Juré n°2 de Clint Eastwood (2024) - ★★★★★★★☆☆☆

 

 

S'il lui est arrivé de rater certaines de ses entreprises personnelles qu'il s'était fixé ou de manquer terriblement d'inspiration (Au-delà en 2010, Le 15h17 pour Paris en 2018), Clint Eastwood a de manière générale réussi tout ce qu'il a entreprit. Qu'il s'agisse de l'acteur ou du réalisateur, le public n'oubliera sans doute jamais sa réinterprétation du héros dans les westerns spaghetti qu'il forgea entre 1964 et 1966 aux côtés du cinéaste italien Sergio Leone avec la Trilogie du Dollar ou lorsqu'il le réinventa lui-même à travers quelques grands classiques du genre, tels L'homme des hautes plaines en 1973, Pale Rider, le cavalier solitaire en 1985 ou encore Impitoyable en 1992. Sans oublier ceux qui participèrent au grand dépoussiérage de l'un des mythes de l'Ouest américain (Ted Post, Don Siegel). Taxé de racisme, mais également de misogynie après la série de longs-métrages Dirty Harry mettant en scène le fameux inspecteur Harry Callahan. Prouvant tout le contraire avec le magnifique et bouleversant Sur la route de Madison en 1995. Comédies, films d'action, de guerre, de science-fiction, Clint Eastwood a touché à tout. Même au film d'épouvante en 1971 avec l'excellent Un frisson dans la nuit dans lequel son personnage était aux prises avec une ''groupie'' particulièrement récalcitrante ! Depuis, il n'a jamais cessé de tourner. Devant et derrière la caméra. Dénonçant ainsi ponctuellement les failles de la justice américaine comme il le fit notamment en 1997 avec Les pleins pouvoirs dans lequel Gene Hackman incarnait un président des États-Unis d'Amérique homicide qui de par son statut devenait ainsi intouchable ou deux ans plus tard avec Jugé coupable dans lequel le personnage incarné par Clint Eastwood enquêtait sur la culpabilité ou non d'un jeune noir condamné à mort. Son dernier long-métrage en tant que réalisateur est une nouvelle œuvre à charge où tout le monde en prend pour son grade. La politique, la justice, les autorités et même de simples citoyens vont être passés à la moulinette d'un long-métrage qui n'est pas sans rappeler le chef-d’œuvre que réalisa en 1962, le cinéaste français Georges Lautner, Le Septième juré. Dans cette œuvre remarquablement interprétée par Bernard Blier, l'acteur incarnait en effet le personnage d'un pharmacien du nom de Grégoire Duval qui après avoir commis un assassinat se retrouvait parmi les jurés lors d'un procès durant lequel était donc jugé un innocent. Plus de soixante ans plus tard, Juré n°2 fait écho de manière glaçante à ce classique du cinéma français.

