D'après une histoire vraie de Roman Polanski (2017) - ★★★★★★★☆☆☆

 

 

Je me souviens encore très bien des quelques remarques qui me furent faites au sujet de La vénus à la fourrure de Roman Polanski. L'on jugeait moins des indéniables qualités de la mise en scène que du très mauvais jeu supposé de sa principale interprète Emmanuelle Seigner. Jugement hâtif ? Sans aucun doute, mais de ma part, aussi, probablement, un manque cruel d'objectivité puisque j'aime beaucoup celle qui me fit notamment vibrer en 1992 lorsqu'elle interpréta le rôle de Mimi dans Lunes de fiel, toujours signé de son époux, le cinéaste franco-polonais Roman Polanski... Tout risque d'être déjà nettement plus complexe que jamais s'agissant de D'après une Histoire Vraie que le couple tourna ensemble quatre ans plus tard après La vénus à la fourrure. Adaptation sur grand écran du roman éponyme de Delphine de Vigan à côté duquel j'eus visiblement la chance de passer si l'on en croit celles et ceux qui le comparent à sa transposition au cinéma, c'est donc l’œil non averti, l'esprit vierge et détaché de toute comparaison que je me suis lancé dans cette drôle d'histoire tournant autour de deux personnages féminins. À commencer par Delphine qu'interprète Emmanuelle Seigner et dont le prénom fait directement référence à la romancière à l'origine de l'ouvrage sorti en 2015. Car le roman D'après une Histoire Vraie de Delphine de Vigan s'inspire en effet en partie de sa propre existence. Du succès rencontré par un livre très intime dans lequel elle évoquait sa mère. Une œuvre qui provoqua diverses réactions de la part du public et de la critique qui occasionnèrent chez elle un véritable blocage créatif. De cette expérience personnelle, Delphine de Vigan tira donc un roman dans lequel elle détourna quelque peu le sujet pour le transformer en un thriller psychologique intense qui malgré certains avis me semble être parfaitement retranscrit à l'écran. Face à Emmanuelle Seigner, Roman Polanski lui impose la présence de l'actrice Eva Green. Une interprète dont on pourrait plus ou moins juger sa carrière comme étant exemplaire puisqu'elle ne se cantonne pas au cinéma hexagonal mais s'est vue notamment offrir l'opportunité de jouer pour Michael Haneke, Bernardo Bertolucci, Ridley Scott, Tim Burton ou encore Gregg Araki. Dans D'après une Histoire Vraie, Eva Green incarne le personnage de L. Jeune femme énigmatique et fascinée par Delphine, celle-ci s'immisce rapidement dans l'existence de la romancière qui depuis le succès de son premier roman est devenue incapable d'écrire la moindre ligne...

Au départ, tout va bien. L tente d'aider Delphine à se relancer dans l'écriture, l'aide à faire le ménage dans sa vie sociale, répond aux mails qu'elle reçoit à sa place et vient même s'installer dans son appartement après qu'elle ait apprit que son propriétaire allait la jeter dehors... Pourtant, peu à peu, la jeune femme se montre un peu trop entreprenante, prenant ainsi des décisions à la place de Delphine et sans même lui en parler. L resserre ainsi son étau autour de la romancière jusqu'à la manipuler et usurper son identité... Roman Polanski renoue ici avec l'une des facettes les plus fascinantes de son cinéma. Et si D'après une Histoire Vraie n'entretient aucun lien narratif avec la trilogie des appartements constituée de Répulsion, de Rosemary's Baby et du Locataire, il est clair que d'un point de vue psychologique, le personnage de Delphine rejoint ceux de Carol Ledoux, de Rosemary Woodhouse et de Trelkovsky dont l'esprit va dériver au cœur d'un récit mêlant délire et réalité. La différence entre D'après une Histoire Vraie et la trilogie étant qu'ici, l'entourage proche de l'héroïne n'est pas directement lié aux événements mais n'est que la conséquence des rapports qu'elle entretient avec cette nouvelle venue objectivement envahissante qu'Eva Green interprète avec tant ''d'intensité'' que l'on voit arriver le personnage mille lieues à la ronde ! Là où Roman Polanski cultive le mystère quant à l'existence réelle ou non du personnage de L se situe dans le dispositif qu'il met en place en évitant systématiquement de mettre la jeune femme en présence d'autres personnage que celui de Delphine. Ici, L agit comme un véritable poison dans l'existence de la romancière. Au sens propre comme au figuré d'ailleurs. Roman Polanski fait monter la pression et ce qui dans un premier temps ressemblait davantage à un petit (télé)film sans prétentions artistiques particulières se transforme en une redoutable machinerie de sape psychologique ! Moins clairement établi dans ce qui peut relever des domaines du réel et du fantasme que par le passé, la situation de Delphine se rapproche donc de l'univers des trois volets de la trilogie des appartements. À tel point que l'on peut se demander dans quelles mesures le cinéaste franco-polonais n'aurait pas choisi ici de la conclure par un quatrième et tardif opus. Brillant !

