Leaving Las Vegas de Mike Figgis (1995) - ★★★★★★★★★★

Ben Sanderson (interprété par Nicolas Cage) a tout perdu. Sa femme l'a quitté emportant avec elle leur progéniture, et il vient tout juste de se faire licencier par la boite de production dans laquelle il travaillait. Alors Ben boit, plus que de mesure. En plein désarroi il n'a plus qu'une seule idée en tête,  avoir recours au suicide. Et comme il passe son temps à écumer les bars, il décide de se noyer dans l'alcool jusqu' à en mourir. Alors pour en finir il décide de tout quitter pour finir ses jours à Las Vegas, cette grande ville où les bars et les salles de jeux sont ouverts vingt quatre heures sur vingt quatre. Avant de partir, il brûle tout ce qui le rattache avec son existence: papiers et souvenirs partent en fumée, comme pour le libérer de tous les biens matériels qui le rattachent à une existence qu'il veut oublier.

Arrivé à Las Vegas, Ben fait la connaissance d'une prostituée prénommée Sera (la superbe Elisabeth Shue) avec laquelle il sympathise très vite. La jeune femme a quitté Los Angeles et fuit un certain Yuri, maquereau violent qui ne tarde pourtant pas à la retrouver. Usant d'un humour noir et sans faille, Ben tente tant bien que mal de cacher son goût immodéré pour l'alcool. 

Plus qu'une simple séance de culbute dans un hôtel minable, la première rencontre entre Sera et Ben est pour eux l'occasion de partager une bonne bouteille et d'en apprendre un peu plus l'un sur l'autre. Plus tard, pressée par Yuri de rapporter davantage d'argent, Sera est humiliée par un homme qui se méprend sur ses intention. Elle part alors à la recherche de Ben qu'elle retrouve assis sur un banc, au milieu d'un boulevard, toujours pris de boisson, livide et délirant plus que jamais, incapable de voir la main que lui tend Sera. Celle-ci retrouve Ben un peu plus tard dans sa chambre d'hôtel miteuse avant de partager avec lui un délicieux repas dans un restaurant. Leur histoire d'amour, débute véritablement à ce moment là, avec toujours en toile de fond, la déchéance volontaire de Ben qui va bientôt s'installer chez Sera...

Nicolas Cage, qu'on le veuille ou non est un acteur formidable. C'est peut-être avec ce film que l'on découvre sa réelle capacité à interpréter un véritable rôle de composition. Habitué aux films d'action musclés, de ceux qui n'exigent aucune réflexion de la part du spectateur, il prouve avec ce film (pour lequel il remporta l'oscar du meilleur acteur) qu'il est capable d'interpréter un rôle difficile et sensible. Et quoi de plus censé que de voir "Leaving Las Vegas" en version originale? Car malgré un doublage en français excellent, on y perd un peu en émotion et en sincérité. Il n'est pas rare de se sentir mal à l'aise devant certaines scènes alors que d'autres émeuvent et prennent à la gorge. Sera, elle, se démène tant bien que mal pour sortir Ben de sa situation alors que la sienne est déjà tellement compliquée, réalisant que l'issue de celui qu'elle aime ne peut être que fatale. Alors elle va l'accompagner jusqu'au bout.......Par amour. 

Elisabeth Shue est formidable dans son rôle de "prostituée-ange gardien" et aurait sans doute mérité au même titre que Nicolas Cage, de remporter un Oscar. Mike Figgis réalise un film tout en finesse et simplicité et tape en plein dans le mille, n'hésitant pas parfois à bousculer le spectateur dans des scènes, qu'elles soient interprétées par Cage ou Shue, qui forcent le respect tant elles sont jouées de façon admirable.

Un film jusqu'au boutiste puisque l'Amour seul n'arrivera pourtant pas à sauver Ben...

The Carpenter's Son de Lotfy Nathan (2025) - ★★★★★☆☆☆☆☆

Troisième long-métrage du réalisateur américano-égyptien Lotfy Nathan, The Carpenter's Son est basé sur l'apocryphe L'Évangile de l'enfance de Thomas. Un texte datant du milieu ou de la fin du deuxième siècle et que les premiers auteurs chrétiens considéraient d'hérétique. Si le nom de son auteur reste inconnu, certains chrétiens considérèrent qu'il put s'agir de Thomas, l'un des douze Apôtres, notamment demeuré incrédule quant à la résurrection du Christ... S'agissant du long-métrage de Lotfy Nathan, celui-ci s'inscrit dans une période très précise entourant l'existence du fils de Yahvé, nom donné à Dieu dans les écrits de l'Israël Antique. Si les personnages ne sont pas nominativement décrits, dès le titre l'on comprend que les protagonistes essentiels au récit son Joseph, Marie et bien entendu, Jésus. Ici incarnés par un Charpentier (Nicolas Cage), son épouse (la chanteuse, compositrice, danseuse et actrice anglaise FKA Twig) et leur fils (Noah Jupe). Ajoutant au casting l'actrice, metteuse en scène et ancienne gymnaste suisse Souheila Yacoube dans le rôle de Lilith qui dans cette version non canonique de certaines traditions juives ou chrétiennes apparaît donc ponctuellement sous les traits d'une attirante jeune femme. Lotfy Nathan l'identifie alors comme une version féminine de Satan ! La mort de Joseph étant souvent théorisée et donc comprise entre quarante-cinq et soixante ans, la présence de Nicolas Cage dans le rôle du père putatif de Jésus tombe presque pile-poil. Pour cet acteur dont la carrière a toujours navigué entre chefs-d’œuvre et nanars décomplexés, sa présence à l'image semble avoir pour effet de laisser coi devant tant de grandiloquence. Considérant que l'interprétation générale a pour effet d'introduire le récit dans un narratif plus proche de ceux qui l'on a coutume de voir sur les planches d'un théâtre que dans une salle de cinéma, il n'est pas interdit d'apprécier The Carpenter's Son comme étant une œuvre profondément emphatique. Dès lors, mieux vaut s'habituer très rapidement à l'idée que les interprètes, à travers leurs personnages respectifs, passeront un temps indéniablement long à hurler devant la caméra. La palme revenant alors sans doute à un Nicolas Cage visiblement très impliqué, charismatique, certes, mais aussi parfois confondant de ridicule ! Les intégristes des religions juive et chrétienne regretteront certainement que le film puisse ainsi traiter de la vie de Jésus dans une période de son existence qui jamais ne fut ''examinée'' dans l'ensemble des textes religieux réunis dans la Bible...