Et bien que le récit se déroule à des milliers de kilomètres de celle qui jugea un innocent et que des décennies séparent ces deux longs-métrages, l'on remarquera que rien n'a vraiment changé. Avec toute la sobriété qui caractérise Clint Eastwood, ce dernier met en scène une œuvre forte en émotions puisqu'il oppose un homme marié et futur père à un véritable cas de conscience. Moralement, la justice doit passer par l'aveu. Mais à quel prix ? Sacrifier sa propre existence ainsi que celle de son épouse et de leur futur bébé ? Et pourquoi ? Pour un individu qui de toute manière ne semble jamais avoir rien fait de bien dans sa vie ? L'on observe d'ailleurs à ce sujet que les avis sont parfois bien tranchés. Entre la police qui n'a fait qu'enquêter à charge contre ce suspect idéal (Gabriel Basso dans le rôle de James Michael Sythe), la procureure adjointe Faith Killebrew (Toni Collette) qui assure l'accusation lors du procès et espère le gagner afin d'obtenir un poste de Procureur de district, ou bien les jurés dont certains se sont rapidement fait une idée sur la culpabilité ou non de l'accusé quand d'autres veulent tout simplement écourter les délibérations pour retrouver leur vie de simples citoyens. Que l'homme soit coupable ou non, le problème est ailleurs. Film de procès, Juré n°2 est également un excellent thriller dans lequel Nicholas Hoult incarne un Justin Kemp qui se décompose littéralement devant la caméra face aux enjeux terribles qui assaillent son personnage. Ancien alcoolique qui aux côtés d'Allison (Zoey Deutch) espère que sa grossesse arrivera à terme après qu'ils aient vécu un drame terrible (la perte de jumeaux). Clint Eastwood joue avec certains détails. Comme l'observation lors d'une fatidique nuit pluvieuse d'un fossé où une femme a été retrouvée morte le lendemain. Le réalisateur laissant planer le doute en filmant un trou sombre d'où aucun indice visuel ne s'échappe. Confirmant ce que pense le personnage central du récit : qu'il dû ce jour là renverser un cerf qui ensuite pris la fuite. Un moyen de se dédouaner et de passer à autre chose jusqu'au jour où tout lui est renvoyé en pleine figure. Clint Eastwood a l'intelligence de ne pas se laisser aller à des débordements et signe une œuvre trouble, sensible et parfois émotionnellement difficile à encaisser. Si la sobriété de sa mise en scène et la modération avec laquelle le compositeur Mark Mancina a écrit la bande musicale participent de cette déflagration qu'évoque une éventuelle erreur judiciaire, le film est surtout porté par d'excellents interprètes parmi lesquels l'on ajoutera J.K.Simmons, Chris Messina, Kiefer Sutherland et celles et ceux qui incarnent autour de Nicholas Hoult les autres jurés. Leslie Bibb, Adrienne C. Moore, Cedric Yarbrough et les autres...

 

Eye for an Eye de John Schlesinger (1996) - ★★★★★★☆☆☆☆

Le réalisateur de Macadam Cowboy, de Marathon Man ou de Fenêtre sur Pacifique fut l'auteur en 1996 d'un thriller policier et dramatique particulier reposant en partie sur une question : à savoir si l'on a le droit de se faire justice soit même lorsque un vice de procédure permet à l'assassin d'une adolescente (ici, la fille de l'héroïne incarnée par Sally Field) de recouvrer la liberté et ainsi d'échapper à toute condamnation. Eye for an Eye de John Schlesinger tente de répondre à cette épineuse question et ce, de diverses manières. Ça n'est certainement pas par hasard si l'acteur Ed Harris tient le rôle du beau-père de la jeune Julie et non celui de son véritable géniteur. Ce qui permet au scénario d'Amanda Silver et Rick Jaffa de modeler le personnage de Mack McCann et de lui offrir l'opportunité d'avoir une opinion divergente de celle de son épouse Karen qui elle, est la vraie mère de la jeune femme et est bien décidée à faire payer au violeur et assassin de sa fille, les crimes pour lesquels il n'a malheureusement pas été condamné. D'un côté nous avons donc un Mack pourtant très attaché aux siens mais relativement en retrait tandis que son épouse prend des cours d'auto-défense, apprend à manier une arme à feu et s'apprête à passer à l'action depuis qu'elle a découvert que parmi les membres d'une association d'aide aux parents de victimes à laquelle elle participe, certains ont choisi d'aider ceux qui veulent se faire justice eux-mêmes...

