Bécassine de Bruno Podalydès (2018) - ★★★★★★★☆☆☆

Nous n'attendions pas vraiment le dernier long-métrage de Bruno Podalydès au tournant, lui qui ne nous a jamais déçu jusqu'ici. De son avant dernier film Comme un Avion sorti trois ans auparavant, nous avions conservé un excellent souvenir. Une œuvre fantaisiste brillant par sa simplicité, qui avait su nous charmer. Affirmer que nous n'avons pas ressenti la moindre appréhension devant le titre de son dernier bébé serait mentir. Bécassine, cette bande dessinée créée par l'écrivain(e) Jacqueline Rivière et le dessinateur Émile-Joseph-Porphyre Pinchon il y a plus d'un siècle avait de quoi nous interloquer. Son physique ingrat, et son importante niaiserie font donc de ce personnage un peu vieillot, le sujet du nouveau film de Bruno Podalydès qui une fois encore, confie l'un des rôles à son frère Denis. Le personnage de Bécassine est quant à lui confié à l'actrice Émeline Bayart dont la carrière au cinéma compte une quinzaine de longs-métrages. Davantage habituée des planches de théâtre où elle officie très régulièrement depuis le début du siècle, l'actrice incarne donc ce personnage haut en couleur immédiatement identifiable grâce au costume qu'elle porte en permanence : une robe verte, ainsi qu'un tablier et une coiffe de couleur blanche.

Le récit débute alors que Bécassine n'est qu'une très jeune enfant. Vivant avec père et mère dans une ferme bretonne, elle s'ennuie très vite. Elle peut malgré tout compter sur la gentillesse de son seul véritable « ami », l'oncle Corentin (Michel Vuillermoz). Le rêve de Bécassine est de monter sur Paris. C'est lorsqu'elle atteint l'âge adulte qu'elle décide de prendre son baluchon et de monter vers la capitale. Mais en chemin, elle croise la route de la Marquise de Grand-Air et de son prétendant Adelbert Proey-Minans. Alors qu'ils viennent de congédier la nourrisse de leur petite Loulotte (qui sera interprétée plus tard par la jeune Maya Compagnie), la jeune (rebelle et garçon manqué) Marie Quillouch (Vimala Pons qui incarnait déjà un rôle important dans le précédent long-métrage de Bruno Podalydès), la marquise propose à Bécassine de les accompagner jusqu'au Château et de s'occuper de la petite...

Voici donc comment débute à peu de chose près l'aventure de l'héroïne de bande dessinée, et ce qui frappe tout d'abord, c'est le soin apporté aux décors. Œuvre du décorateur français Wouter Zoon, lequel a travaillé pour des cinéastes aussi divers que François Ozon, Pascal Bonitzer et Ari Kaurismäki, le travail accompli est remarquable. Il n'est pas rare que l'on ressente l'impression d'être placé devant des œuvres picturales auxquelles aurait donné vie Wouter Zoon par on ne sait quel miracle. Ensuite, plus que l'humour (qui ne génère finalement que des rires très sporadiques), c'est la poésie qui se dégage de l’œuvre de Bruno Podalydès qui maintient un certain intérêt. Sans elle, il est à craindre que le film n'aurait sans doute pas eu le même charme. C'est même avec un certain dédain que l'on assiste aux premières scènes d'un film dont on se demande pour l'instant où il veut en venir. Ça n'est d'ailleurs pas du côté du scénario qu'il faudra rechercher l'intérêt de Bécassine ! mais plutôt de celui de ces quelques moments de magie dont Bruno Podalydès parsème son long-métrage. Chaque personnage a droit à son portrait haut en couleur et caricatural. D'un côté, les bourgeois campés par Denis Podalydès et Karin Viard, de l'autre, les domestiques incarnés par Josiane Balasko, Isabelle Candelier, Jean-Noël Brouté et Philippe Uchan. Entre eux, une Émeline Bayart qui au sortir de son personnage passablement stupide, révèle son talent de comédienne, ainsi qu'un Bruno Podalydès s'offrant le rôle de Rastaquoueros, ce marchand de rêve ambigu dont l'acteur-réalisateur préfère ne pas définitivement ranger au rayon des escrocs.

Un visuel enchanteur et des moments de grâce qui font oublier la maigreur du scénario, et une interprétation touchante, notamment de la part de Émeline Bayart qui auprès de la jeune Maya Compagnie campe une Bécassine proche de la jeune Loulotte. Bécassine ! est typiquement le,genre de long-métrage à l'attention des familles. Il comblera les parents ainsi que les enfants. Si Bruno Podalydès ne réalise pas là, son meilleur film, il aura au moins réussi à s'approprier l'univers de Jacqueline Rivière et de Émile-Joseph-Porphyre Pinchon pour en faire une sympathique adaptation. A noter l'excellente partition musicale notamment constituée d'oeuvres signées de Max Richter, Mozart, Bach, Chopin ou encore Stavros Xarhakos...

Les Soeurs Fâchées d'Alexandra Leclère (2004) - ★★★★★★★☆☆☆

Isabelle Huppert a beau être capable d'endosser à peu prêt tout ce qui se présente devant elle en matière de caractérisation, le domaine dans lequel elle excelle par dessus tout et qui pousse bon nombre de cinéastes à faire appel à ses talents, c'est sans doute la froideur. Non pas la sienne, mais celle des personnages que tant de prestigieux auteurs lui ont ont confié la tâche d'incarner à l'écran. De ces tempéraments à la rudesse des hivers scandinaves, la française ajoute une pointe de cynisme et de provocation dont les origines remontent presque au moment où elle interprétait la fameuse Jacqueline des Valseuses de Bertrand Blier. Face à elle, une autre grande interprète hexagonale en la personne de Catherine Frot. Une pure joie de vivre en comparaison. Douce et légère comme la plus naïve d'entre toutes. Les réunir sur un même tournage aurait pu prendre des allures d’hérésie mais la réalisatrice Alexandra Leclère semble au contraire avoir mûrement réfléchit au choix de ses interprètes et convoque justement les deux seules actrices françaises qui pouvaient endosser à ce point si merveilleusement bien les rôles respectifs de Martine Demouthy et sa sœur Louise Mollet...

