La Chiesa de Michele Soavi (1989) - ★★★★★★☆☆☆☆

 

 

Michele Soavi est et restera sans doute à jamais pour les fans de cinéma d'épouvante le réalisateur du slasher Deliria (plus connu sous le titre Bloody Bird) en 1987 ou de la comédie horrifico-fantastique Dellamorte Dellamore en 1994. Pourtant, entre les deux, l'homme réalisa deux longs-métrages sur lesquels il demeure intéressant de se pencher. La Chiesa en 1989 ainsi que La Setta en 1991 et sur lequel je reviendra sans doute très prochainement... Sorti sur le territoire français sous le titre Sanctuaire, le premier des deux s'ouvre sur une séquence situant son action au Moyen Âge. L'on y découvre des chevaliers teutoniques éradiquer jusqu'au dernier les habitants d'un village soupçonné de pratiquer la sorcellerie. Les cadavres sont ensuite réunis dans une fosse, puis recouverts de terre. Une fois le charnier entièrement comblé et afin de protéger le site et de faire barrage à tout retour éventuel à la vie de ses habitants massacrés, une immense croix est construite au dessus. Puis c'est au tour d'une cathédrale de voir ensuite le jour. Lieu dans lequel vont se dérouler la majorité des événements qui par la suite se situeront à notre époque. Enfin, surtout à la toute fin des années quatre-vingt, à une période où le cinéma fantastique et d'horreur transalpin semble devoir se déliter après avoir connu une riche amplitude s'inscrivant entre les années soixante et cette décennie qui verra donc le genre péricliter. Michele Soavi est à cette époque et aux côtés de Dario Argento, un cas relativement isolé. Si ce dernier continue d'attirer les foules à l'époque avec Opera ou sa participation aux côtés de l'américain George Romero au projet Due Occhi Diabolici en réalisant le segment Il Gatto Nero, d'autres ont fait tomber le genre dans la disgrâce. Sans être d'une maîtrise totale dans tous ses compartiments, La Chiesa n'en demeure pas moins un exercice de style plutôt intéressant. Du moins sur certains points. Un soubresaut artistique qui tente de maintenir l'horreur et le fantastique italiens sur des rails solides. Réalisateur, scénariste et interprète (on le voit, tout comme dans Bloody Bird, incarner le rôle d'un policier), Michele Soavi a le soucis du travail bien fait. Il demeure cependant dans La Chiesa comme dans bon nombre d’œuvres originaires de la Botte une tendance à l'accumulation de situations dont l'invraisemblance est renforcée par un montage qui semble être propre au cinéma italien !

Une étrange approche de la mise en scène que l'on pouvait déjà remarquer chez Lucio Fulci et qui ici paraît se démultiplier à l'envi... Rien de préjudiciable pour quiconque est un habitué mais le profane, lui, risque parfois de n'y rien comprendre. S'il est un événement qui par contre est parfaitement identifiable, c'est cette malédiction qui semble devoir toucher la cathédrale et ses ''usagers''. Un superbe édifice du nom d'Église Notre-Dame-de-l'Assomption de Budavár, laquelle est toujours située à Budapest mais qui fut cependant reconstruite à plusieurs occasions (un incendie la ravagera notamment en 1526 après une attaque ottomane à l'issue de quoi elle sera transformée en Mosquée !!!). La Chiesa est incarné par des interprètes d'horizons diverses, comme le britannique Hugh Quarshie qui joue le rôle du père Gus, l'américain Tomas Arana qui lui, interprète celui d'Evan, l'évêque étant quant à lui incarné par l'acteur italo-américain d'origine russe Fiodor Fiodorovitch Chaliapine (Michele Soavi le sélectionnant sans doute après l'avoir découvert dans le chef-d’œuvre du réalisateur français Jean-Jacques Annaud, Le nom de la rose). Quant à l'italienne Barbara Cupisti, elle interprète le rôle la restauratrice Lisa. Notons la présence d'Asia Argento alors âgée de seulement quatorze ans dans le rôle de Lotte et dont le père, Dario Argento, a produit le film. Ou celle de l'acteur Giovanni Lombardo Radice que les amateurs de cinéma d'horreur connaissent alors très bien puisqu'il apparu notamment dans Pulsions cannibales d'Antonio Margheriti en 1980, Frayeurs de Lucio Fulci l'année suivante (dans lequel il connu une mort atroce) ou dans le tout aussi gore Cannibal Ferox d'Umberto Lenzi la même année et dans lequel il incarna l'ignoble Mike Logan... La Chiesa est bourré de bonnes idées pourtant parfois si mal agencées que l'on se perd un peu dans le récit. Approchant les cent minutes, le film aurait mérité d'être un peu dégraissé car il a tendance à tourner en rond dans sa dernière partie. Le film de Michele Soavi n'en demeure pourtant pas moins un très bon divertissement pour amateur d'horreur et de fantastique à l'italienne. Quelques effets gore, une Asia Argento toute mimi, un cadre religieux relativement saisissant, bref, l'on passera outre l'interprétation sinon calamiteuse, du moins perfectible d'une partie de ses interprètes pour se laisser porter par ce récit entre religieux, horreur et fantastique...

