Maigret tend un piège de Jean Delannoy (1958) - ★★★★★★★★☆☆

 

 

Parmi les romans écrits par Georges Simenon, certains ont été davantage adaptés au cinéma et à la télévision que d'autres. On peut notamment citer Le chien jaune, Pietr-le-Letton ou La nuit du carrefour datant tous les trois de 1931 mais celui qui semble avoir eu le plus de succès auprès des cinéastes reste probablement Maigret tend un piège. Et pour cause : ce roman très proche du fait-divers entourant le cas irrésolu de Jack l’Éventreur a connu une première version cinématographique en 1958 réalisée par Jean Delannoy avant d'être adapté en Angleterre par trois fois en 1962, 1992 et 2016 avec The Trap de Terence Williams, Sets A Trap de John Glenister et Maigret Sets a Trap dans lequel l'acteur britannique Rowan Atkinson reprenait le rôle du commissaire Maigret... En Italie, Renato de Maria réalisa en 2004 le téléfilm La Trappola, adaptation transalpine du roman. Les Pays-Bas eux-mêmes se penchèrent dessus à travers cet autre téléfilm que fut Maigret zet een val en 1968 et dont l'auteur fut le réalisateur néerlandais Rob Geraerds. Quant à la France, outre le long-métrage de Jean Delannoy en 1958, le thème fut repris en 1996 au sein de la série Maigret. Placé en vingt-troisième position, l'épisode simplement intitulé Maigret tend un piège fut réalisé par Juraj Herz et tout comme lors des cinquante-trois autres, le rôle principal fut tenu par l'imposant Bruno Cremer...

Mais retour, donc, à la fin des années cinquante et plus précisément en 1958. Si le long-métrage incarné par Jean Gabin et par plusieurs interprètes parmi lesquels certains deviendront de grandes vedettes du cinéma ou de la télévision repose donc en effet sur l'ouvrage de Georges Simenon, la fidélité ne semble pas être à l'ordre du jour dans une adaptation qui fait fi de certaines identités, change le nom de certains quartiers, ajoute des personnages qui n'existaient pas à l'origine et va même jusqu'à ajouter une double activité à l'un des protagonistes les plus essentiels du récit en la personne d'Yvonne Maurin qu'interprète Annie Girardot et qui retrouve Jean Gabin après lui avoir déjà donné la réplique dans Le rouge est mis de Gilles Grangier en 1957. Après avoir interprété de petits rôles, la carrière de l'actrice est ainsi lancée sur des rails grâce au rôle ambigu de cette femme volage, épouse depuis six ans d'un homme qui au lit n'est jamais parvenu à la satisfaire... Notons ensuite parmi les stars du cinéma à venir, la présence de Lino Ventura qui dans le rôle de l'inspecteur Torrence interprète un personnage relativement secondaire auquel le script de Jean Delannoy, Michel Audiard et Rodolphe-Maurice Arlaud n'octroie que quelques rares interventions. Une présence à l'image plus physique qu'orale...

Nous sommes à Paris et depuis quelques mois, un individu sème la terreur dans la capitale en assassinant de jeunes femmes brunes et physiquement plutôt bien charpentées. Toujours le même mode opératoire : des coups de couteau dans le corps et des vêtements lacérés. Le sexe ne semble pas être la raison première puisque le légiste ne constate jamais aucun viol sur les victimes. Rapidement jugé de très orgueilleux, l'assassin prévient le Commissaire Maigret chaque fois qu'il vient de commettre un meurtre. C'est alors qu'intervient Louise (Jeanne Desailly), laquelle émet l'hypothèse selon laquelle le tueur prend de l'assurance au fil des meurtres. Ce qui donne à son mari l'idée de tendre un piège à ce dernier en faisant croire que le coupable vient d'être arrêté... Un concept pas inintéressant mais qui ne donnera pas vraiment ses fruits. Car l'intérêt de Maigret tend un piège est ailleurs. Dans la psychologie du meurtrier, décrite au fil d'un interrogatoire passionnant lors duquel Jules Maigret tend le véritable piège du titre. Celui qui mènera finalement le coupable à avouer indirectement ses meurtres. Cependant, et comme cela arrive parfois chez Georges Simenon et notamment chez celui qui demeure sans conteste le plus célèbre personnage créé par l'écrivain, rien n'est jamais aussi simple ni définitivement acquis... À travers un récit qui mêle amour, adultère, déviance sexuelle et crimes en séries, Jean Delannoy filme un Paris en noir et blanc, nocturne et relativement sombre. Tourné dans le Marais contrairement au roman qui situait l'action à Montmartre, Maigret tend un piège est donc bien une brillante variation sur le thème de Jack l’Éventreur. La scène d'action rappelant bien évidemment le caractère lugubre du quartier de Whitechapel où le célèbre tueur en série britannique commis cinq abominables crimes à la fin du dix-neuvième siècle...

 

Garde à vue de Claude Miller (1981) - ★★★★★★★★★☆

Nous sommes le soir du 31 décembre et alors que la population s'apprête à fêter le nouvel an, l’inspecteur Antoine Gallien reçoit dans son bureau le notaire Jérôme Martinaud. Assisté par l'inspecteur Marcel Belmont, Gallien interroge le notable au sujet de deux homicides concernant deux très jeunes filles. L'une a été retrouvée morte sur une plage et la seconde sur un terrain communal. Lorsque l'intrigue débute, celui qui très rapidement va se comporter comme un suspect se montre arrogant et surtout très évasif lorsque l'inspecteur incarné à l'écran par l'immense Lino Ventura lui pose des questions sur son emploi du temps. Curieux de connaître les détails précis s'agissant de la découverte par Martinaud de l'un des deux corps, Gallien lui met la pression. ''Épaulé'' par un Belmont nettement plus agressif envers le notaire. Et ce qui n'était au départ que l'interrogatoire classique d'un notable très connu dans la région en tant que simple témoin va rapidement se transformer en garde à vue durant laquelle, l’ambiguïté de Martinaud ainsi que sa désinvolture face à l'horreur du double fait-divers vont convaincre Gallien à pousser l'homme dans ses derniers retranchements... Réalisé par Claude Miller entre le 27 janvier et le 13 mars 1981, Garde à vue est un classique du cinéma policier hexagonal. Face à la carrure impressionnante de Lino Ventura, le cinéaste lui oppose un Michel Serrault qui derrière un physique déjà nettement moins impressionnant se sert ici du statut de notable de son personnage pour s'imposer malgré des éléments d'enquête qui contredisent à peu près tout ce qui repose sur le témoignage qu'il a rapporté antérieurement au récit développé ici. Accompagnés par un Guy Marchand qui dans le rôle de l'inspecteur Marcel Belmont rivalise de cynisme avec le témoin devenu suspect, Lino Ventura et Michel Serrault s'affrontent dans un duel verbal absolument remarquable que l'on doit au dialoguiste de génie, Michel Audiard...