Il sonne dans chacun de ces patronymes comme l'expression de leur personnalité et de leur conception de la vie. Comme si la première syllabe de Demouthy pouvait se détacher pour devenir une particule tandis que Mollet exprimerait la France des petites gens. Martine et Louise ne se sont pas revues depuis quelques années. Si la seconde est ravie de revoir sa sœur alors qu'elle monte à Paris pour tenter de faire éditer son premier roman, la première, elle, aurait pu se passer de la visite de Louise. Il faut dire que l'esprit léger comme une plume, cette dernière est très bavarde, toujours souriante et optimiste. Mais surtout, elle est heureuse. Et Martine, qui elle, vit avec un époux (François Berléand dans le rôle de Pierre) qui la répugne et qui la trompe avec sa meilleure amie (mais cela, Martine ne le sait pas encore), déteste la joie de vivre de sa sœur. Méprisante, humiliante, blessante envers Louise, le week-end ne va pas être de tout repos pour les deux frangines...

Si Les Sœurs Câchées est très officiellement considéré comme une comédie, voire une comédie dramatique, le premier long-métrage d'Alexandra Leclère prend souvent des allures de drame tragi-comique. Non pas que la sinistrose s'impose, mais le fait est que la réalisatrice ménage davantage de séquences dérangeantes que réellement amusantes. Le malaise de Martine y transpire littéralement tandis que Louise vaque à une existence bienheureuse. Isabelle Huppert et Catherine Frot épousent à merveilles les contours de leur personnage. Crédibles et au final complémentaires, les deux actrices excellent à battre le chaud et le froid, l'humour étant quasi systématiquement battu à plat de couture par d'incessants revirements de situation. Ce que l'on a commune d'appeler des ruptures de ton. Comme en général, Alexandra Leclère intègre des personnages secondaires au moins aussi importants que les deux stars français. C'est ainsi donc qu'outre François Berléand, le spectateur retrouve avec un plaisir démesuré le toujours excellent Michel Vuillermoz que l'on aurait cependant voir intervenir un peu plus tôt. Si cela n'est pas clairement évoqué, on soupçonne son personnage, Richard, de pratiquer avec son épouse Sophie (excellente Brigitte Catillon), l'échangisme. Sans vraiment donner de coup au moral, certaines séquences des Sœurs Câchées s'avère parfois relativement embarrassantes. La réalisatrice y dépeint non seulement les rapports tendus entre deux sœurs que tout oppose mais brosse également le portrait de deux mondes totalement incompatibles. Reste que le spectateur s'avouera séduit par la justesse de la mise en scène et de l'interprétation. Peut-être le meilleur film de son auteur qui depuis a réalisé des comédies plus légères au titre desquelles ont relèvera notamment Le Prix à payer en 2007 et garde Alternée en 2017...

Les Âmes Grises d'Yves Angelo (2004) - ★★★★★★★☆☆☆

Comme si la mort et le désespoir avaient jeté leur dévolu sur un petit village français durant l'hiver 1917, Les Âmes Grises réserve à ses spectateurs l'une des plongées dans la torpeur de la première guerre mondiale les plus désolante. Triste à faire pleurer des cailloux. A transformer les superbes décors de Dombasle-sur-Meurthe, de Nancy, de Ville-sur-Saulx et de Vic-sur-Seille pour les faire ressembler à de sinistres peintures d'où l'artiste-peintre aurait oublié d'adjoindre la moindre couleur pour n'en laisser s'exprimer que des teintes hivernales. Là-bas, on entend tonner les coups de cannons comme autant de coups de tonnerre. Mais alors que la jeunesse française s’agglutine sous son ciel voilé par les nuages artificiels des explosifs, au village, comme un mal étrange s'étendant au delà de la frontière qui le sépare du champ de bataille, des événements tragiques vont se succéder. Comme une extension au conflit. Comme si le Créateur posait son doigt accusateur sur ceux qui eurent la faiblesse ou la chance d'échapper au combat...

Mais quel mal étrange atteint ce professeur qui après avoir sensiblement perdu la tête en classe a choisi de revêtir sa chambre de messages écrits à l'aide de ses excréments ? Sa remplaçante, la jolie Lysia Verhareine, mérite-t-elle le sort qui bientôt va s'abattre sur celui qu'elle aime et qui par conséquent offrira une bien triste fin à leur amour ? Qui donc a tué cette petite fille et l'a laissée là, au sol, dans le froid et l'humidité ? Qui donc est le procureur Pierre-Ange Destinat, énigmatique, avare en parole et apparemment dénué d'émotion ? Ou le juge Mierck qui cache peut-être sous sa petitesse et ses rondeurs le mal absolu... ? Comme les hurlements de celui que l'on va exécuter pour un meurtre qu'il n'a pas commis, les pleurs d'une jeune femme qui vient de perdre son amant au champ de bataille ou la souffrance silencieuse d'un notable craint par son entourage, Les Âmes Grises est une œuvre douloureuse qui n'exploite que dans d'infimes proportions la joie et le bonheur de certains de ses personnages. Des lettres d'amour rassurantes, emplies des promesses d'une retrouvaille prochaine. Ou plus simplement, le partage d'un dîner lorsque la solitude se fait trop pesante. Et pourtant, malgré ces trop rares instants de joie contenue, le long-métrage d'Yves Angelo adapté du roman éponyme de Philippe Claudel paru un an auparavant en 2003 semble se complaire dans la noirceur. Comme si toute bonne action devait y être systématiquement salie.

