Indiana Jones et le Cadran de la destinée de James Mangold (2023) - ★★★★★★☆☆☆☆

 

 

Après avoir lu et entendu tant d'horreurs concernant le dernier volet de la franchise Indiana Jones, je m'étais promis que j'attendrais son passage à la télévision pour le découvrir. Mais l'insouciance, la tranquillité, la plénitude liées généralement aux vacances aidant, nous nous sommes finalement dirigés ma compagne et moi vers la salle numéro 3 du cinéma CGR d'Albi en ce début de soirée du 2 août 2023 pour y découvrir Indiana Jones et le Cadran de la destinée, le dernier film mettant en scène le plus célèbre des professeurs en archéologie de fiction, Indiana Jones. Dans cette nouvelle et ce qui sera probablement son ultime aventure, nous retrouvons l'acteur Harrison Ford qui à l'aide de CGI retrouve tout d'abord sa ''prime jeunesse'' puisque l'intrigue démarre en 1944 alors que L'Allemagne nazie a envahi la France. C'est à bord d'un train que l'on retrouve Indiana Jones, lequel se retrouve notamment aux prises avec le professeur Jürgen Voller au sujet de la machine d'Anticythère. Nazi auquel notre héros aura à faire face durant la totalité du récit puisque dans la peau de ce dernier, l'acteur danois Mads Mikkelsen cherchera à tout prix à réunir les deux parties d'un seul et même objet : le cadran dont les hypothétiques propriétés ont selon Indiana Jones, rendu fou son ami Basil Shaw (l'acteur Toby Jones), lequel a voué une grande partie de son existence au dit objet. Un personnage qui n'apparaîtra que lors de la première partie et qui servira surtout de prétexte à l'apparition à l'image de l'actrice Phoebe Waller-Bridge dans le rôle de Helena Shaw, sa fille. Pour certains, la jeune femme semble avoir un temps de présence ou une implication beaucoup trop importante, bouffant littéralement ceux de celui qui se doit d'être le héros véritable de ce récit. Soit, Indiana Jones.

Un argument peu crédible si l'on prend en compte le fait qu'en réalité, les deux interprètes se partagent les rôles principaux et que ni l'un ni l'autre ne tire véritablement vers lui la couverture. Au pire l'on pourra, du moins pour un temps, critiquer l'extrême crispation que peu causer le comportement de la jeune femme qui paraît principalement intéressée par l'argent plutôt que par le projet auquel son père consacra une bonne partie de son existence. En intégrant ce personnage féminin, il semblerait à priori que Walt Disney Pictures continue son travail de sape en cherchant à intégrer certaines valeurs propres au wokisme. Le célèbre studio de production cinématographique ayant racheté Lucasfilms en 2012, on pouvait craindre qu'un certain formalisme ne vienne s'interposer entre le parti-pris d'une entreprise qui semble prendre l'eau depuis un certain temps et l'un des personnages de fiction les plus légendaires. Reprenant les personnages créés par Philip Kaufman et George Lucas, ça n'est plus Steven Spielberg qui se retrouve aux commandes du cinquième opus de la franchise mais James Mangold auquel on doit notamment les excellents Copland en 1997, Identity en 2003 ou Logan en 2017. Une valeur qui semble donc relativement sûre pour un résultat qui, s'il n'atteint pas le meilleur de la saga, fait tout de même le boulot ! L'entrée en matière semble être tout d'abord réservée aux fans de la première heure puisque l'on y découvre un Indiana Jones aux grandes heures de son épopée d'aventurier, Harrison Ford y apparaissant rajeunit grâce à la technologie du De-Aging.

Celle-ci permet effectivement de retrouver le personnage sous les traits du Indiana Jones de la première heure. Après une longue course-poursuite à bord et sur le toit d'un train lancé à vive allure, l'intrigue les projette lui et les autres membres de l'aventure en 1969 alors que la mission Apollo 11 vient de connaître un succès retentissant. Toujours empreinte de fantastique, la franchise aborde désormais le thème du voyage dans le temps avec tout ce que le concept contient de fascinant. Un sujet fort passionnant pour une œuvre de plus de cent-cinquante minutes qui tournera majoritairement autour de très longues courses-poursuites. Indiana Jones et le Cadran de la destinée tente de renouer avec le meilleur de la franchise en proposant de riches environnements tout en modernisant le concept à travers les dites courses-poursuites. Une avalanche d'images qui cachent en réalité les faiblesses d'un scénario tournant surtout autour d'un Indiana Jones vieillissant aux prises avec un nazi rêvant de réécrire l'histoire de son pays et ainsi effacer la défaite d'un certain Adolf Hitler. Rendant également hommage à quelques personnages/interprètes iconiques des œuvres passées, les fans retrouveront avec bonheur mais sans doute également un petit pincement au cœur, John Rhys-Davies dans le rôle de Sallah Faisel el-Kahir ainsi que Karen Allen dans celui de Marion Ravenwood. Le spectacle est total. À grands renforts d'images de synthèses pas toujours très convaincantes, le long-métrage propose son cortèges de scènes d'action parfois outrancières qui rappellent plus généralement le Les Aventures de Tintin : Le Secret de La Licorne de Steven Spielberg que les premières aventures de l'archéologue aventurier. Ponctué de sous-intrigues parfaitement inutiles comme la présence du fiancé d'Helena (Alaa Safi dans le rôle de Rahim) lors d'une course-poursuite en plein cœur de Tanger, Indiana Jones et le Cadran de la destinée se veut trop généreux en terme d'action, cachant ainsi certaines faiblesses. Reste que l'on ne s'y ennui pas. Sans être LA nouvelle référence du film d'aventures, le dernier long-métrage de James Mangold a au moins réussi le pari de n'être pas aussi piteux que Indiana Jones et le Royaume du crâne de cristal que réalisa lui-même Steven Spielberg voilà quinze ans...

