drôle de couple. Au final, I Think We're Alone Now est aussi passionnant qu'un séminaire sur l'apprentissage du point de croix. Vous êtes prévenus...

Independence Day: Resurgence de Roland Emmerich (2016) - ★★☆☆☆☆☆☆☆☆

Nous sommes en 2016, vingt ans après les premiers événements relatés dans le long-métrage de Roland Emmerich, Independence Day. Cela tombe d'ailleurs assez bien puisqu'il sorti dans les salles de cinéma en 1996, soit vingt ans pile avant la sortie de cette suite fort logiquement nommée Independence Day: Resurgence. Le premier volet était une sorte de film de propagande pro-américain dans lequel le premier homme du pays, le Président Thomas J. Levinson était érigé en véritable héros puisqu'en première ligne de combat face aux forces ennemies venues de l'espace.

Après trois quarts d'heure...

Vingt ans plus tard, l'homme a pris de la bouteille. Bill Pullman est méconnaissable en héros barbu et vieillissant. Le Capitaine Steven « Steve » Hiller n'étant plus de ce monde, c'est son fils qui prend la relève. Un héros en chassant un autre, ça n'est plus le célèbre Will Smith qui tient les rennes de cette aventure haute en couleur mais l'acteur Liam Hemsworth dans le rôle du jeune, beau, et impétueux Jake Morrison. L'humanité (ou du moins les États-Unis) a su profiter des technologies extraterrestres pour faire évoluer ses différents moyens de locomotion et surtout son niveau de défense contre un éventuel nouvel envahisseur. Une base de défense sur la Lune et d'autres installées plus loin encore dans notre système solaire. Le premier homme du pays est cette fois-ci une femme. Évolution logique, la Présidente des États-Unis se nomme Elizabeth Lanford et c'est l'actrice Sela Ward qui l'interprète. Au moins n'aura-t-on sans doute pas droit à cette vision stupide d'un président fonçant tout droit dans la gueule du loup quand on sait combien cela est surréaliste et hors de propos (propagande oblige).

Au bout d'un peu moins d'une heure, le résultat est mitigé. Le film prend son temps. Présentation des personnages (dont un David Levinson interprété par le toujours excellent Jeff Goldblum), bluette amoureuse dont tout amateur de science-fiction et d'effets-spéciaux en surabondance se ficheront très certainement, et présence étonnante de l'actrice française Charlotte Gainsbourg dans le rôle du Docteur Catherine Marceaux. Quant aux effets-spéciaux numériques tant attendus, ils sont bien au rendez-vous. Passage au dessus de la côte ouest des états-Unis provoquant un raz de marée qui emporte absolument tout sur son passage, du paquebot, aux grattes-ciel, en passant par des dizaines milliers de voitures, de camions et de divers objets. Tout ? Pas vraiment puisque malgré l'immense poussée de millions de tonnes de gravas, un bâtiment, un seul, tient encore debout. Et va même jusqu'à stopper net la route meurtrière de cette vague monstrueuse. Lequel? Je vous le donne en mille: la Maison Blanche !

Grosse perte en crédibilité, le film se laisse malgré tout regarder avec une certaine délectation... pour l'instant.

Après une heure et cinquante minutes...

Alors que le générique de fin égraine les noms de la totalités des individus ayant participé au projet (interprètes, équipe technique, etc...), le bilan n'est plus mitigé mais... catastrophique. Independence Day: Resurgence est définitivement un mauvais film. La science-fiction n'aura pas gagné ses lettres de noblesses en 2016 grâce au film de Emmerich mais bien grâce au sublime Midnight Special de Jeff Nichols. Toute la différence entre un cinéaste misant presque exclusivement son oeuvre sur les effets-spéciaux au détriment de l'intrigue d'un second, pour qui l'histoire est fondamentale. Roland Emmerich ne sera d'aucune manière parvenu à faire mieux vingt ans plus tard. Habitué aux budgets faramineux laissant un gout amer (Godzilla, 2012), il laisse une œuvre pétrie de bons sentiments patriotiques, et quitte à plonger Independence Day: Resurgence dans un conglomérat de scènes toutes plus grotesques et surréalistes les unes que les autres, il crée des situations qu'aucun cinéaste véritablement passionné de science-fiction n'oserait intégrer à son œuvre. Comme son ainé, cette suite n'est qu'un nanar à très gros budget très soporifique. Le fantasme d'un homme auquel des producteurs friqués ont confié leur argent pour qu'il puisse assouvir tous ses désirs de mégalomane...