 

Nocebo de Lorcan Finnegan (2022) - ★★★★★★★★☆☆

 

 

Il y a deux ans sortait sur les écrans le second long-métrage du réalisateur irlandais Lorcan Finnegan, Vivarium. Une œuvre pleine de promesse qui au final se fit intellectuellement moins pénétrante que prévu. Un film au concept inédit dont le principal défaut entrait directement en corrélation avec l'un de ses principaux objectifs. L'on y découvrait un couple s'installant dans un immense (et sinistre) lotissement flambant neuf, le couple devenant ainsi prisonnier des lieux sans pouvoir jamais s'en échapper. Un espace en forme de boucle infinie que l'on pouvait matérialiser sous le symbole ''∞'' créé par John Wallis en 1655 (apparu pour la toute première fois dans l'ouvrage ''De sectionibus conicis''). Un cauchemar qui allait malheureusement se révéler être redondant et décevoir toutes nos attentes. Si Lorcan Finnegan fut l'auteur du scénario aux côtés de Garret Shanley, ce dernier sera seul en charge de l'écriture du script de son nouveau long-métrage Nocebo. L'irlandais passe un cap. Non pas celui de l'originalité puisque de ce point de vue là, tous les espoirs sont permis à travers un récit qui une fois de plus n'imite pas le voisin mais s'approprie diverses thématiques pour les faire siennes. Sans qu'il n'y perçoive la complaisance latente qui parfois peut pourrir la matière même d'un récit, Lorcan Finnegan vise la fusion entre horreur épidermique, épouvante mystico-ethnique et drame social. Nocebo déploie une histoire comme les éléments d'un puzzle renversés sur une table avant que celui-ci ne soit reconstitué. L'on imagine alors le travail d'écriture de Garret Shanley et la composition du montage de la part de Aaron McGurgan et Lara Stewart. Une complexité apparaissant si fluide à l'écran que le récit en gagne en intensité ainsi qu'en clarté. Nul besoin pour le spectateur d'aller chercher telle ou telle clé enfouie dans la tête du réalisateur ou du scénariste. Tout est limpide et révèle la perversion et la cruauté du drame qui se déroule sous nos yeux. Mais quelles sont donc les surprises que nous réserve le film de Lorcan Finnegan. Et surtout, est-il parvenu cette fois-ci à atteindre son but jusqu'à l'ultime seconde ?

La réponse à cette dernière question est oui, sans conteste. Si Vivarium s’essoufflait sur la longueur, Nocebo, lui, parvient non seulement à maintenir l'intérêt jusqu'au bout mais se permet d'accentuer au fil du récit la tension qui s'installe au sein de la famille de Christine, jeune femme interprétée par l'actrice Eva Green, en mode conceptrice de vêtements pour enfants atteinte d'un mal que les médecins semblent être incapables de soigner. L'irlandais nous épargne d'ailleurs toute séquence parasite située dans un quelconque cabinet de médecin et intègre presque immédiatement cette jeune philippine venue ''soulager'' la mère de Bobs (Billie Gadsdon) et épouse de Felix (l'acteur Mark Strong). Le film entre dans le vif du sujet et l'on comprend assez rapidement que le réalisateur ne vise très clairement pas l'humour familial mais plutôt ces drames du quotidien qui peuvent en un instant chambouler une existence. [!!!ATTENTION  SPOIL!!!] : Pour la faire courte, lorsque les éléments sont en grande partie rassemblés, on comprend que dans ses grandes lignes, Nocebo se rapproche sensiblement du chef-d’œuvre de Brad Anderson, The Machinist. Mais alors que le réalisateur américain embrassait folie, remords et ''conspiration'', l'irlandais, lui, implique des concepts faisant appel au fantastique. Légende originaire des Philippines, pratique comparable au vaudou, l'on pourrait réduire le long-métrage de Lorcan Finnegan à une vague histoire de sorcière, de démon ou de possession alors que Nocebo est bien plus que cela. Quelques visions horrifiques venant émailler l'intrigue pourraient n'apparaître qu'accessoires alors qu'elles sont des éléments essentiels qui permettront au récit de prendre tout son sens. Que les flash-back nous fassent craindre une vérité plus cruelle que celle de la simple implication de la magie au cœur du récit est une certitude. Pour le malheur des protagonistes mais surtout, pour le bonheur du spectateur qui entrevoit ce que veut alors nous raconter Lorcan Finnegan...