 

Bleeder de Nicolas Winding Refn (1996) - ★★★★★★★★☆☆

 

 

Après avoir réalisé le premier volet de sa brillante trilogie Pusher et avant d'y retourner en 2004, le réalisateur et scénariste danois Nicolas Winding Refn tourne en 1999 un nouvel uppercut avec Bleeder dans lequel nous retrouvons une partie des interprètes de son précédent long-métrage. Comme si Franck, Tonny, Milo et Mike s'étaient retrouvés propulsés dans un univers parallèle, endossant de nouvelles identités en les personnes de Léo, Lenny, Kitjo et Louis. Un monde qui ne s'avère pas davantage enviable que le précédent puisque bien avant d'aborder des univers hauts en couleurs (Only God Forgive en 2013, The Neon Demon en 2016), Nicolas Winding Refn abordait son œuvres sous les oripeaux du drame social transpirant le bitume et la saleté. Loin de la drogue dont fut issue une partie du scénario de Pusher en 1996, Bleeder échappe quelque peu à cette thématique parfois chère au thriller pour plonger désormais ses nouveaux personnages dans un drame pur jus faisant le constat d'existences misérables où le manque d'argent est vécu comme un problème insoluble. Le réalisateur danois en profite pour y exprimer sa passion pour le cinéma à travers le personnage de Lenny qu'interprète le génial Mads Mikkelsen qui débuta sa carrière en même temps que Nicolas Winding Refn trois ans auparavant. Une fidélité qui entre les deux hommes durera jusqu'en 2009 avec le contemplatif Le guerrier silencieux, Valhalla Rising. Dans Bleeder, l'acteur lui aussi d'origine danoise campe le rôle d'un employé de vidéoclub dirigé par Kitjo (qu'interprète Zlatko Buric, qui sera l'acteur central du troisième volet de la trilogie Pusher en 2005). Un être sensible, amoureux d'une jeune serveuse (l'actrice Liv Corfixen dans le rôle de Lea) avec laquelle il tentera d'entretenir une relation amicale relativement touchante dans ce climat délétère imprimé par le degré de racisme latent dont sont victimes les immigrés (à l'image des épiciers pakistanais traités de bougnoules ou de ceux qui à l'entrée de la boite de nuit dirigée par Louis sont refoulés) ou par l'attitude de Leo qui après avoir appris de la bouche de sa petite amie Louise (l'actrice Rikke Louise Andersson) va , semble-t-il, perdre peu à peu la raison...

Bien moins connu que la trilogie Pusher ou que des films à venir de Nicolas Winding Refn (parmi lesquels on retrouve notamment Drive réalisé en 2011), Bleeder n'en est pas moins une œuvre qui au sein d'une filmographie remarquable mérite de trôner à la même place que les meilleurs d'entre elles. Intégré dans un univers réaliste, filmé caméra à l'épaule et sans chichis esthétiques, le second long-métrage de Nicolas Winding Refn ne peut laisser indifférent. Sa morosité ambiante et son issue que l'on devine fatale participent d'un malaise ambiant qui trouvera sans doute son expression la plus dérangeante lors d'une séquence d'injection de sang contaminé par le virus du SIDA proprement glauque ! Kim Bodnia et Rikke Louise Andersson campent un couple au bord de la rupture, pour des raisons qui semblent au départ incompréhensibles (Leo supporte mal l'idée de devenir père tandis que Louise lui annonce son intention de garder le bébé) mais dont il donnera plus tard, une explication. Le contraste entre ce couple qui se déchire lors de séquences dures et réalistes et celui que forment Lea et Lenny dans des scènes touchantes de naïveté est assez remarquable. Le tout noyé sous l'évocation d'un septième art qui imprime la quasi totalité du long-métrage. Donnant lieu ainsi à quelques rares séquences plutôt drôles, à l'image de celle où Lenny décompte le nom des réalisateurs dont les œuvres sont disponibles dans le vidéoclub. Si ses personnages sont en général relativement touchants (chaque action ou presque est exécutée avec une certaine forme d'hésitation), la violence la plus crue s'y exprime parfois. Chacun y interprète brillamment son personnage et si Kim Bodnia s'avère tour à tour émouvant et inquiétant, c'est peut-être Mads Mikkelsen qui cinq ans avant son extraordinaire interprétation dans le second volet de la trilogie Pusher façonnait déjà le personnage de Tonny...