Prête-Moi ta Main d'Eric Lartigau (2006) - ★★★★★★★☆☆☆

Acteur, puis réalisateur, le cinéaste français Eric Lartigau a véritablement débuté sa carrière sur grand écran en 2003 avec le film Mais qui a tué Pamela Rose ?, adaptation de la série humoristique éponyme créée par le duo de comiques Kad et Olivier (Kad Merad et Olivier Baroux). Il a ensuite enchaîné avec Un Ticket pour l'Espace, toujours écrit et interprété par le duo avant de connaître huit ans plus tard le succès avec La Famille Bélier. Mais avant cela, il a dirigé en 2006 Charlotte Gainsbourg (fille de l'immense Serge) et Alain Chabat (ancien membre des Nuls) dans la comédie romantique Prête-Moi ta Main, qui obtient le très intéressant score de plus de trois millions six-cent milles entrées sur grand écran, ce qui en fait un beau succès cette année là. Il faut dire que le duo, entouré d'un casting en or est absolument délicieux.

Alain Chabat incarne Luis Costa, profession : ''Nez''. Un concepteur de parfum donc que la famille exclusivement constituée de femmes aimerait bien voir enfin se marier. Car à quarante-trois ans, cet éternel célibataire se complaît dans sa situation tandis que ses sœurs se chargent de laver son linge et de lui passer tous ses caprices. Mais alors qu'un vent de révolte gronde et que ses sœurs décident de le prendre en charge afin de lui trouver sa future femme, c'est auprès d'Emma, sœur de son ami et collègue Pierre-Yves que Luis va trouver une solution pour se débarrasser des contraintes que lui imposent ses sœurs et sa mère Geneviève (excellente Bernadette Lafont).

Emma, c'est Charlotte Gainsbourg. Célibataire elle aussi. Séparée de son ancien compagnon et logée chez son radin de frère Pierre-Yves (Grégoire Oestermann), elle attend d'obtenir le droit d'adopter le petit Sandro, un tout jeune enfant originaire du Brésil. Elle signe un contrat en compagnie de Luis qui stipule qu'elle accepte de se faire passer pour sa compagne. Le stratagème est simple : Luis la présente à sa famille, doit l'épouser deux mois plus tard, et une fois à la marie, il devra faire sans Emma qui refusera au dernier moment de l'épouser. L'objectif est simple. Contraindre ensuite sa mère et ses sœurs de laisser tomber l'idée de lui trouver sa future épouse. Mais bien entendu, rien ou presque ne va se dérouler comme prévu...

Prête-Moi ta Main est vraiment une très bonne surprise. Au milieu d'un casting irréprochable, Alain Chabat s'amuse comme au temps des Nuls. Affublé d'une perruque, le voilà en parfait sosie de Robert Smith (le chanteur de The Cure) du temps de sa jeunesse, ou bien en adepte du fétichisme et du sadomasochisme en compagnie d'une Charlotte Gainsbourg troublante, douce, mais au caractère également bien trempé. Ces deux là forment un couple à l'écran plein de charme, drôle, mais pas seulement. En effet, le film d' Eric Lartigau sait se faire émouvant comme il faut. Tendre et touchant à certains endroits. Comme lorsqu'Emma éprouve des difficultés à convaincre une certaine Francine Lebrun (Tatiana Goussef) en charge de son dossier d'adoption de signer les papiers l'autorisant à partir récupérer le petit Sandro au Brésil pour le ramener chez elle, en France. Touchants également les rapports entre nos deux héros qui après nous avoir fait subir d'authentiques instants de drôlerie partagent ensuite quelque moments d'intimité révélant leur véritables sentiments. Un bel objet filmique que ce Prête-Moi ta Main...

