Secrets de tournage : Alien, le huitième passager de Ridley Scott (1979)

 

 

Le véhicule de remorquage commercial USCSS Nostromo chargé de transporter vingt millions de tonnes de minerai est en direction de la planète Terre. Datant du tout début du vingt-deuxième siècle et construit par la compagnie Weyland Yutani, ce cargo n'est pas chargé d'explorer l'univers mais de prélever du minerai à la surface d'autres planètes situées aux confins de l'espace. Capable d'avancer à une vitesse équivalente à un dixième d'année-lumière, ses proportions demeurent relativement impressionnantes : deux-cent quarante-quatre mètres de long et cent-soixante cinq de large. Quant à sa hauteur, elle dépasse les soixante-dix mètres. Un beau bébé qui d'apparence semble pourtant ''rustique''. Nous sommes ici effectivement très loin de l'Enterprise de la franchise Star Trek.. Le maquettiste Martin Bower travaille pour la publicité avant d'être engagé sur la mythique série télévisée Cosmos 1999. L'homme participera ensuite au projet Alien mais c'est d'abord le fruit conjugué des efforts concédés par les illustrateurs Ron Cobb et Chris Foss qui avaient auparavant travaillé sur le Dark Star de John Carpenter qui donnera plus ou moins naissance au Nostromo tel qu'on le connaît de nos jours. Diverses versions sont proposées mais c'est l'une de celles créées par le premier qui sera retenue. Quant au second, il abandonnera la poursuite du projet bien avant que le premier tour de manivelle ne soit donné. Si lors de sa première apparition le fameux cargo écrase littéralement de toute sa masse le plan dans lequel il est intégré, la maquette la plus massive parmi les trois qui furent conçues ne mesurait cependant pas plus de deux mètres cinquante de long pour un poids tout de même estimé à deux-cent cinquante kilos ! Si de nos jours les onze millions de dollars qui furent apportés par les studios de productions pour le tournage de Alien peuvent paraître dérisoires, il faut savoir que sans le succès de Star Wars de George Lucas quelques années en arrière, sans doute le film de Ridley Scott n'aurait-il pas été aussi ''généreusement'' financé. Parmi les sept membres de l'équipage dont la quasi totalité seront décimés durant l'aventure, se trouve le personnage de Ripley. Femme au fort tempérament, incarné Sigourney Weaver, actrice qui à l'époque n'est pas encore devenue l'immense star qu'elle est désormais et qui avant cela n'avait joué que dans deux séries télévisées, une vidéo publicitaire pour la marque de soda Pepsi et deux longs-métrages dont le Anny Hall de Woody Allen en 1977 et dans lequel elle tint un tout petit rôle.

Le choix de faire porter la responsabilité du rôle principal par une interprète féminine est à l'époque un pari quelque peu osé. En effet, jusque là, il ne fut jamais envisagé de faire endosser par une femme le ''costume'' du personnage principal dans ce type de long-métrage. Un choix qui ne sera pas pris à la légère puisque Sigourney Weaver devra avant cela faire ses preuves devant un jury constitué par les femmes de la production ! Comme nous le découvrirons lors du récit, Ridley Scott n'aura pas poussé le bouchon au point d'en faire la responsable de l'équipage et du Nostromo puisque ce rôle là sera confié à l'acteur Tom Skerritt. Lequel interprétera le rôle de Dallas. Un individu particulièrement autoritaire qui pourtant disparaîtra rapidement des radars en devenant la seconde victime du xénomorphe après la mort tragique et particulièrement violente de Kane qu'incarne John Hurt. Un Kane dont la mort plutôt violente fut à l'origine d'une anecdote bien connue des fans du long-métrage. En effet, après que l'homme ait été attaqué par un FaceHugger qui après quelques temps s'était détaché de lui-même du visage de sa victime et après qu'un embryon se soit développé sous sa poitrine, Kane mourut dans d'atroces souffrances, le torse explosé faisant surgir un horrible ChestBurster. Une séquence lors de laquelle les autres acteurs furent présents et dont la surprise ne fut pas feinte. En effet, aucun d'entre eux n'avait été préparé à l'avance de ce qui allait arriver. D'où l'évidente surprise se dessinant sur leur visage lors de cette mémorable séquence. Notons que le très efficace FaceHugger à l'origine de la ''ponte'' dans le corps de Kane était notamment constitué de fruits de mer et de rognons de mouton ! Une fois le ChestBurster échappé des entrailles de Kane, les six membres restant de l'équipage se lancèrent à sa poursuite. Ripley, Brett (Harry Dean Stanton) et Parker (Yaphet Kotto qui en outre fut chargé de mettre la pression sur Sigourney Weaver) se firent une petite frayeur lorsque le chat prénommé Jones (de l'espèce Orange Tabby) fut confondu avec l'horrible petite créature qui s'apprêtait à prendre d'impressionnantes proportions.