Pour les autres, le film sera surtout l'occasion de découvrir une œuvre austère, sombre et dont certains tableaux relatent des visions authentiquement mystiques. Plongeant ainsi les protagonistes au cœur d'un récit finalement plus proche du film d'horreur pseudo-historique qu'authentiquement fidèle aux Écrits Saints, qu'il s'agisse de l'Ancien ou du Nouveau Testament. Maintenant, s'agissant de l'incarnation des uns et des autres l'on a droit à tout un panel de réactions physiques. Voire épidermiques ! On l'aura donc compris, Nicolas Cage hurle à s'en arracher les cordes vocales. Prend des poses théâtrales. Gagnant autant en charisme qu'en ridicule. En conséquence, l'émulsion entre ces deux attitudes pourtant antinomiques ne cesse de pousser le spectateur à se demander s'il faut avoir plus de respect que de mépris pour l'américain qui en son temps fut un immense acteur comme en témoigna par exemple son époustouflante interprétation dans le bouleversant Leaving Las Vegas de Mike Figgis en 1995. Le comportement de certains de ses partenaires allant en sa faveur puisque dans le domaine de l'éructation démoniaque, Souheila Yacoub ne sera pas en reste ! Preuve d'une direction d'acteurs plutôt curieuse. À contrario, et même si l'on peut supposer que FKA Twigs puisse être une grande artiste dans le domaine de la chanson, son jeu d'actrice, monolithique, est à l'exact opposé de ce que proposent ses partenaires. Inexpressive et le visage profondément marqué par l'absence d'émotions, la jeune femme débite son texte froidement et sans que jamais ne perce dans son regard le moindre ébranlement. L'on retiendra alors sans doute de The Carpenter's Son une vision particulièrement noire de l'apocryphe. Des tableaux sombres et effroyables où les indigents, à commencer par les lépreux ou ceux qui sont soupçonnés de pratiquer la sorcellerie, sont crucifiés, enchaînés et laissés pour morts. Ou même lors de cette horrible plongée sabbatique qui en ouverture montre des bébés jetés au cœur d'un bûcher ! Sinistre ! Visuellement, le long-métrage de Lotfy Nathan n'est donc pas dénué d'intérêt. Reste que tout ceci apparaît comme étant tout de même très artificiel. Dommage...

Arcadian de Benjamin Brewer (2024) - ★★★★★★☆☆☆☆

 

 

Parmi les vieux de la vieille qui jouissent d'une réputation pas toujours à la hauteur de leur longue, très longue carrière d'interprète, Nicolas Cage est peut-être encore de ceux qui ne s'en sortent pas trop mal. Avant que l'on annonce sa maladie, Bruce Willis fut essoré jusqu'à ne plus pouvoir maîtriser sa parole et sa pensée tandis que Steven Seagal a souffert d'une filmographie qui aura fini par apparaître aussi bouffie que lui. L'avantage de tourner à la chaîne est qu'avec un peu de chance l'on peut parfois espérer tomber juste. En 2024, le neveu du réalisateur Francis Ford Coppola n'a pourtant tourné ''que'' dans trois longs-métrages mais l'un d'entre eux aura bénéficié d'un intérêt certain auprès des médias et du public : Longlegs d'Osgood Perkins. Acteur touche à tout, que l'on a pu découvrir dans nombre de comédies, de films d'action, de thrillers ainsi que dans quelques productions horrifiques et fantastiques sans oublier le formidable drame Leaving Las Vegas de Mike Figgis qui demeure sans doute à ce jour sa plus remarquable interprétation au cinéma, l'année dernière, il est apparu dans un énième long-métrage post-apocalyptique. Écrit par Mike Nilon et réalisé par Benjamin Brewer dont il s'agit du troisième film après Beneath Contempt en 2011 et The Trust en 2016, Arcadian est à ne pas confondre avec la série Arcadia diffusée depuis 2023 même si là encore le récit s'articule après qu'une catastrophe mondiale ait touché l'humanité. Le long-métrage de Benjamin Brewer se différenciant de cette dystopie en l'éloignant du concept totalitaire pour se pencher sur un père et ses deux fils qui survivent dans un monde où à l'échelle planétaire, notre espèce a été en grande partie décimée. Reprenant étonnamment l'idée centrale du roman de science-fiction I Am Legend de l'écrivain américain Richard Matheson sorti en 1954 sans pour autant y faire référence, la pandémie qui a laissé l'humanité sur le carreau a ici été causée par la piqûre de mouches mutantes, bien présentes à l'image en de rares occasions, mais qui visuellement nous rappellent surtout cette entomophobique peur que causent chez certains d'entre nous, blattes et autres cafards ! Transformant ainsi leurs victimes en d'improbables créatures photophobes que n'aurait sans doute pas renié le regretté Jean-Pierre Putters, auteur en 1991 de l'ouvrage Ze craignos monsters.

En effet, dans un environnement en grande partie concentré autour de la demeure du père (Nicolas Cage dans le rôle de Paul) et de ses deux fils qu'il a élevé seul depuis leur plus jeune âge (Jaeden Martell et Maxwell Jenkins, interprètes respectifs de Joseph et Thomas), le trio se défend contre les assauts répétés de monstres qui, sensibles à la lumière, n'interviennent que lorsque tombe la nuit. Fortifiée, leur maison est leur seul salut. Pour Paul, l'essentiel est donc de protéger ses fils mais aussi de les former afin qu'ils se défendent en cas d'attaque. Alors que Joseph est le petit génie de la famille, un amateur d'échec capable de fabriquer des armes de défense avec ce qui lui tombe sous la main, Thomas est un électron libre qui peine à suivre les recommandations de son père. Et pour cause : non loin de chez eux vivent les Rose au sein d'une petite communauté et dont la fille, Charlotte (interprétée par l'actrice britannique Sadie Soverall) ne laisse pas indifférent le jeune garçon. Mettant ainsi en péril sa propre survie ainsi que celle de son père et de son frère lorsqu'un jour alors que Joseph et lui sont partis chercher du matériel, il décide de contrevenir aux ordres de Paul pour aller retrouver l'adolescente. Une décision qui aura de lourdes répercussions sur son avenir ainsi que sur celui de ses proches... Si l'on compare Arcadian à un certains nombre de longs-métrages qui l'ont mis en scène ces dernières année, Nicolas Cage ne s'en sort pas trop mal. Considérant qu'il est tout d'abord présenté comme le héros du récit, ce sont en fait les deux jeunes interprètes qui l'accompagnent qui sont en réalité au cœur de l'histoire. Le film traite des liens qui unissent les membres d'une même famille, de la survie en milieu nocturne hostile, drainant son cortège d'invraisemblances (comment Charlotte et Thomas ont-il pu notamment parcourir de nuit une telle distance entre la demeure des Rose et celle de Paul sans être inquiétés par la présence des créatures?), mais au fond, pas si mauvais qu'on pouvait le craindre. À contrario, Arcadian fait preuve d'un goût particulièrement douteux concernant les bestioles qui de nuit hantent la campagne alentours. D'une indicible laideur couplée au ridicule le plus crasse, les créatures ressemblent vaguement à des loups-garous au long cou et dont l'une des particularités (celle de secouer énergiquement la tête) ne trouvera aucune explication. Bref, Arcadian se regarde avec un certain amusement non dénué d'intérêt. Pas un chef-d’œuvre du genre mais certainement pas un nanar non plus...