 

Occhiali neri de Dario Argento (2022) - ★★★★★☆☆☆☆☆

 

 

 

La sortie d'un nouveau long-métrage signé du réalisateur italien Dario Argento est toujours un événement. Même lorsqu'il s'inscrit dix ans après le médiocre Dracula 3D sorti en 2012. L'auteur de la plupart des plus grands gialli des années soixante-dix et quatre-vingt revenait donc il y a deux ans avec Occhiali neri, œuvre qui signe également le retour de l'auteur de Suspiria, de Profondo Rosso ou de Tenebrae dans un genre qui le rendit célèbre et auquel il donna ses lettres de noblesse. Il y a, dans ce retour au cinéma de Dario Argento, une bonne et une mauvaise nouvelle. La bonne, c'est que le cinéaste ne signe là, pas son plus mauvais film. La mauvaise, c'est qu'il ne s'agit pas non plus d'une œuvre qui marquera les esprits des fans de la première heure ni même ceux qui découvrirent la filmographie de l'italien sur le tard ! Pourtant, en dépit d'un nombre relativement important de critiques négatives, Occhiali neri est loin d'être l'infamie à laquelle nous aurions pu nous attendre. Surtout si l'on prend en considération les dernières productions du réalisateur et scénariste transalpin qui au sein d'une filmographie jusque là, plutôt brillante, avaient terminé de ternir une réputation et une carrière auxquelles il aurait sans doute dû mettre un terme il y a environ un quart de siècle. C'est donc à l'âge de quatre-vingt deux ans que Dario Argento est revenu hanter l'esprit des amateurs de gialli en proposant le dernier opus d'une série de longs-métrages presque tous remarquables. Le rôle principal, le réalisateur l'a offert à la splendide actrice italienne Ilenia Pastorelli dont la carrière débuta à l'âge de vingt ans avec On l'appelle Jeeg Robot de Gabriele Mainetti et qui jusqu'à maintenant s'est montrée plutôt éparse. Dans Occhiali neri, elle incarne le rôle de Diana, jeune et jolie call-girl qui perd la vue après avoir été poursuivie en voiture par un tueur en série. Une agression à l'issue de laquelle la jeune femme a causé un grave accident ayant causé la mort d'un couple d'asiatiques dont le fils fut le seul rescapé. Pour ne rien arranger, Diana a perdu la vue. Une cécité causée par une hémorragie.

Ne sachant comment se faire pardonner la mort de ses deux parents, elle rend visite à Chin (Andrea Zhang) et lui offre un jouet avant de laisser sa carte à la directrice de l'orphelinat en cas de besoin. Le garçon s'empare alors de la dite carte et rend visite à Diana qu'il supplie de l'héberger. La jeune aveugle accepte au risque d'avoir des problèmes avec la justice ainsi qu'avec les inspecteurs sociaux Bajani et Baldacci. Contre toute attente, Chin et Diana vont s'épauler et s'entraider afin de mettre un terme aux agissements du tueur en série qui jusqu'à maintenant à fait huit victimes... Si dans le genre Giallo la découverte de l'identité du tueur est l'un des intérêt essentiels de ce genre de production, celle du tueur en question risque de décevoir les amateurs de ''Whodunit''. En effet, ce qui semble au demeurant évident l'est effectivement en définitive. Rien de surprenant donc de ce côté là de l'intrigue. L'atout principal tient donc moins dans l'identité de l'assassin que dans le portrait de la victime qu'il traque tout au long du récit. Et ce, même si la présence d'un protagoniste aveugle n'est pas toute neuve au cinéma (Seule dans la nuit de Terence Young en 1967, Terreur aveugle de Richard Fleischer en 1971 ou encore Don't Breathe de Fede Álvarez en 2016). Plus qu'un simple thriller horrifique, le dernier long-métrage de Dario Argento met en scène un personnage central relativement touchant. À ce titre, Ilenia Pastorelli est particulièrement convaincante et accompagnée par un jeune Andrea Zhang lui-même attachant. Le problème de Occhiali neri demeure dans son approche quelque peu passéiste qui ne lui octroie malgré tout pas le même charme que les premiers gialli signés par l'italien au début de sa carrière. Il va donc falloir se montrer particulièrement indulgent et faire la part des choses. Car si le plaisir de retrouver Dario Argento reste intacte, son dernier film se montre franchement peu encourageant quand à l'éventuelle suite de sa carrière. Nous accorderons malgré tout à Occhiali neri une ambiance parfois intimidante due à la troublante et minimale partition musicale du compositeur Arnaud Rebotini, laquelle accentue une œuvre qui sans elle n'aurait sans doute pas dépassé le stade de l'acceptable. Au final, avec ses quelques meurtres sanglants, sa principale interprètes et quelques idées visuellement intéressantes, Occhiali neri échappe au pire mais ne restera de mémoire que comme l'une des œuvres les plus faibles de leur auteur...