S'ensuivit la fameuse séquence lors de laquelle Jones allait se montrer particulièrement convainquant face à la présence du xénomorphe dans sa phase d'évolution définitive. Comme on s'en doute, le félin ne fut pas malmené au point de devenir méfiant envers l'équipe de tournage mais l'un de ses membres apporta sur le plateau de tournage un berger allemand qui amena tout naturellement le chat à lui ''cracher'' dessus ! Due au remarquable imaginaire du plasticien suisse Hans Ruedi Giger, la créature xénomorphe ne fut pas divulguée au public avant que le film ne sorte sur les écrans américains. C'est ainsi que la bande annonce d'origine ne la montrait dans aucun des plans. Au sujet de l'alien en question, il fut incarné par un jeune étudiant nigérian alors âgé de vingt-six ans du nom de Bolaji Badejo. Tragiquement disparu à seulement trente-neuf ans des suites d'une drépanocytose (une maladie modifiant le code génétique de l'hémoglobine), il fut repéré dans un pub en 1978 pour son impressionnante taille (deux mètres dix-huit) et fut même comparé par Ridley Scott à la fameuse sculpture d'Alberto Giacometti, L'homme qui marche. Après cela, le jeune homme ne réapparaîtra plus à l'image qu'en de très rares occasions. Tout d'abord en 1992, l'année de son décès, dans un épisode de la série Omnibus où on le découvrait dans le costume qui le rendit ''célèbre'' ainsi que de manière posthume dans deux des documentaires consacrés au long-métrage de Ridley Scott, The Alien Legacy de Michael Matessino en 1999 et The Beast Within : The Making of Alien de Charles de Lauzirika en 2003. Entre autres anecdotes, signalons que lorsque Dallas, Kane et Lambert quittent la navette pour explorer la planète d'où provient un signal d'origine inconnue, ce ne sont ni Tom Skerritt, ni John Hurt, ni même l'actrice Veronica Cartwright qui se cachent sous les combinaisons des spationautes mais les propres enfants du réalisateur et du directeur de la photographie Derek Vanlint. Pareil pour la rencontre avec le corps fossilisé du Space Jockey dont la maquette fut, en outre, entièrement détruite après qu'une cigarette abandonnée par inadvertance y ait mis le feu. Quant à celles et ceux qui se poseraient encore la question quant à savoir comment pu être réalisée la séquence lors de laquelle le sang du xénomorphe traverse les planchers de plusieurs niveaux du Nostromo, les concepteurs des effets-spéciaux usèrent d'un mélange en partie constitué d'acétone coloré qui au contact de maquettes en polystyrène donna le résultat que l'on connaît. Et puisque l'on parle de sang, justement, parlons pour finir de celui de Ash (l'acteur Ian Holm) que nous n'avions pas encore évoqué jusque là. Personnage Ô combien ambigu qui révélera sa véritable nature d'androïde tardivement. Lorsque Parker lui assène plusieurs violents coups d'extincteurs afin de lui faire lâcher prise alors qu'il tente de tuer Ripley, le liquide blanc qui s'échappa de sa bouche et de son cou fut constitué à base de lait, de pâtes et de caviar...

