Mickey 17 de Bong Joon-ho (2025) - ★★★★★☆☆☆☆☆

 

 

Le réalisateur sud-coréen Bong Joon Ho fait partie de ces cinéastes sur lesquels on peut généralement compter si l'on désire passer un très agréable moment devant un long-métrage pétri de qualités. Prouvant ainsi durant une bonne partie de sa carrière qu'il fut capable d'aligner des œuvres parfaitement maîtrisées (Memories of Murder, Mother, Snowpiercer), allant même jusqu'à conquérir les États-Unis et le monde entier en remportant une foule de prix comme l'Oscar du meilleur film, du meilleur scénario ou du meilleur réalisateur aux Oscars 2020 ou bien la Palme d'Or au festival de Cannes un an auparavant pour Parasite. Entre 2019 et 2025, c'est le silence radio dans les salles de cinéma. Six années au cours desquelles le cinéaste participe malgré tout à l'élaboration de quarante et un épisodes de la série Snowpiercer adaptée de son propre long-métrage réalisé quant à lui en 2013. C'est donc avec une joie non mesurée qu'était attendu son Mickey 13 qui, sans vouloir faire la nique en comparant sa sortie avec celle de la nouvelle version de Blanche-Neige était un moyen parfaitement tronqué d'aller voir une œuvre portant le nom de l'un des plus illustres personnages créés par Walt Disney ! Sauf qu'ici, celui incarné par Robert Pattinson n'a rien d'une grande et joviale souris au pantalon rouge et court et aux grandes oreilles noires mais affiche plutôt un air bêta, naïf et donc forcément attachant ! C'est vrai, quoi. Celui que l'on ne cesse généralement de comparer au rôle qu'il tint durant la quintologie Twilight est ici présent derrière le masque d'un jeune homme qui ne semble pas vraiment avoir sa place dans un monde futuriste situant son action en 2054. Fuyant les emmerdes qu'il a contracté sur Terre après avoir suivi les conseils plus ou moins avisés de son seul et donc meilleur ami Timo (l'acteur Steven Yeun, devenu mondialement célèbre grâce au rôle de Glenn Rhee dans la série The Walking Dead entre 2010 et 2016), Mickey a pour projet de faire partie du prochain équipage à destination de la planète glacée Niflheim. Mais nombreux sont les candidats et pour être bien certain d'en faire partie, le jeune homme accepte de signer un contrat de travail dans lequel il sera employé en tant que ''Remplaçable''. Sachant par là même qu'il servira désormais de cobaye lors de missions dangereuses (comme celle de tester l'atmosphère de la planète Niflheim à l’atterrissage du vaisseau, par exemple). Mais alors qu'il mettra son existence en danger, une technologie future permettra de le réimprimer. Sorte de clonage en mode 2.0 qui semble avoir été très fortement inspiré par la technologie consistant à employer les imprimantes 3D.

Sauf qu'ici il s'agit bien d'un individu dont on a conservé la mémoire, laquelle est directement réinjecté dans le cerveau du nouveau Mickey qui vient alors prendre la place du précédent. L'on comprend alors le sens du titre Mickey 17. Énième itération d'un individu qui croisera pour l'occasion, son clone nommé Mickey 18 alors que tout le monde est persuadé qu'il est mort lors d'une chute dans une crevasse à la surface de Niflheim. Message plus ou moins grossier visant directement le président américain Donald Trump (Mark Ruffalo incarne un Kenneth Marshall très caricatural allant sans doute dans ce sens), Mickey 17 se veut non seulement être une comédie de science-fiction mais aussi une critique acerbe de la politique américaine. Dans sa grande générosité, Bong Joon-ho adapte le roman éponyme d'Edward Ashton sorti trois ans plus tôt et fourre dans son œuvre tout ce qui lui passe par la tête. De quoi, sans doute, justifier la durée du long-métrage qui approche les cent-quarante minutes. Ce qui en soit n'est pas un exploit vu que de nos jours, certains films côtoient sans complexe les trois heures ! Un film long, donc, mais aussi et surtout, malheureusement, assez pénible à suivre jusqu'à son terme. Car si l'entrée en matière est plutôt sympathique et laisse transparaître une œuvre ambitieuse, divertissante et bourrées de bonnes intentions, le résultats n'est pas du tout à la hauteur. Le problème étant justement que le réalisateur sud-corén en fait beaucoup trop ! Chargeant la mule jusqu'au ras de la gueule, l'indigestion est assurée. Dans un univers grisâtre qui peut parfois rappeler celui du chef-d’œuvre de Terry Gilliam, Brazil, les décors de Fiona Crombie n'en sont pas pour autant tout aussi remarquables. C'est terne, triste, répétitif et donc peu engageant. Les effets-spéciaux sont tout juste corrects et rappellent parfois ceux de Okja que réalisa justement Bong Joon-ho en 2017. Ses rampants semblant provenir d'un film d'animation pour enfants, Mickey 17 ne risque pas d'effrayer grand monde. Comme il ne prend pas davantage le risque de faire rire lors d'un récit où notre héros rencontre l'amour tant l’œuvre se disperse à travers des situations et des lignes de dialogue inintéressantes au possible. Bref, le film est une grosse déception qui coche toutes les cases de l’œuvre stérile dénuée de toute charge émotionnelle. Reste pourtant la formidable partition du compositeur sud-coréen Jung Jae-il qui après sa participation à Parasite signe ici une œuvre souvent magnifique...