Ici, pas d'enquête policière telle qu'elle est généralement conçue dans ce type de fiction. Pas de découverte d'un ou de plusieurs corps précédant des investigations de terrain. Tout juste quelques photographies rappelant l'horreur du fait-divers. Non, ici tout est concentré autour des quatre murs d'un bureau transformé en salle d'interrogatoire où l'on entend régulièrement les touches d'une machine à écrire sur laquelle Belmont s'acharne à taper la déposition du notaire entre deux blagues de mauvais goût. Le concept de ''Good Cop / Bad Cop'' qui se veut être une technique employée lors des interrogatoires intégrant un flic calme et faussement sympathique à un second, agressif et déjà beaucoup moins conciliant envers le témoin/suspect n'est ici pas à l'ordre du jour. Car même si les personnalités des deux inspecteurs ne concordent jamais vraiment, quelques regards de Gallien lancés en direction de Belmont confirment que les deux hommes ne jouent pas à ce jeu qui consiste à manipuler celui qu'ils interrogent. On peut même dire que le premier déteste les méthodes du second. Bien que l'intrigue se déroule à une date presque précise (nous sommes à l'orée du nouvel an mais... en quelle année précisément ?) un certain flou tourne autour de certains détails géographiques. Ce qui, en soit, n'est pas vraiment un problème puisque Garde à vue est un huis-clos tandis que les rares scènes d'extérieurs s'intéressent davantage aux festivités de fin d'année qui se déroulent en face du commissariat qu'aux lieux mêmes des crimes...

Une certaine distanciation que l'on pourrait comprendre face à l'horreur des actes dont le spectateur n'est témoin qu'à travers des termes aussi bruts que ''viols'' et ''étranglements'', Claude Miller nous épargnant les détails les plus sordides alors même qu'il ne retiendra plus ses mots ni ceux du romancier et scénariste Emmanuel Carrère dix-sept ans plus tard lorsque viendra le moment de signer le très glaçant La classe de neige... Privilégiant les dialogues à l'action, les regards et le jeu d'acteurs à la gestuelle (quoi que celle-ci puisse tout de même revêtir parfois une importance considérable), Garde à vue repose sur le duel entre deux hommes (et même trois si l'on ajoute la performance toute en audace de Guy Marchand), sur une tension qui à mesure que les heures passent monte graduellement et joue avec la plus subtile des perversions sur l'intime. Car pour comprendre le personnage de Martinaud, quoi de mieux que de dépasser son seul statut de témoin des événements pour aller plus en profondeur et aller chercher ce qui chez cet énigmatique individu expliquerait un éventuel passage à l'acte ? Claude Miller aurait-il choisi son camp en faisant de cet homme respecté et jusqu'à maintenant respectable un personnage qui aurait quoi qu'il arrive des choses à se reprocher ? Car comment expliquer alors l'intervention de la magnifique Romy Schneider dans le rôle de l'épouse du notaire qui au moment où tout bascule lorsque la culpabilité de celui-ci est devenue un impératif moral (Après avoir été frappé par Belmont, Martinaud explique avec ses mots qu'il vaut mieux avoir frappé un coupable plutôt qu'un innocent) vient en rajouter une couche en apportant une ''preuve'' de sa culpabilité ? Romy Schneider, justement... magnifique, digne... Un petit rôle pour une grande incarnation, jusqu'à ce final terrible suivant un twist inattendu, la encore précédé d'un souvenir contant une période dans l'existence du couple qui n'a à proprement parler rien à voir avec l'enquête mais dont l'évocation pourrait avoir de graves conséquences... On sort du film avec la sensation de s'être assis aux côtés du notaire et face au flic. Témoins d'une garde à vue magistralement orchestrée par un cinéaste et ses interprètes...

 

L'armée des ombres de Jean-Pierre Melville (1969) - ★★★★★★★★★☆

 

 

Après avoir enchaîné durant la même soirée Pas très normale activité de Maurice Barthélémy, Parole de flic de José Pinheiro et L'armée des ombres de Jean-Pierre Melville, allez savoir pourquoi, mais j'ai choisi d'écrire sur ce dernier plutôt que sur l'un des deux autres. Le premier ne méritant probablement qu'injures et dégoût tandis que le second, de mémoire, eu déjà le ''privilège'' d'avoir été chroniqué ailleurs par mes soins. J'ai presque honte de l'avouer, mais je n'ai pas souvenir d'avoir déjà vu l'un ou l'autre des longs-métrages réalisés par ce cinéaste majoritairement apprécié des cinéphiles. C'est donc chose faite aujourd'hui. Peut-être le début d'une passion que viendra, je l'espère, confirmer la projection prochaine de ses œuvres parmi les plus importantes... Mais pour commencer, évoquons L'armée des ombres, long-métrage inspiré de l’œuvre littéraire de l'écrivain, journaliste et ancien résistant français originaire de Villa Clara en Argentine. Hommage à la résistance écrit en 1943 alors qu'il est installé à Londres, il semble logique que Jean-Pierre Melville se soit emparé du sujet, lui qui fut lui-même résistant lors de la Seconde Guerre Mondiale. Adaptation d'un roman dont l'auteur apportait un message de vérité tout en changeant les lieux et les noms des protagonistes afin de les protéger, L'armée des ombres met en scène quelques-uns des plus grands interprètes de l'époque. Âgé de seulement vingt-sept ans et alors que la guerre est finie, Jean-Pierre Melville rêve déjà de devenir réalisateur. Mais craignant que le sujet ne soit trop ambitieux, il attendra pas moins d'un quart de siècle avant de mettre enfin son projet initial à exécution. C'est donc en 1969 que L'armée des ombres voit le jour. Antépénultième long-métrage d'un cinéaste dont la carrière est déjà dotée d'une solide filmographie (Le Doulos, L'aîné des Ferchaux, Le samouraï), L'armée des ombres réunit deux des principaux interprètes du Deuxième souffle qu'il avait déjà réalisé trois ans auparavant.