 

Repo Man d'Alex Cox (1984) - ★★★★★★☆☆☆☆

 

 

Drôle de carrière que celle du cinéaste américain Alex Cox. Alors qu'il aurait pu laisser tomber le métier de scénariste à force de se voir rejeter plusieurs de ses scripts, il adaptera des années plus tard le roman de Hunter S. Thompson Las Vegas Parano (transposé à l'écran en 1998 par Terry Gilliam). Si l'on met de côté le court-métrage Sleep is for Sissies en 1980, il débutera véritablement le métier de réalisateur quatre ans plus tard avec Repo Man. Basé sur le scénario d'un projet intitulé The Hot Club qui lui-même ne sera jamais adapté sur grand écran sous sa forme initiale, le premier long-métrage d'Alex Cox est également en partie inspiré de son voisin de palier, spécialisé dans la récupération de véhicules endommagés. À l'arrivée, Repo Man fait partie de ces O.F.N.I.s qui parfois débarquent sans crier gare. Originale, cette comédie fantastique évoque parfois le futur Men in black de Barry Sonnenfeld qui verra le jour treize ans plus tard. L’œuvre d'Alex Cox bénéficie moins d'une réputation élogieuse que d'un casting plus ou moins prestigieux. En tête de gondole, Harry ''Alien'' Dean Stanton et Emilio ''Young Guns'' Estevez. Alors que ce dernier s'apprête à tourner l'année suivante dans le chef-d’œuvre de John Hughes, Breakfast Club, le jeune acteur interprète ici le personnage de Otto, un punk qui après s'être fait enrôler dans la rue par un inconnu pour vingt-cinq billets verts va accepter d'intégrer une entreprise de Repo Men. Ce qui tombe bien puisqu'il vient de se faire renvoyer de son précédent emploi et à trouvé sa petite amie dans les bras d'un autre...

Ici, on n'est pas dans le quartier chic de Beverly Hills à Los Angeles. Mais plutôt dans l'un de ceux que l'on évite d'exhumer à l'image. Des trottoirs défoncés, souillés d'immondices et de montagnes de détritus et en arrière-plan, des décharges, des casses de bagnole et des boites de nuit malfamées fréquentées par des bandes de voyous. C'est dans ce contexte un peu délicat qu'Otto va tenter de se fondre dans l'existence apparemment agitée des Repo Men. C'est du moins tout le contraire de ce que l'on ressent devant des péripéties souvent contées sur un mode absurde, décousu, mais aussi parfois léthargique. Le script, qui sûrement devait tenir sur une simple feuille de papier volant, semble abandonner les personnages le plus clair du temps. En roue libre, Harry Dean Stanton, Emilio Estevez, mais également Tracey Walter, Sy Richardson, Vonetta McGee ou la charmante Olivia Barash (laquelle aura profondément marqué les esprits des amoureux de la série La petite maison dans la prairie dans le tragique double épisode intitulé Sylvia) nous emmènent dans leur délire et celui du réalisateur/scénariste, entre réalisme et fantastique. Car si l'existence de ces Repo Men paraît entrer dans un cadre relativement crédible, il en va en revanche de façon contraire avec le personnage du scientifique J. Frank Parnell qu'interprète l'acteur Fox Harris. À bord de son véhicule, l'homme semble traverser le pays en laiss derrière lui des cadavres littéralement atomisés. En effet, son coffre arrière renferme un secret qui dès qu'il est mis à jour provoque la mort instantanée de quiconque a eu la curiosité de l'ouvrir. La police enquête...

