Cigarette Burns (2006) & Pro-Life (2007) de John Carpenter

 

 

Outre ses longs-métrages, outre des courts réalisés entre 1962 et 1969 et outre quelques clips musicaux, John Carpenter réalisa en 2006 et 2007 deux moyens-métrages au bénéfice de l'anthologie Masters of Horror. Le premier, intitulé Cigarette Burns, met en scène l'acteur Norman Reedus, plus connu pour avoir endossé le costume relativement crasseux du biker spécialiste de l'arbalète Daryl Dixon dans la série d'horreur The Walking Dead. Dans ce moyen-métrage d'une durée de cinquante minutes, il incarne Kirby Sweetman dont la spécialité est de dénicher des films rares et donc relativement difficiles à trouver. Et parmi ceux-ci, La Fin absolue du monde (qui donne son nom à la version française) dont la réputation lui a valu de disparaître des radars puisque tous ceux qui ont eu l'occasion de le découvrir se sont entre-tués. Chargé par le collectionneur Bellinger (l'acteur allemand Udo Kier) de mettre la main sur le film dont les bobines furent très officiellement détruites, Kirby voyage à travers le monde afin de rencontrer celles et ceux qui pourraient l'aiguiller dans ses recherches. Difficile de retrouver la patte de l'auteur de Christine, de The Thing ou de New York 1997 dans cet épisode de l'anthologie. Œuvre marquée par la présence de Norman Reedus qui quelques années avant de se laisser aller (son personnage de Daryl dans la série The Walking Dead s'avère frileux à l'idée de se laver) apparaît étonnamment propre sur lui, Cigarette Burns offre une mise en abyme du cinéma avec cette histoire un peu folle de film devenu maudit après qu'un ange ait été tué lors de son tournage. Le moyen-métrage évoque l'emprise d’une œuvre sur ceux qui ont eu les honneurs d'une projection. Avec tout ce que cela évoque comme inconvénients. De là à fantasmer sur les répercussions que purent avoir dans la vie réelle certaines créations sur des individus perturbés et d'y voir une certaine corrélation avec le récit, il n'y a qu'un pas que John Carpenter franchi plus ou moins timidement. Pas de débordements sanglants, mais une ambiance parfois volontairement poisseuse bien que son statut de simple épisode d'anthologie horrifique ne permet pas à Cigarette Burns d'offrir aux spectateurs une esthétique à la hauteur de ce que ce maître incontesté de l'horreur qu'est John Carpenter fut généralement capable de nous livrer...

L'année suivante, Big John offrait à nouveau ses services à Masters of Horror avec Pro-Life (ou Piégée à l'intérieur dans l'hexagone). Dans ce moyen-métrage d'une durée de cinquante-sept minutes, le réalisateur confronte l'actrice Caitlin Wachs, qui interprète ici la jeune Angélique, à Ron Perlman qui dans le rôle de son père Dwayne, refuse que sa fille avorte de l'enfant qu'elle attend. Œuvre horrifique aux multiples facettes, Pro-Life évoque le fanatisme religieux d'un père de famille qui à cette occasion enrôle ses trois fils afin de pénétrer la clinique où attend sa fille d'être débarrassée du bébé qu'elle porte. Le moyen-métrage en profite bien évidemment pour évoquer le sujet de l'avortement. Mais John Carpenter n'étant pas du genre à se contenter de la basse-besogne consistant à simplement évoquer un fait de société, le Mal s'insinue donc forcément au cœur de l'établissement et donc, de l'intrigue. MIEUX ! C'est bien dans le ventre de l'adolescente elle-même qu'il se niche puisque l'on découvrira qu'Angélique porte l'enfant du Diable qui la viola peu de temps auparavant. Débarquant le ventre à peine rebondit, la grossesse prend rapidement des proportions démesurées tandis que dehors, Dwayne et ses trois rejetons se lancent dans un raid meurtrier. John Carpenter semble emprunter l'idée au chef-d’œuvre de Roman Polanski Rosemary's Baby même si la finesse est ici aux abonnés absents. Exit l'horreur psychologique et les tensions qui en découlent. On retrouve le versant gore qui tâche (à la manière d'un Vampires à l'ambition revue nettement à la baisse). Avec sa gueule et sa manière de soliloquer, Ron Perlman incarne un père de famille acceptable même si son attitude fait généralement sourire. Imaginez, le type explose la tête d'un agent de sécurité (à grands renforts de CGI) avant de demander des comptes au directeur de l'établissement sur lequel il pratiquera un avortement (une séquence qui n'est, malheureusement, pas jusqu’au-boutiste puisque filmée dans le dos de Ron Perlman). Si le maquillage du Diable est plutôt convainquant, le montage de Pro-Life s'avère assez curieux. Des rencontres inopinées entre le Dieu des Enfers et d'hypothétiques victimes dont la mort ne s'affichera malheureusement pas à l'écran. À ce titre, le récit comporte une coquille de taille puisque Dwayne ''devine'' la mort de l'un de ses fils alors même que ce dernier meurt sans que son père ait assisté à son décès ! Trop long malgré son format, les quelques séquences gore ou encore le bébé (pâle copie de la tête/araignée de The Thing) se traînant au sol avant de se prendre une balle en pleine tête ne suffisent pas à faire de Pro-Life une œuvre digne de son auteur...