Alors qu'en 1966 tout semblait devoir séparer les personnages que Lino Ventura et Paul Meurisse incarnaient à l'époque, désormais l'un et l'autre des nouveaux protagonistes qu'ils interprètent paraissent unis dans un même élan de patriotisme. L'action débute le 20 octobre 1942 et alors que Philippe Gerbier (Lino Ventura) est transféré dans un camp de concentration, quelques lignes de dialogues suffiront pour imposer ce personnage capable de s’accommoder très facilement de n'importe quelle situation. Redouté, même par ceux qui en ont désormais la garde du fait de certaines de ses relations, ce brillant ingénieur des Ponts et Chaussée se distingue des autres prisonniers et semble même doté d'un certain mépris vis à vis de trois d'entre eux... Robuste, portant une paire de lunettes rondes qui ajoutent à la personnalité du protagoniste la fonction d'érudit (bien qu'il ne semble rien y connaître au jeu de dominos), Philippe Gerbier prépare aux côtés d'un jeune électricien de formation leur évasion. Mais entre-temps, l'ingénieur est une nouvelle fois transféré, cette fois-ci à l'hôtel Majestic de Paris, pour y être interrogé par la Gestapo. Il parvient cependant à prendre la fuite après avoir tué un garde allemand et s'échappe pour se rendre jusqu'à Marseille où se trouve le réseau de résistance dont il est la tête pensante... Les principaux partenaires de Lino Ventura vont dès lors apparaître successivement à l'écran, comme un long passage de témoins. Paul Crauchet qui incarne le bras droit de Gerbier, Félix Lepercq, passe la main à Jean-Pierre Cassel, lequel interprète Jean-François Jardie, l'ami de Félix, avant de laisser à son tour la place à la formidable Simone Signoret dans le rôle de Mathilde, l'un des membres les plus importants du réseau avant que ne soit de nouveau rendu le témoin à Jean-Pierre Cassel qui cette fois-ci ira à la rencontre de Paul Meurisse qui incarne le rôle de son frère, Luc Jardie. Les principaux interprètes désormais présentés, revenons sur l'esthétique générale de L'armée des ombres. Une composition des couleurs qui est l’œuvre du directeur de la photographie Pierre Lhomme qui jusque là avait notamment œuvré chez Jean-Paul Rappeneau, Philippe de Broca, Costa-Gavras, Yves Boisset ou encore William Klein.

Un travail remarquable dû à des choix artistiques de la part d'un Jean-Pierre Melville pour qui le noir et blanc restera une marque de fabrique durant la moitié de sa carrière et dont celle de L'armée des ombres ne se démarque pas tout à fait. En effet, afin de retranscrire le pesant climat de l'époque, le directeur de la photographie opte pour des teintes grisâtres presque permanentes et où la couleur a bien du mal à se faire une place. Le soleil lui-même préférant se cacher derrière d'épais nuages, le long-métrage ressemble parfois à une longue succession de cartes postales d'époque ou de témoignages photographiques propres au contexte de guerre mondiale et d'oppression que le film dépeint à la perfection. Ce qui n'empêche pas quelques micro-ratés comme lorsque est filmée une maquette exposée à quelques pathétiques flammes lors d'une attaque aérienne... Le montage de Françoise Bonnot qui en outre travailla plusieurs fois auprès de Henri Verneuil dans le courant des années soixante ou collabora la décennie suivante avec l'italien Dario Argento sur Quatre mouches de velours gris, le polonais Roman Polanski sur Le locataire ou le français Jean-Jacques Annaud sur La victoire en chantant (sans parler de son travail lors des décennies suivantes) est significatif de cette pression que semble vouloir exercer Jean-Pierre Melville sur le spectateur, chaque séquence ou presque étant l'occasion pour lui de présenter l'aventure de ses personnages sous son aspect le plus périlleux... La mort du traître. L'évasion de l'hôtel Majestic ou du tunnel d'exécution sont autant de séquences anxiogènes et sidérantes à mettre sur le compte d'une mise en scène et d'une interprétation minutieuses. Quelques séquences émouvantes elles aussi sont à marquer d'une pierre blanche. Des actes du quotidien dont la simplicité émeut. Comme lorsque Luc Jardie boit son café, heureux de revoir son frère ou lorsque Mathilde prend la main de Gerbier dans la sienne... Malgré la noirceur quasi pernanente, il peut même parfois arriver au spectateur de laisser s'échapper un sourire discret d'entre ses lèvres comme lors de ce passage où Gerbier s'amuse de la tenue exotique de certains représentants de l'armée britannique portant le fameux kilt ! Ceci avant que n'intervienne bien évidemment un retour cruel à la réalité. Notons enfin la superbe partition musicale du compositeur français Eric Demarsan à l'occasion de laquelle l'on entendra notamment un extrait de Spiritual for String Choir and Orchestra composé en 1941 par l'américain Morton Gould et qui chez nous devint célèbre en devenant le générique de l'émission Les dossiers de l'écran diffusée sur la deuxième chaîne de l'ORTF puis sur Antenne 2 entre 1967 et 1991...