Le pouvoir de la Justice (injustice?) est ici, sans réserve. À travers le portrait de ce juge formidablement interprété par le regretté Jacques Villeret qui trouvait là, le moyen de laisser s'exprimer tout son talent. Face à un Jean-Pierre Marielle de marbre. Imposant, muet, mais non dénué d'émotion. Et d'ailleurs, de cet improbable monceau de pessimisme auquel le réalisateur imprime un tel degré de noirceur qu'il lui confère une aura presque fantastique, surnagent quelques moments remarquablement touchants. Une émotion à fleur de peau qui ne peut que s'effacer, si misérable soit-elle face à la montagne d'horreurs qui s'empare du village et de ses habitants. Une émotion qui ne fera pas le poids face à des actes dénués de morale lorsque celle-ci tentera de percer la croûte d'un village assiégé par un mal étrange. Celui de la corruption. Denis Podalydès parcourt de sa fragile silhouette mais de son immense talent Les Âmes Grises dans le rôle du policier Aimé Lafaille. Michel Vuillermoz et Serge Riaboukine y sont respectivement un maire et un aubergiste trop rares à l'écran. Au son des cannons, sur un ton linéaire et un rythme ankylosé, l’œuvre d'Yves Angelo tente d'imposer quelques stupéfiants visuels. Comme cette institutrice face à un horizon lointain d'où se font entendre les bombardements. Le spectacle est remuant, âpre et éclairé de rarissime moments de joie. Une jolie mais déprimante expérience cinématographique...

Chamboultout d'Eric Lavaine (2019) - note d'Anna et moi : ★★★★★★★★☆☆

Si l'on avait dû parier sur la pérennité du cinéaste Eric Lavaine dans le paysage cinématographique français après la sortie de son désastreux Poltergay en 2006, ceux qui l'avaient peut-être d'ors et déjà enterré lui auraient sans doute ri au nez s'il leur avait lui-même prédit qu'il changerait son fusil d'épaule en se laissant glisser de la comédie vulgaire, bourrée de clichés et surtout pas drôle, à celle un peu plus profonde et surtout, beaucoup mieux écrite, treize ans plus tard. C'est donc le cas en cette année 2019 avec Chamboultout qui derrière son titre qui n'éclaire pas vraiment sur ses intentions (Humour dévastateur ou émotion portée à son paroxysme?) change carrément son fusil d'épaule, mais sans brutalité puisqu'au fil de sa filmographie, Eric Lavaine est parvenu à adoucir son approche de la comédie. Du plutôt convainquant Incognito, en passant par le médiocre Protéger et Servir, jusqu'aux sympathiques Barbecue (qui réconcilie Florence Foresti et Franck Dubosc avec leurs détracteurs), Retour Chez ma Mère (les débuts d'Alexandra Lamy chez le cinéaste) et L'Embarras du Choix, Eric Lavaine est parvenu à se rendre de plus en plus indispensable dans un pays où la comédie se veut de plus en plus formatée...

Chamboultout, effectivement, chamboule... tout... Ou presque puisque le réalisateur choisit davantage d'appuyer là où ça fait du bien plutôt que d'insister trop lourdement là où ça fait mal. Pourtant, le sujet écrit à six mains par le cinéaste lui-même aidé par Bruno Lavaine et Barbara Halary-Lafond aurait pu donner lieu à un authentique drame mais les dialogues et les différentes situations donnent surtout lieu à une succession de séquences savoureusement drôles. Il faut dire qu'Eric Lavaine est accompagné en cela par un casting des plus remarquable : à commencer par Alexandra Lamy et José Garcia qui, touchés par un drame (le second incarne Frédéric qui après un grave accident de la route et un coma de quatre mois environs est demeuré aveugle et victime de troubles cognitifs) tentent de surmonter cette épreuve depuis maintenant cinq années. C'est ainsi que Béatrice décide de faire publier « La Grande Traversée », un ouvrage qu'elle a décidé de consacrer à l'histoire qu'elle partage auprès de Frédéric mais à laquelle a participé leur entourage. Un livre dont le contenu ne plaira malheureusement pas à tout le monde puisqu'elle y a inscrit des anecdotes plus ou moins élogieuses envers ses proches. Un ouvrage qui sera au centre de discussions bruyantes et houleuses lors d'un week-end organisé par Béatrice...

Il aura donc fallut patienter plus d'une décennie pour assister à l'accomplissement d'un cinéaste pas toujours inspiré mais qui aura peu à peu réussit à convaincre son auditoire au point de signer sinon un chef-d’œuvre, du moins son meilleur film cette année. Difficile de trouver le moindre défaut à ce Chamboultout très amusant qui délivre un message très optimiste tout en étant très clairvoyant sur le comportement adopté par un panel d'individus aux traits de caractère parfois diamétralement opposés. Même les plus rigoristes et les plus vertueux ne pourront être que touchés par la sensibilité et le soin apporté jusque dans la description des personnages les moins impliqués (on pense notamment à l'actrice Claudine Vincent qui incarne la mère de Frédéric, Mamoune ou à l'amant de Béatrice interprété par l'acteur protugais Nuno Lopes). Mais après avoir assisté à cet émouvant déballage de sentiments, de rancœurs et de pardons où le rire s'offre une place de choix, il demeure quasiment impossible de dissocier nos deux principaux interprètes des remarquables Michaël Youn (oui, oui), Anne Marivin, Medi Sadoun, Michel Vuillermoz, Olivia Côte, Anne Girouard, Jean-François Cayrey, Ludivine de Chastenet, Guilaine Londez, et Nuno Lopes... Chamboultout est (et demeurera très certainement) l'une des meilleures comédies de cette première moitié de l'année 2019. A voir absolument...

La Maison du Bonheur de Dany Boon (2005) - ★★★★★★★☆☆☆

Trois ans avant l'immense succès de son second long-métrage Bienvenue chez les Ch'tis qui s'explique probablement en partie grâce à l'affluence répétés des spectateurs originaires de la région à laquelle il rendait hommage, l'acteur, humoriste, scénariste et réalisateur Dany Boon réalisait en 2005 ce qui demeure sans doute comme sa meilleure œuvre en tant que cinéaste. La Maison du Bonheur ou le rêve de bon nombre de locataires qui espèrent un jour devenir propriétaires et pourquoi pas, quitter les artères surpeuplées de Paris ou de toute autre grande ville française pour venir s'installer dans un quartier à la périphérie de la capitale. C'est ce rêve que décide d'accomplir le personnage incarné par l'acteur-réalisateur qui s'offre le rôle de Charles Boulin, un employé de la société Crédilem, chargé de traquer les mauvais payeurs surendettés aux côtés de son ami et collègue de travail Jacques Kurtz (savoureux Michel Vuillermoz). Connu pour être radin, Charles veut prouver à son épouse Anne (Michèle Laroque) qu'il est capable de lui offrir un cadeau très coûteux pour leurs quinze ans de mariage.