 

The Retirement Plan de Tim Brown (2024) - ★★★★★★★☆☆☆

 

 

A priori, lorsqu'on lance la projection de The Retirement Plan de Tim Brown, on pense fort logiquement être en présence de l'une de ces bouses signées ces dernières années par des tâcherons de l'acabit de Jesse Atlas, Edward Drake, Jesse V. Johnson, Wes Miller, Jared Cohn ou encore John Suits. Des réalisateurs qui chacun à leur tour essorèrent l'acteur Bruce Willis alors même qu'il développait une aphasie en lui proposant de jouer dans des thrillers et des films d'action de bas étage. Et il est vrai que de prime abord, le dernier long-métrage de Tim Brown use de tous les artifices qui firent de Fortress, de Wire Room, de Apex, de Anti Life, de Cosmic Sin et de nombreux autres projets d'authentiques navets. Nicolas Cage semble à son tour devoir prendre la relève même si dans son cas, ce n'est pas la première fois qu'on le découvre dans le rôle principal d'une œuvre de qualité médiocre. Mais si beaucoup de remarques semblent confirmer les craintes que nous pourrions émettre devant ce projet qui n'a semble-t-il d'original que le titre, ceux qui se complaisent dans la critique facile et systématique à l'encontre de la vedette du formidable Leaving Las Vegas signé de Mike Figgis il y a près de trente ans vont devoir faire pénitence. En effet, bien que la mise en scène et la quasi totalité des aspects techniques fassent ici défaut, The Retirement Plan dégage un je ne sais quoi qui l'éloigne des exemples cités plus haut. Tim Brown n'est effectivement pas un conteur. Ni doué pour la direction d'acteur ou la mise en situations de séquences d'actions mollement effectuées par la plupart de ses interprètes. Cependant, le film est loin de se montrer aussi insignifiant que ces dizaines de productions sans âme qui naissent chaque année sur le territoire américain et dont la matérialité doit notamment à l'existence des services de diffusion en VOD. Sans ces derniers, ils finiraient sans doute très rapidement dans l'oubli ou sur des présentoirs de supermarchés sous l'offre de prix alléchante d'un euro seulement ! Car le principal atout de The Retirement Plan, l'idée majeure que le réalisateur semble avoir miraculeusement sortit de sa manche, c'est son humour. Que certains prétendent d'ailleurs involontaire alors même qu'il est clair que Tim Brown a sciemment construit son œuvre autour d'une succession de séquences pittoresques et au final, plutôt amusantes.

S'il est désormais facile d'excuser Bruce Willis pour ses dernières interprétations au vu de la maladie qui le ronge depuis un certain nombre d'années, on aurait sans doute moins pardonné à Nicolas Cage qu'il apparaisse dans une énième daube. Ce qui en soit est à peu près significatif de cette nouvelle itération du héros sauvant sa fille et sa petite-fille grâce à d'étonnantes facultés acquises lorsqu'il travaillait pour le Gouvernement dans les Forces Spéciales. Si The Retirement Plan ne joue pas à armes égales face au très efficace Taken de Pierre Morel, la star américaine n'en demeure pas moins convaincu de détenir là un rôle suffisamment important pour donner la pleine mesure de son talent d'interprète (l'on jugera donc celui-ci dans la version originale du long-métrage). En effet, dans le rôle d'un vieil homme prénommé Matt vivant seul dans les Îles Caïmans, Nicolas Cage va recevoir la visite de sa petite-fille Sarah (Thalia Campbell). Envoyée chez son grand-père par sa mère Ashley (Ashely Greene) qui n'a pas revu son père depuis des années et qui rencontre actuellement de très gros problèmes avec l'un des pontes du crime organisé (Jackie Earle Haley dans le rôle de Donnie), la jeune fille va être rapidement enlevée par plusieurs sbires du criminel parmi lesquels l'on retrouve l'acteur Ron Perlman dans le rôle de Bobo. Et autant dire que dans la famille des bras cassés, les hommes de Donnie font partie des plus remarquables représentants. Plus stupides qu'un groupe de coiffeuses/esthéticiennes peroxydées, les hommes de mains lancés à la recherche d'une clé USB que la mère de famille a caché dans le sac à dos de sa fille avant de l'envoyer par avion rejoindre son grand-père vont devoir se frotter à un Matt qui malgré son allure de vieillard fatigué en a encore sous la botte ! Entre un Donnie dont la physionomie à la ''Elie Sémoun'' se refuse à lui offrir le charisme propre au personnage qu'il incarne, des hommes de main décérébrés (le choix des acteurs étant alors des plus judicieux), un Nicolas Cage qui comme à son habitude cabotine à merveille, les charmes d'Ashley Greene et la relation entre Sarah et Bobo, on ne s'ennuie pas un seul instant. The Retirement Plan mérite donc mieux que la déplorable réputation de mauvais film dont le ''gratifient'' la plupart des critiques...

 

Longlegs d'Oz Perkins (2024) - ★★★★★☆☆☆☆☆

 

 

Longlegs d'Oz Perkins, c'est quoi ? Le visage de Nicolas Cage décapité par la caméra portée à l'écran à mi-hauteur dans une image cadrée au format 4/3 et aux bords arrondis. C'est Maika Monroe dans le rôle de l'agent du FBI Lee Harker dont l'extralucidité va lui permettre de découvrir la cache d'un tueur en série insaisissable et de déchiffrer des codes énigmatiques inscrits sur des bouts de papier laissés sur divers lieux de crimes. Longlegs, c'est aussi une esthétique due au remarquable travail du directeur de la photographie Andres Arochi. Et puis ? Et puis c'est tout ! Ou presque. C'est avant sa sortie en juillet dernier sur les écrans du monde entier, une Hype et une réputation qui le précèdent. Certains s'emballent déjà et le considèrent comme la nouvelle référence du cinéma d'épouvante. Bref, il y a ici d'un côté matière à se méfier et de l'autre, de quoi se réjouir. Veuillez par avance m'excuser si je préfère me ranger du côté des premiers. De ceux qui en ont tellement soupé de se voir asséner tous les superlatifs à propos de certaines œuvres qui n'en méritaient pas tant. Ô combien chanceux, celui-ci m'avait échappé. Jamais entendu parler de lui avant de le découvrir sur grand écran et donc jamais vu un seul Teaser ou une seule bande-annonce. Alors, pourquoi m'être donné la peine de me rendre au cinéma pour l'y découvrir ? Pour une raison très simple : la présence de Nicolas Cage au générique. Et autant dire que l'acteur ne m'avait pas autant saisi à la gorge que depuis le formidable Leaving Las Vegas de Mike Figgis dont il partagea la vedette en 1995 aux côtés de la sublime Elisabeth Shue... Dans le cas de Longlegs, bien entendu, rien de commun avec ce drame bouleversant qui demeure selon moi le meilleur film incarné par l'acteur américain. Très justement comparé au chef-d’œuvre de Jonathan Demme, Le silence des agneaux, le long-métrage d'Oz Perkins, qui n'est autre que le fils de l'acteur Anthony ''Psychose'' Perkins disparu voilà trente-deux ans, Longlegs s'avère selon mon point de vue personnel très inférieur à cette référence ultime en matière de thriller... Il faut dire qu'en dehors de son esthétique irréprochable et de son entrée en matière absolument dévastatrice, le choix du réalisateur de changer de braquet en cours de route afin de transformer son thriller en un mix entre fantastique et horreur n'est pas du goût de tout le monde...