 

Fantasia chez les ploucs de Gérard Pirès (1971) - ★★★★☆☆☆☆☆☆

 

 

Avoir dans sa calebasse un casting pareil et nous servir en guise de plat principal un met dont les seules saveurs sont les noms des principaux interprètes, voilà de quoi froncer les sourcils, serrer les poings et les dents, l'écume aux lèvres et l’œil injecté de sang. Des acteurs interchangeables mais pas nécessairement au fait des choix les plus judicieux comme le démontre notamment cette pellicule bien trop déjantée pour être honnête. Gérard Pirès a bien le droit de faire du Yanne, du Lautner ou du Audiard mais encore doit-il entreprendre la chose avec un minimum de savoir-faire. Mireille Darc retrouve Lino Ventura cinq ans après Ne nous fâchons pas de Georges Lautner en 1966 et rencontre Jean Yanne un an avant Laisse aller... c'est une valse ! lui aussi réalisé par Georges Lautner mais cette fois-ci en 1971. Gérard Pirès réunit donc ces trois grands interprètes dans ce qui demeure encore à ce jour l'une des fantaisies cinématographiques hexagonales parmi les plus insupportables qui soient. Ici, ce ne sont pas les ruptures de ton qui fatiguent, épuisent, éreintent et grillent le cerveau mais ces constants changements de rythme et la nature même du récit qui terminent de convaincre que tout ici n'est qu'une manœuvre éhontée cherchant à cacher les innombrables faiblesses d'un script par une accumulation ininterrompue d'actes loufoques. Lesquels atteignent rarement, pour ne pas dire jamais, le niveau requis pour que le public s'esclaffe devant les pitreries de nos trois héros et des seconds rôles qui les accompagnent.

Comme quoi l'on peut aimer se fendre la poire devant un bon Audiard, un Veber ou un Blier-fils, se tordre de rire devant une friandise anglo-saxonne genre Mr Bean, Benny Hill et Les Monty Python ou bien même éclater de rire devant un bon vieux ZAZ tout en demeurant totalement indifférent devant l'affligeant spectacle de trois immenses interprètes s'adonnant à une sorte de gaudriole farfelue même pas digne de figurer dans le même classement que les pires œuvres des Charlots (que j'adore, au demeurant) ou de Philippe Clair (voir Le Führer en folie, c'est vivre les symptômes d'un arrêt vasculaire cérébral sans en être réellement victime). Et si vous trouvez que cette dernière phrase fut bien trop longue, c'est qu'en comparaison vous n'avez pas encore jeté un œil à cette indigeste folie signée de l'auteur de choses plutôt sympathiques comme L'Agression en 1974 ou L'Entourloupe en 1980 mais aussi de Taxi en 1998 et de Double Zéro en 2004. Bref, vous avez compris que le bonhomme est capable de produire du bon grain aussi bien que de l'ivraie. Des rednecks bien de chez nous (Ventura et Yanne), une strip-teaseuse à moitié nue (la délicieuse Mireille Darc), un gangster (l'acteur italien Nanni Loy dans le rôle de Dr. Severance), l'idiot du village Noé (Jacques Dufilho) ou deux flics complètement débiles incarnés par Georges Beller et Rufus. Un trafic d'alcool frelaté, un vol de diamants, des musiques psychédéliques et classiques, des cascades, des courses-poursuites, soit un melting-pot de tout et n'importe quoi pour une œuvre fourre-tout, lourdingue dans son approche mais aussi, au contraire, extrêmement légère lorsqu'il s'agit d'évoquer les dialogues. N'est pas Michel Audiard qui veut... Ah ! J'allais oublier : je ne sais plus où j'ai lu ça mais le film de Gérard Pirès aurait, paraît-il, été l'une des principales sources d'inspiration pour la série culte américaine Shérif, fais-moi peur (The Dukes of Hazzard) créée par Gy Waldron à la fin des années soixante-dix. Comme dirait Eric Zemmour : ''Ben voyons... !''

 

Dernier domicile connu de José Giovanni (1970) - ★★★★★★★☆☆☆

 

 

Bien avant d'être naturalisé suisse en 1986, le futur réalisateur et scénariste français José Giovanni de son vrai nom Joseph Damiani allait se rendre coupable de vols à l'encontre du peuple juif en août 1944. Pire : un an plus tard, il sera au centre d'une sordide affaire de triple meurtres auprès de son frère Paul et d'un ancien de la milice allemande et un autre de la Gestapo ! Autant dire qu'à l'époque l'on est loin d'imaginer que José Giovani deviendra l'un des grands pourvoyeurs en matière de thrillers et de films d'aventure à la française. Car en effet, bien que sa fin de carrière sera nettement moins passionnante, on lui devra Le rapace en 1968, Deux hommes dans la ville en 1973, Le gitan en 1975 ou encore Les égouts du paradis quatre ans plus tard. En 1970, il signe son troisième long-métrage juste après avoir adapté et écrit les dialogues du Clan des siciliens pour Henri Verneuil en 1969. Dernier domicile connu a ceci de spécifique qu'il ne ressemble absolument pas à ce que l'on à l'habitude de voir dans notre pays en matière de films policiers et de polars. Et pourtant, celui-ci s'inscrit bien dans la continuité d'un genre qui fait florès chez nous puisqu'il s'agit de l'adaptation cinématographique du premier ouvrage de l'écrivain américain Joseph Harrington qui était lui-même spécialisé dans l'écriture de romans policiers. Adapté de The Last Known Address, Dernier domicile connu met en scène l'immense Lino Ventura dont la carrière débutera auprès de l'acteur Jean Gabin avant qu'il ne devienne la vedette principale du Gorille vous salue bien de Bernard Borderie en 1958. Sa carrière est donc véritablement lancée cette année là et jusqu'à la fin, ce fils d'immigré italien et ancien catcheur n'aura de cesse que d'incarner de charismatiques personnalités. Sa présence au générique de Dernier domicile connu est en cela presque étonnante tant il paraît être contraint de faire preuve de retenue même si, il est vrai, le personnage de l'inspecteur principal Marceau Leonetti qu'il incarne sort ses griffes à quelques occasions. Flic irréprochable, détenteur de la Légion d'Honneur, Leonetti arrête un jour un jeune homme pris de boisson qui au volant de son véhicule fait l'imbécile. Fils d'un grand avocat, son père a cependant rédigé un rapport en totale contradiction avec les faits et Leonetti se voit muté dans un autre quartier à s'occuper d'affaires sans intérêt.