Et justement, c'est lors d'une visite chez un couple surendetté qu'il tombe sur une agence immobilière tenue par un certain Jean-Pierre Draquart. Là, l'agent immobilier lui propose une affaire à ne pas manquer. Une magnifique maison à moins de quinze minutes de la capitale. Lors de la visite, Charles constate que la demeure a besoin de travaux. Mais l'agent immobilier lui affirme qu'ils ne devraient pas lui coûter plus de 50 000 euros. Ajoutés aux 550 000 que Draquart lui réclame pour son achat, Charles demande à réfléchir. C'est alors qu'intervient son ami Jacques qui rêve lui aussi de posséder une jolie maison en dehors de la capitale...

La Maison du Bonheur, c'est le cauchemar d'un radin qui va accumuler les dettes et surtout se retrouver avec sur les bras, une maison prenant des allures de gouffre financier. Licencié, et incapable d'avouer à son épouse qu'il n'a plus de travail et qu'il a déjà vendu leur appartement afin de payer leur future maison qui pour le moment ressemble surtout à une ruine, le personnage incarné par Dany Boon se retrouve pris à la gorge. Entre un agent immobilier véreux, mais jubilatoire, interprété par Daniel Prévost, l'ancien ami et nouvel ennemi du héros somptueusement campé par Michel Vuillermoz, l'excellente Michèle Laroque dans la peau de l'épouse, mais aussi et surtout, deux pieds nickelés interprétés par Zinedine Soualem et Laurent Gamelon, le héros Charles Boulin a de quoi se faire du soucis. Le spectateur assiste médusé à une comédie forcément caricaturale mais efficace en terme de gags puisque ceux-ci sont légions avec quelques passages cultes comme la fameuse scène du regard salace prêté au personnage de Mouloud Mami incarné par Zinedine Soualem.

L'un des personnages importants de La Maison du Bonheur, c'est la demeure elle-même. Une bâtisse située à Maison-Laffitte dans les Yvelines. Une magnifique ruine qui sera détruite à la suite du tournage. On comprend mieux alors pourquoi Dany Boon s'est employé à faire d'une demeure au départ plutôt accueillante malgré les travaux nécessaires, une maison tombant littéralement en morceaux. Généreux en matière de gags, le film de Dany Boon multiplie en effet les moments de bravoure. Fuites de canalisation, installation électrique défaillante, balustrade qui s'écroule sous le pied de l'agent immobilier, ou explosion de gaz. Les personnages également sont à la sources de nombreux fous rires. Entre un Daniel Prévost fidèle à ceux qu'il a toujours su incarner sur grand écran, un Michel Vuillermoz faux-cul, envieux et responsable du licenciement de son 'ami' Charles Boulin, et bien évidemment Laurent Gamelon et Zinedine Soualem qui campent un duo d'ouvriers-bras cassés qui génèrent plus de gravas qu'ils n'assurent les travaux de 'la maison du bonheur'. En bref, le premier long-métrage de Dany Boon est une réussite. Une excellente comédie qui rempli très largement son contrat...

Dernier étage, gauche, gauche de Angelo Cianci (2010)

Alors qu'il débarque dans un immeuble HLM d'une cité de banlieue, l'huissier de justice François Echeveria a comme objectif pour cette journée du 11 septembre, de saisir les biens d'un homme responsable d'impayés, puis de retrouver son épouse Anna avec laquelle ils doivent rencontrer un conseiller conjugal afin de résoudre leurs problèmes de couple. Mais rien ne va se dérouler comme prévu, car l'homme à la porte duquel il sonne a un fils, Salem, qui n'a pas l'intention de laisser François et les forces de l'ordre envahir la demeure qu'il partage avec son père Mohand. La principale préoccupation de l'adolescent n'a malheureusement rien à voir avec les soucis rencontrés par son père mais plutôt avec les cinq kilos de drogues qu'il garde chez lui.

Un concours de circonstances va troubler cette banale journée en enfermant durant vingt-quatre heures trois hommes, François, Mohand et Salem dans l'appartement de ces derniers, l'huissier se retrouvant otages des deux locataires, avec à l'extérieur de l'appartement, un préfet quelque peu hargneux, une section entière du GIGN, une épouse énervée, et même un négociateur arabe...

Hippolyte Girardot (Un Monde sans Pitié) dans le rôle de l'huissier, Judith Henry (La Discrète) dans celui de l'épouse, Mohamed Fellag (Lumières) dans le rôle de Mohand, Aymen Saïdi (Dheepan) dans celui du fils et ou encore Michel Vuillermoz (La Maison du Bonheur) en préfet... Dernier étage, gauche, gauche fait partie de ces comédies rafraîchissantes qui abordent des thèmes sociaux sans jamais tomber ni dans le rébarbatif, ni dans le pathos. Premier long-métrage du cinéaste Angelo Cianci dont la filmographie n'en compte actuellement que deux, cette comédie est aussi légère qu'agréable à regarder. On ne s'ennuie pas un instant et ce, grâce à une troupe d'acteurs qui réussit malgré le tragique de la situation à faire sourire et même parfois rire devant des situations parfois cocasses.

Derrière l'image quelque peu négative du métier d'huissier, tout comme celle que véhiculent parfois les jeunes vivant dans les cités HLM devenues des no man's land, avec leurs codes et leur langage, le film est riche en enseignement puisqu'il transmet un message que beaucoup jugeront sans doute de surréaliste, mais qui insiste sur le fait que des êtres issus de mondes différents et qu’apparemment tout sépare, peuvent s'entendre jusqu'à s'allier contre les oppresseurs. Un peu caricatural lorsqu'il s'agit de décrire une réalité pourtant bien concrète, l'aspect dramatique de Dernier étage, gauche, gauche s'efface peu à peu et laisse une plus large place à l'humour. Quelque soit la position que l'on prenne, que l'on soit du côté de la justice, du père étranglé par les dettes ou de son fils, les liens qui finissent par les unir ont forcément un impact sur l'avis et les jugements que l'on peut porter à leur sujet. On finit fatalement par prendre fait et cause pour ce père et pour son fils. Et même si tout ceci ne demeure rien d'autre que du cinéma (l'humanité demeurant encore un point à régler en matière de législation), on prend un immense pied devant une œuvre pleine de bons mots, d'humour, et surtout bien rythmée...