Et surtout pas du mien. Ensuite, il demeure des ''détails'' qui grillent d'emblée l'enquête de notre agent du FBI dont le charisme et le génie inné n'est absolument pas comparable avec ceux de Clarice Starling (incarnée à l'époque par la sublime Jodie Foster). Que sa clairvoyance lui permette d'un seul coup d’œil de deviner où se terre celui qui à chaque série de meurtres signe ses messages cryptés sous le pseudonyme Longlegs passe encore. Mais que la jeune Lee Harker soit en mesure de les déchiffrer en à peine quelques minutes, c'est la goutte qui fait déborder le vase de l'illogisme. Je sais, je sais... Inutile de m'écrire en commentaire que tout fait est accompagné de sa justification. Et ce sera d'ailleurs le cas s'agissant la résolution de ces messages énigmatiques ! Le problème est qu'en y réfléchissant bien, le spectateur, lui-même alors en mode extralucide, devinera très vite les tenants et les aboutissants de cette affaire moins dérangeante et terrifiante qu'il n'y paraît et qui lient le tueur à celle qui est chargée de le traquer. Nous évoquions un peu plus haut le charisme de Jodie Foster dans Le silence des agneaux et dont son supérieur Jack Crawford (l'acteur Scott Glenn) n'était d'ailleurs pas dépourvu lui-même... Concernant l'agent Carter (Blair Underwood) qui de son côté est celui de Lee Harker, celui-ci marque une nette différence de charisme tant il paraît suivre l'héroïne tel un toutou. Un personnage au fond parfaitement inutile. S'il est difficile d'éprouver la moindre empathie vis à vis du personnage incarné par Maika Monroe, le tueur qu'interprète Nicolas Cage reste sans doute l'un des monstres à visage humain du septième art parmi les plus saisissants. Tout dans son attitude en font un personnage qui entrera certainement dans la légende du cinéma. En revanche, le film, lui, ne mérite pas selon moi tous les éloges dont il a pu bénéficier. Car non seulement l'on devine assez rapidement l'enjeu du scénario, mais Oz Perkins met celui-ci en scène de manière si peu appliquée que le résultat à l'écran est plus proche du brouillon que de la totale maîtrise d'un Seven réalisé par David Fincher en 1995. Bref, une déception de moyenne envergure mais qui s'avérera beaucoup plus importante chez ceux qui n'ont pas aimé mais qui attendaient beaucoup de la part du dernier long-métrage signé d'Oz Perkins...

 

Mom and Dad de Brian Taylor (2018) - ★★★★★★★☆☆☆

 

 

Dans un monde idéal, les enfants n'existent pas. Ce qui revient à dire que par extension, leur version théoriquement améliorée que l'on nomme ''adolescents' n'existe pas non plus. Mais alors, cela veut-il dire que les adultes n'auraient pas davantage droit à leur petit carré de terrain sur notre planète ? Car comment imaginer leur présence sur Terre sans que femmes et hommes soient passés par différentes étapes d'évolution morphologique et intellectuelle ? À moins que des pondeuses chargées de mettre au monde des êtres intégralement formés pour être autonomes aient été prévues et qu'ainsi, ces nouveaux individus soient en mesure de subvenir à leurs propres besoins ? Mais alors, je n'ose imaginer les conditions de l'enfantement ! Sachant que le concept est malheureusement inenvisageable autrement qu'à travers l'autodestruction de l'humanité (voie vers laquelle tendent de plus en plus nos congénères), c'est bien vers le septième art qu'il faudra se tourner afin d'espérer pouvoir nous libérer de ce trop plein de pression que nous subissons face à ces nouvelles générations dont l'arrogance et en totale contradiction avec leur niveau d'exigence en matière de culture et de réflexion. Découvrir encore et toujours Nicolas Cage est en soit, un véritable plaisir. Même lorsqu'il explore des univers que l'on rangera d'emblée dans la catégorie des ''nanars''. Mais lorsque l'acteur américain accepte de traverser le miroir pour se retrouver du côté des forces obscures, alors là, on applaudit à tout rompre. Imaginez, ce bon père de famille qui avant d'aller bosser tout la journée pour rentrer tard le soir prend le temps de jouer avec son fils. Imaginez ensuite cette mère très attachée à la relation qu'elle entretenait jadis avec sa fille chérie, blonde progéniture qui désormais fouille dans le sac de sa maman pour lui soutirer de l'argent et ainsi se payer sa dope... Imaginez enfin ce professeur qui tente d'inculquer à ses élèves le savoir qu'il a lui même acquis par le passé, butant ainsi contre des élèves diablement et irrémédiablement réfractaires...

Pour son antépénultième ouvrage, le réalisateur Brian Taylor (qui six ans avant avait déjà mis en scène Nicolas Cage dans Ghost Rider : L'esprit de la vengeance) semble avoir atteint l'aboutissement d'une longue réflexion. Une solution qui pour l'instant prend la forme d'une fiction mais qui, sait-on jamais, deviendra peut-être un jour réalité et sortira des strictes contingences imposées par le concept de dystopie ! Bonne nouvelle, cette fois-ci ce ne sont plus les gamins qui vont faire vivre la misère à leurs parents mais bien le contraire. Tout au long du récit, le réalisateur (qui signe également le script) nous impose des vignettes décrivant la vie de cette petite famille au demeurant fort sympathique mais dont les rapports ne sont en réalité, pas toujours au beau fixe. Des scénettes entrecoupées de larges séquences lors desquelles une partie de l'humanité, les adultes, semble être en proie à un étrange virus qui leur fait perdre la tête et les pousse à s'en prendre très violemment à leurs rejetons. En montrant des hommes et des femmes qui ne s'attaquent qu'aux membres de leur propre famille, Mom And Dad semble vouloir véhiculer une théorie selon laquelle les agressions et les meurtres seraient commis par pur esprit de vengeance. Une fois libérés des contraintes morales, les parents décident de faire payer à leurs chiards la sommes des soucis qu'ils ont accumulé depuis leur naissance. Traité sous le ton de la comédie, le film de Brian Taylor impose une variation sur le thème des infectés. À la seule différence que le meurtre n'est ici jamais suivi d'actes de cannibalisme et où hommes et femmes semblent avoir conservé une partie de leur capacités intellectuelles. Ainsi débarrassés de la moindre valeur morale et de toute forme de déontologie, le spectateur assiste à un show meurtrier particulièrement jouissif. Du haut de son statut de star de cinéma, Nicolas Cage ne demeure pas moins l'une de ces figures paternelles retournées à leur état primaire de chasseurs en mode ''infanticide'' ! Au final, Mom And Dad est une sympathique comédie horrifique qui malgré son propos demeure innocente... En espérant qu'il ne donne tout de même pas de mauvaises idées à certains...

 

The Watcher de Tim Hunter (2018) - ★★★★★★☆☆☆☆

 

 