Un jour, l'un de ses supérieurs lui confie la tâche de repérer les pervers dans les cinémas pornographiques et pour cela, on lui colle aux basques la toute jeune auxiliaire de police Jeanne Dumas. La mission est pénible, surtout pour cette dernière, contrainte de se coltiner des individus libidineux qui se frottent à elle dans la glauque moiteur des salles obscures. Mais bientôt, une nouvelle affaire est confiée à Leonetti et Jeanne : retrouver Roger Martin (l'acteur Philippe March), lequel doit témoigner lors d'un très important procès mais sur lequel personne n'arrive à mettre la main depuis des mois. Les deux flics n'ont devant eux que huit jours pour retrouver celui qui doit témoigner au procès du truand Soramon. Film à l'ambiance et au rythme très particuliers, Dernier domicile connu met également en scène la délicieuse Marlène Jobert qui avant ce policier, avait en l'espace de quelques années seulement rencontré Jean-Luc Godard, Michelle Deville, Yves Robert, Louis Malle ou encore Michel Audiard. Si la chose n'apparaît pas à l'écran, il faut savoir que sa carrière n'aurait pu être qu'un fantasme si elle n'avait pas croisé un chirurgien esthétique de talent qui lui sauva littéralement la vie alors qu'elle n'avait que vingt-deux ans. C'est à cet âge là en effet que la future actrice allait être la victime d'un grave accident qui allait temporairement la défigurer ! Et pourtant, tout comme la ''grande sauterelle'' Mireille Darc à la même époque, Marlène Jobert deviendra l'une de ces quelques superbes poupées régulièrement employées dans le cinéma français des années soixante-dix et quatre-vingt. Dernier domicile connu est conçu de manière très étrange non pas constituée de courses-poursuites effrénées à pieds ou en voiture ou de fusillades mais d'une succession de prises de contact avec des hommes et des femmes qui pourraient apporter leur aide à nos deux policiers qui vont nouer une très cordiale relation professionnelle malgré le comportement un peu bougon de Leonneti et l'amateurisme de sa nouvelle partenaire. Dans l'ombre de l'un et de l'autre, quelques mystérieux individus, à l'image de Michel Constantin qui interprète un certain Greg. Mais aussi quelques autres nettement plus sympathiques, comme Jacques Loring qu'incarne Paul Crochet. Ajoutons la très belle partition musicale du mythique compositeur français François de Roubaix et l'on tient là un étonnant polar, dont les mécanismes s'avèrent relativement inédits. Une excellente surprise portée par un duo d'acteurs remarquables...

 

Un Témoin dans la Ville d'Édouard Molinaro (1959) - ★★★★★★★☆☆☆

À bord d'un train de nuit, Pierre Verdier jette sa maîtresse Jeanne Ancelin par dessus bord parce qu'elle veut le quitter. Après avoir été soupçonné, il est finalement acquitté par le juge d'instruction. Mais l'époux de Jeanne, persuadé qu'elle ne s'est pas suicidée et que c'est son amant qui l'a tué est bien décidé à venger la mort de sa femme qui l'a pourtant trompée. Ancelin s'introduit chez Pierre Verdier, l'attend, et le tue par pendaison. Mais lorsque l'assassin quitte la demeure, il tombe sur le radio-taxi Lambert, témoin de sa présence sur les lieux. Alors qu'Ancelin tente de se constituer un alibi en payant une prostituée cinq mille francs en la faisant passer pour une conquête auprès d'un collègue chauffeur routier, l'homme n'a cependant qu'une obsession : retrouver et se débarrasser de celui qui l'a vu sortir de chez Verdier. Commence alors une folle aventure, entre la surveillance du domicile de Lambert et sa poursuite dans les rues de la ville...

Lorsque le réalisateur français Édouard Molinaro réalise en 1959 Un Témoin dans la Ville, il a déjà derrière lui toute une série de documentaires et de courts-métrages ainsi que deux longs-métrages, Le Dos au Mur en 1958 et Des Femmes Disparaissent l'année suivante. Un Témoin dans la Ville est une véritable tragédie. Ou comment un homme pourtant trahit par sa femme qui fréquentait l'homme qui finira par la tuer décide de venger sa mort en traquant et tuant son assassin. Édouard Molinaro réalise un troisième long-métrage convainquant incarné par un Lino Ventura formidable dont le personnage de Lancelin personnifie merveilleusement bien les difficultés que peut rencontrer un homme contraint de se débarrasser d'un témoin gênant. C'est ainsi que l'acteur adapte le comportement d'Ancelin en fonction de celui qu'il projette d'assassiner. Autant, l'immense Lino Ventura arbore le visage dur du bras vengeur qui malgré l'adultère de son épouse (l'actrice Françoise Brion) est bien décidé à faire payer l'auteur de son meurtre, autant on le voit défaillir à plusieurs reprises (et notamment lors de la séquence située sur un quai de métro), blêmissant à l'idée de se débarrasser d'un individu auquel, au fond, il ne peut que reprocher d'avoir été au mauvais endroit, au mauvais moment...

Tiraillé par son dégoût de l'acte en lui-même et de la nécessité de se débarrasser du seul homme qui pourrait le faire accuser du meurtre de Pierre Verdier (l'acteur Jacques Berthier), Lino Ventura se retrouve au cœur d'un thriller qui ne le voit non pas traqué à son tour par la police, mais par toute une équipe formée autour des collègues chauffeurs de taxi et standardistes de Lambert. Édouard Molinaro filme une grande partie de Un Témoin dans la Ville de nuit, offrant un caractère parfois sinistre à un récit qui ne l'est pas moins. Le choix fut proposé à la future star Lino Ventura d'incarner le rôle de Lambert. Cependant, l'acteur lui préféra nettement celui d'Ancelin, le rôle du chauffeur de taxi tombant alors entre les mains de l'acteur italien Franco Fabrizzi. Un personnage que tente de rendre attachant le réalisateur et les scénaristes Gérard Oury, Alain Poiré et Georges Tabet en lui offrant une idylle avec l'actrice Sandra Milo qui elle, incarne la standardiste Liliane.