Sélection de 3 films à voir, à revoir... ou à éviter (8)

Comme promis, je vous propose un article (pas tout à fait) entièrement consacré à la lycanthropie. Aux Loups-garous. A ces grosses bêtes à poils qui lors des nuits de pleine Lune hurlent et dévorent ceux qui ont le malheur de croiser leur route. Le premier long-métrage dont j'aimerais parler est Le Loup-garou de Londres. L'un des meilleurs dans sa catégorie et sans aucun doute, l'un des plus célèbres également. Réalisé par le cinéaste américain John Landis, réalisateur éclectique, auteur de The Blues Brothers, Un Fauteuil pour Deux, Série Noire pour une Nuit Blanche ou encore Cheeseburger Film Sandwich. Si An American Werewolf in London est si réputé, c'est avant tout parce qu'il eut l'insigne honneur de présenter ce qui allait demeurer jusqu'à présent, comme la plus belle transformation d'un homme en loup-garou. Un travail remarquable que l'on doit à l'un des plus grands spécialistes en matière d'effets-spéciaux de maquillage, le new-yorkais Rick Baker. Une scène de quelques minutes seulement mais qui fait définitivement partie de la légende. Une épreuve physique que le spectateur pourra tout autant que la victime de cette malédiction, ressentir dans sa propre chair. Mains, pieds, torse, oreilles, visages, le corps tout entier de l'acteur David Naughton sera recouvert de latex pour les besoins de cette impressionnante transformation. L'ouvrage de Rick Baker marquera tellement les esprits qu'il recevra l'Oscar des meilleurs maquillages en 1982 ainsi qu'un prix similaire à l''Académie des films de science-fiction, fantastique et horreur la même année. Anecdote intéressante : c'est en découvrant le film et la fameuse scène de transformation que le chanteur pop Michael Jackson eut l'idée d'engager John Landis à la réalisation de son clip Thriller. On ne sera d'ailleurs pas étonnés d'apprendre que le maquilleur participa lui-même à la conception des nombreux maquillages parsemant ce clip vidéo anthologique.

Outre l'excellent casting, Le Loup-garou de Londres propose une intrigue simple, ponctuée de moments horrifiques très marquants (le passage dans les landes ou celui situé dans le métro londonien) à d'autres davantage versés dans l'humour. A ce titre, le film peut se targuer d'accumuler des ruptures de ton étonnants et dont l'un des points culminants demeure lorsqu'àprès avoir massacré six personnes au hasard sous sa forme monstrueuse, David fuit le zoo où il s'est réveillé entièrement nu. On passe donc de l'angoisse au rire et ce, grâce à la mise en scène intelligente de John Landis qui ne sacrifie jamais un courant au profit d'un autre. Malgré la différence séparant ces deux genres, il demeure une certaine homogénéité dans la succession de scènes. Outre la transformation, il demeure un autre effet redoutablement efficace se situant dans le personnage incarné par l'acteur Griffin Dunne ( le galérien noctambule de After Hours de Martin Scorsese, c'est lui), lequel, zombifié après avoir perdu la vie au début du film, erre tel un mort-vivant se décomposant à mesure que son personnage apparaît à l'écran. Le Loup-garou de Londres est une excellente réussie qui malgré ses trente-sept ans n'accuse pas son âge. Tout au plus pourrons-nous lui reprocher un manque de rythme lors du passage un 'poil' trop long se déroulant au chevet de David mais à part cela, le film de John Landis est parmi les deux ou trois meilleurs films de loups-garous de toute l'histoire du cinéma fantastique. A découvrir donc pour ceux qui ne le connaîtraient pas encore. A noter qu'une suite infâme fut réalisée longtemps après par le cinéaste britannique Anthony Waller. Une production franco-britannico-américano-néerlando-luxembourgoise, rien que cela, ce qui n'empêcha pas Le Loup-garou de Paris d'être incroyablement mauvais. A croire que les loups-garous n'étaient pas encore en mesure de s'adapter au climat parisien... ❤❤❤❤❤❤❤💔💔💔

Wolfen quant à lui est un long-métrage un peu à part dans la filmographie consacrée à la lycanthropie puisque davantage que des loups-garous, le récit tourne autour d'une bande de loups s'attaquant aux habitants de New-York, de jour, comme de nuit. À la différence du mythique individu se transformant en animal lors des nuits de pleine Lune, le film propose une relecture laissant supposer que l'on est face à un ou plusieurs individus atteints d'une malédiction proche de celle du Loup-garou de Londres ou de Hurlements. Si dans la forme, Wolfen mêle policier, horreur et fantastique, dans le fond, il s'agit surtout pour le cinéaste Michael Wadleigh de dresser le portrait d'une Amérique colonisée par l'homme blanc. Une terre appartenant autrefois aux amérindiens, lesquels sont désormais symbolisés à travers les créatures qui hantent la ville et vengent l'extermination de leur ancêtres par le sang. Celui de l'homme blanc. L'acte d'expropriation est ici matérialisé à travers des immeubles effondrés, détruits pour qu'y surgisse à la place, de nouveaux ensembles au profit de l'unique homme blanc. Les indiens d'Amérique ayant été déchus de leur biens n'ont plus désormais que leurs coutumes et l'alcool auxquels se raccrocher. Ridiculisé, l'homme blanc génère finalement à lui seul les soupçons tournant autour de l'identité du ou des tueurs. Dewey Wilson (l'acteur Albert Finney) enquête auprès de de la psychologue Rebecca Neff (Diane Venora) sur une série de meurtres dont furent les premières victimes un promoteur immobilier et son épouse. Entre rationalisation des événements et coutumes indiennes ancestrales, Wolfen hésite jusqu'au bout à livrer les clés du mystère. Filmé à la première personne, l'agresseur qui devient par la même occasion invisible aux yeux du spectateur est hypothétiquement décrit comme un loup lors de l'autopsie de l'une des victimes sur laquelle ont été retrouvés des poils. Adapté du roman de Whitley Strieber, The Wolfen, le film de Michael Wadleigh est une intéressante parabole sur le sort accordé aux indiens d'Amérique mais n'oublie pas d'y injecter dans son intrigue, une bonne dose de séquences horrifiques particulièrement convaincantes.