 

Torremolinos 73 de Pablo Berger (2003) - ★★★★★★★★☆☆

 

 

Marre des blockbusters ? Envie de se laver l'esprit et de se reposer la rétine ? Retour en 2003, et même pourquoi, dans les années soixante-dix lors desquelles se situe l'action de Torremolinos 73, premier long-métrage du réalisateur, scénariste et producteur espagnol Pablo Berger. Bienvenue dans ce pays merveilleux qu'est l'Espagne, terreau fertile qui vit éclore nombre de génies du septième art tel le Alex de la Iglesia de El día de la bestia, La comunidad ou Crimen ferpecto. Exemple parmi tant d'autres même si l’œuvre de ces deux-là n'ont rien de tout à fait comparable. Ou bien le premier est-il en comparaison le pourvoyeur d'un humour tout en retenue, moins hystérique, mais sans doute pas moins passionnant et original. Comme son titre l'indique, l'action de Torremolinos 73 se situe dans la ville du même nom, sans doute en 1973 (année à laquelle semble faire référence une séquence lors de laquelle le héros du long-métrage est contraint de faire un prélèvement de semence). C'est dans ce contexte, cette reconstitution des années soixante-dix plutôt agréable à l’œil, qu'Alfredo Lopez et son épouse Carmen se retrouvent plongés. Petit vendeur d'encyclopédies à domicile, l'entreprise de son patron Don Carlos est en grande difficulté. C'est alors que ce dernier invoque une échappatoire des plus étonnante. Aux rares employés qui la composent, Don Carlos leur propose de passer à la vitesse supérieure en abandonnant la vente d'encyclopédies pour réaliser de petits films ''scientifiques'' en super 8 à l'adresse des pays scandinaves. Alors que leur propriétaire les menace de les faire virer de leur logement s'ils ne paient pas leurs trois mois de loyer de retard, Alfredo et Carmen vont accepter de réaliser chez eux, ces petits films dont la vocation sera d'exposer les mœurs sexuelles espagnoles...

Quelque part, le long-métrage de Pablo Berger évoque On aura tout vu que réalisa Georges Lautner en 1976 avec ce photographe publicitaire qu'incarnait Pierre Richard (époux, dans le film, de l'actrice Miou-Miou) dont le rêve était de réaliser un long-métrage sensible et touchant qui entre les mains du savoureux Jean-Pierre Marielle allait se transformer en œuvre pornographique ! Un film doux-amer en réalité, drôle et tendre à la fois, incarné par un Javier Cámara au charisme aussi particulier que pu l'être celui de Michel Blanc des Bronzés ou de Viens chez moi, j'habite chez une copine. À ses côtés, la délicieuse et touchante Candela Peña (notamment découverte chez Pedro Almodovar avec Tout sur ma mère) dont le personnage de Carmen rêve d'avoir un enfant, ainsi que Juan Diego dans le rôle de Don Carlos, un patron faussement aimable dont les intentions ne sont pas si nobles qu'elles en ont l'air. Si Torremolinos 73 semble dérouler avec la plus grandes des tranquillité son récit, il évoque cependant des thèmes très humains qui contrebalancent avec ce sujet apparemment central que constitue la réalisation de petits films érotiques. Car au delà du voyeurisme qui tendrait à faire de Torremolinos 73 une alternative récente aux comédies sexy des années soixante-dix auxquelles même le cinéma français ne put échapper, le long-métrage de Pablo Berger est d'abord l'histoire d'un couple et de son amour réciproque. Ce qui en terme visuel se manifeste par une œuvre plus cynique que véritablement amusante. Un chemin de croix qui trouve sa consécration lors d'une séquence finale qui aurait pu s'avérer insoutenable si la finesse de la mise en scène et du scénario (signé lui aussi de Pablo Berger) n'étaient pas venus s'interposer avec l'épouvantable et inextricable situation dans laquelle se sont positionnés Carmen etAlfredo...

Il y a dans Torremolinos 73 de ces répliques qui à elles seules valent le coup d’œil. Comme lorsqu'Alfredo reproche à Carmen d'avoir passé du temps avec une star du cinéma (Máximo Valverde, dans son propre rôle) lors d'une soirée, que celle-ci lui rétorque ''Arrête, Alfredo. Maximo est un gentleman'' avant que son époux ne lui assène un imparable ''Oui... Et Dracula, un comte !'' On notera la présence à l'écran de l'acteur danois Mads Mikkelsen, jeune étalon et acteur porno étonnamment sensible participant au leurre que revêt le premier vrai film que doit tourner Alfredo à partir de son propre scénario et que son patron est prêt à financer. Surtout, parfois formidable d'audace est le récit de Torremolinos 73, lequel trouve une justification qui dans ses derniers retranchements s'avère parfaitement indéboulonnable. Ou comment consolider le couple Carmen/Alfredo en leur octroyant à chacun leur part de rêve...

 

Polar de Jonas Åkerlund (2019) - ★★★★★★☆☆☆☆

Jonas Åkerlund, l'homme qui se cache derrière Spun, engeance dérivée aux couleurs survitaminées des classiques Requiem for a Dream de Darren Aronofsky et Trainspotting de Danny Boyle revient dix-sept ans plus tard avec Polar, extension toute aussi inoffensive dans sa conception de la violence que sa première saillie artistique. Le suédois convoque l'un des plus grands acteurs danois de sa génération. L'hyper charismatique Mads Mikkelsen qui de nombreuses années après avoir incarné Tonny dans le sombre, violent et bouleversant second volet de la trilogie culte de Nicolas Winding Refn Pusher, s'offre une seconde jeunesse dans ce néo-noir tout en couleurs flashy. Inspiré du roman graphique Polar: Came from the Cold de Víctor Santos, le nouveau long-métrage de Jonas Åkerlund est le type de produit parfaitement formaté pour une diffusion sur la plateforme Netflix où il a d'ailleurs vu le jour. Pas de diffusion sur grand écran, donc. Héritant de son statut d'adaptation au format live d'une longue bande dessinée, il était sans doute logique que l'opportunité soit offerte à Jonas Åkerlund, cet ancien ''clippeur'' de travailler dessus. Son style visuel collant parfaitement au concept d'origine d'un roman graphique, le réalisateur suédois choisit en revanche de surenchérir en la matière plutôt que de son contenter d'une esthétique en bichromie comme le veut la bande-dessinée dont les cases sont généralement remplies de noir et d'orange.