 

Trauma de Dario Argento (1993) - ★★★★★☆☆☆☆☆

 

 

Trauma est une œuvre à part dans la carrière du réalisateur italien Dario Argento puisqu'il s'agit de l'unique long-métrage qu'il tourna aux États-Unis à part sa collaboration avec George A. Romero trois ans auparavant avec Deux Yeux maléfiques (Due occhi diabolici). Dario Argento quittait donc pour la seconde fois son Italie natale pour se rendre après Pittsburgh, ville de Pennsylvanie chère à l'auteur de Zombie et de Creepshow, à Minneapolis où a donc eu lieu le tournage de son onzième long-métrage en solitaire. Le spécialiste du Giallo offre ainsi à sa propre fille Asia (qu'il a eu en 1975 avec l'actrice Daria Nicolodi) l'occasion d'interpréter le rôle principal. Une première pour la jeune actrice alors âgée de dix-huit ans seulement qui retrouvera par la suite et à plusieurs occasions son père ainsi que des cinéastes aussi remarquables que Patrice Chéreau (La reine Margot), Abel Ferrara (New Rose Hotel, Go Go Tales), Gus Van Sant (Last Days) ou encore... Arielle Dombasle (Alien Crystal Palace... tout un programme). La touche américaine de Trauma est si présente que l'on a parfois du mal à imaginer que Dario Argento puisse être derrière ce projet. Si ce n'étaient la présence de sa fille dans le rôle de l'anorexique Aura Petrescu et le scénario que le réalisateur a écrit aux côtés de Franco Ferrini, Gianni Romoli et T.E.D. Klein, lequel fait une fois de plus appel au traumatisme de l'enfance, le long-métrage aurait pu être envisagé comme l’œuvre d'un sous-Brian De Palma...

La mise en scène elle-même se différencie de ce que l'on a l'habitude de voir chez Dario Argento. Surtout à travers ces personnages secondaires d'agents du FBI ici sommairement caractérisés. Le film a alors l'allure d'un thriller de facture très moyenne qui n'attache que peu d'importance à la plupart de ces derniers. Autre aspect qui différencie Trauma des autres productions signées du réalisateur italien : la bande musicale. Ici, point d'Ennio Morricone, de Giorgio Gaslini ou de Claudio Simonetti et son groupe culte Goblin ! En lieu et place de ces fidèles collaborateurs du cinéaste ayant chacun à leur tour participé à l'aventure ''giallesque'', un autre compositeur italien. Le célèbre Pino Donaggio, connu pour avoir composé d'innombrables bandes originales dont la superbe partition de l'un des chefs-d’œuvre de Brian De Palma, Body Double en 1984. Déjà en charge de celle de Deux Yeux maléfiques trois ans plus tôt, il signe avec la bande originale de Trauma une musique qui dénote totalement avec ce que l'on a l'habitude d'entendre chez le réalisateur italien. Dario Argento reprend le concept du tableau/miroir de son immense chefs-d’œuvre Profondo Rosso et en propose une alternative si tant est qu'elle soit plus ou moins crédible, du moins s’avérera-t-elle relativement originale. Asia Argento est accompagnée durant une grande partie de l'aventure par l'acteur américain Christopher Rydell qui dans le rôle de David Parsons tentera tout au long du récit de lui venir en aide. Poursuivie par le docteur Judd (l'acteur Frederic Forrest) et par un tueur insaisissable qui manie une arme des plus originale puisqu'il s'agit d'une sorte de boîtier relié à un collet métallique qui une fois passé autour du cou décapite sa victime !

La promesse de scènes gores qui finalement s'avèrent bien moins fréquentes que dans nombres de longs-métrages réalisés par Dario Argento. Sans être mauvais, Trauma se traîne en longueur sur un peu plus de cent-dix minutes et offre finalement assez peu de séquences mémorables. Le film mêle tout et n'importe quoi : entre jeune fille à problème que cherchent à faire interner ses parents, eux-même reconnus comme deux grands voyants (en témoigne une scène qui partira en eau de boudin), un psychiatre assez louche qui parfois paraît vouloir rivaliser avec le Docteur Samuel Loomis (Donald Pleasence) du Halloween de John Carpenter, tueur mystérieux, enfant témoin des drôles d'agissements de sa voisine...le film étant en outre incarné par des vedettes américaines carrément sous-exploitées. À l'image de Brad Dourif dans le rôle du Docteur Lloyd qui ne fait qu'apparaître en coup de vent où l'inoubliable Piper Laurie qui dans Carrie au bal du Diable interprétait dix-sept ans auparavant la mère bigote de l'héroïne du même nom. L'une des meilleures idées qu'eut à l'époque Dario Argento ne fut non pas de tourner ce Trauma mais d'avoir préféré retourner ensuite dans son pays d'origine afin d'y tourner quelques sympathiques bandes horrifiques au titre desquelles, Le Syndrome de Stendhal et Le Sang des innocents...