En effet, les scènes gore ne manquent pas, entre membres arrachés et décapitations. En grande partie tourné dans des lieux sinistrés de la ville de New York, une partie de celle-ci a de plus été fermée au public durant le tournage lorsque pour les besoins de l'intrigue, plusieurs loups y ont été lâchés. Parfois mystique, souvent angoissant, jamais ennuyeux, Wolfen livre un message d'humanité sur l'identité et le déracinement. Un classique du genre à redécouvrir d'urgence...❤❤❤❤❤❤❤💔💔💔

Pour terminer, on passe à tout à fait autre chose avec Serial Lover du cinéaste français James Huth. Rien qu'à l’énoncé du titre, on se doute déjà du contenu de ce qui se révèle être une comédie à la tête de laquelle on retrouve l'humoriste et actrice Michèle Laroque. Entourée d'une belle brochette d'acteurs français, elle incarne le rôle de Claire Doste, Directrice des Editions Dangereuses, un peu triste à l'idée de fêter ses trente-cinq ans alors qu'elle n'a pas encore choisi celui de ses ex amants qui partagera sa vie. C'est pour quoi un soir, la jeune femme invite à dîner Charles, Chichi, Hakim et Sacha, les anciens amants en question parmi lesquels se trouve sûrement le futur homme de sa vie. Mais alors que la soirée a débuté depuis un moment, l'un des convives meurt, tué accidentellement par Claire dans la cuisine. Après avoir caché le corps dans le réfrigérateur, Claire doit non seulement composer avec les trois autres mais doit se montrer méfiante car les inspecteurs Cellier et Helgen fouillent au même moment tous les appartements de l'immeuble à la recherche de deux cambrioleurs...

Serial Lover laisse une très étrange impression. Entre le sentiment de s'être fait arnaquer et celui d'avoir passé un moment totalement déjanté en compagnie d'une horde de seconds rôles sympathique, le spectateur a le choix de classer le film James Huth dans le registre du nanar ou de la comédie macabre assumant sa 'Zéditude'. Décors typiques des années quatre-vingt à base de néons et de meubles façon 'Ikea' et comportements étranges de la part de certains interprètes, nul doute que l'on est en présence d'un Objet Filmique Non Identifié. Si la première partie est poussive et donne envie de fuir une œuvre que l'on aura un peu trop tôt fait de considérer comme une niaiserie mal scénarisée, mal dirigée, mais aussi, mal interprétée et lorsque les morts commencent à s'enchaîner et que Michèle Laroque se doit d'assurer malgré la présence inattendue de dizaines d'invités surprises et des très collants inspecteurs incarnés par Albert Dupontel et Didier Bénureau, le film prend une tournure plus sympathique. Au hasard, on retrouve les acteurs Michel Vuillermoz, Zinedine Soualmen, Isabelle Nanty (totalement barrée), ou encore les membres de la troupe des Robins des Bois au complet. Au final, une comédie très, très, très légère mais qui met de bonne humeur. Toutefois, mieux vaut ne pas en abuser...❤❤❤❤❤💔💔💔💔💔

Au Revoir Là-Haut d'Albert Dupontel (2017) - ★★★★★★★★★☆

Albert Dupontel aura mis un quart de siècle pour s'éloigner du difficile cap de l'adolescence. On parle ici, du Dupontel cinéaste car l'acteur, lui, a déjà abordé des rôles plus durs, moins enfantins, que lors de ses premiers émois cinématographiques. On l'a vu donc passer du trashy Bernie au bouleversant Deux Jours à Tuer avec un naturel qui n'appartient qu'aux plus grands. Aujourd'hui, Albert Dupontel joue dans la cours des plus grands cinéastes avec, sans doute, le point culminant de sa filmographie. Qui aurait pu croire qu'un jour ce français originaire de Saint-Germain-en-Laye, dont le prénom plutôt casse-gueule d'Albert n'est qu'un pseudonyme dont le choix s'explique par sa volonté de préserver ses proches, allait s'offrir une carrière aussi brillante ? Sans doute moins délirant que par le passé, l'acteur-réalisateur-scénariste adapte pour la première fois un roman. L’éponyme Au Revoir Là-Haut de Pierre Lemaire.

Albert Dupontel a toujours été un créatif à l'imagination débordante et un brin... bordélique. Alors qu'il avait prévu à l'origine d'offrir le rôle qu'il incarne dans le film à l'acteur belge Bouli Lanners, il offre celui d’Édouard Péricourt à l'acteur argentin Nahuel Pérez Biscayart. Originaire de Buenos Aires, le jeune homme y explose littéralement. Son personnage gravement blessé durant la première guerre mondiale alors qu'il tentait de sauver son camarade de tranchée Albert Maillard a perdu l'usage de la parole. L'acteur s'y exprime donc tel un mime affublé de masques remarquables qu'il fabrique lui-même avec les moyens du bord (du papier mâché). Dessinateur hors-pair, c'est après la guerre qu'Albert et Édouard, sans le sou, décident de monter une arnaque en proposant un catalogue de monuments aux morts constitués de dessins. Une fois l'argent des commandes passées par les municipalités, les deux hommes prendront la fuite sans envisager le moins du monde de fabriquer le moindre monument. Malheureusement pour Albert et Édouard, l'une de leurs victimes ne sera autre que Marcel Péricourt, le père du second (l'extraordinaire Niels Arelstrup).