Duncan Vizla, surnommé ''Black Kaiser'' dans sa profession de tueur à gages est d'ors et déjà prêt à prendre sa retraite qui doit survenir dans deux semaines. Refusant tout d'abord un contrat de la part de son employeur Blut, sa collaboratrice Vivian parvient à convaincre Duncan d'accepter cette nouvelle mission pour laquelle il recevra la modique somme de deux millions de dollars. Mais ce qu'il ne sait pas, c'est qu'en réalité, l'objectif à abattre, c'est lui. En effet, Blut rencontrant d'importants soucis financiers, il n'a pas l'intention de reverser les huit millions de dollars qu'il doit payer à son futur ex-employé lors de son départ à la retraire. Alors qu'il aspirait à une nouvelle vie au Canada, dans un chalet isolé, Duncan va devoir faire à nouveau parler les poings et la poudre. D'autant plus qu'il a à faire à une bande de jeunes tueurs à gages particulièrement bien organisée et sans états d'âme...

Le scénario de Jayson Rothwell étant ultra basique, la force de Polar ne doit donc reposer que sur l'action. Et dans ce domaine, Jonas Åkerlund remplit parfaitement son contrat. On ne s'ennuie quasiment pas et les gunfights et autres combats à mains nues promettent quelques réjouissantes séquences bien saignantes. Membres brisés, impacts de balles, geysers de sang, le film compte également sur une galerie de portraits hauts en couleurs et en excentricité. D'un côté, le héros incarné par l'acteur danois, donc. Aux côtés duquel on retrouve la charmante Vanessa Hudgens qui campe une voisine particulièrement fragile prénommée Camille. Face à Duncan, un groupe de mercenaires tout droit sortis d'un manga japonais parmi lesquels on retrouve les séduisantes actrices Katheryn Winnick et Ruby O. Fee ainsi que les brutes épaisses de service en les personnes de Robert Maillet, Josh Cruddas, et surtout Matt Lucas qui incarne Blut. Le réalisateur s'offre une petite virée du côté du Old Boy du sud-coréen Park Chan-Wook mais sans avoir le courage ou le tempérament de tourner en plan-séquence le passage durant lequel le héros combat un grand nombre de soldats aux ordres de Blut dans un couloir étroit. Alors qu'une suite a déjà été envisagée, Polar est un sympathique petit film qui s'oubliera par contre très rapidement. Une œuvre mineure dans la carrière de Mads Mikkelsen mais logique dans celle de Jonas Åkerlund...

The Salvation de Kristian Levring (2014)

En 1871, un train emporte avec lui l'épouse et le fils de Jon, un colon venu s'installer dans l'ouest américain. Rejoint par les siens, ils prennent tous les trois une diligence à l'intérieur de laquelle se trouvent également deux étrangers. Durant le voyage qui emmène Jon et les siens jusqu'à leur ferme, ils sont agressés par les deux hommes qui expulsent Jon de la diligence. Lancé à pieds à la poursuite des deux brigands, il retrouve sur la route le corps sans vie de son fils. Puis plus loin, celui de son épouse. Non loin de là, il découvre la diligence ainsi que les deux meurtriers. Sans sommation, Jon abat les deux hommes, emporte avec lui les cadavres de son fils et de son épouse, et décidé en compagnie de son frère de quitter la petite ville qui les a accueilli des années en arrière.

Malheureusement pour lui, alors qu'il vient de concéder sa ferme au maire Keane, le départ précipité de Jon et de son frère Peter éveillent les soupçons et le shérif Mallick met aux arrêts les deux hommes. Deux hommes et une vieille femmes ont perdu la vie récemment, tués de sang-froid par Delarue, un ancien colonel de l'armée américaine installé dans la région et payé par la ville toute entière pour protéger ses habitants des indiens. Parce que le shérif n'a pas été en mesure de lui livrer à temps le meurtrier de son frère, il a tué au hasard trois des habitants. Bientôt, le shérif offre à Delarue l'homme qui a tué son frère. Ce dernier n'est autre que l'un des deux hommes ayant assassiné l'épouse et le fils de Jon. Le colon se voit ainsi livré aux mains de Delarue qui rêve de venger la mort de son frère...

Le cinéaste danois Kristian Levring nous livre avec The Salvation un très grand western dans la tradition des grands classiques américains, mais italiens également. On y retrouve ainsi l'esprit du cinéma du grand Sergio Leone. La poussière, le vent, le soleil, et surtout des salauds de grande ampleur avec à leur tête l'acteur Jeffrey Dean Morgan que l'on a pu découvrir récemment dans l'excellente sixième saison de la série à succès, The Walking Dead. Face à lui, un mads Mikkelsen toujours aussi impeccable, endossant le costume du cow-boy éprit de vengeance après la mort des siens. A leurs côtés, on y découvre l'ancien footballeur Eric Cantonna dans le rôle du Corse. Un personnage qui manque malheureusement de corps, présent à l'image mais bien trop discret pour avoir un semblant d'intérêt. D'ailleurs, ôtez-le du générique, et le film ne s'en trouve aucunement amputé du moindre intérêt.