 

Les Crimes de Snowtown de Justin Kurzel (2011) - ★★★★★★★★☆☆

 

 

Clifton Tresize, Ray Davies, Suzanne Allen, Michael Gardiner, Barry Lane, Thomas Trevilyan, Gavin Porter, Troy Youde, Frederik Brooks, Gary O'Dwyer, Elizabeth Haydon, David Johnson. Deux femmes et dix hommes. Douze noms qui ne vous dirons sans doute pas grand chose mais qui regroupent les victimes du plus grand tueur en série qu'ait connue l'Australie. Des meurtres qui débutèrent au mois d'août de l'année 1992 et qui prirent fin en septembre 1999. Assisté de James Vlassakis, Robert Wagner et Mark Haydon, John Justin Bunting s'est donc rendu coupable de nombreux assassinats qui pour une grande majorité eurent pour point commun la pédophilie, l'homosexualité ou les handicaps mentaux de la plupart de ses victimes. Les Crimes de Snowtown de Justin Kurzel est donc inspiré d'un authentique fait-divers survenu en Australie dans le courant des années quatre-vingt dix mais ne fait pas que s'inspirer vaguement de l'affaire puisque ceux qui connaissent cette sordide histoire découvriront bien vite des séquences qui se réfèrent directement à certains lieux ayant réellement existé. Situant l'action à Adélaïde, capitale de l'Australie-méridionale, le film met en scène l'acteur Daniel Henshall qui dans le rôle de John Bunting incarne un tueur psychopathe particulièrement sadique dont le charisme va très rapidement séduire le jeune James Vlassakis (Lucas Pittaway)...

Enfant sans père qui vit avec sa mère et qui face à l'extraordinaire aura que dégage ce nouveau venu dans la famille va se laisser lentement mais sûrement glisser sur la monstrueuse pente du meurtre à répétition. Filmé et cadré comme n'importe quel film estampillé ''indépendant'', c'est avec d'infinies précautions et après s'être assuré d'avoir l'estomac bien accroché qu'il conviendra de se lancer dans la projection de ces Crimes de Snowtown qui n'empêchera pas même le plus endurci des spectateurs d'éprouver une gêne profonde lors de l'un des actes meurtriers les plus insoutenables ayant vu le jour sur grand écran. Bénéficiant d'un grain et de tonalités très particuliers, le long-métrage de Justin Kurzel renvoie littéralement une œuvre comme le pourtant dérangeant Henry Portrait of a Serial Killer de John McNaughton au rang de bluette pour adolescents en mal de sensations. En tant que spectateur, il y a d'ailleurs plusieurs manières d'aborder l'acte meurtrier en lui-même. Véritable repoussoir pour quiconque ne s'y est pas préparé, la séquence de la baignoire sera sans doute considérée par certains comme du voyeurisme de bas étage ne nourrissant au fond que le désir sadique des spectateurs avides de sensationnel. Mais il est aussi et surtout possible de regarder, ou plutôt de subir, cette interminable scène de torture avec l’œil de celui qui veut comprendre...

L'on objectera d'ailleurs que la séquence, plus que de révéler la monstruosité du beau-père/tueur en série John Justin Bunting, servira en fait d'initiation à un Jamie jusqu'alors totalement paralysé devant le monde qui s'ouvre à lui. Le réalisateur fait ici ''son Brian de Palma'' en reproduisant en partie le concept de la scène de la tronçonneuse en hors-champ du génial Scarface puisque l'on y découvre un adolescent dès lors hanté par le spectacle auquel il est contraint d'assister. À ce titre, le regard de Lucas Pittaway se suffisait sans doute à lui seul tant l'acteur parvient à rendre avec une extraordinaire crédibilité l'horreur du meurtre auquel il est en train de participer. Véritable objet de répulsion qui n'a que peu d'équivalent autrement que dans d'authentiques faits-divers, la scène ne doit surtout pas faire oublier que Les Crimes de Snowtown repose avant tout autre chose sur l'interprétation de ses principaux protagonistes. Daniel Henshall est juste flippant, entre calme et coups de colère. Le film décrit un univers en totale déliquescence, laissé à l'abandon des pédophiles (le film s'ouvre d'ailleurs sur une scène assez troublante), des héroïnomanes, des travestis, des homosexuels ou des handicapés mentaux. Brefs, des individus dont le tueur ne fait aucune distinction, leur vouant une haine sans limites, happant dans son projet de mort des partenaires qui comme lui finiront sans doute leurs jours en prison. Dépressif (les couleurs ternes, la bande-musicale de Jed Kurzel qui n'est autre que le frère du réalisateur), choquant, malsain, amoral mais remarquable de maîtrise pour un premier long-métrage, Les Crimes de Snowtown est une œuvre qui marque profondément les esprits. À ne tout de même pas mettre entre toutes les mains...