 

Suspiria de - Dario Argento (1977) - ★★★★★★★★★☆

 

 

Je suis descendu du train avant la moitié du trajet. Malgré la présence du compositeur italien Claudio Simonetti, malgré Jennifer Connelly, malgré Daria Nicolodi et malgré Donald Pleasance. Plus envie de voir un Dario Argento s'enlisant comme dans des sables mouvants. Poème en quatre vers : ''Phenomena... '' ''Pouahhhh...'' ''Phenomena... '' ''Caca...''................. Donc, retour en arrière. Pas si lointain, à l'échelle de l'humanité, mais approchant dangereusement le quart de siècle. Et ça n'est pas le remarquable remake que Luca Guadagnino réalisa il y a trois ans du film culte de Dario Argento Suspiria qui m'a donné envie de redécouvrir l'original, mais les résultats d'un sondage, ouais ! Si le projet de remake de Luca Guadagnino pouvait passer pour fou vu la réputation de l’œuvre originale de Dario Argento, l'italien s'en est heureusement pour lui particulièrement bien sorti. Pour autant, les trajectoires prises par les deux hommes auront été bien différentes. Et lorsque l'on redécouvre l'une et l'autre, leurs qualités respectives ne sont sans doute pas à mettre sur un même plan. Chez Dario Argento, sa mise en scène semble souvent tenir sur des fondations plutôt fragiles. Et l'on ne parle pas du scénario qui là encore est de sa propre initiative ainsi que de celle qui fut sa compagne, Daria Nicolodi dont il s'agira ici de la première participation en tant que scénariste. Souvent dans le cinéma fantastique italien de l'époque et de la décennie suivante, la mise en scène et le montage participent d'une logique commune à nombre de réalisateurs transalpins parmi lesquels un certain Lucio Fulci...

Une manière d'aborder le récit qui ne semble devoir appartenir qu'à nos voisins à l'imagination et à l'inspiration pas toujours prompt à donner lieu à d'authentiques chef-d’œuvre du septième art. Plus dur est sans doute d'obtenir ce statut pour une œuvre, qu'elle soit fantastique, d'horreur ou d'épouvante. Et c'est en cela que Suspiria, la version de 1977, est unique. Car l'on détient bien là l'un de ces grands films, uniques en leur genre et qui dans le cas présent n'est que l'aboutissement d'un travail esthétique flamboyant. Dario Argento, si ce n'est plus, a signé au moins deux chefs-d’œuvre dans sa carrière qui jusqu'à maintenant est vieille de cinquante-cinq ans (son dernier-né Occhiali neri est actuellement en pré-production). Et si depuis de nombreuses années l'homme est en errance d'un point de vue artistique et qualitatif, rien ne pourra jamais remettre en questions les immenses qualités de Profondo Rosso (1975) et de Suspiria. Ce dernier est donc l'aboutissement de sa carrière car même si Inferno fera lui aussi trois ans plus tard figure de franche réussite, Dario Argento devait en 1977, enfoncer littéralement le clou dans le domaine de la recherche esthétique. Ryan Gosling saura d'ailleurs s'en souvenir trente-sept ans après avec Lost River et son hommage très appuyé. Envoûté non seulement par la présence à l'écran de la sublime Jessica Harper, vedette de l'incontestable chef-d’œuvre de Brian De Palma Phantom of the Paradise trois ans auparavant, Suspiria est d'abord une expérience qui se vit d'un point de vue sensitif.

Jamais jusqu'alors Dario Argento n'aura autant repoussé et maîtrisé l'art pictural. Il offre en effet à ce petit bijou d'effroi, une palette de couleurs proprement hallucinante, donnant vie à des tableaux d'une beauté à couper le souffle. Stylisant comme jamais l'art du meurtre, se référant au giallo, art dans lequel il fut passé maître dès le début de sa carrière de cinéaste et malgré qu'il s'en éloigne ici beaucoup, l'italien s'est entouré d'artistes tels que le décorateur Giuseppe Bassan et le responsable de la photographie Luciano Tovoli pour donner vie à une œuvre visuellement intense, en perpétuel renouvellement, jouant tantôt sur un choix de couleurs (mon dieu ces éclairages!), sur des perspectives géométriques et sur des décors proprement dantesques. Participe également de cette élaboration, l'incroyable partition musicale du groupe italien Goblin (Zombie de George Romero, Profondo Rosso, Buio Omega de Joe d'Amato) et notamment du claviériste Claudio Simonetti (et à laquelle Dario Argento lui-même collaborera) qui avec Suspiria propose une musique envahissant tout l'espace, le martelant avec une précision et un acharnement inouï. Dario Argento y révèle le pouvoir de l'image et du son sans lesquels tout ou partie de Suspiria, sans doute, aurait été proprement démuni. Une œuvre dont chaque plan, chaque séquence s'étudie, se vit, se respire. Bref, un grand, un TRES grand chef-d’œuvre...