D'un point de vue esthétique, The Salvation est superbe. Surtout lors des passages nocturnes qui, s'ils devaient souffrir le moindre parallèle, pourraient être éventuellement comparé à la vision de l'Enfer décrite par le tableau peint par l'artiste maudit de L'Au-Delà de Lucio Fulci. C'est noir , crépusculaire, et graphiquement saisissant. Mais le rapport le plus éloquent est celui qu'entretient The Salvation avec le mythique western de et avec Clint Eastwood, L'Homme des Hautes Plaines. On y retrouve cette même petite ville partiellement bâtie, et majoritairement constituée d'habitants faisant preuve d'une lâcheté remarquable, aux prises, eux aussi, avec des hommes censés les protéger mais qui vont finalement choisir de les exploiter.

Si le thème de la vengeance a déjà été de nombreuses fois exploité dans divers westerns, The Salvation n'en demeure pas moins une très belle réussite, parfaitement interprété par des acteurs et actrices talentueux et charismatiques...

Pusher 2: Du Sang sur les Mains de Nicolas Winding Refn (2004)

Du sang sur les Mains démarre à la sortie de prison de Tonny, l'ex ami de Franck qui depuis ses aventures dans le premier volet de la trilogie Pusher a mis les voiles et est parti se planquer au Danemark. Tonny est bien décidé à effacer toutes ses conneries et compte bien repartir à zéro. Il retrouve son père, Smeden dit « Le Duc » avec la ferme intention de lui prouver qu'il peut changer. Mais le Duc est un homme dur, froid et impénétrable qui accepte avec la plus grande des difficultés que son fils ose venir pointer le bout de son nez. Car il n'a plus confiance en Tonny. Ce dernier a prouvé à de trop nombreuses reprises que l'on ne pouvait pas s'y fier. Heureusement, Tonny peut encore compter sur de très rares amis, à l'image de « O » qui bientôt va se marier. Charlotte, l'ex petite amie de Tonny a un enfant. La jeune femme affirme que celui-ci en et le père et lui demande de l'aider à subvenir à leurs besoins. Au départ réticent, Tonny fini peu à peu par s'attacher à l'enfant. Et pour pouvoir les aider lui et sa mère, il demande à son père d'accepter de lui donner du travail.

Par ailleurs, acceptant de rendre service à un ami, Tonny se rend à un rendez-vous auquel se trouve présent Milo, le trafiquant de drogue responsable de la fuite de Franck au Danemark. Mais rien ne se passe comme prévu et Tonny se trouve embarqué dans une histoire qui touche malheureusement de près son père...

Que dire... Si Pusher était une véritable réussite, sa suite, Du sang sur les Mains, fait paraître le premier volet pour du « pipi de chat ». Ce second volet est une véritable claque. Démarrant plutôt mollement, l'impression mitigée des premières minutes est vite reléguée aux oubliettes et la performance de l'acteur principal interprétant le rôle de Tonny, l'extraordinaire Mads Mikkelsen, nous fait celle pourtant déjà lumineuse de Kim Bodnia dans le premier épisode.

Tatoué, le crâne rasé, l'air hébété et les neurones rangés au placard, le personnage de Tonny est étonnamment touchant. On se lie d'amitié pour ce personnage détruit par une existence de débauche, de violence et de larcin qui cherche l'amour et la fierté d'un père intransigeant.

Ce qui peut refroidir certains spectateurs, c'est ce pessimisme extrême dans lequel sont plongés les acteurs. Aucun d'entre eux ne viendra soutenir notre héro. Ils ont tous quelque chose à se reprocher. Dealers, toxicomanes, voleurs de voitures, on n'en n'apprend pas davantage sur la mère de Tonny, seul espoir de réconfort pour le jeune homme. Une chaleur qui n'aura pas lieu puisque l'on apprend qu'elle est morte depuis un certain temps. Le personnage de Tonny étant au centre de l'intrigue, sa personnalité et son caractère ont été étoffés depuis le premier volet de la trilogie.

Aujourd'hui, s'il n'est pas foncièrement aussi stupide qu'avant, il a également un charisme beaucoup plus prononcé.

Du sang sur les Mains est une œuvre difficile. Parfois très crue visuellement. Un thriller à l'ambiance particulièrement froide que l'acteur principal réussit à maintes reprises à rendre émouvant. Surtout dans les rapports qu'il entretient avec le père, ici interprété par l'excellent Leif Sylvester Petersen. On n'est pas près d'oublier l'ultime affrontement entre le père et le fils. Une scène presque insoutenable mais admirablement mise en scène par le décidément très épatant Nicola Winding Refn. Un chef-d’œuvre...

Pusher 1 de Nicolas Winding Refn (1996)

Franck est un petit criminel sans envergure qui deale de l'héroïne à Copenhague en compagnie de son pote Tonny. Il fréquente l'entraîneuse Vic et avec son accord, il profite de l'occasion pour planquer de la drogue dans son appartement. Un jour, Tonny fait part à Franck de l'intention d'un certain « suédois » de lui acheter deux-cent grammes de poudre. Mais comme il ne possède pas une telle quantité d'héroïne, Franck fait appel à Milo, originaire de Serbie, et important trafiquant de drogue auquel il doit déjà l'importance somme de cinquante mille couronnes. Milo confie à Franck les deux-cent grammes de poudre et lui donne rendez-vous à quinze le jour même afin de récupérer l'argent de la transaction qui doit se monter à cent-vingt mille couronne. Mais lorsque l'échange a lieu entre franck et le « suédois », rien ne se déroule comme prévu. Les flics débarquent et une course-poursuite s'engage alors entre Franck et deux d'entre eux. Pour ne pas plonger, Franck jette l'héroïne dans un lac.

