Mickey 17 de Bong Joon-ho (2025) - ★★★★★☆☆☆☆☆

 

 

Le réalisateur sud-coréen Bong Joon Ho fait partie de ces cinéastes sur lesquels on peut généralement compter si l'on désire passer un très agréable moment devant un long-métrage pétri de qualités. Prouvant ainsi durant une bonne partie de sa carrière qu'il fut capable d'aligner des œuvres parfaitement maîtrisées (Memories of Murder, Mother, Snowpiercer), allant même jusqu'à conquérir les États-Unis et le monde entier en remportant une foule de prix comme l'Oscar du meilleur film, du meilleur scénario ou du meilleur réalisateur aux Oscars 2020 ou bien la Palme d'Or au festival de Cannes un an auparavant pour Parasite. Entre 2019 et 2025, c'est le silence radio dans les salles de cinéma. Six années au cours desquelles le cinéaste participe malgré tout à l'élaboration de quarante et un épisodes de la série Snowpiercer adaptée de son propre long-métrage réalisé quant à lui en 2013. C'est donc avec une joie non mesurée qu'était attendu son Mickey 13 qui, sans vouloir faire la nique en comparant sa sortie avec celle de la nouvelle version de Blanche-Neige était un moyen parfaitement tronqué d'aller voir une œuvre portant le nom de l'un des plus illustres personnages créés par Walt Disney ! Sauf qu'ici, celui incarné par Robert Pattinson n'a rien d'une grande et joviale souris au pantalon rouge et court et aux grandes oreilles noires mais affiche plutôt un air bêta, naïf et donc forcément attachant ! C'est vrai, quoi. Celui que l'on ne cesse généralement de comparer au rôle qu'il tint durant la quintologie Twilight est ici présent derrière le masque d'un jeune homme qui ne semble pas vraiment avoir sa place dans un monde futuriste situant son action en 2054. Fuyant les emmerdes qu'il a contracté sur Terre après avoir suivi les conseils plus ou moins avisés de son seul et donc meilleur ami Timo (l'acteur Steven Yeun, devenu mondialement célèbre grâce au rôle de Glenn Rhee dans la série The Walking Dead entre 2010 et 2016), Mickey a pour projet de faire partie du prochain équipage à destination de la planète glacée Niflheim. Mais nombreux sont les candidats et pour être bien certain d'en faire partie, le jeune homme accepte de signer un contrat de travail dans lequel il sera employé en tant que ''Remplaçable''. Sachant par là même qu'il servira désormais de cobaye lors de missions dangereuses (comme celle de tester l'atmosphère de la planète Niflheim à l’atterrissage du vaisseau, par exemple). Mais alors qu'il mettra son existence en danger, une technologie future permettra de le réimprimer. Sorte de clonage en mode 2.0 qui semble avoir été très fortement inspiré par la technologie consistant à employer les imprimantes 3D.

Sauf qu'ici il s'agit bien d'un individu dont on a conservé la mémoire, laquelle est directement réinjecté dans le cerveau du nouveau Mickey qui vient alors prendre la place du précédent. L'on comprend alors le sens du titre Mickey 17. Énième itération d'un individu qui croisera pour l'occasion, son clone nommé Mickey 18 alors que tout le monde est persuadé qu'il est mort lors d'une chute dans une crevasse à la surface de Niflheim. Message plus ou moins grossier visant directement le président américain Donald Trump (Mark Ruffalo incarne un Kenneth Marshall très caricatural allant sans doute dans ce sens), Mickey 17 se veut non seulement être une comédie de science-fiction mais aussi une critique acerbe de la politique américaine. Dans sa grande générosité, Bong Joon-ho adapte le roman éponyme d'Edward Ashton sorti trois ans plus tôt et fourre dans son œuvre tout ce qui lui passe par la tête. De quoi, sans doute, justifier la durée du long-métrage qui approche les cent-quarante minutes. Ce qui en soit n'est pas un exploit vu que de nos jours, certains films côtoient sans complexe les trois heures ! Un film long, donc, mais aussi et surtout, malheureusement, assez pénible à suivre jusqu'à son terme. Car si l'entrée en matière est plutôt sympathique et laisse transparaître une œuvre ambitieuse, divertissante et bourrées de bonnes intentions, le résultats n'est pas du tout à la hauteur. Le problème étant justement que le réalisateur sud-corén en fait beaucoup trop ! Chargeant la mule jusqu'au ras de la gueule, l'indigestion est assurée. Dans un univers grisâtre qui peut parfois rappeler celui du chef-d’œuvre de Terry Gilliam, Brazil, les décors de Fiona Crombie n'en sont pas pour autant tout aussi remarquables. C'est terne, triste, répétitif et donc peu engageant. Les effets-spéciaux sont tout juste corrects et rappellent parfois ceux de Okja que réalisa justement Bong Joon-ho en 2017. Ses rampants semblant provenir d'un film d'animation pour enfants, Mickey 17 ne risque pas d'effrayer grand monde. Comme il ne prend pas davantage le risque de faire rire lors d'un récit où notre héros rencontre l'amour tant l’œuvre se disperse à travers des situations et des lignes de dialogue inintéressantes au possible. Bref, le film est une grosse déception qui coche toutes les cases de l’œuvre stérile dénuée de toute charge émotionnelle. Reste pourtant la formidable partition du compositeur sud-coréen Jung Jae-il qui après sa participation à Parasite signe ici une œuvre souvent magnifique...