 

Du Sang pour Dracula de Paul Morrissey (1974) - ★★★★★★★☆☆☆

Un an après sa version toute personnelle du mythe de Frankenstein (Chair pour Frankenstein), le réalisateur, scénariste et photographe Paul Morrissey se penchait en 1974 sur celui d'un autre grand nom du fantastique. Dracula, de l'écrivain britannique Bram Stoker paru en 1897 et adapté de nombreuses fois sur grand écran. Le réalisateur y retrouve trois des principaux acteurs de son précédent long-métrage, Joe Dallesandro, Udo Kier et Arno Juerging qui interprètent respectivement le jardinier Mario Balato, le Comte Dracula et le domestique de ce dernier, Anton Ginik. Un employé très particulier au demeurant puisque gérant et conseillant davantage son maître plutôt que d'obéir à ses ordres. Plus étonnant demeurent les présences à l'écran de l'acteur et réalisateur italien Vittorio De Sica qui joua notamment pour Dino Risi, Claude Autant-Lara ou Luigi Comencini et qui interprète ici le rôle du Marquis Di Fiore près de la famille duquel le Comte et Anton viennent se réfugier, et du cinéaste et interprète Roman Polanski que l'on découvre dans le rôle d'un joueur de carte dans une taverne. Côté féminin, Du Sang pour Dracula est essentiellement constitué des membres de la famille Di Fiore, lesquels sont interprétés par la française Dominique Darel, les italiennes Silvia Dionisio et Stefania Casini, la britannique Maxime McKendry et surtout, la romaine Milena Vukotic que l'on a pu notamment découvrir chez Federico Fellini (Juliette des Esprits en 1965), Luis Buñuel (Le Charme Discret de la Bourgeoisie en 1972 et Le Fantôme de la Liberté en 1974) ou chez le soviétique Andreï Tarkovski (Nostalghia en 1983).

Dès les premières notes de musique du compositeur italien Claudio Gizzi qui avait déjà ''sévit'' sur le précédent long-métrage de Paul Morrissey, Du Sang pour Dracula emporte littéralement le spectateur sur un tempo et une émotion très évocateurs. La mélancolie l'emporte sur l'air sublime du ''Theme from Blood For Dracula'' et sur le visage émacié, blafard et fantastiquement charismatique de l'acteur allemand Udo Kier qui pour le coup, personnifie à merveille le célèbre vampire roumain. Et pourtant, loin de la créature immortelle et puissante que l'on imagine, entre les mains du réalisateur américain, Dracula perd de sa superbe. Malade, chétif, affamé et se déplaçant le plus souvent en chaise roulante, c'est pourtant cette spécificité qui rendent le personnage si attachant et le film si particulier. Il faudra sans doute attendre le Martin de George Romero en 1977 et sans doute plus encore le génial The Addiction d'Aberl Ferrara en 1995 pour retrouver de si belles allégories sur la maladie. Si en 1974, en n'en est pas encore à traduire l’œuvre de Paul Morrissey comme une œuvre visionnaire se rapportant à la future arrivée du SIDA dans les années quatre-vingt, l'imagerie est pourtant parfois troublante.

Malade, donc, le Comte Dracula est contraint avec son serviteur/dominateur Anton de quitter son pays d'origine pour se rendre en Italie où les jeunes filles vierges sont réputées nombreuses, la foi envers le christianisme y étant particulièrement respectée. Si dès le départ, Paul Morrissey aiguille le spectateur sur l'hypothétique virginité de l'une ou de l'autre des sœurs Di Fiore, le spectateur peut être quelque peu dérouté par le déroulement relativement classique du récit. En effet, en dehors de quelques élans gore qui trouvent leur paroxysme lors d'un final qui peut parfois prêter à sourire (Dracula déambulant dans la nuit, les deux bras arrachés) et offrent quelques séquences maladives lors desquelles le vampire vomi le sang des impures (sur fond blanc, ce qui augmente l'impact visuel), on pourra s'étonner que Paul Morrissey ne se soit pas offert certaines fantaisies scénaristiques dont le manque d'originalité sautera peut-être aux yeux de certains spectateurs (l’impureté de certaines, la virginité des autres demeurant trop évidentes). Reste que Udo Kier impressionne toujours autant. D'une sensualité envoûtante, il contraste avec le personnage incarné par Joe Dallesandro qui une fois de plus, revêt le costume du paysan pas très finaud et dont l'un des seuls intérêts est de s'adonner aux plaisirs de la chair. Érotisme subtil, portrait de la bourgeoisie et des petites gens souvent peu élogieux (les Fiori intéressés par le parti que représente Dracula, les voici prêts à lui ''offrir'' l'une de leurs filles. La population s'amassant dans la taverne pour y ''boire leur salaire'', Mario Balato, le jardinier, obnubilé par le sexe...), quelques séquences superbement photographiées (Luigi Kuveiller) s'imposent comme des toiles de maîtres prenant vie. Notons qu'après cela, Paul Morrissey s'est penché une fois de plus sur la réappropriation de certains mythes du fantastique avec en 1974, une adaptation du Chien des Baskerville du britannique Sir Arthur Conan Doyle...