Après avoir passé vingt-quatre heures en garde à vue, Franck est libéré. Il téléphone à Milo et lui annonce qu'il n'a ni l'argent, ni la drogue. Celui-ci ne lui donne alors que très peu de temps pour le rembourser, la somme étant depuis passée de cent-vint mille à cent-quatre vingt mille couronnes, sans compter les cinquante-mille que Franck lui doit déjà. Mais avant cela, ce dernier part à la recherche de Tonny qui, selon la police, l'a balancé durant sa garde à vue...

Premier volet de l'excellente trilogie éponyme, Pusher 1 est une véritable révélation. Bien avant Bronson, Le Guerrier Silencieux ou encore Drive, le cinéaste d’origine danoise Nicolas Winding Refn signe une œuvre coup de poing, réaliste, violente et noire comme la nuit qui semble irrémédiablement recouvrir d'une chape de plomb l'existence de Franck, ici interprété par le génial Kim Bodnia qui débuta sa carrière dans le flippant Le Veilleur de Nuit de Ole Bornedal (l'original et non pas le médiocre remake) et que Nicolas Winding Refn réembauchera trois ans plus tard dans le toujours aussi réaliste et éprouvant Bleeder.

Chaque épisode de la trilogie met en scène l'un des plus importants personnages de ce premier volet. Ici, il s'agit bien évidemment de Franck. Personnage apparemment sans émotions et qui va se retrouver dans une merde sans issue probable. Toute l’œuvre se concentre sur la quête d'argent de Franck. Poursuivi par Milo et son homme de main Radovan (respectivement Zlatko Buric et Slavko Labovic), on le suit dans une démarche qui ne peut l'amener qu'à sa propre destruction. Nicolas Winding Refn ne cherche à aucun moment à faire de son œuvre un strict divertissement. Tout ici est d'un réalisme exacerbé. Copenhague nous est présentée sous son aspect le moins glorieux. Des toxicomanes qui attendent leur dope, des putes qui en plus de vendre leur corps acceptent de travailler pour Franck, une Vic apparemment « saine » mais qui, déjà elle-même, est entraîneuse dans une boite de nuit. Des trafiquants de drogue aussi, et surtout des amis prêts à « cracher le morceau » pour se sortir de situation délicates.

Pourtant, malgré la noirceur du tableau, il demeure quelque chose de fondamentalement lumineux dans l’œuvre du danois. Le cinéaste crée l'empathie du spectateur pour son héros bien qu'il n'exprime jamais véritablement ses émotions. Petit criminel sans envergure, Franck n'en demeure pas moins attachant. Alors que Pusher 1 apparaît comme une œuvre underground et fauchée, la grande maîtrise et les connaissances de son auteur en font un film extraordinairement « vrai ». Jamais une once de surenchère. Chaque acte devenant la conséquence de celui qui le précède. On y découvre surtout l'immense acteur Mads Mikkelsen dans son tout premier rôle. Étonnant d'ailleurs de voir à quel point son rôle a pu prendre de l'ampleur entre ce premier volet et le suivant dont il sera le principal interprète, élevant la saga à un rang encore supérieur. Pusher 1 est un thriller noir, pessimiste et jusqu’au-boutiste qui ne peut que ravir les amateurs du genre. Un classique instantané comme le seront les deux volets suivants...

500ème article: Le Guerrier Silencieux, Valhalla Rising de Nicolas Winding Refn (2009)

Le film se passe aux environs de l'an 1000. Une tribu Pagan dirigée par Barde retient prisonnier durant des années le membre d'un clan ennemi, One-Eye, dit le Borgne, ainsi nommé après avoir perdu un œil. Le Borgne combat pour le compte de Barde et ses hommes durant des duels sauvages qui rapportent de l'argent au vainqueur. Parvenant finalement à fuir sa condition de prisonnier, le Borgne élimine un a un ses geôliers en dehors de leur chef qui parvient à prendre la fuite. Suivi de près par un jeune enfant ayant fait partie lui aussi des esclaves de la tribu pagan, Sans but précis, le Borgne et Are tombent nez à nez avec un groupe de chrétiens vinkings parti en campagne contre ceux qu'ils estiment s'être emparés de leurs biens. En route vers Jérusalem, ils ont bien l'intention de reprendre les rennes de la cité. Connu dans la région pour être l'un des meilleurs guerriers, le Borgne est invité à se joindre au groupe.

A bord d'un bateau, les voilà qui font route vers Jérusalem. Mais un brouillard épais et persistant les éloigne de leur but. Emportés vers une destination qui leur est inconnue, ils finissent par arriver sur les terres d'une tribu invisible et sauvage vivant encore à l'ère de l'âge de pierre...

Pour ce cinq-centième article, n'ayant pas d'idée précise sur le contenu que je devais y mettre, c'est Fred et Mike qui m'ont aiguillé vers ce septième long-métrage de Nicolas Winding Refn que j'avais encore scrupuleusement (et presque honteusement) évité de regarder. Pourquoi ? Pour aucune raison particulière en réalité. Le septième art étant si vaste et les choix si nombreux, j'avais laissé Fred et Mike (en fait, ils n'ont jamais eu besoin de mon autorisation pour le faire) se faire une idée de la chose et s'occuper d'en écrire une critique que vous pouvez d'ailleurs découvrir ici => Le Guerrier silencieux, Valhalla Rising. L'avantage étant qu'avec ce film et nos articles conjoints, vous pourrez vous faire une idée assez large de ce qui constitue cette œuvre à mille lieues de sa trilogie urbaine Pusher. Tout oppose en effet cette dernière et Le Guerrier silencieux, Valhalla Rising, mise à part la présence commune aux deux films du génial acteur Mads Mikkelsen.