Alors que les projets cinématographiques s'enchaînent depuis des années dans la carrière de l'acteur Nicolas Cage, en 2018, outre la voix de personnages dans deux films d'animation, on le vit notamment dans quatre longs-métrages de fiction dont The Watcher de Tim Hunter dans lequel il tient le rôle de Ray, un électricien marié à Maggie (l'actrice Robin Tunney), les deux parents d'une petite fille tragiquement disparue lors d'un incendie dont le couple se rejette mutuellement la faute. Comme cela est généralement le cas au cinéma, l'un et l'autre tentent de se reconstruire et ici, ils décident de tout quitter pour gérer un motel qu'ils viennent tout juste d'acquérir dans le désert californien. Dans ce qui s'apparente au départ comme un drame, le long-métrage du réalisateur et scénariste américain Tim Hunter (qui a confié l'écriture du script à Jerry Rapp) est en fait plus proche du thriller. Un film au déroulement assez particulier et aux personnages troubles, voire ambigus. En effet parsemé d'individus au comportement inquiétant, The Watcher dissémine ça et là des éléments qui se veulent anxiogènes et participent de l'étrangeté du climat qu'instaure très rapidement Tim Hunter. Du client habituel qui a pour habitude de toujours réserver la même chambre (Ernie Livery dans le rôle du chauffeur pois-lourd Tommy), au shérif particulièrement collant (Marc Blucas dans celui de Howard), en passant par la sexy Jacque Gray qui incarne quant à elle la logeuse sado-maso-fétichiste de la chambre numéro 6, Jessica ! Sans oublier le propriétaire de la station-service ou même ses étranges ''employés''. Tous ou presque semblent liés à un même fait-divers sordide : la mort d'une jeune femme, il y a un certain temps. Pour ne pas déroger à la règle qui semble conduire la thématique du long-métrage, Nicolas Cage interprète lui-même un individu assez distant du caractère sympathique que l'on est majoritairement en droit d'attendre du protagoniste principal. En effet, Ray découvre lors de la visite des fondations du motel, un trou dans le mur donnant accès à un tunnel menant directement jusqu'à une glace sans teint donnant sur la chambre numéro dix ; Celle-là même que loue avec insistance Tommy, le conducteur du semi-remorque. Lequel a pour habitude d'y attirer des femmes avec lesquelles il fait l'amour. Ray s'y rendra régulièrement, afin de regarder lui-même ses clients s'y ébattre dans la chaleur de la nuit. À l'origine, The Watcher était intitulé Looking Glass mais fut retitré pour le marché vidéo français. Quant à Tim Hunter, il a jusqu'à ce jour principalement consacré sa carrière à la réalisation d'épisodes de séries télévisées et de téléfilms sur le territoire américain. Leur empreinte y est d'ailleurs visuellement très prégnante puisque le film arbore des atours esthétiques de DTV relativement typiques, appuyés par une partition musicale signée de Mark Adler, Kristin Gundred et Andrew Benjamin Miller qui va dans ce sens et s'avère donc accessoire...

Avec sa majorité de personnages douteux, son récit obscure qui fait de chacun l'auteur supposé du drame dont fut la victime une certaine Crissy retrouvée apparemment suicidée dans la piscine du motel, mais aussi et surtout à défaut d'emporter tous les suffrages en matière de suspens, The Watcher s'inscrit dans une continuité largement appauvrie du cinéma propre à Brian De Palma. Voire même de David Lynch, croisant ainsi le fer entre personnages aux comportements discordants et voyeurisme. Certains observateurs et notamment le journaliste Craig Lindsey du Los Angeles Time prétendirent que le script du film entretiendrait de lointains rapports avec un fait-divers authentique tournant autour de Gerald Foos, l'ancien propriétaire du Manor House Motel situé à Aurora, dans le Colorado. L'homme aurait en effet installé des grilles au plafond des chambres de son motel afin de pouvoir assister aux ébats sexuels de ses clients, et cela, bien évidemment, sans leur consentement ! Plus amusant, on peu noter que Tim Hunter fut l'auteur en 1990 et 1991 de trois épisodes de l'excellente série Mystères à Twin Peaks créée par... David Lynch. Le doute n'est donc plus permis et il devient donc fort logique de penser que quelques souvenirs de l'étrange univers fondé plus de trente ans en arrière par l'un des plus grands cinéastes américains soit demeuré intact dans l'esprit de Tim Hunter qui, pour le coup, semble avoir voulu retranscrire à travers The Watcher, ce même type d'ambiance et de personnages troubles. Mais la comparaison s'arrête malheureusement là. Tout comme l'on n'ira pas jusqu'à oser comparer ce dernier à l'immense Body Double de Brian De Palma et son héros improvisé voyeur, lequel assistait en son temps au meurtre d'une superbe poupée (Deborah Shelton dans le rôle de Gloria Revelle). Appuyant très fort sur l’ambiguïté de ses personnages et surtout sur le comportement parfois exagéré du Shérif, le spectateur ne s'étonnera pas de la conclusion qui viendra mettre un terme à cette histoire de meurtre jusque là irrésolu. Sans être une abomination, The Watcher demeure tout de même assez faible malgré sont intriguant sujet. Un DTV de plus, mais pas non plus des plus mauvais...

 

Code 211 de York Alec Shackleton (2018) - ★★☆☆☆☆☆☆☆☆

 

 

À l'issue de la projection, je me remémore le commentaire que Jonathan Charpigny laissait hier sous l'article que je consacrais à Left Behind de Vic Armstrong. En substance, ce sympathique contact Facebook affirmait qu'il s'agissait là du ''pire film de toute la filmo de Nicolas Cage''. J'ai presque envie de lui demander s'il connaît et s'il a vu Code 211 de York Alec Shackleton ! Parce que dans le genre nanar navet, il me semble que celui-ci franchit un cap supplémentaire dans l'indigence. Après une séquence d'ouverture visiblement située dans le Désert du Registan et une autre dans la ville de Kaboul, le récit est redirigé vers Chesterford dans le Massachusetts. Une ville plus proche de nous, les occidentaux, et donc nettement moins... exotique. C'est là que nous sont présentés Mike Chandler (Nicolas Cage que double dans notre langue le fidèle Dominique Collignon-Maurin), sa fille Lisa et son beau-fils Steve MacAvoy (l'acteur Dwayne Cameron). Ainsi que l'afro-américain Michael Rainey Jr, alors âgé de dix-huit ans bien qu'il en paraisse trois ou quatre de moins. Harcelé, battu par la vermine raciste et homophobe qui lui sert de camarades de classe, le jeune garçon parvient à se dégager lors d'une agression située dans les toilettes de l'établissement scolaire. Surpris par un professeur qui n'a assisté qu'au coup qu'il a donné à l'un de ses assaillants mais pas à tout ce qui a précédé, sa mère est convoquée dans le bureau de la directrice qui lui laisse deux options : soit Kenny est renvoyé, soit il accepte de suivre pour une journée deux agents de police dans leur véhicule de fonction : Mike Chandler et son beau-fils justement. Pas de bol ! Ce jour-là, les quatre mercenaires qui nous furent sommairement présentés en préambule lors de la séquence située en Afghanistan ont choisi d'attaquer la banque principale de Chesterford et l'adolescent ainsi que les deux policiers vont ainsi se retrouver sous le feu nourri des balles qu'échangent d'autres agents de police sur place avec les braqueurs. Pour quiconque aime les films de braquages qui tournent mal (dans le genre Killin Zoé de Roger Avary) ou qui se terminent par un incroyable échange de tirs entre braqueurs et forces de l'ordre (façon Heat de Michael Mann) Code 211 est l'équivalent d'une tranche de foie gras qui aurait viré au soleil !