The Snowman de Tomas Alfredson (2017) - ★★★★★☆☆☆☆☆

Adapté du roman Snømannen écrit par le norvégien Jo Nesbø, tourné par le cinéaste suédois Tomas Alfredson (lequel réalisa l'épatant Morse en 2008) et notamment interprété par l'acteur germano-irlandais Michael Fassbender (Alien : Covenant, Steve Jobs) et la française Charlotte Gainsbourg (Cement Garden, Antichrist, Prête-moi ta main), The Snowman (titré chez nous, Le Bonhomme de Neige) aurait pu être un très grand film. Malheureusement, toutes les attentes de cette adaptation d'un best seller par un excellent réalisateur et interpréter par de bons acteurs n'est au final qu'une immense déception. Comment Claire Simpson et Thelma Schoonmaker ont-ils pu nous proposer un montage aussi désastreux ?

Au départ, l'intrigue fort passionnante tournant autour d'une série de disparitions inexpliquées sur lesquelles enquêtent l'inspecteur Harry Hole et la nouvelle recrue Katrine Bratt ouvrent l'appétit de l'amateur de thriller finement ficelés. Avec un tel déluge de personnages, de ramifications, de récits tournant (ou pas) directement autour du sujet qui nous intéresse, nous pouvions prétendre avoir le droit d'assister à une œuvre au scénario concit, diablement efficace, et ménageant toute une série de surprises dont les britanniques et les scandinaves ont d'habitude le secret.

Sauf qu'ici, tout fonctionne au ralenti. De l'enquête, perpétuellement parasitée par des actions et des personnages secondaires dont la présence se révélera au final fort inutile. Si le roman est un best seller, la présence de certains individus au cœur de l'intrigue handicapent par contre énormément son adaptation. J.K Simmons a beau être un excellent acteur, il est ici sous-employé et son personnage, que l'on trouvera suffisamment trouble pour le soupçonner, fait partie de ces erreurs de casting incompréhensibles. C'est drôle, mais l'adaptation sur grand écran de The Snowman me rappelle certaines critiques émises à l'encontre de l'énorme pavé que constitue la série de romans écrits par Nicci French et mettant en scène la psychothérapeute Frieda Klein, des avis mitigés revenant sur le fait que ce double auteur à la ville comme en privé ait eu la mauvaise idée d’inclure dans leur œuvre, un trop grand nombre de personnages.

C'est bien cet effet plutôt inconfortable qui nuit au long-métrage de Tomas Alfredson. Du portrait classique de son héros alcoolique, divorcé, sous la menace d'une mise à pied, jusqu'à cet homme d'affaire, Arve Støp, projetant d'organiser les prochains jeux d'hiver à Oslo, en passant par les différents proches des victimes, des chirurgiens, de l'ex-épouse du héros, de leur fils. Trop de voies nous sont proposées, cassant le rythme de l'enquête. D'autant plus que dans la majorité des cas, ces histoires personnelles qui n'ont en fait rien de commun avec le meurtrier qui court dans la région, ne sont là que pour établir un récit touffu, alambiqué, aussi complexe que possible. Noyant le spectateur sous un amas de données dont l'issue ne peut être qu'une certaine lassitude.