Dire que je ne m'attendais pas à ça serait exagéré. Je n'ai pu, lors du visionnage, m'empêcher de faire comme Mike et comparer Le Guerrier silencieux, Valhalla Rising au Cœur de verre du cinéaste allemand Werner Herzog que, pour ma part, je considère comme un chef-d’œuvre. En effet, ce brouillard persistant, cette lenteur incommodante, cet immobilisme scénaristique hallucinogène ne peuvent laisser indifférent. Mais alors que les acteurs d'Herzog jouaient sous hypnose, les scénaristes Nicolas Winding Refn et Roy Jacobsen semblent s'être quant à eux endormis sur leur projet. Je veux bien que le danois ait eu envie de changer d'air, d'explorer de nouveaux horizons, quitte à pondre une œuvre autrement plus auteurisante que ses méfaits passés. Mais encore, aurait-il fallut qu'il y ait du fond. Quand à la barbarie qui explose à divers moments du récit, si elle se révèle, il faut l'avouer, particulièrement efficace, d'autres s'étaient déjà essayé à la tâche avec au moins autant de bonheur, si ce n'est davantage (Conan le Barbare de John Milius en 1982). 

 

Si le fond manque cruellement dans Le Guerrier silencieux, Valhalla Rising (je n'aurai tout de même pas la prétention d'en avoir saisi tout le sens), la forme quant à elle y est. Le spectacle visuel est fantastique. On pourrait même comparer l’œuvre à un autre long-métrage d'Herzog, Aguirre, la Colère de Dieu et ses personnages à la recherche d'un eldorado utopique. A dire vrai, et en y réfléchissant quelques instants, Aguirre semble être même la principale et unique référence de Winding Refn. Presque point par point, les deux œuvres se rejoignent.

A sa décharge, Le Guerrier silencieux, Valhalla Rising demeure malgré tout une œuvre énigmatique et atypique , qui peut-être se livre davantage après plusieurs visions. Nicolas Winding Refn n'a cependant jamais été aussi bon que lorsqu'il donne dans le béton ! Le Guerrier silencieux, Valhalla Rising aurait pu être un coup de génie. Il n'est finalement qu'un coup de poing dans le flanc...

Adam's Apples de Anders Thomas Jensen (2005)

Adam quitte le milieu carcéral dans lequel il a été enfermé. Néo-nazi convaincu et fier de l'être, il va passer quelques temps auprès de Yvan, homme d'église à la foi inébranlable qui recueille d'anciens prisonniers afin de faciliter leur réinsertion une fois leur liberté recouvrée. Mais entre les deux hommes, la rencontre se passe mal. D'un coté il y a ce pasteur convaincu de pouvoir « sauver » l'âme du second. De l'autre, il y a ce nazi qui affiche clairement ses positions et qui va tout tenter pour briser la foi de son sauveur.

A leur côté, il y a Gunnar, un ancien tennisman déchu et Khalid, un jeune pakistanais spécialisé dans l'attaque de stations services.

Yvan propose à Adam de trouver un objectif simple qu'il devrait accomplir durant son séjour. Avec un brin d'ironie, Adam propose à son bienfaiteur de faire un gâteau aux pommes. Ce qui tombe assez bien puisque le jardin qui entoure l'église possède un pommier qui demande beaucoup d'attention. Adam devra par conséquent s'en occuper jusqu'au premier août, jour où il pourra recueillir le fruit de ses efforts et ainsi préparer une tarte aux pommes...

L’œuvre de Anders Thomas Jensen (Les Boucher Verts), contrairement aux a priori que pourrait susciter une telle histoire, n'est pas le simple film trash auquel on pourrait s'attendre. Cette histoire vieille comme le monde entre le Bien et le Mal ici personnifiés par un ex-taulard néo-nazi et un pasteur aveuglé par la foi est une petite pépite. De celles qui se font si rares que le seul fait de pouvoir en être le spectateur est un privilège. Une caractéristique propre à celle et ceux qui fouinent un peu partout pour trouver la perle rare où qui ont dans leur entourage des relations assez généreuses pour partager avec d'autres leurs découvertes.

Adam's Apples est une merveilleuse fable au cynisme peut-être maintes fois vu dans ces grands cinémas que sont ceux des pays scandinaves et qui n'en doutons pas, parviennent à se hisser tout aussi haut qu'un certain cinéma belge (Au Nom Du Fils en étant un parfait exemple) mais ô combien efficace. Anders Thomas Jensen aurait pu noyer son œuvre dans un amoncellement d'actes trash et violents et la rendre ainsi invisible mais ce qui fait en réalité la force de ce petit bijou est justement ce mélange des genres qui nous submerge. Mads Mikkelsen, décidément extraordinaire quelque soit le rôle qui lui est confié, joue ce pasteur à la foi inébranlable victime de maux qui pourtant ne parviennent pas à le faire plier (il est atteint d'un mal incurable et est le père d'un enfant handicapé physique et mental). Face à lui, Ulrich Thomsen en néo-nazi ulcéré, voire halluciné face à cette incompréhensible implication religieuse dont fait preuve son bienfaiteur. A leurs côtés, des seconds rôles épatants : Ali Kazim dans celui de Khalid et Nicolas Bro dans celui de Gunnar.