Très bien interprété, Un Témoin dans la Ville est surtout fort d'une mise en scène efficace, d'une interprétation soignée et d'un montage plutôt vigoureux. Mais l’œuvre d'Edouard Molinaro est surtout un thriller efficace, une descente aux enfers pour un homme pas ou peu préparé à ce qui l'attend. C'est toute la subtilité de Lino Ventura que d'avoir su incarner un homme comme tout le monde dans une aventure hors du commun. Adapté de l’œuvre des romanciers Pierre Boileau et Thomas Narcejac, le long-métrage d’Édouard Molinaro signe l'un des premiers rôles vraiment importants de Lino Ventura. Parmi les interprètes secondaires, on notera la présence de Jacques Monod qui au début incarne l'avocat de Verdier, de Daniel Ceccaldi en client de taxi étranger ou plus discrètement, de celle de Robert Castel dans le rôle de Bob la Tenaille...

L'Emmerdeur d'Edouard Molinaro (1973) - ★★★★★★★★☆☆ (première partie)

Un attentat manqué, un tueur à gages qui en ratant sa cible est tué à son tour. Remplacé au pied levé par celui-là même qui l'a tué, un certain Milan, lequel va devoir ensuite tuer Louis Randoni, un conseiller juridique, qui doit comparaître ce jour là à 14 heures à la quatrième chambre de la préfecture de l’Hérault. L'homme qui échappa quelques jours auparavant à la tentative de meurtre ratée par le premier tueur à gages, c'était donc lui. Vous me suivez ? C'est sur ce postulat de départ qui fit sans doute des jaloux parmi les scénaristes américains de l'époque comme nous le verrons plus loin que le scénariste Francis Veber livre le scénario de l'une des plus fameuses comédies françaises de cette première moitié des années soixante-dix. Un sujet pourtant pas tout à fait original puisque Francis Veber ne fit qu'adapter la pièce Le Contrat qu'il écrivit déjà lui-même pour le théâtre à l'attention du metteur en scène Pierre Mondy.

L'Emmerdeur. Voilà un titre qui colle parfaitement au personnage incarné par le chanteur et acteur belge Jacques Brel. Car non content d'avoir récupéré la chambre d’hôtel mitoyenne de celle d'où Milan devra abattre Louis Randoni, ce dépressif personnage, abandonné par une épouse qui a préféré se jeter dans les bras de son psychiatre, va en faire voir de toutes les couleurs au tueur à gages. En opposant la brute épaisse Lino Ventura au frêle Jacques Brel, le cinéaste Édouard Molinaro a tapé dans le mille. Amis le temps d'un long-métrage signé Claude Lelouch une année auparavant (L'Aventure, c'est l'Aventure), les deux acteurs campent bien malgré leurs personnages respectifs, deux antinomies d'un point de vue comportemental. L'une des plus fameuses idées du scénario étant de pousser Milan-Ventura dans ses derniers retranchements. A devoir batailler pour que son encombrant voisin de chambre n'attire pas la police avec ses tentatives de suicide. Voilà donc le tueur à gages transformé en protecteur. D'un côté, le projet de meurtre, de l'autre la tentative désespérée consistant à calmer les ardeurs suicidaires de François Pignon-Jacques Brel. François Pignon, justement... l'un des personnages les plus récurrents du cinéma comique français avec son alter ego François Perrin puisque le premier apparaîtra dans pas moins de sept longs-métrages et deux pièces de théâtre dont Les Fugitifs, Le Dîner de Cons, et Le Placard.

En pariant sur un Lino Ventura que l'on imagine davantage interpréter des personnages de films policiers que des comédies, Édouard Molinaro permet justement d'aboutir à un saisissant contraste entre cette brute froide et déterminée perdant parfois son sang-froid et un Jacques Brel, lui aussi (involontairement) déterminé à lui gâcher la journée. L'Emmerdeur accumule les scènes cultes inoubliables. Ventura et Brel offrent un spectacle de tous les instants que le simple statut de comédie du film n'empêche jamais de respecter le rôle qui leur est confié. Le caractère diamétralement opposé de ses deux héros est une formule magique qui fonctionne toujours à merveille. Entendre Jacques Brel raconter sa vie, son désespoir, s’appesantir sur son sort, se déchaîner sur le coffre d'une voiture qui n'est pas la sienne, hurler dans la rue, emmerder Lino Ventura reconverti en chauffeur, provoquer un accident, est un pur régal. L'ancien catcheur n'est lui-même, pas en reste. Le voir garder son calme jusqu'au point de rupture survenant lorsque Brel-Pignon pérore sur la possibilité que la femme enceinte qu'il ont embarqué dans le véhicule y accouche est tout simplement jouissif ! Le spectateur notera d'ailleurs la précision avec laquelle le cinéaste encadre le lent pétage de plombs à venir. Regard de Ventura menaçant, et main gantée serrant fermement le volant.

L'Emmerdeur n'est pas épuisant que pour son tueur à gages. Le spectateur sera lui-même soufflé par l'incessant ballet de contradictions qui opposent les personnages et les rendent ainsi, si drôles et si attachants. On en oublierait presque que Milan doit honnorer un contrat menant à l’assassinat d'un homme et l'on souffre de la tournure que prend ce qui demeurera certainement comme la plus longue journée de son existence. Inutile de préciser que les commentaires laissés par quelques ploucs et ignares sur la toile affirmant que le film est ennuyeux méritent que l'on envoie leur auteur sur le peloton d'exécution. L'Emmerdeur est un petit chef-d’œuvre comme on n'en voit malheureusement plus que très rarement de nos jours. A noter la présence de l'acteur Jean-Pierre Darras dans le rôle du Docteur Fuchs, psychiatre et amant de l'épouse de Pignon, et de Caroline Cellier dans celui de Louise Pignon, la femme en question...