Œuvre somme réunissant divers courants, le public français n'aura sans doute pas la chance de découvrir le film sur grand écran comme cela fut pourtant le cas en Irlande dès le 9 décembre dernier. Une erreur de jugement qui comme avant lui toucha, au hasard, l'incroyable Prédestination de Michael et Peter Spierig en 2014. Si aucun écho ne semble avoir résonné sur une hypothétique sortie du film, pour son malheur, Nocebo aurait de toute manière été probablement programmé quasiment à la même date ou aux alentours que celle du mastodonte Avatar 2 : la voie de l'eau de James Cameron. Pourtant, si un film, un seul, mérite de ne pas être mis sous le tapis de l'indifférence, c'est bien celui de Lorcan Finnegan. Irréprochable jusque dans sa tension permanente, l'effroi qu'il génère aux moments fatidiques, son impeccable interprétation (Eva Green et l'actrice et chanteuse philippine, Chai Fonacier), sa mise en scène au cordeau, son scénario imparable, son message social très contemporain mais jamais démagogue, Nocebo assène des visions proprement cauchemardesques que son public n'est pas prêt d'effacer de sa mémoire. Bref, déjà un classique...

 

Proxima d'Alice Winocour (2019) - ★★★★★★★☆☆☆

Montpellier... Week-end en amoureux, Marché de Noël, gourmandises, musique, boutiques de vinyls, féeries et puis, cinéma, bien entendu. Trois films dont deux réalisés par des femmes. Rien que de très normal et sans message pro-féministe. Juste le hasard et surtout la preuve que la femme a autant sa place à la direction d'acteurs et à la mise en scène que n'importe quel homme et qu'elle arrive à s'y imposer de manière tout à fait brillante. Surpassant même parfois à bien des égards certains de ses homologues masculins coupables d'horripilantes choses comme le Joyeuse Retraite ! de Fabrice Bracq que nous découvrions en milieu d'après-midi de ce vendredi 30 novembre et sur lequel je ne m'étendrai certainement pas dans les jours à venir. Aux oubliettes donc cette comédie fade et au contenu aussi révolu que ses deux personnages principaux et son humour (humeur?) tendance ''has-been''. Non, l'un des films qu'il fallait découvrir entre un air de violon sur la toujours aussi réjouissante place de la Comédie de Montpellier et une projection toute en son et lumière sur onze monuments de la cité, c'était le Proxima de la réalisatrice et scénariste française Alice Winocour. Son dernier long-métrage à vrai dire. Le troisième. De la science-fiction pas tout à fait comme les autres. Qui sort des sentiers battus, qui fait réfléchir, mais sans avoir les inconvénients de la ''Hard science-fiction''. Ici tout demeure dans la sensibilité d'une cinéaste qui ne s'inspire pas des écrits des plus grands auteurs de science-fiction mais rend hommage à travers son propre scénario écrit en collaboration avec le réalisateur et scénariste suisse Jean-Stéphane Bron, à toute ces femmes qui ont sacrifié une partie de leur existence afin de vivre leur passion d'astronautes...

Une histoire qui se répète donc inlassablement, au cœur d'une aventure spatiale où réside Sarah, mère de Stella, séparée de Thomas, le père de la gamine. Une femme arrachée entre son irrépressible désir de conquérir Mars aux côtés de l'américain Mike et du russe Anton et son amour pour sa fille. Le plus difficile réside ici dans l'équilibre entre ce que suggèrent les rapports qu'entretiennent Sarah et sa fille et la passion dévorante de cette spationaute acharnée à laquelle est offerte une formidable opportunité. Interprétée avec une infinie sensibilité par l'actrice Eva Green, Sarah est au centre d'un dilemme à auteur de femme peut-être encore plus grand que l'espace qui la sépare de Mars : comment appréhender la séparation à venir d'avec Stella. Comment faire comprendre et accepter à cette enfant cette fuite vers l'inconnu sans que celle-ci n'ait le sentiment d'être abandonnée par sa mère ? Tout Proxima ou presque repose sur cette épineuse question. Et pourtant, malgré le tempo lent accordé aux échanges entre cette mère, son enfant, et parfois le père, l’œuvre d'Alice Winocour évite l'ennui, le surpasse pour nous offrir une jolie réflexion. Proxima est également centré sur l'accomplissement d'un rêve. Comme toute femme qui espère donner la vie, Sarah offre la sienne pour un projet spatial d'une ampleur colossale après avoir elle-même mis au monde Stella.