Chair pour Frankenstein de Paul Morrissey (1973) - ★★★★★★★☆☆☆

Œuvre mythique à plus d'un titre, la production franco-italo-maricaine Chair pour Frankenstein (dont le titre original est Il mostro è in Tavola... Barone Frankenstein) eut dans les années quatre-vingt les honneurs d'une édition dans la collection ''Les Film que vous ne verrez Jamais à la Télévision'' de René Château. Un long-métrage qui allait ainsi rejoindre les rangs d'une série de films cultes parmi lesquels le Massacre à la Tronçonneuse de Tobe Hooper, le Maniac de William Lustig ou le Zombie de George Romero. L’œuvre de Paul Morrissey, réalisateur, scénariste, producteur et photographe américain underground (on lui doit notamment la trilogie (Flesh, Trash et Heat produite par le célèbre peintre Andy Warhol, l'un des représentants du courant ''Pop Art'') doit sans doute aussi sa réputation grâce à son aspect sulfureux. Une réappropriation du mythe qui comme nous le verrons plus loin, n'est cependant pas exempt de défauts, loin s'en faut. Toujours est-il que Chair pour Frankenstein bénéficie d'un casting exceptionnel. À commencer par l'allemand Udo Kier. Un visage, et surtout un regard que l'acteur prêtera l'année suivante au personnage de Dracula dans Du Sang pour Dracula, lui-même réalisé par Paul Morrissey. Udo Kier incarne dans le cas présent le baron Frankenstein. Un homme qui sous ses allures de noble parfois franchement inquiétant cache une volonté de s'ériger en Dieu. Mais Paul Morrissey ne voulant pas circonscrire la personnalité de son personnage à cette seule évocation, il en fera une description qui dépasse de loin l'aspect romanesque du roman de Mary Shelley, Frankenstein ou le Prométhée moderne pour en faire un monstre aux déviances sexuelles parfois mal assumées...

À ses côtés, l'actrice américano-belge Monique van Vooren. Une quinzaine de longs-métrages à son actif en soixante-deux ans de carrière, mais une présence ici, absolument remarquable dans le rôle de la sœur et épouse du baron, Katrin Frankenstein. Pendant féminin de Udo Kier, l'actrice y est glaçante, pervertie par une sexualité débridée et nymphomaniaque, méprisante envers les petites gens, mais capable de s'avilir entre les bras d'un paysan. Ce dernier n'est autre que Nicholas, incarné par le beau, et même, le magnifique Joe Dallesandro, acteur américain qui ébloui tant Paul Morrissey que celui-ci le filmera nu, l'acteur devenant un sex-symbol dans l'univers de l'underground. Vedette de la trilogie de Paul Morrissey Flesh, Trash et Heat entre 1968 et 1972, il est ici l'objet (au sens propre comme au figuré) d'une convoitise de la part de la baronne qui finira par l'attirer dans son lit. On notera également la présence de l'acteur Srdjan Zelenovic (origines?) dans le rôle de la créature masculine mais aussi celle de l'actrice et mannequin italienne Dalila Di Lazzaro dans celui de la créature féminine, ainsi que Arno Juerging dans le rôle d'Otto, l'assistant du baron. Quant aux enfants des Frankenstein, ils sont interprétés par les jeunes Marco Liofredi et surtout Nicoletta Elmi que les amateurs de cinéma d'épouvante reconnaîtront pour l'avoir notamment vue dans La Baie Sanglante de Mario Bava en 1971, Profondo Rosso, le chef-d’œuvre de Dario Argento en 1975, ou Démons de Lamberto Bava en 1985.