Eye for an Eye expose également une justice et une police qui ont les mains liées. L'impossibilité de faire arrêter le criminel, de l'enfermer et ainsi donc de l'empêcher définitivement de nuire. Les alternatives ne se comptent pas par dizaines comme le démontre le long-métrage de John Schlesinger qui contrairement à ce que laisse présager le synopsis s'avère tout en nuance, l'héroïne étant convaincue de la nécessité d'agir, avant de reculer, puis de finalement prendre une décision ferme et définitive qu'elle espère n'engager qu'elle seule. Sally Field et Ed Harris campent un couple relativement touchant. John Schlesinger a su trouver la manière idéale de représenter le couple, avec ses désaccords mais aussi ses diverses sensibilités. Surtout, Eye for an Eye évite de nous infliger une trop grande profusion de larmes ou une violence trop explicite puisque celle-ci n'interviendra d'ailleurs qu'à la toute fin. Outre le couple formé à l'écran par Sally Field et Ed Harris, on retrouve l'acteur Joe Mantegna dans le rôle du détective Denillo, mais aussi et surtout Kiefer Sutherland qui ici, incarne le personnage de Robert Doob, le violeur et assassin en question. En sociopathe cynique et pervers, il campe plutôt bien son rôle même s'il demeure relativement discret à l'écran. En réalité, le film tourne surtout autour de la mère de famille qui après la mort de sa fille se mue peu à peu en une femme beaucoup plus sûre d'elle et de sa force.

Un ''pouvoir'' qu'il sera sensiblement amusant de voir évoluer jusque sur la couche des McCann où Karen semble avoir quelque peu perdu de sa douceur ! Ici, nous sommes très loin de Charles Bronson et du Justicier dans la Ville. Loin d'être aussi bourrin et burné que ce dernier, le film de John Schlesinger ne manque pas de charme et l'émotion s'invite en de très petites occasions, prouvant que l'on est d'abord face à un film plaidant la cause d'une mère de famille ayant perdu sa fille et que l'on reste très éloigné du Paul Kersey du Justicier de New York ou du Leo Kessler du Justicier de Minuit. Pourtant, si Eye for an Eye n'est pas du tout désagréable à suivre, si le charme de Sally Field ne laissera personne indifférent et si Kiefer Sutherland s'avère parfois inquiétant, le long-métrage de John Schlesinger demeure finalement assez anecdotique. Plaisant, mais pas inoubliable, il permet de passer une agréable soirée mais laisse finalement peu de souvenirs marquants une fois la projection terminée. Sympathique, donc, mais certainement pas indispensable...

Sélection de 3 films à voir, à revoir... ou à éviter (7)

Dealer... derrière ce titre réducteur, le spectateur pourra envisager le troisième long-métrage du cinéaste français Jean-Luc Herbulot comme une ode à la poudre, à la résine ou tout autre forme que peuvent prendre les drogues et qui sont désormais la principale source de revenus des petits caïds de cités sevrés aux Scarface de Brian de Palma. L'auteur de Concurrence Loyale et de Sick semble avoir plutôt été son inspiration dans le cinéma du cinéaste danois Nicolas Winding Refn et de son excellente trilogie Pusher. Jean-Luc Herbulot concentre ici tous les malheurs de son unique (anti)héros en un seul film. Et ce personnage dont le film semble au départ faire l'apologie n'est qu'un petit voyou sans presque aucune envergure, affublé d'un pull marqué du sceau CCCP, marié, père d'une gamine et amant d'une pute. Le sujet aurait pu se révéler agaçant. Voir ce dealer de drogue érigé en héros d'une œuvre sentant dès le départ, le souffre et la mort. Celle procurée par la dope qu'il vendait jusqu'à maintenant mais qu'il a décidé de laisser tomber. Enfin, presque. Juste une dernière affaire et Dan passera à autre chose. Sauf que comme dans le film de Nicolas Winding Refn ce dernier deal sera celui de trop. Lors d'une descente de flics en civil dans son immeuble, Dan, porteur d'un sachet de cocaïne, décide de planquer la poudre dans les toilettes de Chris, la prostituée. Lorsqu'il repasse plus tard dans l'appartement, le jeune dealer constate que la drogue a disparu. Interrogeant Chris qui nie y avoir touché, Dan est désormais condamné à rembourser son fournisseur, le 'black' Delo, avant minuit. Mais comme une fois encore, rien ne va se passer comme prévu, les heures qui le séparent de l'échéance vont transformer l'existence de Dan et de ses proches en véritable calvaire.