Fox Harris incarne une sorte de Henry Chinaski (alter ego de l'écrivain américain Charles Bukowsky) fascinant. Un individu de l'acabit d'un certain Columbo sans sa plaque d'officier de police mais à l'allure parfois aussi dégingandée. L'un des aspects les plus rigoureusement inattendu demeure le montage de Dennis Dolan. Surtout lorsque notre ancien punk se forme au métier de repo man au contact de ses nouveaux collègues, changeant subitement et donc sans prévenir de voiture et d'interlocuteur. Leila travaille quant à elle pour l'agence United Fruitcake Outlet et affirme qu'elle et d'autres agents sont parvenus à extraire d'une base militaire secrète une créature d'origine extraterrestre (l'on suppose qu'il s'agit de cette qui fut découverte lors d'un crash situé à Roswell en 1947 puisque est évoqué la présence non loin du lieu de l'action de cette ville située au sud-est de l'État du Nouveau-Mexique. On notera d'ailleurs une certaine invraisemblance scénaristique vue la distance qui sépare Los Angeles de Roswell). Néanmoins très en dessous mais toutefois comparable au génialissime Miracle Mile de Steve De Jarnatt pour leur originalité respective, Repo Man semble sans cesse chercher sa voie sans jamais vraiment la trouver. Sauvé de justesse pas sa galerie de personnages et son mélange des genres moins indigeste qu'il n'y paraît, le film d'Alex Cox risque cependant de décevoir ceux qui rêvaient d'y découvrir une invasion de petits hommes verts...

 

New York 1997 de John Carpenter (1981) - ★★★★★★★★☆☆

Alors que l'on est sans nouvelles du futur remake de New York 1997 que devrait normalement réaliser Leigh Whannell (Invisible Man en 2020), petit retour sur la version de John Carpenter qui en 1981 signait son cinquième long-métrage et un retour à la science-fiction sept ans après Dark Star. Mais à une science-fiction d'un genre différent. De celles qui fleurissent en nombre depuis une bonne vingtaine d'années. New York 1997 ne se déroule pas dans les étoiles, à bord d'un vaisseau, ou sur la planète d'une lointaine galaxie. Non, le film se déroule sur Terre, dans un New York transformé en île-prison et entouré d'un mur infranchissable. Les quelques ponts qui mènent au continent sont farcis de mines et il faut un plan très précis pour pouvoir les traverser. Manhattan est donc le lieu idéal pour y enfermer à ciel ouvert les criminels en tous genres. Une conférence internationale devant avoir lieu, le président des États-Unis s'y rend à bord de l'Air Force One. Malheureusement pour lui, des terroristes se sont introduits à bord et font écraser l'avion au beau milieu de Manhattan. Cependant, le chef de l'état a eu le temps de s'en éjecter à bord d'une capsule de survie. Atterrissant en terre hostile, il est très vite repéré en enlevé par les hommes d'un certain Duke qui commande le territoire. Le chef de la police Bob Hauk fait rapidement rapatrier le hors la loi Snake Plissken, seul homme selon lui à être capable de ramener le président hors de Manhattan et surtout, la cassette audio qui est en sa possession et qui renferme d'importantes informations sur la fusion nucléaire. Contraint d'aider les forces de police, Snake Plissken a un peu moins de vingt-quatre heures pour retrouver le président et l'extraire de la zone de danger. Afin de s'assurer que l'homme ne prendre pas la fuite, Bob Hauk fait injecter à son insu deux capsules explosives microscopiques dans le cou de Snake. Si dans moins de vingt-quatre heure celui-ci ne revient pas avec le président et la cassette, il est assuré de mourir dans d'horribles circonstances...