 

Juré n°2 de Clint Eastwood (2024) - ★★★★★★★☆☆☆

 

 

S'il lui est arrivé de rater certaines de ses entreprises personnelles qu'il s'était fixé ou de manquer terriblement d'inspiration (Au-delà en 2010, Le 15h17 pour Paris en 2018), Clint Eastwood a de manière générale réussi tout ce qu'il a entreprit. Qu'il s'agisse de l'acteur ou du réalisateur, le public n'oubliera sans doute jamais sa réinterprétation du héros dans les westerns spaghetti qu'il forgea entre 1964 et 1966 aux côtés du cinéaste italien Sergio Leone avec la Trilogie du Dollar ou lorsqu'il le réinventa lui-même à travers quelques grands classiques du genre, tels L'homme des hautes plaines en 1973, Pale Rider, le cavalier solitaire en 1985 ou encore Impitoyable en 1992. Sans oublier ceux qui participèrent au grand dépoussiérage de l'un des mythes de l'Ouest américain (Ted Post, Don Siegel). Taxé de racisme, mais également de misogynie après la série de longs-métrages Dirty Harry mettant en scène le fameux inspecteur Harry Callahan. Prouvant tout le contraire avec le magnifique et bouleversant Sur la route de Madison en 1995. Comédies, films d'action, de guerre, de science-fiction, Clint Eastwood a touché à tout. Même au film d'épouvante en 1971 avec l'excellent Un frisson dans la nuit dans lequel son personnage était aux prises avec une ''groupie'' particulièrement récalcitrante ! Depuis, il n'a jamais cessé de tourner. Devant et derrière la caméra. Dénonçant ainsi ponctuellement les failles de la justice américaine comme il le fit notamment en 1997 avec Les pleins pouvoirs dans lequel Gene Hackman incarnait un président des États-Unis d'Amérique homicide qui de par son statut devenait ainsi intouchable ou deux ans plus tard avec Jugé coupable dans lequel le personnage incarné par Clint Eastwood enquêtait sur la culpabilité ou non d'un jeune noir condamné à mort. Son dernier long-métrage en tant que réalisateur est une nouvelle œuvre à charge où tout le monde en prend pour son grade. La politique, la justice, les autorités et même de simples citoyens vont être passés à la moulinette d'un long-métrage qui n'est pas sans rappeler le chef-d’œuvre que réalisa en 1962, le cinéaste français Georges Lautner, Le Septième juré. Dans cette œuvre remarquablement interprétée par Bernard Blier, l'acteur incarnait en effet le personnage d'un pharmacien du nom de Grégoire Duval qui après avoir commis un assassinat se retrouvait parmi les jurés lors d'un procès durant lequel était donc jugé un innocent. Plus de soixante ans plus tard, Juré n°2 fait écho de manière glaçante à ce classique du cinéma français.