Dealer est brut(al). Il prend le spectateur de front sans jamais rien lui épargner. Ni les errances verbales d'un Dan en voix-off ou prise directe avec ses interlocuteurs. A la manière d'un très long rap sans musique, le héros balance sa mélopée durant plus d'une heure et quart. C'est bien écrit, et même foisonnant de métaphores. L'argot des banlieues y maintient son règne, l’œuvre de Jean-Luc Herbulot ne tournant autour que de ses héros dont le quotidien est gangrené par la violence et la nécessité de faire du fric quoi qu'il en coûte. Le film est un exercice de style parfaitement maîtrisé par son auteur ainsi que par ses interprètes, et notamment l'acteur Dan Bronchinson qui n'interprétait là, que son second personnage sur grand écran après quelques courts-métrages. Dealer, c'est aussi parfois des scènes crues, dont l'une retiendra sans doute l'attention par son caractère difficilement supportable : l'égorgement (halal) de l'ami de Dan dans des conditions abominables. Un acte sans concession qui témoigne de la volonté du cinéaste de ne rien concéder au romanesque. Dealer pue (dans le bon sens du terme) le vécu et dans le paysage français, ça fait du bien, d'autant plus que Jean-Luc Herbulot ne choisi ni de condamner son personnage, ni de le ériger en héros des temps modernes. Il s'agit là simplement d'un témoignage diablement excitant. Le Nicolas Winding Refn ? Peut-être bien, oui...

Wolfen de Michael Wadleigh, An American Werewolf in London de John Landis, Howling de Joe Dante, autant de films traitant du sujet de la lycanthropie. Autant de projets considérés comme de véritables chefs-d’œuvre pour une ou plusieurs raisons. Du moins, parmi les plus célèbres et les plus reconnus, et auxquels j'accorderai toute mon attention dans un prochain article spécial Loups-Garous. Tout ça pour aborder un autre long-métrage traitant du même sujet mais dans un registre le rapprochant nettement davantage du conte que du simple film d'épouvante. The Company of Wolves du cinéaste et écrivain irlandais Neil Jordan, auteur d'une vingtaine de long-métrages pour le grand écran fait partie de ces œuvres qui ont laissé une empreinte indélébile à toutes celles et ceux qui l'ont découvert à l'époque de sa sortie en salle. La première chose qui saute aux yeux, c'est sa ressemblance avec le conte de Charles Perrault, Le Petit Chaperon Rouge dont il reprendra d'ailleurs la trame en fin de récit. D'ailleurs, le cinéaste ne semble pas s'en cacher puisque sa jeune héroïne Rosaleen étant elle-même affublée d'un chaperon de la même couleur que celui que porte celle du célèbre conte pour enfants, le rapport n'est plus inenvisageable. Pourtant, malgré son statut de conte, le film de Neil Jordan est (ou était, du moins à l'époque de sa sortie) à réserver aux adultes.