Dès les toutes premières secondes, on sent bien que le truc n'aura pas le temps de rester bien longtemps dans l'estomac et que par action naturelle de l'organisme il sera rejeté à grands renforts de contractions de la musculature abdominale. Bref, Code 211 (vocabulaire propre aux autorités permettant d'indiquer qu'un hold-up est en train d'être commis) est à gerber. Visuellement laid, au point que même les décors les plus authentiques semblent avoir été reconstitués en studio, le film de York Alec Shackleton ne contient absolument rien qui pourrait le sauver, lui mais aussi son équipe technique, son réalisateur et ses interprètes, du naufrage dans lequel il s'apprête à se retrouver. Si le personnage de Kenny Rastell apparaît parfaitement inutile, il n'est pourtant peut-être pas le plus représentatif des protagonistes secondaires qui n'apportent absolument rien à l'intrigue. Et puisqu'il fallait trouver un moyen de faire intervenir un personnage féminin au cœur des affrontements, le réalisateur et son scénariste John Rebus convoquent une employée d'Interpol (l'actrice Amanda Cerny dans le rôle de Sarah) dont on cherche encore l'utilité bien après la fin de la projection. Incapable de mettre en scène les différentes interactions entre les héros et les antagonistes, York Alec Shackleton signe des séquences de gunfights illisibles et artistiquement désarmantes de laideur. Mais ça n'est pas le pire. Car si même la fille de Mike Chandler reste chez elle dans l'attente des nouvelles de son époux, il faut voir comment Sophie Skelton qui l'incarne réagit lorsque son père lui annonce que Steve dont elle vient d'apprendre qu'elle attendait un enfant est entre la vie et la mort : afin de s'imprégner du contexte et ainsi déployer des trésors d'interprétation, l'actrice semble s'être fondue dans l'affliction d'une femme d'intérieur se désolant d'avoir oublié d'acheter du fromage râpé pour le gratin du soir ! Un an auparavant l'on pouvait découvrir cette jeune actrice dans le pathétique Day of the Dead: Bloodline de Hèctor Hernández Vicens. Autant dire que la britannique ne brille ni par ses choix artistiques, ni par ses talents d'interprète. Avec leur intelligence de primates surarmés, les officiers du Metropolitan Police Department mâchent quant à eux du chewing-gum comme les vaches broutent l'herbe en regardant passer les trains. Code 211 est... tout simplement... mauvais !

Left Behind de Vic Armstrong (2014) - ★★★☆☆☆☆☆☆☆

 

 

Peut-être suis-je en manque de vitamines B ou de sommeil ? Ou bien ai-je pris un coup de vieux ? Pire : il se peut même que je sois devenu gâteux... C'est en tout cas la question que je me pose à l'issue de cette projection qui d'emblée aurait dû me pousser à m'assoupir, puis m'endormir pour un long, très long sommeil. À rejeter son contenu digne des pires DTV ou téléfilms des familles qui pullulent en milieu d'après-midi sur le réseau hertzien et le câble. D'une suavité qui confine à l’écœurement, lisse comme la peau d'un tout jeune enfant, l'âme aussi pure que l'eau des glaciers islandais ou religieusement pieux, Left Behind de Vic Armstrong a de quoi filer des boutons aux athées et autres agnostiques. S'infliger un truc pareil, ça peut être comme de forcer un vampire à bouffer un aïoli maison ou offrir une gourmette en argent à un loup-garou ! À la question : Suis-je un bon chrétien ou un mécréant, il existe ici deux manières de tester sa foi ou son rejet de la croyance envers Dieu. Voir Left Behind en version originale ou doublé dans notre langue. Si déjà, vous supportez l'idée de le suivre avec les voix originales des interprètes, tentez donc ensuite de le découvrir en français. Car la seconde, d'une mièvrerie sans nom, pousse irrémédiablement à se pencher sur la première. Une véritable atteinte à l'intégralité mentale de celles et ceux qui continuent d'apprécier Nicolas Cage, même lorsqu'il ose se compromettre dans d'infâmes bandes vidéos mises directement sur le marché par la voie du DTV. Bon, mais qu'est-ce que ça raconte ? Et quels sont les éléments qui permettent d'affirmer que le long-métrage de Vic Armstrong n'est qu'une vaste fumisterie propre à faire trépigner de joie les seuls bigots pullulant sur le territoire américain ? Son synopsis : les coutumiers de l’œuvre du romancier Stephen King n'étant pas nés de la dernière pluie, le film possède de base cette même saveur que le récit s'inscrivant au cœur de la nouvelle Les langoliers publiée en 1990 dans le recueil Four Past Midnight. À l'époque, Stephen King imagine un vol entre Los Angeles et Boston lors duquel, une grande majorité des passagers disparaissaient, laissant derrière eux, vêtements, perruques, dentiers et tout autre objets étant étrangers à toute forme de constitution organique. Une dizaine de ''survivants'' découvraient alors estomaqués, qu'un phénomène d'origine inconnue avait, entre autres ''petits'' détails, effacé une grande partie de l'humanité de la surface de notre planète...

Ici, les ambitions sont similaires. Alors que Chloe Steele (l'actrice Cassi Thomson) promène son jeune frère Raymie (Major Dodson) dans un centre commercial, voici qu'un phénomène apparemment similaire s'y produit à l'échelle mondiale, touchant principalement les enfants, mais pas que... Dans les airs, son père Rayford (Nicolas Cage, rasé de très près) est aux commandes d'un avion de ligne à bord duquel une partie des passagers ne sera pas épargnée. L'ambition du projet n'intervenant qu'après une succession de séquences d'une navrante naïveté, l'effet de surprise meure dans l’œuf dès les premiers instants. On sent bien que même si le réalisateur tente de nous immerger au cœur d'un fléau planétaire, la chose sera traitée sur un ton tout sauf mobilisateur. Plus que l'étrange phénomène, c'est bien Dieu, la foi, les croyances et certains écrits qui sont au centre de ce salmigondis d'inepties que prétendent de fidèles ''lecteurs'' de la Bible. On ne touche pas à Dieu ni à ses brebis. Même lorsque le seul musulman du récit intervient afin de calmer les esprits, celui-ci (Alec Rayme dans le rôle de Hassid) annihile toute mauvaise pensée qui pourrait s'interposer entre ces bons chrétiens auxquels le Seigneur assignera la lourde charge de disparaître des écrans-radars et cet homme dont la foi resta sans doute longtemps renégate dans l'esprit du peuple américain (les événements du 11 septembre 2001). Left Behind pousse ses ouailles à la rédemption. Mais sous sa forme, le sujet prend des airs ironiques. Les enfants dont l'innocence n'est visiblement plus à prouver et les fidèles de certaines lectures saintes sont les premiers à ''bouffer'' du cataclysme puisque disparaissant tandis que les autres, pécheurs de toutes natures, restent piégés d'un monde dont le coup de semonce qui les a séparé des leurs apparaît comme le premier d'une longue série. C'est à croire que le long-métrage était envisagé comme le pilote d'une future série morte après seulement une première tentative. Paroissiens, paroissiennes, rassurez-vous, tout se termine bien. L'avion ne s'écrasera pas, aidé au sol par une Chloe étonnamment clairvoyante. C'est cul-cul la praline à souhait, interprété avec la fadeur du tofu et aussi méprisant qu'un acte d'indifférence commis à l'encontre d'un individu. Pourquoi ? Parce que si après vous être coltiné les près de deux heures que dure Left Behind vous espérez avoir une explication franche sur les événements, vous pouvez d'ors et déjà vous fourrer le doigt dans l’œil !!!