Paul Morrissey se réapproprie le roman de Mary Shelley en lui injectant une sexualité qui dépasse de loin la seule évocation des liens incestueux qui unissent le baron et son épouse. Outre l'homosexualité évidente de la créature masculine qui donne lieu à une scène insensée lors de laquelle le baron contraint celle-ci à s'accoupler avec la créature féminine, on notera la très nette prédisposition de Frankenstein à la nécrophilie lors d'une séquence très inconfortable. Peut-être plus encore que le récit d'un homme fasciné par les corps, la chair et les entrailles, Chair pour Frankenstein est surtout une vision hyper-sexuée du mythe. Des vision hardcore qui ne dénotent finalement pas de l'aspect underground des travaux habituels de leur auteur. Chair pour Frankenstein manque cependant d'une certaine ampleur. Que l'interprétation de ses interprètes soit volontairement monolithique ou non, le jeu de certains, tel celui de Srdjan Zelenovic dont le personnage semble lui échapper, décrédibilise une partie de l’œuvre. Comme le peu de soin qu'apporte le réalisateur quand vient le moment pour le baron de mettre en pratique ses théories sur le corps reconstitué de la créature masculine. Une certaine forme de puérilité, voire de je-m’en-foutisme lié à l'aspect scientifique et qui nuit elle aussi à cette œuvre qui se veut romanesque (le score de Claudio Gizzi, certains décors de Enrico Job), mais qui parfois se confond dans des actes ou des descriptions inutiles (la séquence des chauves-souris, presque aussi ratée que celle de La Maison près du Cimetière de Lucio Fulci en 1981). Reste que le film envoûte grâce à son salmigondis de personnages tous plus étranges et inhumains les uns que les autres, avec en chefs de fil, une Monique van Vooren et un Udo Kier parfois glaçants et un Joe Dallesandro à la sensualité trouble...

Hexen bis aufs Blut Gequält de Michael Armstrong (1970) - ★★★★★★★☆☆☆

Dix-septième siècle. Dans un petit village de la campagne autrichienne, l'inquisiteur Albino fait régner la terreur en décidant de la vie et de la mort de ses villageois, qui méritant de vivre, qui devant finir sur le bûcher pour sorcellerie. Imbu de son pouvoir, il inquiète, menace, terrorise et fait exécuter quiconque refuse de se plier à ses exigences. Mais lorsqu'il décide de s'en prendre à l’honorable Vanessa Benedikt, les choses prennent une tournure différente. En effet, le jeune comte Christian von Meruh, proche de l'inquisiteur Cumberland qui vient d'arriver en ville afin d'instaurer l'ordre, est bien décidé à défendre la jeune femme qui après avoir réussi à échapper à une tentative de viol de la part d'Albino, se voit désormais accusée de sorcellerie. Malheureusement pour la jeune femme et son protecteur, celui qui semblait honnêtement représenter les plus hautes instances religieuses va bientôt se laisser lui-même glisser vers une certaine dérive mettant en péril l'existence des villageois condamnés pour sorcellerie et de celle du couple d'amoureux...

Réputé pour sa grande violence graphique, Hexen bis aufs Blut Gequält (sorti chez nous sous le titre La Marque du Diable) ne semble pas avoir usurpé sa réputation. D'origine allemande, ce long-métrage signé en 1970 par le britannique Michael Armstrong et notamment interprété par l'acteur tchèque Herbert Lom, l'actrice serbo-yougoslave Olivera Katarina, l'autrichien Reggie Nalder et l'allemand Udo Kier est un condensé de tortures, de sévices corporels, de viols et de sadisme comme rarement le septième art en aura étalé au moment de sa sortie en salle. L'époque, les lieux et le sujet sont donc propices à une accumulation de séquences horrifiques des plus gratinées : supplice du chevalet, de la goutte d'eau, doigt coupés, écrasés, membres étirés, langue arrachée, plante des pieds brûlées au fer rouge, viols et bien entendu, exécutions sur la place publique, les villageois se repaissant de voir sorcières et supposés possédés finir brûlés vifs. Plus encore que le sang versé, que les cris de douleur, le plaisir que prennent certains personnages accentue l'aspect malsain et inconfortable que revêtent de tels traitements. Reggie Nalder, que l'on a pu notamment voir chez Alfred Hitchcock (L'Homme qui en Savait Trop, en 1956) ou chez Dario Argento (L'Oiseau au Plumage de Cristal, en 1970) incarne un Albino monstrueux. D'une morale plus que douteuse, le visage émacié, anguleux et inquiétant, dans son rôle d'inquisiteur il incarne en fait à lui seul le Mal personnifié...

Son apparence contraste étonnamment avec celle de l'allemand Udo Kier, célèbre pour avoir joué dans le diptyque de Paul Morrissey Chair pour Frankenstein/Du Sang pour Dracula en 1973 et 1974, et dont la grande beauté androgyne demeure ici saisissante. On retiendra également celle des actrices Olivera Katarina dans le rôle de Vanessa Benedikt et de la superbe actrice allemande Ingeborg Schöner qui interprète l'épouse d'un noble. Alors que le film de Michael Armstrong connaît une traduction étrange dans notre langue, il est intéressant de remarquer que cette marque du Diable qu'évoque le titre français fait référence aux stigmates censés apparaître sur le corps des supposées sorcières, notamment représentés dans le film à travers le grain de beauté que porte Vanessa sur la joue droite. Témoin d'une époque trouble habitée dans le cas présent par des villageois incultes et demeurés, par une justice expéditive et par des actes sanguinaires justifiés par la foi, Hexen bis aufs Blut Gequält est un classique de l'horreur et de l'épouvante qui connut chez nous une distribution au format VHS en 1982 dans la prestigieuse collection Les classiques de l'horreur et de l'épouvante de René Château, rejoignant ainsi pour l'éternité de grands noms, tels Massacre à la Tronçonneuse de Tobe Hooper, Maniac de William Lustig, ou encore Zombie de George Romero...