 

The Babadook de Jennifer Kent (2014) - ★★★★★★★★☆☆

Il aura fallut huit ans et une critique plutôt élogieuse dénichée sur Youtube pour que je me décide à visionner enfin The Babadook, premier long-métrage de la réalisatrice et scénariste australienne Jennifer Kent, ''nouvelle'' venue dans le monde de l'épouvante et du fantastique avec ce qui demeurera sans doute comme l'un des plus brillants exercices de style en la matière à avoir vu le jour en 2014. Pourquoi tant d'années ? Parce qu''avec son titre et son affiche, allez savoir pourquoi, je m'étais mis en tête que The Babadook ne devait être rien de plus qu'un ersatz de Candyman, voire du personnage imaginaire Zé do Caixão, un individu parcourant une quinzaine de longs-métrages brésiliens réalisés entre 1963 et 2008 par le réalisateur José Mojica Marins et dont À minuit je posséderais ton âme et Cette nuit je m'incarnerai dans ton cadavre demeurent très objectivement considérés comme cultes par les amateurs de fantastique dans le monde entier. Sauf que The Babadook n'a lui, aucun rapport. Ou si peu. À dire vrai, tout ici découle de la relation qu'entretiennent une mère et son fils ainsi que de la découverte d'un ouvrage renfermant des contes fantastiques nommés sous le titre de Mister Babadook. Réalisé par une femme, avec sans doute, sa propre sensibilité de mère, ce premier long-métrage est une œuvre horrifique brillante mêlant avec justesse le drame et l'épouvante. Le contexte est en effet très particulier puisque Amelia (époustouflante Essie Davis) élève seule son fils Samuel (excellent Noah Wiseman), âgé de sept ans et né le jour où son père est mort (celui-ci perdit en effet la vie en accompagnant son épouse à l’hôpital). D'où une relation particulièrement délicate entre l'enfant et sa mère, celle-ci n'ayant jamais vraiment fait preuve d'amour envers celui qui causa indirectement la mort de celui qu'elle aimait...

The Babadook joue d'ailleurs sur le double tableau de la relation entre la mère et le fils (que l'on décriera instantanément d'un ''tantinet'' turbulent... pour rester poli !) et la présence d'une entité hostile qui s'est invitée chez eux le jour où découvrant l'ouvrage en question, Samuel demande à sa mère de lui en raconter une histoire. Débute alors une œuvre profondément émouvante décrivant l'incapacité d'une mère à gérer ses propres sentiments ainsi que les crises intempestives de son fils qui peu à peu, les éloigne tous les deux de toute vie sociale (leurs proches ne veulent plus les côtoyer tandis que le jeune garçon est renvoyé de son école). Vivant quasiment reclus à l'intérieur de leur maison, ils reçoivent régulièrement les visites nocturnes d'une ''créature'' de nature particulièrement belliqueuse qui, apparemment, désir jouer avec la mère et son enfant. Plutôt que de jouer sur l'unique schéma de la maison hantée ou de l'esprit de l'un de ses occupants possédé par un démon, la réalisatrice australienne confond l'approche fantastique avec l'élément psychologique et nous perd ainsi dans un labyrinthe de questionnements. Un peu à la manière du Locataire de Roman Polanski où l'enfermement était le signe d'une psychose profonde de la part du petit émigré polonais interprété par le réalisateur lui-même presque quarante-ans en arrière. Les limites entre le réel et l'imaginaire sont ici parfois difficiles à cerner et il faudra attendre bien plus tard pour que s'affiche à l'image une séquence répondant à nos attentes.

Mais d'ici là, Jennifer Kent signe une œuvre esthétiquement magistrale. Entre l’expressionnisme allemand qui ne s'affiche pas qu'en fond d'écran mais aussi devant les yeux ébahis de nos deux héros à travers cet ouvrage que l'on considérera immédiatement de maléfique. À ce titre, les quelques séquences ''animées'' en noir et blanc s'avèrent remarquables et s'intègrent parfaitement à l'intrigue. Les deux principaux interprètes sont plus que convaincants mais n'effacent cependant pas quelques seconds rôles. Comme la voisine atteinte de la maladie de Parkinson (l'actrice Barbara West dont les débuts de carrière remontent tout de même à 1955 avec sa participation à la série télévisée Medic diffusée à l'époque sur le groupe audiovisuel américain NBC). En jouant sur les deux tableaux évoqués plus haut, la réalisatrice opère en outre comme une sorte d'effet miroir horrifique dans lequel la présence supposée du Babadook sert de catalyseur aux angoisses de la mère et de son fils. Véritable film de peur, s'il n'est pas assuré que l'on hurle devant son poste de télévision, le film est cependant d'une qualité visuelle mémorable. D'une noirceur presque insondable si l'on omet le fait que Jennifer Kent ait tout de même choisi une fin plus ou moins heureuse. Parmi les nominations et les récompenses que le film obtint l'année de sa sortie, il remporta quatre prix au Festival international du film fantastique de Gérardmer 2014 : celui du jury, du jury jeune, du public ainsi que celui de la critique...