 

Froide vengeance (A Score to Settle) de Shawn Ku (2019) - ★★★★★★★☆☆☆

 

 

Leaving Las Vegas vs The Machinist vs The Sixth Sense. Voici comment pourrait être résumé Froide vengeance (A Score to Settle) du réalisateur américain Shawn Ku. Et avec un nom pareil, forcément, on se dit que nanti d'origines asiatiques, connaissant la propension des cinéastes japonais, chinois ou sud-coréens à nous pondre des films d'action très efficaces l'on pouvait espérer que celui-ci en ferait de même. Erreur, erreur. Froide vengeance tente à prouver qu'il ne faut surtout pas se fier aux apparences. Et encore moins au pedigree du bonhomme qui en plus d'avoir écrit et réalisé son troisième long-métrage est chorégraphe. Autant dire, la profession rêvée pour quiconque désire mettre lui-même en scène cascades, combats rapprochés et autres gunfights. Là encore, pas de bol ! Car s'il s'agit apparemment de la principale spécialité de Shawn Ku, le fait est que le résultat à l'écran est quasi désastreux. Déjà que le long-métrage ne contient que très peu de séquences d'action, celles-ci sont mises en scène de la manière la plus déplorable qui soit. Nicolas Cage qui déjà a pour habitude de se faire tailler des costards par des journalistes spécialisés (ou non) dans le septième art à grands coups de critiques assassines, ne méritait sans doute pas d'être une fois de plus convoqué dans le grand bain du nanar, de la série Z et du cinéma hautement ringard auquel sont parfois conviées les anciennes gloires de l'action. Partant donc avec un sérieux handicap, un manque d'action flagrant, des séquences mal orchestrées et une histoire somme toute banale, n'allez cependant pas croire que Froide vengeance et son titre digne de trôner au milieu de la filmographie de l'un de nos deux belges préférés (Jean-Claude Van Damme) est la purge qu'il semble être. Bien au contraire puisque le film de Shawn Ku n'est rien moins qu'un petit miracle. L'un de ces mystères qui parfois permettent à leur principal interprète de sortir la tête de l'eau juste avant qu'il ne se noie au beau milieu d'une très gênante filmographie. Sans être le signe d'un renouveau même si Nicolas Cage multiplie depuis les projets ambitieux (il tournera notamment plus tard dans le beaucoup trop sous-estimé The Prisonners of Ghostland du génial Sion Sono), Froide vengeance possède d'indéniables qualités qu'il serait criminel de passer sous silence ou de réprimer pour le simple plaisir de se payer la tête de l'acteur...

Sans être aussi profond que le magnifique et bouleversant Leaving Las Vegas de Mike Figgis, l’œuvre de Shawn Ku possède un potentiel émotionnel réel. On conseillera d'ailleurs de le découvrir en version originale afin de bien s'imprégner du personnage et de sa lente déliquescence physico-psychologique. Car dans le rôle de Frank Carver, Nicolas Cage incarne un taulard qui après avoir passé les dix-neuf dernières années derrière les barreaux est libéré pour cause médicale. Atteint d'insomnie fatale sporadique, il n'en a plus pour longtemps. L'ombre du chef-d’œuvre de Mike Figgis plane au dessus de Froide vengeance même si toute comparaison est ici relative. Il n'y a d'ailleurs pas de comparaison à faire entre les deux longs-métrages puisque Leaving Las Vegas écrase de tout son poids le film de Shawn Ku. N'empêche... Nicolas Cage, sans parvenir à nous faire verser la moindre larme, parvient malgré tout à rendre attachant et émouvant cet ancien membre d'un groupe de criminels. Physiquement, l'acteur se décompose à vue d’œil, blêmissant au fil de l'aventure, délirant, victime de troubles de la vision, il est parfois pesant de le voir tenir sur des jambes qui ne le portent pratiquement plus. Parce que oui, Frank Carver ne dort plus. Si comparé à Christiant Bale et son incroyable incarnation et transformation physique dans The Machinist de Brad Anderson ne fait là pas encore le poids, la lente dégradation du héros s'avère quand même parfois très marquante. Et puis, Frank, au delà de son désir de vengeance vis à vis de son ancien employeur et de ses hommes de main, au sortir de taule, retrouve son fils Joey (l'acteur Noah Le Gros). Un ancien toxicomane qui semble s'en être sorti et qui retrouve miraculeusement son père à la minute même où celui-ci passe la grille extérieure de la prison. Dès lors, Frank et Joey vont tenter de rattraper toutes ces années perdues. De plus, le premier fera la connaissance de Simone/Jennifer, une escort-girl interprétée par Karolina Wydra lors d'une touchante séquence. C'est de ces points de vue là que Froide vengeance tire son épingle du jeu. Un film qui aurait sans doute mérité un autre titre, du genre, Chaudes retrouvailles... Quoique... intimistes, émouvantes, les séquences que partagent ensemble les deux interprètes hissent le film au dessus de la mêlée où s'entretuent nombre de DTV de très mauvaise facture. Si le réalisateur, scénariste et chorégraphe s'est planté dans les grandes largeurs concernant les scènes d'action, le côté dramatique, lui, est plutôt réussi. Généralement honteusement mal noté, Froide Vengeance, sans être un parangon du cinéma d'action est un film qui mérite pourtant qu'on lui octroie une heure et quarante-trois minutes de notre temps...

 

Renfield de Chris McKay (2023) - ★★★★★★★☆☆☆

 

 

R. M. Renfield est un personnage issu de l'univers de Dracula, cet ouvrage mondialement connu, publié à la fin du dix-neuvième siècle par le romancier irlando-britannique Bram Stoker. Comme aime à nous le rappeler le dernier film en date à le mettre en scène, Renfield de Chris McKay, lequel avait jusque là œuvré dans le court-métrage, les séries télévisées avant de mettre en scène un premier long-métrage d'animation en 2017 avec Lego Batman et un thriller d'action et de science-fiction avec The Tomorrow War il y a deux ans, est apparu dans nombre de films et de productions télévisuelles. En 1922, il apparaît notamment dans le chef-d’œuvre de l'allemand Friedrich Wilhelm Murnau Nosferatu, le vampire sous les traits de l'acteur austro-hongrois Alexander Granack. Renommé Knock pour des questions de droits, le compatriote du réalisateur, l'immense Werner Herzog en proposera même une relecture cinquante-sept ans plus tard sous le titre Nosferatu, fantôme de la nuit et dans lequel, cette fois-ci, le personnage retrouvera sa véritable identité sous les traits de Roland Topor (l'écrivain français, poète, metteur en scène, peintre, etc, etc, etc...). Entre ces deux là, Tod Browning, Jesus Franco ou encore John Badham évoqueront à leur tour le personnage de Renfield. Francis Ford Coppola également, avec son Dracula de 1992. Et même Mel Brook qui avec Dracula, mort et heureux de l'être proposait en 1995 une variation parodique du mythe dans laquelle l'acteur et réalisateur américain Peter MacNicol incarnait un Renfield inspiré de l’œuvre que réalisa Tod Browning en 1931. A travers quelques images d'archives prélevées ça et là à quelques classiques du genre, Renfield pose les bases d'une œuvre qui cette fois-ci se penchera en priorité sur ce drôle d'individu à la botte du plus célèbre des vampires inspiré, faut-il le savoir, de l'authentique Vlad III l'Empaleur, prince de Valachie durant le quinzième siècle et dont la légende dit qu'il fit tuer d'innombrables manières, tous ceux qui osaient le contester. Si le long-métrage de Chris McKay met à l'honneur le personnage de Renfield, il ne le fait pas sur un ton grave. Pourtant, il y avait matière, ici, à concevoir une œuvre plus dure qu'elle ne l'est en réalité. Surtout lorsque l'on étudie en profondeur le caractère de ce personnage qui, sous l'emprise de son maître, le vampire Dracula, cherche par tous les moyens à s'extraire de son emprise...