Halloween de Rob Zombie (2007) - ★★★★★★★☆☆☆

Qu'il soit réussi ou non, qu'il surpasse son illustre source d'inspiration ou qu'il ne lui arrive pas même à la cheville, s'il y a bien un point qu'il sera difficile de contredire, c'est le culot avec lequel le cinéaste Rob Zombie se sera approprié le mythe de Michael Myers pour en proposer une relecture faisant table rase sur l'iconographie de l'un des plus célèbres tueurs masqués du septième art, et même s'il aura dû pour cela, lâcher un peu de leste. Trente ans... Il aura fallut trente ans pour que quelqu'un se décide enfin à revenir aux sources. A ne plus simplement continuer à nourrir une légende qui avait finit (paraît-il) par s'étioler à force de vouloir l'exploiter. Né le 12 janvier 1965, chanteur et musicien du groupe de métal White Zombie, Rob se lance dans le septième art en 2003 avec The House of 1000 Corpses, œuvre remarquée, mais sans doute pas autant que le second long-métrage d'un artiste qui aura, au moins, su se reconvertir de la plus belle des manières. The Devil's Rejects, deuxième film et premier véritable choc. Un road-trip d'une violence inouïe qui renoue avec un certain cinéma transgressif des années soixante-dix. On pense notamment au Texas Chainsaw Massacre de Tobe Hooper, ou à The Hills Have Eyes de Wes Craven. Après avoir réalisé une fausse bande-annonce (Werewolf Women of the SS) pour le diptyque Grindhouse, Rob Zombie s'attèle donc à la réalisation de son troisième long-métrage sobrement intitulé Halloween. 

 

Ça n'est plus un secret pour les rares badauds qui ont osé franchir les portes de Cinémart ces dernier jours mais je n'ai que très moyennement apprécié l’œuvre séminale du pourtant génial John Carpenter. Presque aussi chiant que de rester planté devant une pendule pendant quatre-vingt dix minutes à voir s'égrainer les secondes, puis les minutes, Halloween cuvée 1978 fut une énorme déception (d'ailleurs, à ce propos, n'ayant pas envie de me faire taper sur les doigts, je ne ferai pas la critique de Suspiria version Dario Argento que j'ai, « grave » détestée). Aussi creux qu'improbable, le film usurpe totalement son statut d’œuvre culte (pour les coups de fouet, je suis dispo ce soir de 22h à 3h du matin) , ce qui ne m'a pourtant pas empêché de vouloir persévérer afin de trouver, peut-être, la perle rare. Sur laquelle il me semble par ailleurs avoir déjà mis la main il y a quelques années à travers l'excellent Halloween 3. Mais celui-ci n'ayant aucun rapport avec l’œuvre de John Carpenter, et ne voulant surtout pas subir les suites consécutives, j'ai donc porté mon choix sur la vision toute personnelle de Rob Zombie.

La phase narcissique étant arrivée à son terme, entrons désormais dans le vif du sujet. Première différence entre l’œuvre originale et son remake, le choix appliqué par Rob Zombie de revenir en profondeur sur l'enfance de Michael Myers et ne pas se contenter simplement de le montrer en train de tuer sa grande sœur. Le cinéaste décrit l'univers néfaste dans lequel baigne l'enfant. Une histoire personnelle qui fait écho aux faits-divers macabres qui parfois ressurgissent dans les médias lorsque l'on apprend qu'un gamin a pénétré l'enceinte de l’établissement scolaire où il étudie afin d'y dessouder un maximum de ses camarades. Le petit Michael est le souffre-douleur de son beau-père, un alcoolique notoire passant son temps calé dans un fauteuil à regarder des émissions débiles et à boire la bière. Aimante, la mère de l'enfant danse nue dans une boite de strip-tease afin de subvenir aux besoins de sa petite famille également constituée d'une fille plus âgée que Michael et d'une seconde beaucoup plus jeune. Harcelé par deux de ses camarades, le futur tueur en série d'Haddonfield (dont l'un des passes-temps favoris et de torturer les animaux), passe à l'acte sur l'un deux et sur plusieurs membres de sa famille avant d'être jugé et interné dans un hôpital psychiatrique. Rob Zombie dresse un vrai portrait de psychopathe et clôt ainsi une première partie passionnante et idéalement incarnée par l'acteur Daeg Faerch qui dans la peau de Michael Myers enfant est assez stupéfiant.