Et bien que le récit se déroule à des milliers de kilomètres de celle qui jugea un innocent et que des décennies séparent ces deux longs-métrages, l'on remarquera que rien n'a vraiment changé. Avec toute la sobriété qui caractérise Clint Eastwood, ce dernier met en scène une œuvre forte en émotions puisqu'il oppose un homme marié et futur père à un véritable cas de conscience. Moralement, la justice doit passer par l'aveu. Mais à quel prix ? Sacrifier sa propre existence ainsi que celle de son épouse et de leur futur bébé ? Et pourquoi ? Pour un individu qui de toute manière ne semble jamais avoir rien fait de bien dans sa vie ? L'on observe d'ailleurs à ce sujet que les avis sont parfois bien tranchés. Entre la police qui n'a fait qu'enquêter à charge contre ce suspect idéal (Gabriel Basso dans le rôle de James Michael Sythe), la procureure adjointe Faith Killebrew (Toni Collette) qui assure l'accusation lors du procès et espère le gagner afin d'obtenir un poste de Procureur de district, ou bien les jurés dont certains se sont rapidement fait une idée sur la culpabilité ou non de l'accusé quand d'autres veulent tout simplement écourter les délibérations pour retrouver leur vie de simples citoyens. Que l'homme soit coupable ou non, le problème est ailleurs. Film de procès, Juré n°2 est également un excellent thriller dans lequel Nicholas Hoult incarne un Justin Kemp qui se décompose littéralement devant la caméra face aux enjeux terribles qui assaillent son personnage. Ancien alcoolique qui aux côtés d'Allison (Zoey Deutch) espère que sa grossesse arrivera à terme après qu'ils aient vécu un drame terrible (la perte de jumeaux). Clint Eastwood joue avec certains détails. Comme l'observation lors d'une fatidique nuit pluvieuse d'un fossé où une femme a été retrouvée morte le lendemain. Le réalisateur laissant planer le doute en filmant un trou sombre d'où aucun indice visuel ne s'échappe. Confirmant ce que pense le personnage central du récit : qu'il dû ce jour là renverser un cerf qui ensuite pris la fuite. Un moyen de se dédouaner et de passer à autre chose jusqu'au jour où tout lui est renvoyé en pleine figure. Clint Eastwood a l'intelligence de ne pas se laisser aller à des débordements et signe une œuvre trouble, sensible et parfois émotionnellement difficile à encaisser. Si la sobriété de sa mise en scène et la modération avec laquelle le compositeur Mark Mancina a écrit la bande musicale participent de cette déflagration qu'évoque une éventuelle erreur judiciaire, le film est surtout porté par d'excellents interprètes parmi lesquels l'on ajoutera J.K.Simmons, Chris Messina, Kiefer Sutherland et celles et ceux qui incarnent autour de Nicholas Hoult les autres jurés. Leslie Bibb, Adrienne C. Moore, Cedric Yarbrough et les autres...

 

Imperium de Daniel Ragussis (2016) - ★★★☆☆☆☆☆☆☆

La signification du mot Imperium remonte à l'époque de la Rome Antique et signifie le pouvoir absolu détenu par l'empereur. Dans le cas présent, l'emploi de ce terme dans le titre du premier long-métrage de Daniel Ragussis, producteur et auteur avant ça de plusieurs courts-métrages, signifie celui de la race blanche dite aryenne et s'avère être le titre d'un ouvrage sur lequel travaillera le jeune agent du FBI Nate Foster afin d''intégrer un groupuscule néo-nazi constitué de suprémacistes blancs. D'abord réticent, le jeune homme accepte cette périlleuse mission mais doit d'abord apprendre à se comporter tel l'un de ses membres. C'est donc aux côtés de l'agent Angela Zamparo (l'actrice Toni Collette) qu'il va inlassablement répéter des phrases par cœur constituant le parcours personnel et fictif du personnage qu'il devra incarner auprès de ses futurs et nouveaux ''compagnons''...