Michael Fassbender demeure pourtant toujours aussi charismatique, et Charlotte Gainsbourg aussi charmante. Concernant l'inutilité de certains emplois, on notera la présence de l'acteur américain Val Kilmer qui fait un passage éclair dans la peau d'un ancien flic, sorte de vieil alter ego du personnage incarné par Michael Fassbender. Le spectateur en voudra certainement plus au réalisateur qu'aux autres membres de l'équipe technique ou qu'à ses interprètes. Lui qui nous avait offert un Morse aux nombreuses et indéniables qualités nous est revenu en 2017 avec un thriller fort décevant, preuve qu'il ne suffit pas de relancer la machine à neige et plonger son œuvre dans un décor hivernal pour en faire un classique instantané. Une grosse déception...

La Science des Rêves de Michel Gondry (2006)

Je devrais m'interdire d'écrire quoi que ce soit sur La Science des Rêves étant donné que j'ai passé la moitié du film à m'assoupir, mais la déception fut si grande que je ne peux m'empêcher d'en dire quelques mots. Michel Gondry, je l'ai découvert un jour très certainement comme tous ceux qui furent à une époque bénie, séduits par les compositions de la fée islandaise Bjork (c'est Gondry qui en effet créa pour elle les clips de Human Behaviour, Army of Me et Isobel). Et puis un jour, ce réalisateur versaillais né le 8 mai 1963, s'est lancé dans le long-métrage après avoir fait ses preuves dans le clip vidéo donc, mais également dans le court-métrage, la télévision et la publicité.

Un type intéressant que ce Michel Gondry qui propose une idée plutôt sympathique mise à disposition de tous : une Usine Des Films Amateurs permettant à tout à chacun de réaliser des courts-métrages en mettant à leur disposition tout le matériel nécessaire (caméras, décors, costumes, etc...)

Dès 2001, il se lance dans le format long avec Human Nature puis enchaîne les tournages. De lui, je n'ai vu pour l'instant que trois œuvres. L'écume des Jours en 2013, qui m'avait laissé un souvenir plutôt agréable tout en me laissant une étrange sensation de manque. De quel ordre ? Je suis encore aujourd'hui incapable de le dire. Puis j'ai découvert Soyez Sympas, Rembobinez datant de 2007. Une idée forte, délirante, mais que je trouvais relativement foirée ! Je suis remonté hier jusqu'en 2006, année où est sorti La Science des Rêves. Chabat et Gainsbourg au générique ont pour partie motivé ce choix, d'autant plus que la même années, ils m'avaient amusé tous les deux grâce au film de Eric Lartigau, Prête-moi ta main.

La Science des Rêves, c'est d'abord une idée. Mêler la réalité au rêve. Deux univers parallèles permettant au héros de tromper son ennui, et plus tard, de trouver comment séduire sa jolie voisine. Dès les premiers instants, nous sommes happés par le visuel en carton qui sert d'univers au personnage de Stéphane campé par l'acteur Gael Garcia Bernal. A ce propos, existe-t-il une version originale de La Science des Rêves ? Car déchiffrer dans sa version françaises les dialogues du mexicain se révèle parfois éprouvant. Il y a déjà là, un inconfort qui nuit énormément au film. Impossible de se laisser aller à la contemplation lorsqu'il s'agit de tendre l'oreille pour saisir des bribes de conversation inintelligibles. Mais bref, continuons. Si le scénario est on ne peut plus simple, c'est justement grâce au travail d'orfèvre de Michel Gondry que La Science des Rêves peut et DOIT se reposer. Énorme travail sur les décors, allant même jusqu'à repousser les limites en arrière-plan où sur plusieurs couches successives, le monde extérieur est lui-même happé par l'imaginaire du héros.

Le travail sur les décors est donc l'un des gros points positifs de l’œuvre de Michel Gondry. Le film ne repose malheureusement que sur eux. Car même si d'un point de vue visuel La Science des Rêves demeure d'une inventivité folle, l'histoire tourne en rond. Il manque un vrai scénario au film du cinéaste qui finit par tourner en boucle tout en donnant l'illusion d'avancer à travers les modifications apportées sur le plan des décors et de l'imaginaire de Stéphane. Les présences d'Alain Chabat et de Charlotte Gainsbourg n'apportent finalement rien au film et l'on s'ennuie jusqu'à l'endormissement. Pardon, JE me suis ennuyé à un tel point que j'avais hâte que tout ceci se termine. J'ai sans doute eu la mauvaise idée de m'attendre à un spectacle similaire à celui d'un autre « farfelu » du cinéma français qui lui, a toujours su me séduire : Quentin Dupieux.