Cette première partie est également l'occasion de faire connaissance avec le fameux Docteur Sam Loomis de l’œuvre originale, cette fois-ci incarné par le génial Malcom McDowell dont le look tranche avec sa profession. Un individu pas vraiment net qui pourtant laisse envisager sa volonté d'aider le jeune adolescent en perdition. C'est également l'occasion d'assister à la lente séparation entre le corps et l'esprit d'un Michael Myers plongeant dans le mutisme le plus total durant les quinze années précédent sa fuite de l'établissement. Rob Zombie convoque une armada de « guests » mémorables. Au hasard : Danny Trejo dans le rôle du gardien Ismael Cruz, ou Richard Lynch dans celui de Chambers, le principal de l'établissement scolaire. Plus tard, d'autres rejoindront les festivités : Brad Dourif dans le rôle du Shérif Leight Bracket, Dee Wallace Stone dans celui de Cynthia Strode, la mère de l'héroïne Laurie incarnée par Scout Taylor-Compton après Jamie Lee-Curtis, ou encore Ken Foree, le « black » du Zombie de George Romero, Sybil Danning, Bill Moseley, ou enfin Udo Kier. Une belle brochette d'acteurs pour un film qui contrairement à l'oeuvre de John Carpenter ne fait jamais dans l'attentisme et accumule les cadavres. Des meurtres violents, mais pas forcément outranciers en matière d'horreur. Si Scout Taylor-Compton assure son emploi d'héroïne, elle a cependant bien du mal à nous faire oublier l'interprétation de Jamie Lee-Curtis dans la version de 1978.

La partition musicale a quant à elle été confiée à Tyler Bates, ce qui n'empêche pas Rob Zombie de réemployer les plus fameux thèmes composés à l'époque par John Carpenter lui-même. Accompagné par le souffle inquiétant du boogeyman Halloween version 2007 est beaucoup plus nerveux que son ancêtre. Incarné par Tyler Mane, le Michael Myers de cette cuvée est un colosse de plus de deux mètres qui en impose à l'écran. L’œuvre de Rob Zombie s'inscrit également dans un contexte beaucoup plus réaliste en apportant à l’esthétique générale un grain particulier grâce à l'emploi du format 16mm. Le film n'évite pas les sempiternelles scènes de cul, beaucoup plus explicites dans l'acte et dans le verbe que par le passé. Rob Zombie a gagné le pari de dépoussiérer une légende en l'améliorant sous tous ses aspects. Il part ainsi rejoindre les quelques remakes de classiques de l'épouvante ayant eu avant lui l'occasion de faire mieux que les œuvres originales (La Colline a des Yeux de Alexandre Aja l'année précédente). Un excellent slasher...

Melancholia de Lars Von Trier (2011)

Après Antichrist, Lars Von Trier aborde une fois encore la destruction de la cellule familiale. Déjà, dès l'ouverture en forme de prologue, le cinéaste danois utilise les même ficelles esthétiques que deux ans en arrière. Quant à ces quelques secondes très curieuses montrant Charlotte Gainsbourg portant dans ses bras un enfant approximativement du même âge que celui qu'elle perd durant le prologue de Antichrist, cette scène n'est-elle pas le lien qui unit celui-ci à Melancholia qui d'une manière encore plus démonstrative et définitive choisit de mettre en pièces, non plus un homme et une femme, mais l'humanité toute entière ?

Sur un rythme analogue à son œuvre précédente, Lars Von Trier explore encore davantage l'âme humaine, comme si Thomas Vinterberg et son épatant Festen croisaient la route d'une œuvre consacrant la fin de notre monde comme seule issue possible.

Sa galerie de portraits demeure toujours aussi saisissante. Entre une Charlotte Rampling glaciale, peu disposée à faire la joie de sa fille fraîchement mariée. Une jeune épouse angoissée, la superbe Kirsten Dunst (prix d'interprétation au festival de Cannes en2011 pour le rôle de Justine), doutant à chaque instant. Claire, la sœur, l'organisatrice des festivités, la chef d'orchestre d'un bal qui à ses yeux ne doit souffrir d'aucune aspérité. John, l'époux de celle-ci (Kiefer Sutherland), un être compréhensif, riche à millions, qui cache la vérité sur le monstre qui lentement mais sûrement s'apprête à avaler notre planète toute entière. Le jeune marié (Alexander Skarsgard), gentil mais aussi parfois puéril, tellement amoureux qu'il accepte un peu trop facilement les caprices de sa promise.

Et puis il y a le père de Justine (John Hurt). D'une admirable bonté, d'une gentillesse profonde, mais aussi d'une folie douce qui sied bien à ces festivités qui doucement glissent vers le drame. A côtés de lui, Udo Kier et Stellan Skarsgard apparaissent presque normaux. Même si le premier se voile littéralement la face chaque fois qu'il croise le chemin de Justine (ce qui nous quelques micro-scènes franchement tordantes), et que le second se permet d'être d'une immoralité qui confine à la cruauté.