Suite et fin dans le prochain article...

Un Papillon Sur L’Épaule de Jacques Deray (1978)

Roland Fériaud arrive à Barcelone à bord d'un paquebot. Un arrêt d'une semaine dans une ville espagnole où doit très vite le rejoindre Sonia, son épouse avant de poursuivre son voyage vers l'Australie. Miguel Carrabo arrive quand à lui à la gare de Barcelone par le train et accompagné de sa femme. Alors qu'ils quittent l'enceinte de la gare, les époux se séparent, lui prenant la route vers l'hôtel Colon à bord d'un taxi et elle, à pieds et chargée d'une mallette. Roland Fériaud a lui aussi réservé une chambre dans ce même hôtel. Il arrive peu de temps après Miguel Carrabo et c'est en se rendant dans sa chambre qu'il entend des gémissements dans celle qui jouxte la sienne. Roland frappe à la porte et, n'obtenant aucune réponse, décide de pénétrer l'appartement. Mais lorsqu'il tombe sur le corps inanimé de Miguel carrabo, il est assommé.

Se réveillant dans la chambre d'un hôpital, il en parcours les couloirs afin de trouver du personnel. Mais à part un étrange médecin et un vieux fou, les lieux sont déserts. Durant trois jours Roland est soigné et questionné sur une mallette dont il ne sait rien et pour une raison qui lui demeure inconnue. A l'issue de son traitement il est rendu à sa liberté et part retrouver Sonia qui doit arriver par le dernier train. Sentant que son époux est préoccupé, celle-ci le questionne mais Roland tente de la rassurer sans toutefois y parvenir totalement. Ce dernier a réservé une chambre dans un nouvel hôtel mais abandonne un moment Sonia pour aller récupérer ses affaires à l'hôtel Colon. C'est là qu'il croise la route de Madame Carrabo, inquiète de ne pas avoir de nouvelles de son époux...

Réalisé par Jacques Deray (qui tourna beaucoup avec Jean-Paul Belmondo), Un Papillon Sur L’Épaule dénote quelque peu dans la carrière de l'immense Lino Ventura. Cet acteur, ancien catcheur, qui interpréta avec vigueur une pléthore de personnages forts en gueule et maîtres de leurs destins se pose ici en victime d'une intrigue qui lui échappe totalement. Commun des mortels face à une troublante histoire de meurtres, de mallette et d'erreur sur la personne, il assiste, impuissant au déroulement d'une affaire qu'il choisit de mêler à la police avant de s'en charger lui-même. Cette même autorité à laquelle il ne peut faire confiance tant l'engrenage dans lequel il est bien involontairement impliqué semble bien huilé.

L'un des points essentiels de cette aventure est le lieu choisit pour tourner l'intrigue. En plongeant Lino Ventura dans un pays étranger, il accentue l'aspect étouffant et inquiétant de ce qui lui tombe sur le dos. De même que les personnages qu'il est amené à croiser et qui conservent définitivement une distance avec lui, sans jamais aller au fond des choses et créant ainsi un climat trouble, même envers les spectateurs qui mettront du temps avant de parvenir à dénouer les nœuds de cette histoire.

Il n'y a guère que l'excellente Nicole Garcia pour replonger le grand Lino dans le quotidien qui lui est cher. Une interlude bien trop courte puisqu'à nouveau c'est un cadavre qui va le replacer dans un contexte inhabituel. On terriblement envie de le pousser vers la sortie. Il est aisé en effet de s'identifier à ce personnage tout à fait commun, confondu avec un autre et sur lequel le destin va s'acharner. On appréciera les interventions de Jean Bouise et Paul Crochet. Le premier dans le rôle d'un médecin énigmatique et le second dans celui d'un homme ayant perdu la tête.

Nous passerons outre les quelques défauts du film (techniquement il reste imparfait) pour profiter exclusivement de cette aventure qui nous permet de croiser un Lino Ventura différent mais au charisme et au talent, eux, inchangés...

La Cage de Pierre Granier-Deferre (1975) - ★★★★★★★☆☆☆

Lino Ventura, ce grand, cet immense acteur au physique de brute épaisse. Comment avant La Cage aurait-on pu l'imaginer enfermé derrière les barreaux d'une prison. Comme un fauve. Comme un singe pour le seul plaisirs des yeux de son ancienne épouse ? L'actrice suédoise Ingrid Thulin. Une interprète qui, mine de rien, avait déjà tourné sous la houlette d'Ingmar Bergman, Vincente Minnelli, Alain Resnais et Luchino Visconti, et toucher à l'érotisme auprès de Tinto Brass avec Salon Kitty et l'épouvante avec La Corta Notte delle Bambole di Vetro d'Aldo Lado. Fragile, Ingrid Thulin ? Pas tant que cela. Son personnage, oui. D'une intense fragilité psychologique dirons-nous. Une peu folle, mais en pleine maîtrise de ses moyens lorsque son personnage invente un prétexte pour attirer, et enfermer son ancien mari dans une cage située dans la cave de sa maison de campagne. Hélène est en effet très perturbée depuis l'abandon de Julien il y a de cela plusieurs années déjà. Des années qui n'ont pas effacé le chagrin, et ce sentiment d'avoir été jetée comme un kleenex. Lino Ventura, en monstre ? Là encore, difficile d'y croire. Surtout lorsque le cinéaste Pierre Granier-Deferre nous explique que si Julien a divorcé, ça n'est pas par dédain, ni parce qu'il en a trouvé une mieux qu'elle, mais parce qu'à force d'étouffer auprès d'une Hélène jalouse, méfiance, il a pris la fuite.

Quatre années après le désespéré Le Chat, avec Simone Signoret et Jean Gabin, Pierre Granier-Deferre nous propose une nouvelle lecture des rapports qu'entretiennent un homme et une femme dont la relation est arrivée en bout de course. Et toujours chez lui, c'est la femme qui trinque. Sauf qu'ici, tout y demeure beaucoup plus nuancé. Moins sombre, moins déprimant, La Cage aurait pourtant enfoncer le clou de l'atmosphère étouffante de son prédécesseur avec ce huis-clos se déroulant presque exclusivement dans la cave d'une maison à peine éclairée, mais aménagée sommairement de manière à ce que Julien puisse y rester aussi longtemps que le jugera son ancienne femme. La belle et mature Ingrid Thulin. Un brin dérangée tout de même, mais assez forte pour parvenir à ses fins.