Michel Gondry n'est semble-t-il pas fait pour moi...

Melancholia de Lars Von Trier (2011)

Après Antichrist, Lars Von Trier aborde une fois encore la destruction de la cellule familiale. Déjà, dès l'ouverture en forme de prologue, le cinéaste danois utilise les même ficelles esthétiques que deux ans en arrière. Quant à ces quelques secondes très curieuses montrant Charlotte Gainsbourg portant dans ses bras un enfant approximativement du même âge que celui qu'elle perd durant le prologue de Antichrist, cette scène n'est-elle pas le lien qui unit celui-ci à Melancholia qui d'une manière encore plus démonstrative et définitive choisit de mettre en pièces, non plus un homme et une femme, mais l'humanité toute entière ?

Sur un rythme analogue à son œuvre précédente, Lars Von Trier explore encore davantage l'âme humaine, comme si Thomas Vinterberg et son épatant Festen croisaient la route d'une œuvre consacrant la fin de notre monde comme seule issue possible.

Sa galerie de portraits demeure toujours aussi saisissante. Entre une Charlotte Rampling glaciale, peu disposée à faire la joie de sa fille fraîchement mariée. Une jeune épouse angoissée, la superbe Kirsten Dunst (prix d'interprétation au festival de Cannes en2011 pour le rôle de Justine), doutant à chaque instant. Claire, la sœur, l'organisatrice des festivités, la chef d'orchestre d'un bal qui à ses yeux ne doit souffrir d'aucune aspérité. John, l'époux de celle-ci (Kiefer Sutherland), un être compréhensif, riche à millions, qui cache la vérité sur le monstre qui lentement mais sûrement s'apprête à avaler notre planète toute entière. Le jeune marié (Alexander Skarsgard), gentil mais aussi parfois puéril, tellement amoureux qu'il accepte un peu trop facilement les caprices de sa promise.

Et puis il y a le père de Justine (John Hurt). D'une admirable bonté, d'une gentillesse profonde, mais aussi d'une folie douce qui sied bien à ces festivités qui doucement glissent vers le drame. A côtés de lui, Udo Kier et Stellan Skarsgard apparaissent presque normaux. Même si le premier se voile littéralement la face chaque fois qu'il croise le chemin de Justine (ce qui nous quelques micro-scènes franchement tordantes), et que le second se permet d'être d'une immoralité qui confine à la cruauté.

Peu ou pas de musique à part le prélude de Tristan et Iseult de Richard Wagner qui parcourt l'intégralité d'une œuvre qui confond scènes réalistes tournées caméra à l'épaule, et visions dantesque d'une catastrophe en devenir. Visuellement, Melancholia, n'a, comme très souvent avec Lars Von Trier, rien à se reprocher. C'est un sans faute esthétique.

On pourrait croire que j'ai aimé Melancholia. Que je l'ai adoré au delà des mots. Et pourtant, il s'est révélé être une immense déception. Bêtement, je croyais y retrouver la même émotion que celle subie lors du visionnage de son fantastique Breaking The Waves. En réalité, le film m'a laissé aussi froid et perplexe que devant son Dancer in the Dark vanté comme de l'émotion à l'état pur mais qui ne m'a bouleversé que par son profond ennui.

Il y a parfois des choix qui ne s'expliquent pas. Comment peut-on effectivement juger que Melancholia est parfois assommant lorsque l'on estime que dans la carrière de son auteur, des œuvres telles que Element of Crime et Epidemic demeurent parmi ses plus flamboyantes réussites ? Je ne sais pas. Peut-être le film aurait-il mérité d'être nettoyé de quelques dizaines de minutes ? Toujours est-il que Lars Von Trier conserve le don de nous conter des histoires d'une manière fort peu coutumière. Et c'est ce qui fait la force de son œuvre toute entière...