Le récit tourne donc autour de la jeune et jolie Rosaleen (l'actrice anglaise Sarah Patterson), endormie dans sa chambre, rêvant d'un pays imaginaire où les loups sont tant redoutés que ses habitants en content des légendes effrayantes aux enfants afin qu'ils ne s'éloignent jamais du droit chemin. Une des trois règles que la grand-mère incarnée dans le rêve de Rosaleen auquel fait partie la jeune fille lui conseille d'accorder toute son attention. L'autre règle essentielle dans ce pays s'enfonçant dans une forêt touffue où il n'est pas rare de croiser tout un tas d'animaux, est de ne surtout pas faire confiance aux hommes dont les sourcils se rejoignent. Afin d'appuyer son propos, la grand-mère de Rosaleen, interprétée par la célèbre Angela Lansbury de la série télévisée Arabesque, lui conte ainsi l'histoire d'un voyageur de commerce fraîchement marié, qui le soir de la (pleine) nuit de noce disparaît... c'est presque ainsi que débute donc ce film connu chez nous sous le titre La Compagnie des Loups. Un long-métrage d'à peine une heure-trente mêlant un conte s'inscrivant dans le songe d'une enfant, lui même parsemé de récits s'apparentant à des sketchs. Neil Jordan nous rappelle sans cesse que l'histoire n'est que le cauchemar d'une jeune fille et nous rassure ainsi sur la nature strictement fantasmée. Des situations imaginaires ne reposant que sur la fiction. Avec un budget de deux millions de dollars et la participation des sociétés d'effets-spéciaux Reel Eye Company (spécialisée dans les prothèses) et Snow Business International (spécialisée, elle, dans les effets de neige) La Compagnie des Loups offre un spectacle enchanteur, à la lisière d'un Neverending Story 'lycanthropique', parsemé de décors féeriques en carton-pâte et d'effets-spéciaux parfois très gore. Pourtant, le film ne peut être considéré comme une œuvre à l'usage exclusif des amateurs de films d'horreur. Il s'agit avant tout d'un conte, qui avec plus ou moins de bonheur selon les situations explorées, honore son contrat. On ne peut retirer à La Compagnie des Loups son originalité. Et même si le film, trente-deux ans après sa sortie, a quelque peu vieilli, il a conservé une grande partie de son charme... Original, élégant et captivant...

Pour terminer, nous quittons la lycanthropie pour le vampirisme avec une œuvre qui là encore, marqua toute une génération. Celle des années quatre-vingt. On y découvrait presque un Kiefer Sutherland qui n'avait jusque là tourné que dans une poignée de long-métrages, dont le génialissime Stand By Me de Rob Reiner. Ce film, c'est The Lost Boys, ou, Génération Perdue. Une œuvre pas tout à fait aussi culte que l'immense Breakfast Club de John Hughes, et tournant cette fois-ci non pas autour de quelques adolescents collés un samedi après-midi dans un collège, mais une bande de motards aux dents longues. Sur une idée de Richard Donner (réalisateur entre autres de la saga Lethal Weapon), le quatrième long-métrage du cinéaste américain Joel Schumacher surfe sur le succès du premier volet du diptyque Fright Night sorti deux ans auparavant. Il oppose trois gamins à la sauce Goonies (œuvre justement réalisée en 1985 par Richard Donner et notamment interprété par Corey Feldman, présent dans Génération Perdue) à une petite tribu de vampires aux cheveux longs, portant des blousons (souvent) noirs, et adeptes de sang, dont le chef n'est autre qu'un certain David. Une famille constituée de la mère et de ses deux fils Michael et Sam viennent s'installer en Californie, dans une ville réputée pour être la plus criminogène du pays. Des dizaines de personnes, hommes, femmes et enfants ont disparu et il n'est pas rare de voir en ville placardé sur les murs, des avis de recherche à leur nom. Lors d'une sortie nocturne, Michael croise le regard de Star et en tombe immédiatement amoureux. Le hic, c'est que la jolie jeune femme est la compagne de David, le chez des vampires. Michael se retrouve embarqué dans une aventure dont les conséquences vont être terribles : invité à boire un breuvage dont il ignore l'origine, il va peu à peu se transformer lui-même en vampire. Il ne pourra compter que sur son frère ainsi que les deux amis de celui-ci, les frères Frog, pour espérer pouvoir redevenir le jeune homme qu'il était avant sa rencontre avec la bande de motards.

L'un des principaux atouts de Génération Perdue est d'ignorer une partie de la mythologie du vampirisme pour se concentrer sur son époque. Celle des années quatre-vingt, ses voyous organisés en bandes, ses familles éclatées, et même le SIDA, ici, représenté par le rituel durant lequel Michael boit le sang de David et est ainsi infecté. On nage en pleines années 80. La musique et le look des personnages ne trompe personne sur l'époque. Rock FM, coiffures 'fauves', néons, le film de Joel Schumacher est une chasse aux vampires organisée par un trio de gamins, ajoutant à son aspect fantastique, une bonne dose d'humour. A part quelques effets gore dont un du plus bel effet (la scène de la salle de bain vers la fin du film), le film peut se voir comme un bon divertissement familial. S'inscrivant dans une époque révolue et accusant quelque peu son âge, le film risque de déplaire au jeune public d'aujourd'hui, sevré aux Saw et autres torture-porns. A réserver d'abord à ceux qui le découvrirent en salle à l'époque de sa sortie...