Du trash, si vous en voulez, il y en aura. Mais pas de ceux qui naissent dans l'unique volonté de choquer. Ici, tout est histoire de sensibilité et de finesse. C'est peut-être, avec cet aspect de l’œuvre, ce mélange des genres cité plus haut qui rend chacun d'eux d'une force exceptionnelle. Cet homme d'église qui tend l'autre joue alors qu'il vient de subir un passage à tabac en règle, plutôt que de revêtir cette agaçante image de chrétien vivant hors du temps se trouve être en réalité particulièrement attachant. Tout comme ce néo-nazi d'ailleurs qui trouve auprès des spectateurs cet attachement qui peut-être lui a manqué plus jeune et l'a poussé dans les bras d'une frange politique extrémiste.

Naît alors une relation presque fusionnelle entre deux hommes que tout sépare. Une union impensable que la caméra filme avec beaucoup d'intelligence et d'émotion. De cette dernière d'ailleurs, on retiendra qu'elle nous scotche à la fin de l’œuvre, à ce moment très précis où l'on pense que tout est fini et qui nous cueille sans crier gare.

Anders Thomas Jensen est un homme généreux, peu avare, tout comme le sont ses acteurs. On sourit, on rit même parfois très fort (le chat qui fait les frais de la chasse aux corbeaux orchestrée par Khali), on admire avec quelle fragilité certaines scènes tiennent la route (tous ces moments d'intimité vulnérable que partagent les deux principaux acteurs), bref, on passe un merveilleux moment de cinéma...

Efter Brylluppet de Susanne Bier (2006)

Jacob Petersen vit en Inde depuis plus de quinze ans. Là-bas il y et bénévole et a passé toutes ces années avec l'envie d'y construire un orphelinat. Mais aujourd'hui, tout ce qu'il a bâtit risque de s'écrouler. Fautes de moyen, l'orphelinat risque de fermer ses portes et les enfants qui y vivent d'être jetés à la rue. Jacob s'est lié d'amitié avec Pramod, jeune garçon de bientôt huit ans qu'il a recueilli lorsque celui-ci était tout petit. Alors que tout va mal, Jorgen Lennart Hannson, un richissime homme d'affaires, propose à Jacob de venir au Danemark afin de discuter d'une éventuelle donation. D'abord réticent, Jacob accepte finalement de quitter son pays d'adoption tout en promettant à Pramod de revenir huit jours plus tard, date de son anniversaire.

Alors que son avion a atterri, Jacob est accueilli à l'aéroport par Christian, le fiancé d'Anna, la fille de Jorgen qu'il doit épouser dans quelques jours. Tout a déjà été prévu : une luxueuse suite dans un prestigieux hôtel et surtout une rencontre entre Jacob et Jorgen. Ce dernier fait savoir que le projet de Jacob n'est pas le seul qu'il étudie actuellement et que parmi quatre autres il fera son choix d'ici une semaine. Toujours est-il que Jorgen convie Jacob au mariage de sa fille. Malgré ses réticences, Jacob accepte et c'est lors des noces qu'il croise le regard d'une femme qu'il a très bien connu dans le passé : Hélène qui depuis est devenue l'épouse de Jorgen.

Les festivités se déroulent parfaitement lorsque les mariés prennent chacun la parole devant les invités. D'abord Christian. Puis c'est au tour d'Anna...

Que dire... sinon que After The Wedding est une œuvre forte, à l'émotion palpable. Le scénario d'Anders Thomas Jensen et de la réalisatrice elle-même Susanne Bier est d'une justesse effarante. Tout comme ce spectacle émouvant qui nous donne à vivre des moments de bonheur contrecarrés par l'arrivée au cœur d'un famille aisée, d'un homme apparemment étranger mais qui va réveiller de vieilles blessures et surtout provoquer un raz de marée sans précédent dans la vie bien rangée des Hannson. Il y a des souvenirs qui remontent à la surface, que l'on croyait effacés à jamais mais qui invariablement finissent par faire du tort à ceux qui voulaient les étouffer pour l’éternité. Ce qui semble presque improbable (cette accumulation d'événements qui viennent griser l'existence dorée des Hannson), est si bien mis en scène qu'il apparaît d'une logique implacable, ici impossible à révéler pour ne pas dévoiler ce qui fait partie intégrante du sel de l'histoire.

Mads Mikkelsen, Sidse Babett Knudsen, Rolf Lassgard et Stine Fischer Christensen, en fait les quatre principaux protagonistes sont d'une précision dans leur jeu que l'émotion passe à chaque fois par une profusion de larmes. On ne peut être subjugué par le charisme reconnu du génialissime Mikkelsen, et par le talent de ses trois compagnons. 

After The Wedding est un chef-d’œuvre indiscutable qui fait parfois frémir (imaginez vivre un tel récit) et fait très souvent pleurer. La cinéaste parvient durant presque deux heures à maintenir un intérêt qui ne faiblit à aucun moment. Elle nous fait pénétrer dans l'intimité d'une famille à travers des dialogues d'une simplicité mais d'une vérité confondante. Beaucoup de gros plans sur les visages. Ici des lèvres. Là un œil. Le visage de chacun exprime à lui seul la reconnaissance, l'angoisse, l'amour et la tristesse de ses personnages. La grande classe...