Le lion, dans sa cage, tente par tous les moyens de s'en sortir. Des ressources inutiles dans ce genre de cas puisque Hélène a pensé à tout. Barreaux en acier, toilettes sans fenêtre, et porte verrouillée impossible à dégonder. Comme dans Le Chat, et ici plus encore, l'intrigue repose essentiellement sur les dialogues et sur le talent de ses interprètes. Une fois encore, Pierre Granier-Deferre s'occupe lui-même du scénario tout en s'entourant de l'écrivain, dialoguiste et scénariste français Pascal jardin, les deux hommes adaptant pour l'occasion une pièce de théâtre de Jack Jacquine.

L'histoire se répète. Un homme et une femme se rencontrent, s'aiment, se marient, puis se séparent (du moins dans le cas présent). Sauf que dans ce classique déroulement vient s'inscrire un événement qui va tout bouleverser. Dans Le Chat, Simone Signoret,entre le choix du suicide ou de l'homicide préférait tuer le félin. Un acte stupide qui ne résolvait pas les problèmes de son couple et avait tendance même à les rendre plus difficiles encore. Concernant La Cage, c'est la même chose. Car au fond d'elle, Hélène espère, en enfermant Julien, récupérer celui qui lui avait tant manqué durant toutes ces années. C'est malheureusement l'effet inverse qui se produit. Lui d'habitude si calme et si attaché à Hélène devient mauvais, violent, et surtout haineux. Tout le contraire de ce qu'attendait de cette situation Hélène.

Pierre Granier-Deferre est pourtant cette fois-ci beaucoup moins radical. Bien moins expéditif. Il demeure même dans le dernier acte un réel espoir. Pas celui de renouer en amour, mais le retour à une certaine complicité, et ce, malgré la drame qui vient tout juste de survenir. Le point d'orgue d'une œuvre qui se révèle finalement à part dans la carrière de Lino Ventura qui campe pour l'occasion un rôle diamétralement opposé à ceux qu'on lui connaissait jusque là. Une œuvre rare, pas un chef-d’œuvre, loin de là, mais tout de même intéressante à découvrir...

The Medusa Touch (La Grande Menace) de Jack Gold (1978)

En voyage en Angleterre afin d'éprouver les techniques d'enquêtes mises en œuvre par la police londonienne, l'inspecteur français Brunel est dépêché sur les lieux d'un crime dans lequel le romancier John Morlar a trouvé la mort. Cependant, en examinant la demeure de la victime, ils s'aperçoivent qu'elle n'est pas morte et la font transporter à l’hôpital où miraculeusement, son cerveau pourtant très endommagé semble retrouver toutes ses facultés. Plongé dans un profond coma, Morlar est incapable de témoigner de ce qui lui est arrivé et Brunel compte sur le docteur Zonfled, psychiatre que suivait la victime pour remonter le fil de son histoire afin de comprendre qui a pu tenter de l'assassiner.

De plus, Brunel tombe sur un dossier dans lequel Morlar a réuni tout un tas d'articles faisant références à d'innombrables catastrophes ayant eu lieu durant de nombreuses années. D'après le docteur Zonfeld, son patient affirme être à l'origine de toutes ces catastrophes. Ces événements remonteraient jusqu'à sa plus tendre enfance durant laquelle il aurait provoqué la mort de ses parents ainsi que celle de sa nounou. Brunel commence alors à se demander si Morlar ne serait pas doué de pouvoirs télékinésiques et si sa mort aurait un n'aurait pas un lien avec eux...

le cinéaste Jack Gold s'inspire pour son The Medusa Touch du roman éponyme de Peter Van Grenaway. Une œuvre qui ne fut jamais traduite en français mais qui, portée à l'écran, se révèle un film particulièrement réussi. Sans doute l'une des œuvres les plus marquantes de la fin des années soixante-dix et parmi les plus terrifiantes également. Le plus étonnant dans The Medusa Touch, c'est qu'il n'y ai pas vraiment eu de rencontre entre les deux immenses stars que sont les acteurs Lino Ventura et Richard Burton. Le premier enquêtant sur la tentative d'assassinat du second, plongé dans le coma et recouvert de bandages, nous ne sommes jamais vraiment certains que l'homme allongé sur son lit d’hôpital soit réellement la star américaine mais plutôt une doublure.

A leurs côtés, c'est l'actrice Lee Remick qui interprète le rôle du docteur Zonfeld. En dehors de cette dernière, de Richard Burton et de la majorité des seconds rôles d'origine américaine ou britannique, seuls l'actrice Marie-Christine Barrault dans le rôle de l'épouse de Morlar est d'origine française. La musique du compositeur Michael J. Lewis crée une ambiance angoissante qui ne s'éteint jamais. L'enquête constituée de témoignages, d'interrogatoires et de flash-back est passionnante à suivre et retrouver Lino Ventura dans une œuvre aux antipodes du cinéma auquel il nous avait habitués jusqu'ici est un vrai régal.

La présence de Richard Burton y est pour beaucoup également. La froideur de son personnage mais aussi et surtout de son pénétrant regard font véritablement froid dans le dos. Jack Gold signe une œuvre mêlant film policier et fantastique réussie. The Medusa Touch revisite le thème de l'homme assimilé à une sorte de Dieu (de Diable) maléfique s'octroyant le droit et le pouvoir d'effacer de la surface de la Terre tous ceux qu'ils jugent mériter de mourir.

Notez qu'à sa sortie en France, et malgré la souplesse de la commission de censure française, le film est sorti expurgé de quelques minutes par rapport à la version anglaise dans lequelle quelques brefs passages sanguinolents apparaissent lors de la catastrophe qui clôt le film...