Flatliners de Niels Arden Oplev (2017) - ★★★★☆☆☆☆☆☆

Réalisé par le cinéaste danois Niels Arden Oplev et diffusé sur les écrans de cinéma en 2017, Flatliners est le remake du titre éponyme sorti chez nous sous le titre L'Expérience Interdite et réalisé par l'américain Joel Schumacher vingt-sept ans plus tôt. Ce long-métrage mêlant thriller, fantastique et science-fiction met en scène un groupe d'étudiants en médecine face à des expériences de mort imminente (NDE) dont les effets secondaires inattendus ne vont pas tarder à apparaître. Afin d'évoquer la filiation des deux films, le danois engage l'acteur Kiefer Sutherland pour le rôle du Docteur Barry Wolfson alors même qu'il aurait été plus judicieux de le découvrir dans la peau même du personnage qu'il interpréta en 1990, Nelson Wright. Mais ceci n'étant qu'un détail, penchons-nous sur l'intrigue.

Autant le préciser tout de suite, Flatliners n'apportera pas la moindre réponse à ceux qui se passionnent pour le sujet dont il est question ici, car le film de Niels Arden Oplev se concentre avant tout sur les répercussions liées au phénomène NDE et à l'incursion de ses personnages dans un univers parallèle, sorte de transition entre la vie et l'éternité telle que la conçoivent certains.

Flatliners est typiquement le genre de long-métrage inutile jouant sur la fibre nostalgique des adolescents des années quatre-vingt, quatre-vingt dix. Mais là où le bât blesse, c'est qu'à l'époque, déjà, les amateurs de fantastiques et de science-fiction n'avaient pas présagé que le film de Joel Schumacher deviendrait un classique. Beaucoup moins marquant que d'autres dans le domaine de l'étrange et du surnaturel, c'est pourtant bien lui dont le danois décide de se réapproprier le sujet en 2017. Plus qu'un remake, l'acteur Kiefer Sutherland affirmerait qu'il s'agirait donc d'une suite, permettant ainsi à son réalisateur de prendre des libertés avec l'histoire originale.Tourné en Ontario, Flatliners met donc en scène les acteurs Ellen Page, Diego Luna, Nina Dobrev, James Norton et Kiersey Clemons subissant les effets-secondaires foudroyants d'une expérience qu'ils ne maîtrisent pas. Visions cauchemardesques allant jusqu'à pousser l'un des héros dans le vide, Flatliners use de facilités pour générer l'effroi qui commencent franchement à devenir agaçantes : des Jump Scares inutiles puisqu'à l’efficience inopérante !

James Norton est fatiguant de bêtise. L'étudiant en médecine post-pubère, crétin, pas vraiment à son avantage et que l'on rêverait presque de voir rester sur la table d'opération tant il agace. Mais il n'est rien en comparaison de l'actrice Kiersey Clemons. Inexpressive, incapable de transmettre la moindre émotion, elle est le maillon faible d'une histoire piochant allégrement dans des récits maintes fois traités. Les univers parallèles dans lesquels sont plongés les protagonistes laissent imaginer ceux des Griffes de la Nuit mais sans son croquemitaine. Pire : comme une sentence, les personnage semblent être poursuivis par la Mort, condamnés à finir sur le bûcher des vanités. Le danois convoque (innocemment ou pas) la saga Destination Finale mais sans faire preuve d'une once d'imagination.

Peu logique, l'histoire personnelle de chaque individu fait appel à un passé douloureux ne mettant pas forcément face à eux, le fantôme d'une personne morte par leur faute. Non, ici, c'est la responsabilité de chaque face à la mort (ou non), d'un individu auquel ils devront présenter leurs excuses s'ils veulent résister à l'attraction de la mort. Grotesque !