Un personnage à la personnalité bicéphale, donc. Entre fascination et désir d'émancipation. Incarné par l'acteur britannique Nicholas Hoult, il est donc au centre d'un récit qui ne se satisfait pas exclusivement des rapports entre maître et ''esclave'' mais introduit également une sous-intrigue qui peu à peu va prendre une large place dans le récit. Tout d'abord, il y a cette rencontre avec le personnage de l'agent Rebecca Quincy qu'interprète l'actrice, animatrice et rappeuse sino-américaine Awkwafina. Une femme-flic courageuse dont le père est prétendument mort lâchement lors d'un meurtre commis par un certain Teddy Lobo, lequel est incarné par un Ben Schwartz tatoué, gominé, prototype même du voyou latino visiblement programmé pour se forger une carrière de roi de la pègre après avoir regardé en boucle le Scarface de Brian De Palma. Du moins est-ce l'image que renvoie ce type finalement peu courageux, au bagout parfois hésitant, à la prestance caricaturale, lequel est fasciné par une mère (l'actrice irano-américaine Shohreh Aghdashloo dans le rôle d'Ella) qu'il veut rendre fière de lui. Et Dracula dans tout ça ? Et bien, comme l'indique l'affiche du film, c'est l'acteur Nicolas Cage qui l'incarne, teint blafard, dents acérées, dans un genre théâtral absolument réjouissant. Le maquillage outrancier, le verbe haut, l'appétit aiguisé, son interprète joue ici de la réputation d'acteur aux choix artistiques parfois minables dont il jouit et incarne un personnage mythique que l'on regrette finalement qu'il n'ait pas été mis sur un même plan d'égalité que Renfield. Les deux hommes cabotinent, comme le reste du casting, dans cette comédie horrifique qui ne lésine pas sur les effets-spéciaux gores et les scènes d'action survoltées. Renfield possède en outre une saveur kitch tout à fait respectable. Resserré sur quatre-vingt treize minutes seulement, le récit est sinon basique (désir d'émancipation pour Renfield et de pouvoir absolu pour Teddy Lobo et sa mère Ella), du moins très divertissant. Une jolie photographie (Mitchell Amundsen), un montage énergique (Mako Kamitsuna) même si l'on aurait aimé un surcroît de lisibilité lors des combats, une musique signée de Marco Beltrami et une direction artistique (Chris Craine) pleine de couleurs font de Renfield une sympathique comédie d'horreur que l'on conseillera à toute la famille, sans restriction d'âge...

 

Prisoners of Ghostland de Sion Sono (2021) - ★★★★★★★☆☆☆

 

 

L'univers cinématographique du réalisateur japonais Sion Sono s'occidentalise. Avec parcimonie, bien entendu. C'est pourtant d'autant plus vrai que son dernier long-métrage Prisoners of Ghostland n'a pas d'alternative japonaise puisqu'il s'agit du titre qu'a choisi de donner l'auteur à son dernier projet qui fut projeté dans les salles américaines voilà deux ans mais est directement sorti en VOD et en DVD le 9 février 2022 dans l'hexagone. Si les détracteurs du réalisateur campent ici sur leurs positions, il est étonnant de découvrir que les fans, ou du moins, une partie d'entre eux, n'ont pas adhéré à ce dernier effort d'un cinéaste décidément plein de surprises. Et pourtant, une fois encore Sion Sono démontre avec un certain génie l'importance de son cinéma et de ses multiples visions. Il offre à l'acteur américain Nicolas Cage le rôle principal de Hero. Ce personnage sans véritable patronyme surnommé ainsi par les individus enfermés dans la fameuse ''ville'' de Ghostland et qui scandent ce nom de substitution. Bandit ayant été à l'origine d'un massacre commit par son complice lors d'un braquage de banque, le voici désormais enfermé dans la cellule d'une prison dont seul le Gouverneur (l'acteur Bill Moseley qui interpréta notamment le membre de la famille de timbrés de Massacre à la tronçonneuse de Tobe Hooper, Top Chop en 1986) peut décider de sa libération. Lorsque la petite-fille de ce dernier disparaît (l'actrice franco-algérienne Sofia Boutella dans le rôle de Bernice), celui-ci propose un marché à Hero : la chercher, la retrouver et la ramener auprès de son grand-père. Mais ne pouvant pas laisser libre le criminel sans s'assurer qu'il n'en profitera pas pour prendre la fuite, le Gouverneur lui impose le port d'un uniforme chargé d'explosifs qui éclateront au bout de cinq jours si jamais Hero n'est pas de retour avec à ses côtés, Bernice. Le synopsis est comme on le découvre, relativement basique. Les fidèles de John Carpenter s'étonneront même sans doute de l'apparente similitude qui existe entre le scénario d'Aaron Hendry et Reza Sixo Safai et celui qu'écrivirent le réalisateur américain et Nick Castle à l'époque de New York 1997. Film dans lequel, je le rappelle, le héros Snake Plissken (l'acteur Kurt Russell) était chargé par un certain Bob Hauk (Lee Van Cleef) de s'introduire dans un Manhattan transformé en ville-prison, le président des États-Unis John Harker (Donald Pleasance) après que la capsule de survie de celui-ci se soit écrasée en plein cœur d'une ville désormais livrées à des gangs de criminels et de barbares. Là encore, le héros était contraint d'assurer le retour du chef de l'état dans une échelle de temps relativement courte à défaut de quoi, les minuscules capsules explosives qui lui furent injectées auraient explosé...

Néo-western fantastico-post-apocalyptico-steampunk, Prisoners of Ghostland est visuellement ce que le réalisateur japonais a pu offrir de plus remarquablement esthétique. Une gifle visuelle quasi permanente. Tantôt, des jeux de lumières flamboyants que n'aurait probablement pas renié un autre grand esthète, le réalisateur hongkongais Wong Kar-wai. Tantôt, un décor triste, terne et poussiéreux comparable aux meilleurs films de science-fiction post-apocalyptique de type ''Mad Max''. L'essentiel de l'intrigue se déroule cependant à l'intérieur d'une cité qui ressemble davantage à un camp dans lequel, les habitants retenus prisonniers tentent d'arrêter le temps ! Difficile d'évoquer le contenu du long-métrage même si celui-ci paraît de prime abord moins confus que la plupart des œuvres signées de Sion Sono. L'une des principales critiques que l'on peut émettre vis à vis de Prisoners of Ghostland est cette impression qui se confirme lors de certains affrontements et qui offre le sentiment que Sion Sono n'a pas été au bout des objectifs qu'il se donne habituellement. Ici, tout ou presque paraît, sinon bâclé, du moins insuffisamment approfondi. Les séquences se succèdent, laissant un goût amer. Il manque en effet souvent de ce côté épique auquel l'on pouvait prétendre assister. Prisoners of Ghostland n'est donc pas le meilleur film de son auteur. Et pourtant, il n'en est pas moins aussi indispensable que ses prédécesseurs d'un point de vue esthétique. Une œuvre d'une beauté à couper le souffle qui résume à elle seule le travail de Sion Sono (villes fourmillant de couleur à la manière de l'indigeste Tokyo Tribe, magnifiques ombres chinoise.... enfin japonaises, à la Hiso Hiso Boshi). Avec, en plat de résistance, une entrée dans la ville de Ghostland digne de trôner à la même table que certains plans du Cléopâtre de Joseph L. Mankiewicz ou du Apocalypto de Mel Gibson. Prisoners of Ghostland fascine donc davantage pour ses qualités techniques et visuelles (notamment dues à la photographie de Sôhei Tanikawa, les décors de Toshihiro Isomi, les costumes de Chieko Matsumoto et la très belle partition musicale du compositeur américain Joseph Trapanese) que pour sa mise en scène (malgré certains travelling ébouriffants), qui contrairement à ce que certains affirment est moins confus qu'il n'en a l'air...