Mais Proxima n'est pas que le portrait de ce couple touchant que forment Eva Green ainsi que Zélie Boulant-Lemesle, et plus largement Lars Eidinger. Alice Winocour y exploite également toute la difficulté de l'entraînement des futurs spationautes, contraints d'effectuer des tests et des exercices particulièrement rudes. Et l'on ne parle pas ici du machisme avéré dont fera preuve durant un temps l'astronaute Mike incarné par l'acteur américain Matt Dillon. Touchant mais jamais bouleversant. Réaliste et sans aucun doute visionnaire. Fantasmé mais jamais exhibitionniste, Proxima dénote certainement dans le monde de la science-fiction, et c'est tant mieux. Plus sobre qu'un Ad Astra signé de James Gray dont les ambitions narratives n'étaient finalement pas à la hauteur malgré quelques séquences éblouissantes, c'est en racontant son histoire en conservant ses personnages sur le sol terrestre qu'Alice Winocour a puisé le meilleur de son scénario pour en tirer l'un des films de science-fiction les plus convaincants de l'année...

The Salvation de Kristian Levring (2014)

En 1871, un train emporte avec lui l'épouse et le fils de Jon, un colon venu s'installer dans l'ouest américain. Rejoint par les siens, ils prennent tous les trois une diligence à l'intérieur de laquelle se trouvent également deux étrangers. Durant le voyage qui emmène Jon et les siens jusqu'à leur ferme, ils sont agressés par les deux hommes qui expulsent Jon de la diligence. Lancé à pieds à la poursuite des deux brigands, il retrouve sur la route le corps sans vie de son fils. Puis plus loin, celui de son épouse. Non loin de là, il découvre la diligence ainsi que les deux meurtriers. Sans sommation, Jon abat les deux hommes, emporte avec lui les cadavres de son fils et de son épouse, et décidé en compagnie de son frère de quitter la petite ville qui les a accueilli des années en arrière.

Malheureusement pour lui, alors qu'il vient de concéder sa ferme au maire Keane, le départ précipité de Jon et de son frère Peter éveillent les soupçons et le shérif Mallick met aux arrêts les deux hommes. Deux hommes et une vieille femmes ont perdu la vie récemment, tués de sang-froid par Delarue, un ancien colonel de l'armée américaine installé dans la région et payé par la ville toute entière pour protéger ses habitants des indiens. Parce que le shérif n'a pas été en mesure de lui livrer à temps le meurtrier de son frère, il a tué au hasard trois des habitants. Bientôt, le shérif offre à Delarue l'homme qui a tué son frère. Ce dernier n'est autre que l'un des deux hommes ayant assassiné l'épouse et le fils de Jon. Le colon se voit ainsi livré aux mains de Delarue qui rêve de venger la mort de son frère...

Le cinéaste danois Kristian Levring nous livre avec The Salvation un très grand western dans la tradition des grands classiques américains, mais italiens également. On y retrouve ainsi l'esprit du cinéma du grand Sergio Leone. La poussière, le vent, le soleil, et surtout des salauds de grande ampleur avec à leur tête l'acteur Jeffrey Dean Morgan que l'on a pu découvrir récemment dans l'excellente sixième saison de la série à succès, The Walking Dead. Face à lui, un mads Mikkelsen toujours aussi impeccable, endossant le costume du cow-boy éprit de vengeance après la mort des siens. A leurs côtés, on y découvre l'ancien footballeur Eric Cantonna dans le rôle du Corse. Un personnage qui manque malheureusement de corps, présent à l'image mais bien trop discret pour avoir un semblant d'intérêt. D'ailleurs, ôtez-le du générique, et le film ne s'en trouve aucunement amputé du moindre intérêt.

D'un point de vue esthétique, The Salvation est superbe. Surtout lors des passages nocturnes qui, s'ils devaient souffrir le moindre parallèle, pourraient être éventuellement comparé à la vision de l'Enfer décrite par le tableau peint par l'artiste maudit de L'Au-Delà de Lucio Fulci. C'est noir , crépusculaire, et graphiquement saisissant. Mais le rapport le plus éloquent est celui qu'entretient The Salvation avec le mythique western de et avec Clint Eastwood, L'Homme des Hautes Plaines. On y retrouve cette même petite ville partiellement bâtie, et majoritairement constituée d'habitants faisant preuve d'une lâcheté remarquable, aux prises, eux aussi, avec des hommes censés les protéger mais qui vont finalement choisir de les exploiter.

Si le thème de la vengeance a déjà été de nombreuses fois exploité dans divers westerns, The Salvation n'en demeure pas moins une très belle réussite, parfaitement interprété par des acteurs et actrices talentueux et charismatiques...