 

Le Syndrome de Stendhal (La sindrome di Stendhal) de Dario Argento (1996) - ★★★★★★★☆☆☆

 

 

Il est des filmographies qu'il est urgent de redécouvrir. Surtout lorsque tout comme le réalisateur italien Dario Argento s'apprête à le faire avec son prochain film, un auteur est décidé à revenir au premier plan. Diffusé lors de la soixante-douzième édition de la Berlinade il y a deux jours et tout d'abord prévu pour une sortie italienne le 24 de ce mois-ci, Occhiali neri est le dernier film en date de plus célèbre auteur de Gialli. Et comme citer n'importe lequel de ses nombreux classiques comme exemple pourrait passer pour un affront (qui ne connaît pas en effet Dario Argento, même de nom?), nous n'évoquerons ici que son treizième long-métrage intitulé Le Syndrome de Stendhal (La sindrome di Stendhal). S'il s'avère une certitude que celui-ci n'est pas de ceux qui l'on énumère en priorité lorsqu'il s'agit de faire l'état des lieux d'une filmographie non dénuée d'erreurs de parcours, il faut reconnaître qu'il ne fait pas partie des quelques purges que le réalisateur et scénariste italien a commis dans sa longue carrière vieille aujourd'hui de plus de cinq décennies. Drôle de titre pour une œuvre qui dénote quelque peu avec ce que l'on a l'habitude de voir chez ce cinéaste qui outre quelques incartades dans des univers différents s'est majoritairement appliqué à donner sa version du Giallo. Et ce, souvent d'une main (et d'un œil) de maître. Mais en 1996, trois ans après avoir tourné Trauma auprès de sa fille Asia (laquelle était tout d'abord apparue dans Démons 2 de Lamberto Bava en 1986 ou Le amiche del cuore de Michele Placido six ans plus tard), Dario Argento fait à nouveau appel à sa progéniture et lui offre un rôle à la mesure de son talent et sans doute l'un des plus marquants de sa jeune carrière...

En effet, Asia Argento incarne dans Le Syndrome de Stendhal le personnage d'Anna Manni, jeune inspectrice de la police turinoise à laquelle est confiée la difficile tâche de retrouver la trace d'un tueur et violeur en série qui jusqu'à maintenant à fait dix victimes à Turin et à déjà commencé une nouvelle série de meurtres à Florence où est envoyée Anna auprès des services compétents. Elle-même confrontée au tueur (l'acteur allemand Thomas Kretschmann dans le rôle d'Alfredo Grossi, ce qui n'est pas un spoil que de révéler son identité puisqu'on la découvre assez rapidement), elle va être traquée, violée et blessée avant de prendre le dessus sur son tortionnaire. Une expérience traumatisante qui poussera la jeune femme à consulter un psychiatre du nom de Cavanna (l'acteur Paolo Bonacelli, tortionnaire dans le film culte de Pier Paolo Pasolini, Salò ou les 120 Journées de Sodome) qui parviendra à la convaincre de retourner vivre un temps chez son père... Sans atteindre les cimes de la carrière de son auteur, Le Syndrome de Stendhal n'en est pas moins une œuvre remarquable qui laisse une empreinte peut-être pas aussi durable que des œuvres passées mais dont l'incarnation de sa principale interprète pourra laisser quelques traces dans l'inconscient. Asia Argento y est superbe, envoûtante et désirable. Fragile et victime d'un mal étrange connu sous le nom de ''Syndrome de Stendhal'' (maladie authentique qui doit son nom au célèbre écrivain français du même nom qui lors d'un voyage en Italie en 1817 fut pris d'une sentiment de vertige lors de la visite de la fresques ''Les Sibylles de Volterranode'' située sous la coupole de la Chapelle Niccolini)...

Œuvre à part qui ne constitue plus vraiment un Giallo puisque le tueur est connu d'emblée, Le Syndrome de Stendhal est pourtant typique du cinéma de Dario Argento qui dans ses derniers retranchements finit parfois par devenir d'une noirceur insondable. Ici, pas de charnier putride où pataugent des cadavres pourrissants (Phenomena) mais la folie dans tous ses états. À ce titre, Asia Argento campe une jeune flic non dénuée d'une certaine sensibilité et dont la perruque blonde trahit presque avant l'heure une intrigue portant sur un tueur prétendument mort mais dont le cadavre reste encore à être découvert. Se pose alors la question : Alfredo Grossi est-il réellement mort ? Et si oui, qui a pris sa relève ? À noter que parmi les interprètes l'on retrouve également l'acteur et scénariste français Julien Lambroschini dans le rôle du futur petit ami de notre héroïne, Marco Leonardi dans celui de Marco Longhi ou encore Luigi Diberti dans la peau de l'inspecteur Manetti. Sans être un chef-d’œuvre, Le Syndrome de Stendhal envoûte littéralement le cadre et le récit, ainsi que les spectateurs et gagne en puissance et en intensité au rythme des voyages entrepris par la jeune et belle Anna. Un long-métrage qui mérite amplement d'être redécouvert. Sans doute moins connu que la plupart des films qui furent jusque là réalisés par le maître du Giallo, mais une œuvre qui n'a certainement pas à rougir de la comparaison...