Antichrist de Lars Von Trier (2009)

Un génie rendant hommage à un génie. Lars Von Trier dédicaçant l'une de ses œuvres les plus sulfureuses au cinéaste soviétique Andreï Tarkovski. Un film déroutant, qui a fait certainement couler plus d'encre qu'il n'en fallait puisque si Antichrist est effectivement très violent, et d'une sexualité parfois dérangeante, l’œuvre n'en demeure pas moins une véritable gifle visuelle et narrative. S'ouvrant et se concluant sur le Lascia ch'io pianga de l’opéra Rinaldo de Haendel, le long-métrage du cinéaste danois est donc constitué d'un prologue et d'un épilogue mais également de quatre actes distinctement nommés Deuil, Douleur, Désespoir et Les Trois Mendiants.

Alors qu'il n'aurait pu s'agir que d'un triste film d'horreur s’imprégnant parfois d’œuvres horrifiques célèbres (la scène du pont semble faire indirectement référence à l'arrivée des personnages du classique de Sam Raimi Evil Dead), Antichrist est bien plus que cela. Il s'agit surtout d'un drame. Celui vécu par un homme et son épouse. L'un est thérapeute, l'autre prépare une thèse sur la sorcellerie chez les femmes. Ils vont connaître la pire des douleurs lorsque leur tout jeune enfant va basculer dans le vide en passant à travers la fenêtre de sa chambre pour venir s'écraser quelques mètres plus bas.

Filmant l'horreur la plus angoissante que puisse connaître un père et une mère tout en lui adjoignant un acte charnel de toute beauté, Lars Von Trier choisit de tourner la scène à mille images par seconde et dans un superbe noir et blanc. L'amour et la mort se conjuguent dans une scène aussi belle que terrifiante. Puis vient le deuil pour les parents. D'abord admirablement filmé au travers du corbillard qui emporte le petit corps de leur fils. Elle (Charlotte Gainsbourg), suivant une thérapie directement administrée par Lui (Willem Dafoe), dans cette forêt, haut lieu de toutes les angoisses de cette mère dorénavant orpheline de son enfant.

Durant ce long parcours expiatoire, Lars Von Trier filme la nature d'une manière si particulière qu'il nous la rend comme jamais auparavant, angoissante. A l'aide de filtres et de ralentis qu'il semble chérir ici, il explore la nature profonde de cette femme qui va sombrer peu à peu dans la folie et ce, malgré l'accalmie qui va bientôt faire temporairement surface. Charlotte Gainsbourg s'offre littéralement devant la caméra. A l’œil du cinéaste danois, et entre les bras de son partenaire à l'écran, Willem Dafoe.

Antichrist tranche avec la majorité des films du genre dont il semble s'inspirer très partiellement. William Friedkin et son Exorciste ne sont peut-être pas très loin. Mais alors qu'en 1973 les spectateurs avaient encore la confortable option de pouvoir se reposer sur les talents du vieil homme d'église, ici, nos deux héros sont désespérément seuls au cœur d'une forêt qu'un n'a ni inimitié ni empathie pour eux.

Le film de Lars Von Trier est certes très violent. Certaines scènes sont davantage assimilables à des accouplements bestiaux qu'à de véritables scènes d'amour entre un homme et une femme épris l'un de l'autre. D'autres sont d'une violence peu commune (la scène de l'auto-excision et l'orgasme sanglant ne peuvent laisser indifférents). Mais dans l'ensemble, Antichrist peut se voir comme une forme d'hymne à la vie, à la mort, et à l'amour. Une expérience extrême, jusqu’au-boutiste, signée par l'un des plus grands cinéastes de notre temps. Un petit chef-d’œuvre qui ne convaincra, évidemment, pas tout le monde...