Les films traitant du néo-nazisme sous toutes ses formes sont légions, mais ceux qui abordent ce délicat sujet sous un angle véritablement sérieux sont plus rares. À titre d'exemple, on pense notamment à American History X de Tony Kaye réalisé en 1998, ou à La Main Droite du Diable de Costas Gavras qui lui, traitait plus spécifiquement d'une formation d'extrême-droite parmi des paysans du Midwest apparentée au célèbre Ku Kux Klan (KKK). Imperium semble donc être à ce jour le dernier long-métrage à oser s'attaquer à un sujet particulièrement sulfureux. Pourtant, plutôt que le brûlot auquel le public aurait pu s'attendre, le film de Daniel Ragussis, dont le réalisateur a signé l'écriture du scénario en compagnie de Michael German, est loin d'être aussi passionnant et dérangeant qu'il aurait dû être. Sans doute le réalisateur aurait-il dû commencer sa carrière en optant pour un sujet moins fort et plus simple à mettre en scène car Imperium est perclus de défauts rédhibitoires.

Si l'emploi de Daniel Radcliffe dans le rôle principal n'est pas une mauvais idée en soit, l'acteur ne semble pas encore véritablement taillé pour interpréter ce genre de personnage. Et le fait qu'il ait rasé son crâne ou qu'il porte assez bien le ''costume'' du néo-nazi n'y change rien. Mais la faute n'est très certainement pas à mettre sur le dos de l'acteur rendu célèbre pour son rôle éponyme de Harry Potter. L'acteur qui s'est depuis affranchi de ce personnage pour interpréter des individus qui sortent parfois de l'ordinaire (il incarne le Diable dans Horns d'Alexandre Aja et un cadavre ''pétomane'' durant l'intégralité de Swiss Army Man de Dan Kwan et Daniel Scheinert) a beau donner du cœur à l'ouvrage, on a du mal à croire à cette histoire apparemment tirée d'un fait divers réel dans laquelle son personnage intègre donc un groupuscule néo-nazi afin de contrer un plan visant à fabriquer une bombe radioaxtive. D'abord, et cela n'a par contre rien à voir avec les éventuels défauts de la mise en scène ou de l'interprétation, mais Imperium s'avérera sans doute plus confortable à découvrir dans sa langue originale car le doublage effectué sur les principaux protagonistes Daniel Radcliffe et Toni Collette est tout simplement désastreux. Simon Praat et Isabelle Bechstein possèdent un timbre insupportable qui empêchent le spectateur de s'immerger totalement dans le récit.

Un récit qui d'ailleurs manque de profondeur (mon dieu, ce que le scénario peut être simpliste !!!) et qui dénote de l'incapacité du réalisateur à diriger ses interprètes malgré la fatuité du scénario. De plus, et là encore, le problème n'est pas à mettre sur le compte de Daniel Radcliffe, mais divers éléments empêchent de croire à ce récit. À commencer par le peu de charisme du personnage de Nate Foster. Un gringalet, peu sûr de lui, tremblant chaque fois que lui en est donnée l'occasion, incapable de montrer la moindre assurance, bref, le genre de responsabilité qu'on verrait plutôt confiée à un homme d'expérience. De plus, son intégration parmi les membres de suprémacistes blancs s'effectue de manière beaucoup trop rapide et irréaliste alors qu'il semble honorable d'imaginer qu'il lui faudrait passer des tests afin de montrer son engagement envers eux. Non, quelques phrases prononcées lors de sa première rencontre avec l'un des chefs du groupuscule suffiront malgré la méfiance de l'un d'eux. D'ailleurs, à propos de méfiance, alors que tout semble joué pour le héros, apparemment ''découvert'' par le membre d'un second groupuscule, Nate Foster s'en sort miraculeusement grâce à une pirouette absolument invraisemblable. Le genre dont il bénéficie d'ailleurs à plusieurs occasions, le film frôlant ainsi parfois le ridicule. Du piètre intérêt qu'offre Imperium demeure pourtant une certaine vision des groupuscules néo-nazi. À part cela, le film de Daniel Ragussis est absolument indigeste...