 

Alien Crystal Palace d'Arielle Dombasle (2019) - 👽👽👽👽👽👽👽👽👽👽

Vingt-deux ans... Oui, vingt-deux ans que j'attendais que Bernard-Henri Lévy ose renouer avec la fiction après Le Jour et la Nuit, ce long-métrage aux effets thérapeutiques intenses, bain de jouvence qui permit à tant d'individus de déverser avec plus ou moins d'objectivité leur bile sur l’œuvre et son auteur. Victime du même acharnement que celui dont fit les frais Patrick Sébastien et son pourtant très honorable T'aime trois ans plus tard en 2000, le philosophe, romancier, essayiste, etc, etc, etc, originaire de Béni Saf en Algérie, semble avoir pourtant abandonné toute velléité dans ce domaine et a laissé à son épouse Arielle Dombasle le soin de prendre la relève. Actrice, réalisatrice, scénariste et chanteuse franco-américaine qui n'a plus l'air de vieillir depuis un bon quart de siècle (ce que tentent de prouver les quelques scènes de nu auxquelles elle participe dans son dernier film), la sexagénaire n'en est pas à son premier coup d'essai puisque depuis trente-huit ans déjà, elle nous abreuve ponctuellement de visions personnelles dont le résultat s'avère souvent pompeux et surréaliste. On ne pouvait donc s'attendre à la voir débarquer avec un nouveau projet autre que dans la lignée de Opium réalisé il y a sept ans déjà. Derrière son titre boursouflé, Alien Crystal Palace cache sans doute l'un des plus grands désastres artistiques de tous les temps. Sans doute...

Mais faut-il pour autant s'acharner dessus ? N'y voir qu'un Objet Filmique Non Identifié prétentieux ? On serait tenté de répondre par l'affirmatif tant l'actrice-réalisatrice semble avoir si bien repoussé les limites de l'acceptable en matière de mise en scène et d'écriture. Quant à la direction artistique, sans doute mûrement réfléchie par Vincent Barré (qui pour le coup, porte très bien son nom), elle nous offre l'occasion de faire un bond en arrière de plusieurs décennies. La faute à un budget serré, certes, mais pas seulement. Et dire qu'Arielle Dombasle a loué les services de Florian Bernas, Jacques Fieschi et Nicolas Ker afin de déployer un scénario si dense et si confus qu'à l'écran, le résultat occasionne une incompréhension presque totale. Si ce n'est qu'au bout de deux visions (conception toute héroïque du critique qui veut apporter sa lumière sur une œuvre à ce point complexe qu'il paraît difficile d'en donner une définition exacte), le spectateur entrapercevra quelques éclaircissements quant au contenu de l'intrigue, beaucoup de choses restent encore à l'état d'embryons. Fallait-il qu'ils s'y mettent à quatre, qu'ils jettent chacun de leur côté comme cela semble être le cas, des idées, pour enfin les réunir sans former la moindre cohésion et nous servir ce plat qui aurait voulu être brûlant mais qui au final reste désespérément froid ?

On ne va pas rentrer dans les détails en matière d'histoire puisque en l'état, le scénario de Alien Crystal Palace ne veut rien dire ou presque, ou le fait-il en tout cas de la manière la plus maladroite. Si tant est qu'elle soit naïve, l’œuvre d'Arielle Dombasle est soit un immense doigt d'honneur à la profession, soit une vision aveugle du métier de réalisatrice. Peut-être même une vengeance consommée glacée pointant ceux qui vomirent l'engeance de son époux vingt-deux ans auparavant. Dès les toutes premières secondes, le film semble ''avertir'' les spectateurs du contenu qu'il s'apprête à visionner. Artistiquement dépassé et dès le départ plombé par une monumentale erreur de substantif (en employant le terme ''Androgyne'', le personnage de Hambourg incarné par l'acteur Michel Fau ne voulait-t-il pas en réalité évoquer la notion d'hermaphrodisme?), Alien Crystal Palace expose une galerie de portraits qui auraient sans doute rendu fou de jalousie l'acteur-scénariste-réalisateur Jean-Pierre Mocky de son vivant. Hambourg, ce savant/gourou, erstaz de Raël, au look improbable et aux ambitions démesurées. L'iranien Ali Mahdavi qui dans le rôle d'un producteur incarnerait presque cet idéal que recherche Hambourg. Ou encore Nicolas Ker, ''clone rachitique'' de Gainsbarre mâchant la moitié de son texte et qu'aurait peut-être eu l'idée de faire tourner un jour Andrzej Żuławski s'il était encore de ce monde.