Ce résumé, je l'accorde, fort succinct, n'est le reflet que d'une part infime d'un scénario foisonnant d'idées. Au Revoir Là-Haut fourmille de séquences, nous proposant en préambule une vision de la guerre particulièrement dure, et développant par la suite un retour à la vie civile ne fêtant ses héros qu'à travers d'immenses symboles de bronze (les dits monuments aux morts). Nos deux soldats retournent ainsi à la vie normale sans un sou ou presque en poche. Au Revoir Là-Haut ressemble à un immense chapiteau sous lequel vont se succéder autant d'histoires personnelles que le long-métrage compte d'interprètes. A ce titre, Albert Dupontel s'est offert un casting en or. Car outre la participation de Nahuel Pérez Biscayart, l'acteur-réalisateur-scénariste nous offre une vision plurielle de la cruauté morale. Entre un Laurent Laffite monstrueux jusqu'au bout, et un Niels Arestrup en père froid, insensible PRESQUE jusque dans ses derniers retranchements, Albert Dupontel apporte à son fond de commerce situé entre provocation et analyse du comportement humain, la poésie d'un conte pour adultes aussi cruel que majestueux. Aussi surréaliste que le cinéma de l'ancien binôme constitué en son temps par Jean-Pierre Jeunet et Marc Caro. On retrouve d'ailleurs ce même amour pour l'histoire de France et ce besoin irrépressible de faire revivre le passé mais avec en plus, la puissance et la passion de la Magie qui faisaient défaut dans l'ennuyeux Un long dimanche de fiançailles de Jean-Pierre Jeunet en solo.

Émilie Dequenne, Mélanie Thierry, Heloïse Balster (Louise, l'enfant qui accompagne durant toute leur histoire, Albert et Édouard), Michel Vuillermoz (énormissime!!!), et bien d'autres encore constituent le ciment d'une cathédrale bâtie sur les sentiments. Les émotions s'enchaînent avec un naturel qui frise le génie. A l'horreur succède le rire, lequel est chassé pour un court instant par l'émotion palpable née du simple regard d'un père pour son fils. Nous pourrions évoquer la superbe photographie de Vincent Mathias, la musique de Christophe Julien ou les costumes de Mimi Lempicka et bien d'autres choses encore. Mais le mieux reste encore de découvrir Au Revoir Là-Haut par soit-même. Le digne successeur de... Santa Sangre d'Alejandro Jodorowsky, rien de moins...

Un réveillon au ciné: Garde Alternée d'Alexandra Leclère & Momo de Sébastien Thiéry et Vincent Lobelle (2017)

Tradition villefalsienne oblige, le réveillon du 31 décembre 2017 ne s'est pas déroulé sous un déluge de cotillons. Pas une perruque de Michel Polnareff en vue, pas de feux d'artifice les douze coups de minuit sonnant, et aucune gueule de bois à prévoir pour le lendemain. Non, chez nous, l'événement se fête chaque année dans les salles obscures. Deux films. Deux comédies. Interprétées par deux monuments du genre que sont Didier Bourdon, l'un des trois membres des Inconnus, et Chirstian Clavier, l'en des fondateurs de la mythique équipe du Splendid. Garde Alternée et Momo. Si l'un et l'autre des synopsis sentaient la viande faisandée, les réactions du public ne se sont pourtant pas faites attendre. Dans l'un comme dans l'autre, ce ne fut que profusion de rires. De la grande salle numéro une du cinéma Mega CGR de Narbonne à la numéro quatre, pas plus grande qu'un réduit, mais au combien chaleureuse, les deux publics ont semble-t-il apprécié le spectacle. Mais Garde Alternée et Momo méritent-ils l'engouement dont ils ont bénéficié ?

Entre cette histoire d'adultère, puis de vengeance orchestrée par l'épouse trompée, et celle de ce couple sans enfants recevant la visite d'un fils inattendu, la cinéaste Alexandra Leclère, puis le duo Sébastien Thiery et Vincent Lobelle nous auront-ils convaincu ? Pas sûr.

Si les rires entendus lors de la première séance furent à mon goût tout à fait justifiés, c'est avant tout parce que les interprètes de Garde Alternée et ses nombreuses et rocambolesques situations firent preuve d'une grande originalité. Et puis, il y a derrière les personnages du couple formé par Sandrine et Jean ainsi que celui de la maîtresse Virginie, deux actrices et un acteur que l'on apprécie forcément. Valérie Bonneton, Didier Bourdon et Isabelle Carré. La première, barrée, inventive, dont l'expressivité est toujours aussi présente organise un show exceptionnel. Face à une Isabelle carré nature. Toujours aussi délicieusement belle. La maîtresse que tout les hommes aimeraient entretenir et que toutes les femmes voudraient détester. Au milieu de ces deux femmes, un Didier Bourdon parfois effarant de crédulité. Abasourdi par ce qui arrive à son personnage. Plus le récit déploie son intrigue, plus le spectacle s'emballe, et plus ses interprètes se livrent. Jusqu'à se mettre littéralement à nu. La recette permettant de raviver la flamme contiendrait-elle dans cette heure et demi de pur bonheur ? Garde Alternée n'a certes pas la verve d'un Prénom ou d'un Dîner de Cons. L'écriture n'y est pas aussi fine. Pas aussi profonde. Mais nombre de situations font leur effet. On rit beaucoup. Les zygomatiques sont très souvent sollicités. A noter la présence du toujours excellent Michel Vuillermoz dans le rôle du libraire homosexuel Félix, d'Hélène Vincent dans celui de la mère de Sandrine et de Jackie Berroyer dans celui du père ou encore de Laurent Stocker dans la peau de Michel, le meilleur ami de Jean. Un excellent divertissement à l'attention de toute la famille.

Concernant Momo, la chose est un peu plus délicate. Certains vous diront que l'on ne joue pas avec le handicap. Je vous répondrais que d'une certaine manière, l'humour peut au contraire nous aider à l'accepter. Momo, qui dans la langue de Patrick, l'enfant abandonné par ses parents à sa naissance parce qu'il est sourd, veut dire maman. Le scénario écrit à quatre mains par Sébastien Thiéry (également réalisateur du film auprès de Vincent Lobelle) et Pascale Arbillot tourne donc autour de ce personnage débarqué dont ne sait où. Pas vraiment habillé à la mode et affublé d'une diction difficile à saisir, Patrick est muet et reprend contact avec ses parents André et Laurence Prioux (respectivement Christian Clavier et Catherine Frot) qu'il n'a jamais connu. Pris pour un débile à cause de sa façon de parler, il s'incruste chez ce couple aisé qui prend d'abord peur face à ce très étrange personnage, capable d'entrer dans des états de fureur inquiétante. Marié à Sarah (l'actrice Pascale Arbillot, co-scénariste du film), il sait se faire attachant. Surtout auprès de sa mère Laurence qui n'a malheureusement jamais eu d'enfants. Si la mère et le fils se rapprochent peu à peu, la chose demeure délicate entre Patrick et André qui voit l'irruption de cet individu d'un mauvais œil.