Hérédité de Ari Aster (2018) - ★★★★★★☆☆☆☆

Bon, par où commencer... Aborder Hérédité, premier long-métrage du réalisateur et scénariste américain Ari Aster n'est pas chose aisée. Surtout à la lecture des nombreuses louanges qui furent proférées au sujet de ce film bien avant qu'il ne sorte sur les écrans. Inutile de tourner autour du pot durant des heures : Hérédité est une œuvre horrifique dans l'air du temps, reposant sur une base saine faite de nombreuses références que son auteur a parfaitement su digérer. Pour autant, si l’œuvre de Ari Aster brille d'une forme parfois peu conventionnelle (l'étrange demeure de la famille Graham est très vite assimilée à la représentation grandeur nature des maquettes construites par la mère de famille), le fond, lui, reste inchangé. Se dispersant dans divers genres tels le fantastique, l'horreur, l'épouvante et le drame, c'est sous ce dernier aspect que le film gagne ses gallons d’œuvre glaçante. Car plus que l'évocation de ses fantômes (on parle là d'esprits, d'ectoplasmes), et des rites sataniques, Hérédité gagne surtout à être connu pour la destruction du cercle familial qui découle d'un passé sulfureux contenu dans le titre du film.

Quelques sources d'inspiration officielles ayant servi de base à Ari Aster sont évidentes : Rosemary's baby de Roman Polanski, ou Carrie au Bal du Diable de Brian de Palma. D'autres le sont peut-être un peu moins : Le Cuisinier, le Voleur, sa Femme et son Amant de Peter Greenaway. On pourrait également y ajouter cette petite merveille méconnue qu'est The Believers de John Schlesinger. Ou n'importe quel film d'épouvante actuel, américain ou japonais, convoquant moult fantômes à l'esprit mauvais.

En choisissant d'étirer son œuvre au delà des deux heures, le cinéaste prend le risque de perdre une partie de son audience. Celle qui veut qu'on la plonge directement dans le vif du sujet sans qu'aucune caractérisation des personnages ne lui soit imposée. Un moyen simple et très efficace de proposer des produits artistiquement pauvres, l'équivalent de la malbouffe ou de la musique fast-food. Sauf qu'Ari Aster est beaucoup plus intelligent que ça. S'il veut marquer les esprits, il lui faut rendre ses personnages plus attachants que dans n'importe quel petit film d'horreur, pour que la mort de tel ou tel protagoniste dérange le spectateur. Malheureusement, il serait honnête de reconnaître que le cinéaste rate un peu son effet. La présence étonnante de l'acteur irlandais Gabriel Byrne y étant trop longtemps anecdotique, sa disparition est en totale contradiction avec le sort qui lui est alloué : en bref, elle laisse le spectateur totalement froid, hermétique, indifférent.

Sous la forme d'un précipité chimique qu'il aura eu du mal à maintenir dans sa forme initiale, le film de Ari Aster n'est au final qu'un concentré d'influences dont le climat oppressant demeure la seule donnée valable à terme. Si le film tient debout, s'il évite au spectateur de fermer les yeux de sommeil, c'est en revanche grâce à l'impeccable incarnation de ses quatre principaux acteurs. Nous ne reviendrons pas sur Gabriel Byrne, à mon avis sous exploité, pour nous pencher sur les personnages interprétés par Alex Wolff (Peter), la jeune et incroyable Milly Shapiro (Charlie), mais aussi et surtout Toni Collette qui personnifie à merveille les tensions qui demeurent dans sa famille. A décharge pour le cinéaste, on reconnaîtra à Ari Aster, cette grande qualité consistant à balancer son œuvre entre réel et fantastique. Si certains éléments viennent définitivement rassurer le spectateur sur le bien fondé des visions ectoplasmiques auxquelles il assiste, il n'est pas rare que l'on se demande dans quelle mesure tout ne serait pas que l'expression physique de troubles mentaux hérités d'une ancêtre dont l'enterrement ouvre les hostilités.

Le saxophoniste américain Colin Stetson signe à l'occasion du film, une bande-son angoissante. C'est d'ailleurs sur la présence de celle-ci que repose une très grande partie du sentiment d'épouvante. Ôtez-là, et il ne reste effectivement pas grand chose aux amateurs d'épouvante (et je ne parle pas de cette fausse peur générée par de lourdingues gimmicks du genre, 'jump scare') à se mettre sous la dent. Et puis, tant qu'à user de références, ceux qui voudraient ressentir un réel sentiment de peur et d'angoisse devraient se tourner vers la trilogie de l'appartement que tourna Roman Polanski, justement, entre 1965 et 1976, plutôt que vers cette vague de faux films d'épouvante qui pullulent désormais sur grand écran et dont, malheureusement, le public se satisfait grandement...