Partageant la vedette avec celui qui en outre compose la majeure partie du score en compagnie de Nicolas Villebrun (les amateurs de Cold Wave et de musique dépressive seront aux anges), Arielle Dombasle traverse l'écran, émeut par sa naïveté, si douce et si fragile qu'on ose à peine hurler devant l'infamie. Si la musique, l'hystérie de Nicolas Ker et les quelques scènes de nu nous maintiennent éveillés, le salmigondis de plans montés à l'arrache par Coralie Rubio qui n'en est qu'à son premier coup d'essai sur format long (après deux courts-métrages en 2014 et 2015) finissent par nous achever. Alien Crystal Palace est une œuvre bordélique, trop généreux en terme d'idées, lesquelles sont excessivement mal employées. Et l'on ne parle pas là du jeu catastrophique de la majeure des interprètes dont Zoé Le Ber semble représenter le pire exemple. À noter la présence d'Asia Argento dans le rôle de Sybille, la compagne de Nicolas... Pathétique mais... culte !!!

Démons 2 de Lamberto Bava (1986) - ★★★★★☆☆☆☆☆

Cela paraît à peine croyable mais Lamberto Bava, fils du célèbre cinéaste italien Mario Bava, auteur du morbide Baiser Macabre en 1980, assistant-réalisateur de son géniteur sur plusieurs longs-métrages (dont Une Hache pour la Lune de Miel et La Maison de l'Exorcisme), co-scénariste sur le film Sanctuaire de Michele Soavi (rendant ainsi la pareille à celui qui co-scénarisa le premier Démons) revient avec un Démons affublé d'un « 2 » signifiant de prime abord qu'il s'agit d'une suite. Ce qui, contrairement à ce qui est très souvent avancé, n'est pas le cas puisque Lamberto bava, ce cinéaste produisant des œuvres manifestement indignes de celles que réalisa son père, semble avoir pris l'option de reprendre son histoire dès le début en changeant simplement de cadre.

La fin de Démons, d'ailleurs, ne laissait aucun doute sur le sort accordé à l'humanité (à moins que j'eusse rêvé?) tandis que dès l'introduction des personnages de sa suite, on comprend que l'auteur de la saga La Caverne de la Rose d'Or a choisi, non pas de réaliser une suite, mais plutôt un remake. Lamberto Bava paraît avoir revu ses ambitions à la baisse. Du cadre fort intéressant de l'écran de cinéma, il choisi désormais celui, beaucoup plus étriqué, de l'écran de télévision. Connaissant le peu de goût de l'italien en matière d'esthétique (il faut voir son goût immodéré pour les décors minimalistes, ringards, et la musique pop de très mauvaise qualité) ses choix en matière d'interprètes (dont le trophée de la plus mauvaise actrice revient très, très, très largement à Coralina Cataldi-Tassoni), et surtout sa pitoyable direction d'acteurs, on peut alors tout à fait imaginer de ne pas lui imputer cette idée pourtant fort réjouissante d'avoir écrit une allégorie sur la force attractive des médias à travers ce démon qui s'extrait de petit poste de télévision de l'une des héroïnes pour en prendre possession et s'attaquer ensuite aux résidents d'un immeuble ultra-moderne.

Cette fois-ci, Michaele Soavi (auteur de l'excellent giallo Bloody Bird) n'est plus de la partie. Le scénario est une fois de plus l’œuvre du quatuor formé par Dardano Sacchetti, Lamberto Bava, Franco Ferrini et Dario Argento, la production étant assumée par ce dernier ainsi que par Ferdinando Caputo. L'histoire, elle, ne change pas vraiment. Encore un film dans le film, mais cette fois-ci, plus question d'évoquer un masque diabolique, le maléfice étant désormais la propriété du petit écran puisque c'est à travers ce dernier que s'introduit le mal.

Comparativement au premier Démons, cette suite ne déroge pas à la règle selon laquelle les acteurs doivent jouer comme des pieds, et le récit devant être ponctué d'innombrables incohérences. On se demande en effet par quel miracle certains « envoûtés » le deviennent. Parmi eux, il en demeure plusieurs qui se retrouvent ainsi possédés sans que l'on ait été les témoins de leur agression par les créatures les pourchassant. Une ellipse qui sans doute, permit à Lamberto Bava de tourner son film à moindres coûts et ainsi économiser sur les effets-spéciaux. Ces derniers, relativement moins nombreux que dans le premier opus, l'italien les a, semble-t-il, exploité au maximum. D'une assez bonne qualité en comparaison du niveau général du film, le cinéaste s'amuse à filmer en très gros plans ses créatures, et notamment l'actrice Coralina Cataldi-Tassoni, épouvantablement mauvaise, et gesticulant de manière si ridicule que l'on finit par désespérer de voir mourir dans les pires conditions son personnage.