Au final, Flatliners se regarde comme une petite production horrifique à l'attention presque exclusive des adolescents. Pas le genre de long-métrage demandant un effort de réflexion...

Melancholia de Lars Von Trier (2011)

Après Antichrist, Lars Von Trier aborde une fois encore la destruction de la cellule familiale. Déjà, dès l'ouverture en forme de prologue, le cinéaste danois utilise les même ficelles esthétiques que deux ans en arrière. Quant à ces quelques secondes très curieuses montrant Charlotte Gainsbourg portant dans ses bras un enfant approximativement du même âge que celui qu'elle perd durant le prologue de Antichrist, cette scène n'est-elle pas le lien qui unit celui-ci à Melancholia qui d'une manière encore plus démonstrative et définitive choisit de mettre en pièces, non plus un homme et une femme, mais l'humanité toute entière ?

Sur un rythme analogue à son œuvre précédente, Lars Von Trier explore encore davantage l'âme humaine, comme si Thomas Vinterberg et son épatant Festen croisaient la route d'une œuvre consacrant la fin de notre monde comme seule issue possible.

Sa galerie de portraits demeure toujours aussi saisissante. Entre une Charlotte Rampling glaciale, peu disposée à faire la joie de sa fille fraîchement mariée. Une jeune épouse angoissée, la superbe Kirsten Dunst (prix d'interprétation au festival de Cannes en2011 pour le rôle de Justine), doutant à chaque instant. Claire, la sœur, l'organisatrice des festivités, la chef d'orchestre d'un bal qui à ses yeux ne doit souffrir d'aucune aspérité. John, l'époux de celle-ci (Kiefer Sutherland), un être compréhensif, riche à millions, qui cache la vérité sur le monstre qui lentement mais sûrement s'apprête à avaler notre planète toute entière. Le jeune marié (Alexander Skarsgard), gentil mais aussi parfois puéril, tellement amoureux qu'il accepte un peu trop facilement les caprices de sa promise.

Et puis il y a le père de Justine (John Hurt). D'une admirable bonté, d'une gentillesse profonde, mais aussi d'une folie douce qui sied bien à ces festivités qui doucement glissent vers le drame. A côtés de lui, Udo Kier et Stellan Skarsgard apparaissent presque normaux. Même si le premier se voile littéralement la face chaque fois qu'il croise le chemin de Justine (ce qui nous quelques micro-scènes franchement tordantes), et que le second se permet d'être d'une immoralité qui confine à la cruauté.

Peu ou pas de musique à part le prélude de Tristan et Iseult de Richard Wagner qui parcourt l'intégralité d'une œuvre qui confond scènes réalistes tournées caméra à l'épaule, et visions dantesque d'une catastrophe en devenir. Visuellement, Melancholia, n'a, comme très souvent avec Lars Von Trier, rien à se reprocher. C'est un sans faute esthétique.

On pourrait croire que j'ai aimé Melancholia. Que je l'ai adoré au delà des mots. Et pourtant, il s'est révélé être une immense déception. Bêtement, je croyais y retrouver la même émotion que celle subie lors du visionnage de son fantastique Breaking The Waves. En réalité, le film m'a laissé aussi froid et perplexe que devant son Dancer in the Dark vanté comme de l'émotion à l'état pur mais qui ne m'a bouleversé que par son profond ennui.

Il y a parfois des choix qui ne s'expliquent pas. Comment peut-on effectivement juger que Melancholia est parfois assommant lorsque l'on estime que dans la carrière de son auteur, des œuvres telles que Element of Crime et Epidemic demeurent parmi ses plus flamboyantes réussites ? Je ne sais pas. Peut-être le film aurait-il mérité d'être nettoyé de quelques dizaines de minutes ? Toujours est-il que Lars Von Trier conserve le don de nous conter des histoires d'une manière fort peu coutumière. Et c'est ce qui fait la force de son œuvre toute entière...