Si New York 1997 est reconnu comme l'un des plus grands films de science-fiction du début des années quatre-vingt et demeure l'un des plus sombres et désespérés de la catégorie ''dystopie'', il est aussi de ces longs-métrages qui ont servi de source d'inspiration à de nombreux plagiats dont beaucoup d’œuvres italiennes parmi lesquelles Les Guerriers du Bronx d'Enzo G. Castellari, 2019 Après la Chute de New York de Sergio Martino ou Les Rats de Manhattan de Bruno Mattei qui lui doivent beaucoup. Des films qui ne semblent pas avoir fait réagir dans de trop grandes proportions John Carpenter si ce n'est concernant le cas Lock Out de James Mather et Stephen St. Leger. Produit par l'inépuisable Luc Besson, John Carpenter a porté plainte contre lui et le film a été effectivement reconnu comme étant un plagiat de son New York 1997. Il suffit d'ailleurs de lire le synopsis de ce très médiocre ersatz pour s'en convaincre. Totalement abouti dans sa forme nihiliste, le long-métrage de John Carpenter met en scène l'acteur Kurt Russel avec lequel il entamait ici une collaboration qui allait s'étendre sur quatre longs-métrages (il sera ensuite effectivement la vedette de The Thing en 1982, de Les Aventures de Jack Burton dans les griffes du Mandarin en 1986, et de la séquelle de New York 1997 intitulée Los Angeles 2013 et sortie sur les écrans en 1996).Comme souvent, la partition musicale est l’œuvre du réalisateur lui-même. Quant au scénario, John Carpenter le signe auprès de Nick Castle qui signera également celui de la séquelle et interprétera quelques rôles au cinéma dont Dark Star en 1974 et Halloween, la Nuit des Masques en 1978...

Une fois n'est pas coutume, la compagne de John Carpenter Adrienne Barbeau à laquelle il offrit le rôle principal dans le précédent The Fog fait partie de l'aventure dans le rôle de Maggie, compagne de Harold « Brain » Hellman quant à lui interprété par l'acteur Harry Dean Stanton (Alien de Ridley Scott en 1979). Lee Van Cleef incarne le chef de la police Bob Hauk tandis que Donald Pleasance (le docteur Loomis de Halloween) campe le président des États-Unis et Ernest Borgnine, Cabbie, le chauffeur de taxi. Notons également la présence du chanteur soul Isaac Hayes dans le rôle de Duke, le maître incontesté de l'île-prison. À un scénario relativement minimaliste, John Carpenter oppose une vision anxiogène d'un Manhattan contrôlé par diverses tribus de criminels. C'est dans ce contexte éminemment sauvage qu'évolue l'anti-héro Snake Plissken. Ici, pas le temps de laisser la place à la moindre romance. Lorsque le héros rencontre pour la première fois une femme sur le sol de Manhattan, il ne faut pas plus d'une ou deux minutes à John Carpenter pour l'éliminer du récit. Débutant comme une traque solitaire, le récit coltine au personnage principal des individus pas moins soupçonnables que ceux qui gangrènent la ville. 

Violent mais jamais vraiment gore, New York 1997 distille cependant une ambiance oppressante sans doute due à l'absence de refuge concret ou s'abriter en cas de danger. Le danger est partout. Si l'on y réfléchie bien, le film de John Carpenter relève presque du miracle. Car avec son mélange de science-fiction dystopique, sa faune bigarrée parfois vautrée dans une luxure grandiloquente et son combat en arène digne d'un péplum italien, New York 1997 échappe au ridicule. L'interprétation y est sans doute pour quelque chose, n'est-ce pas ? Tout comme les décors de Joe Alves qui évitent de ne ressembler qu'à du carton-pâte où les effets visuels auxquels a participé un certain... James Cameron. Et puis, il y a cette inoubliable musique composée par John Carpenter. Toujours minimaliste mais marquant l'esprit durablement. Comme il continuera de le faire tout au long de sa carrière, le réalisateur prouvait déjà à nouveau qu'il était capable d’œuvrer dans un contexte chaque fois différent et d'en extraire un joyau, ici, des plus noir...