A tout moment, il arrive que les interprètes ne soient pas à l'abri du ridicule. Heureusement pour eux, on ne se demande plus depuis longtemps si la responsabilité leur en incombe ou si Lamberto Bava en est le responsable. Ce dernier est prompt à tourner des scènes accumulant involontairement les gags. A propos des invraisemblances évoquées plus haut, l'une des plus fameuses d'entre elles demeure au moment où un groupe de bodybuildeurs (ceci expliquant sans doute cela) décident de bloquer une porte donnant sur le parking souterrain où ils se sont réfugiés. La porte s'ouvrant sur l'extérieur, ils placent devant l'entrée une voiture afin d'empêcher à celle-ci de s'ouvrir. Pour mieux comprendre, je vous conseille de revoir ce passage qui, à juste titre, peut être considéré comme anthologique d'un point de vue grotesque !

Vous l'aurez compris, Lamberto Bava poursuivait ici sa longue et vertigineuse chute. Une suite qui ne dépareillera pas. Autant dire que ceux qui apprécièrent le premier Démons et ceux qui le détestèrent ne changeront très certainement pas de camp...Nous noterons la présence cette fois-ci de la seconde fille de Dario Argento, l'adorable Asia...

GO GO Tales d'Abel Ferrara (2007)

Avant d'aborder une œuvre d'Abel Ferrara à laquelle je tiens tout particulièrement, j'ai décidé de m'amuser un peu en parcourant quelques longs-métrages qu'il a réalisé depuis que j'ai décidé de lui être infidèle et d'aller voir ailleurs. En fait, depuis qu'il a tourné cet affreux remake de l'excellent L'Invasion des profanateurs de sépultures de Don Siegel qui connut sa meilleure relecture auprès du cinéaste Philip Kaufman en 1978 avec L'Invasion des profanateurs. Et pourtant, si l'on regarde dans la chronologie du cinéaste, on découvrira que le film dont je parlerai bientôt (et dont je préfère pour le moment garder le secret) lui est postérieur. Mais tout s'explique, hors cela, nous le verrons beaucoup plus tard. J'ai donc pioché au hasard. Sans lire le moindre synopsis et sans me référer à aucune sorte de classement ou de notation. Pour une fois, j'ai aussi décidé de respecter la chronologie des sorties. C'est ainsi que le premier long-métrage dont je vais parler est GO GO Tales qu'Abel Ferrara a tourné durant l'année 2007.

GO GO Tales, c'est l'histoire d'un cabaret chic dont l’affluence s'amenuise de jour en jour. Les danseuses qui s'y produisent n'ont pas touché d'argent depuis deux jours et pour cause, celui qui dirige le Paradise, Ray Ruby, dilapide les recettes en s'adonnant à son vice : le loto. Mais tout va s'arranger car enfin, il a gagné. Dix-huit millions de dollars. De quoi relancer la machine, surtout qu'il a plein de projets en tête. Il lui suffit juste de retrouver le billet gagnant qu'il a malencontreusement égaré. Et sans celui-ci, aucun chance d'empocher l'argent. Les danseuses veulent leur pognon, et sans lui, plus de représentation. En plus, la propriétaire vient de débarquer et menace de virer tout ce petit monde. Si jusqu'à maintenant le Paradise a maintenu ses portes ouvertes, c'est surtout grâce à l'apport financier de Johnie, le frère de Ray. Mais celui-ci a décidé de fermer les vannes et d'envoyer son frère bronzer sur une plage. Mais Ray n'est pas de cet avis...

Tout GO GO Tales semble tenir dans pas grand chose. C'est du moins l'impression que donne le film d'Abel Ferrara qui nous noie dans un trop plein de filles qui se trémoussent inutilement sur scènes. Les danses sont un peu vaines, pas du tout sexy, d'un amateurisme qui rendrait l'ensemble un peu glauque si l'on n'avait pas l'impression parfois de regarder un téléfilm réalisé pour une chaîne du câble de petite envergure. La caméra se déchaîne au beau milieu des clients, d'un cuisinier qui tente de se débarrasser de ses Hot-dogs Bio, du service d'ordre, des collaborateurs des frères Ruby, et de danseuses de plus en plus nerveuses à l'idée de ne pas toucher leur comptant de billets verts. Tout le monde passe devant la caméra mais Ferrara semble n'en avoir rien à faire. Une Asia Argento exagérément vue comme une icône de la provoc' qui n'offre qu'une performance très moyenne, de jolies filles mal cadrées, et surtout, oui surtout, un show mal écrit. Des danses ennuyeuses qui manquent de piment, de sexe, de sueur et de gros plans.