Là encore, le public a beaucoup rit. D'abord confronté à la voix particulière du personnage interprété par Sébastien Thiéry, on peut comprendre que cela fasse rire. Nous-mêmes avons à une ou deux occasions. Mais entendre derrière moi certains spectateurs rire chaque fois que Patrick ouvrait la bouche finit par devenir gênant. Comme si le film n'était prétexte pour certains qu'à s'esclaffer, se moquer du handicap de l'un de ses principaux personnages. Momo ne prêtant pas forcément à sourire, certaines scène demeurent même relativement triste. Le personnage de Catherine Frot plombe l'ambiance. Et si le couple qu'elle forme auprès de Christian Clavier est intéressant, les moments qui se voulaient d'intense émotion retombent comme un soufflet raté. Pourtant, on n'en voudra pas à l'actrice-scénariste Pascale Arbillot et l'acteur-réalisateur Sébastien Thiéry d'avoir voulu réaliser une comédie prônant quelque peu le droit à la différence. Le message est touchant quoique maladroitement mis en scène. Il manque à Momo une vraie profondeur. Christian Clavier n'étant pas Louis de Funès, les rôles que lui confient depuis un certain nombre d'années les réalisateurs n'ont font pas pour autant un acteur irrésistiblement drôle. Au final, a part quelques petits gags amusant (le berger allemand allemand, l'anecdote concernant la rencontre entre Patrick et Sarah), Momo se révèle plutôt plat et malheureusement dans la mouvance comique actuelle en France. Pas ou peu de véritable écriture pour un résultat moyennement convainquant...

Combien tu m'aimes ? de Bertrand Blier (2005)

Combien tu m'aimes ? Combien je l'aime, ce cinéma, cet auteur, et ses interprètes. Encore et toujours, Bertrand Blier défend ce cinéma, le sien, cynique, émouvant, battant le chaud, puis le froid. S'il s'était peut-être un peu dispersé, cherchant à retrouver sa verve sans jamais véritablement y parvenir avec ses deux précédents longs-métrages (Les Acteurs, Les Côtelettes), en 2005, il revient avec une œuvre admirablement drôle, émouvante, emprunte d'une poésie qu'il sublime chaque fois par des choix musicaux délicats. Et même si l'on n'est pas friands d'opéra, le calque sonore qu'il juxtapose aux images rend ces airs formidablement beaux.

Gérard Depardieu, encore, mais se lançant dans de l'inédit avec Bernard Campan, Monica Bellucci, Edouard Baer, et même, sa compagne Farida Rahouadj, Bertrand Blier n'a rien perdu de son talent de conteur. Mieux, il semble être revenu d'un monde où les années passent et l'inspiration se meure. Un univers dont il a réussi à s'extraire pour nous offrir un spectacle presque aussi jouissif que ses plus grands films.

Combien tu m'aimes ? est typiquement le genre de film qui vous fait passer par différents états. Entre l'amertume de la solitude dont on ressent le poids durant les premières minutes, à la joie collective et communicative d'une fête dont le fond sonore étonne dans la carrière du cinéaste. Sans crier gare, voilà que l'on sourit de ses belles et grandes dents. A s'en décrocher la mâchoire. A solliciter les zygomatiques jusqu'à la douleur. Sans doute avons-nous l'air bête d'exprimer un air aussi béat, mais voilà que lâchement nous invoquons la faute à un homme, un seul : Bertrand Blier, lui-même. Ce génie du septième art, lequel a donné ses lettres de noblesse aux dialogues, comme en son temps un certain Michel Audiard.

Combien tu m'aimes ? ouvre grandes ses portes. Celles de son cœur, surtout. Celui, malade de François (Bernard Campan), qui grâce à Daniela (Monica Bellucci), et son amour pour lui, va le guérir. Découvrir de nouveaux interprètes chez Blier fait un peu le même effet à chaque fois. On se demande dans quelle mesure ils parviendront à saisir l'essence des textes de leur auteur pour nous les restituer à leur juste valeur. Et chaque fois, c'est le même constat : Bertrand Blier n'est pas qu'un dialoguiste exceptionnel. Il dirige également ses acteurs de main de maître. Son cinéma a apparemment évolué vers moins de loufoquerie et plus d'émotion, mais ne nous y trompons pas car ce coquin de Blier en a encore sous le pied. Et qui mieux que sa compagne, l'excellente Farida Rahouadj pour nous en convaincre ?

En une seule scène, nous redécouvrons ce qui nous avait manqué les quelques années précédent la sortie de Combien tu m'aimes ? en 2005. Farida Rahouadj face au couple Campan-Bellucci dissertant sur l'orgasme féminin entre deux portes. Un peu moins de trois minutes durant lesquelles Bertrand Blier nous rassure définitivement sur sa capacité à revenir au cinéma que l'on aime chez lui. Quelques scènes ainsi ponctuées d'autres beaucoup plus « symptomatiques » du « nouveau » Blier. Derrière la bouffonnerie, l'auteur des Valseuses est aussi un formidable conteur lorsqu'il s'agit de parler d'amour. Toujours et encore dans des situations inédites comme celles rencontrées dans Préparez vos Mouchoirs, Beau-Père ou Trop Belle Pour Toi. Cette fois-ci, il partage l'histoire d'un homme désespérément seul, riche à millions, qui propose à une pute de vivre avec lui moyennant finances. Toute la subtilité du jeu d'acteur étant de laisser planer un doute sur la réelle ou fausse sincérité de Daniela. Gérard Depardieu, lui, campe un individu sinistre qui, lui aussi sera guéri de ses mauvais démons. Bertrand Blier aurait pu simplement nommer son œuvre AMOUR tant on sent bien que c'est autour de ce sentiment d'affection unique que le sujet de Combien tu m'aimes ? a été développé. Encore un immense film de la part de Bertrand Blier...