Peu ou pas de musique à part le prélude de Tristan et Iseult de Richard Wagner qui parcourt l'intégralité d'une œuvre qui confond scènes réalistes tournées caméra à l'épaule, et visions dantesque d'une catastrophe en devenir. Visuellement, Melancholia, n'a, comme très souvent avec Lars Von Trier, rien à se reprocher. C'est un sans faute esthétique.

On pourrait croire que j'ai aimé Melancholia. Que je l'ai adoré au delà des mots. Et pourtant, il s'est révélé être une immense déception. Bêtement, je croyais y retrouver la même émotion que celle subie lors du visionnage de son fantastique Breaking The Waves. En réalité, le film m'a laissé aussi froid et perplexe que devant son Dancer in the Dark vanté comme de l'émotion à l'état pur mais qui ne m'a bouleversé que par son profond ennui.

Il y a parfois des choix qui ne s'expliquent pas. Comment peut-on effectivement juger que Melancholia est parfois assommant lorsque l'on estime que dans la carrière de son auteur, des œuvres telles que Element of Crime et Epidemic demeurent parmi ses plus flamboyantes réussites ? Je ne sais pas. Peut-être le film aurait-il mérité d'être nettoyé de quelques dizaines de minutes ? Toujours est-il que Lars Von Trier conserve le don de nous conter des histoires d'une manière fort peu coutumière. Et c'est ce qui fait la force de son œuvre toute entière...

Massacre Allemand à la Tronçonneuse de Christoph Schlingensief (1990)

Allemagne, 3 Octobre 1990. La réunification allemande s'achève enfin dans le pays coupé jusqu'ici en deux. Les allemands de l'est vont enfin pouvoir se mêler à ceux de l'ouest. Mais cette intégration n'est pas du goût de tout le monde. Certains y voient comme l'invasion d'anciens habitants de l'ex République Démocratique Allemande. Et notamment une famille de boucher de l'ancienne République Fédérale Allemande qui va alors systématiquement assassiner ceux qui viennent de l'autre coté du mur...

A peine croyable... Le cinéaste et homme de théâtre allemand Christoph Schlingensief signe avec ce Massacre Allemand à la Tronçonneuse, une œuvre atypique qui ne l'a sans doute pas, à l'époque de sa sortie, réconcilié avec ceux qui ne l'aimaient déjà pas beaucoup. Deuxième volet d'une trilogie sur l'Allemagne initiée par 100 Jahre Adolf Hitler - Die letzte Stunde im Führerbunker et conclue avec Terror 2000 - Intensivstation Deutschland , Das deutsche Kettensägenmassaker, titre original de cet ovni, est mélange absurde de comédie et d'horreur.

Le cruel manque de moyens se fait ressentir tout au long de cette pellicule dont l'une des rares qualité est ce grain typique du 16mm de l'époque. La bande est aussi crasseuse que l'usine où a été tourné ce moyen-métrage qui n'excède pas les une heure et trois minutes. De quoi faire le tour d'une œuvre totalement barge, interprétée par des acteurs et actrices amateurs qui pourtant se donnent corps et âme à ce projet à ranger dans la section nanars. Car si le titre et certains éléments du décor font clairement référence au classique de l'épouvante Massacre à la Tronçonneuse, le film de Christoph Schlingensief n'en a aucune des qualités. C'est mal joué et mal filmé. Les effets-spéciaux sont dignes des travaux d'un amateur et quand au montage, c'est un bordel sans nom.

Et pourtant... le casting s'en donnant à cœur joie dans les cris d'hystérie, on reste devant l'écran à se demander jusqu'où ira le délire du cinéaste allemand et de ses interprètes. On croise la route de l'acteur Udo Kier (The Kingdom) qui n'est visiblement pas là pour alléger la souffrance du spectateur puisqu'il campe lui-même l'un des personnages frappadingue de la famille de bouchers.

Das deutsche Kettensägenmassaker tente vainement de se raccroche au classique dont il s'inspire au travers de personnages aussi azimutés que ceux de Tobe Hooper. Volker Spengler campe un personnage similaire à l'auto-stoppeur de Texas... et Alfred Edel rappelle quand à lui celui du cuistot-garagiste qui dirige la Famille Tronçonneuse. Quand à Karina Fallenstein, elle est la version germanique de Sally Hardesty (l'excellente Marilyn Burns) mais ne parvient jamais à se hisser à la hauteur de celle dont elle s'inspire. Elle apporte en outre tout ou partie des incohérences du scénario. Agressée, humiliée, cela ne l'empêche pas de se coltiner durant un moment avec celui qui vient de tuer son petit ami. Grotesque !

Si vous voulez vous faire une idée précise de l’œuvre de Christoph Schlingensief, disons que Das deutsche Kettensägenmassaker et à mi-chemin entre le classique de Tobe Hooper cité plus haut et le Desperate Living de John Waters. Vous serez prévenus...