Mais le Paradise de Ferrara, en demeurant un endroit chic où les clients n'ont pas droit de toucher, seulement de regarder, condamne le spectateur à l'ennui. Ce qui sauve en réalité le film du naufrage, c'est bien la présence de l'acteur fétiche du cinéaste, Willem Dafoe. Willem Dafoe le conteur, le chanteur, le régisseur, l'animateur, le joueur. Ferrara y bâcle sa mise en scène et pourtant, Dafoe y demeure royal, impérial, salvateur. Les quelques sursauts d'intérêt que génère GO GO Taless sont le fruit de sa présence sur la scène. La sienne, mais celle aussi de l'acteur Matthew Modine qui semble ici échappé d'un quelconque long-métrage de David Lynch. Si le cinéaste s'était donné les moyens de suivre scrupuleusement son œuvre au lieu d'aller, sans doute, écluser des bières au fond de la salle, GO GO Tales aurait pu être un vrai bon film. Il n'en demeure seulement qu'un curieux petit film qui manque d'ambition. Et c'est bien dommage...

L'apocalypse selon St George (4): Land Of The Dead (2005)

Les morts ont définitivement pris possession de notre planète et les quelques dizaines de milliers de survivants qui ont encore la chance d'être en vie sont parqués dans une ville scrupuleusement gardée par l'armée. Au beau milieu de cette citée vouée aux différents trafiques trône une tour immense où vivent quelques centaines de privilégiés. Fiddler's Green prône le retour à la vie d'avant, avec ses boutiques par dizaines et son apparente tranquillité. Du haut de cette tour, Kaufman dirige la ville et fait affaire avec Cholo DeMora, chef d'un commando de mercenaire qui rêve de poser les armes et de venir s'installer dans l'un des nombreux appartements de la tour Fiddler's Green. Mais Kaufman, lui, n'est pas de cet avis. Cholo part alors dans une croisade et est bien décidé à faire payer le prix du sang à celui qui a refusé de l'y accueillir. Pour contrer la menace que représente le mercenaire, Kaufman engage alors Riley et Slack pour arrêter Cholo qui vient de plus de s'emparer d'un véhicule lourdement armé.

Mais la menace vient également d'ailleurs. En effet, l'armée des morts est en route pour Fiddler's Green. Dirigée par Big Daddy, un zombie un peu plus intelligent que ses congénères, les cadavres déambulent, s'arment, et marchent vers la ville et sa tour. Le fleuve qui les sépare de leur but ne devient bientôt plus qu'anecdotique et le massacre entre vivants et morts peut alors commencer...

Vingt ans après le troisième volet de la saga des morts-vivants initiée en 1968 avec La Nuit des Morts-Vivants, et poursuivie en 1979 et 1985 avec respectivement Zombie et Le Jour des Morts-Vivants, le cinéaste George Romero, grand spécialiste de la question des zombies revient donc avec le quatrième épisode d'une saga qui en compte six jusqu'à maintenant. Si depuis quelques années le mythe du mort-vivant connaît un essor phénoménal à travers des dizaines de films et quelques séries télévisées bien senties, c'est bien grâce à ce Territoire des Morts. Loin d'être totalement dépassé par ses suiveurs, le cinéaste montre une fois de plus qu'il demeure le meilleur dans la catégorie qui l'a fait connaître des décennies plus tôt.

Avant d'être un film authentiquement gore, Le Territoire des Morts est tout d'abord un film d'action. Voire même, une œuvre de guerre. Dans un univers qui s'inspire aussi largement du New-York 1997 de John Carpenter que de tout un pan du cinéma d'anticipation des années quatre-vingt, le film est une très belle réussite et relance le mythe et la saga abandonnée (mise de côté serait-il plus judicieux de dire) vingt années auparavant.

Les effets-spéciaux conservent le charme d'antan, l'usage du latex étant encore à l'époque fort coutumier. Pourtant, on y aperçoit déjà les prémices des effets numériques. Non pas que Le Territoire des Morts soit le premier à lancer la mode des effets gore numériques, mais dans le vaste domaine des films d'horreur basés sur la mythologie des morts-vivants, il semble faire partie des fondateurs.

George Romero profite du récit pour y inclure une critique sociale dont il a l'habitude. Son œuvre creuse un fossé entre morts et vivants, et même entre vivants eux-mêmes. On assiste aussi à l'humanisation des morts-vivants qui désormais communiquent entre eux et sont capables de se munir de divers ustensiles pour se défendre et combattre leur principal ennemi, l'homme. Contrairement aux chapitres précédents, le cinéaste inclus quelques têtes bien connues du septième art sans que cela ne nuise à la crédibilité de l’œuvre. En effet, on y découvre les acteurs Robert Joy, Simon Becker, John Leguizamo et surtout Dennis Hopper. Il convoque même la propre fille du cinéaste Italien Dario Argento, la très sulfureuse Asia. Si l'on demeure encore loin des cultissimes Nuit des Morts-Vivants et Zombie, à l'époque, Le Territoire des Morts parvenait à réconforter ceux des fans qui pouvaient douter des capacités de George Romero à renouveler le genre. Malheureusement, la suite allait nous démontrer les limites d'un courant et peut-être même celles de celui qui lui donna ses lettres de noblesse...