John Carpenter's Christine de John Carpenter (1983) - ★★★★★★★★★☆

Le point commun entre Frank Darabont, Stanley Kubrick, George A. Romero, Brian De Palma, David Cronenberg ou Mick Garris ? Ils ont tous, à leur tour, œuvré pour que soient transposés sur grand écran les écrits du plus célèbre écrivain d'épouvante, Stephen King. Eux, mais bien d'autres également. John Carpenter lui-même si est mis. En 1983. en adaptant le roman Christine sous le titre John Carpenter's Christine, le cinéaste américain se doutait-il qu'il allait réaliser là, l'un de ses meilleurs films ? Produit par Richard Kobritz, lequel avait déjà assuré la production de la mini-série deTobe Hooper Salem's Lot, le film de John Carpenter est, dans son genre, un classique. Une œuvre culte. Un monument. Un long-métrage qui, si l'on y réfléchit bien, ne s'éloigne pas tant que cela du style du cinéaste qui allait bientôt aborder le Mal sous un angle moins improbable tout en demeurant foncièrement utopique (Prince des Ténèbres). John Carpenter's Christine n'est pas qu'un film d'épouvante mais bien une histoire d'amour. Certes, peu commune, mais presque aussi forte que celui que peuvent partager un homme et une femme. Ici, l'homme, c'est Arnold Cunningham, dit Arnie.

Souffre-douleur de ses petits camarades du cours de mécanique, l'adolescent peut compter sur le soutien de Dennis Guilbert, footballeur très apprécié de ses camarades et populaire auprès de la gente féminine. Pas comme Arnie que John Carpenter présente tout d'abord sous les traits d'un gamin malingre, un peu gauche, blafard, porteur d'une paire de lunettes qui lui dévorent le visage. Alors qu'il n'a jamais connu l'amour et que Dennis le presse de se trouver une petite amie, Arnie tombe follement amoureux... d'une voiture. Une Plymouth Fury 1958 en très mauvais état qui traîne dans le jardin de son propriétaire. Enfin, de celui de son frère puisque le véritable propriétaire, lui, est mort. Semble-t-il, à cause de cette vieille turne rouillée. Dennis flaire l'arnaque et a beau dire à Arnie de ne pas la prendre, ce dernier reste sourd et paie les 250 dollars que lui demande le propriétaire. A ce propos, l'acteur qui incarne George leBay, l'homme qui revend la voiture à Arnie est Roberts Blossom, que l'on a pu notamment voir dans le sinistre Deranged ou encore en prisonnier modèle dans L’Évadé d'Alcatraz aux côtés de Clint Eastwood.

Une histoire d'amour entre une voiture presque entièrement rouge et un Arnie qui au contact de la bête va se décomplexer. Un adolescent qui avait besoin sans doute de cela pour s'affranchir de ses parents. Enfermée dans un garage, la voiture, prénommée Christine va retrouver une seconde jeunesse grâce aux talents de réparateur d'Arnie mais également grâce à la spécificité toute particulière de l'engin. Capable de se régénérer toute seule, Christine semble de plus, mue par une vie propre. L'amour que partage Arnie avec la plus belle étudiante de l'université n'arrange pas les affaires de la Plymouth qui le fait savoir à son nouveau propriétaire. John Carpenter extrapole le sujet à travers cet amour véritablement fusionnel entre deux entités qui se ressemblent. D'un côté, un adolescent quelconque, fade, peu attirant au point qu'on lui prêterait presque un visage boutonneux alors qu'il n'en est rien. Plus sur de lui que jamais, Arnie change de comportement. Comme beaucoup de jeunes de son âge, les conflits parents-enfant naissent au sein du foyer et bientôt leur relation dégénère. Christine, à sa manière, est une jeune femme séduisante. Très amoureuse d'Arnie, d'une façon que l'on devine évidemment différente, ne supporte pas la concurrence. Surtout pas celle de la jolie Leight Cabot qu'incarne l'actrice Alexandra Paul.

On frise ici le chef-d’œuvre. John Carpenter maîtrise son sujet à la perfection. Il se dégage de John Carpenter's Christine un doux parfum de mélancolie. Un malaise accentué par la bande originale composée par le cinéaste lui-même, accompagnée de plusieurs standards américains. Christine est noir, très noir. Plus le récit progresse, et plus on ressent l'état dépressif et euphorique du héros magistralement interprété par le jeune Keith Gordon. Le choix de l'acteur, ainsi que celui d'Alexandra Paul est le fruit d'un forcing opéré par Richard Kobritz et John Carpenter qui désiraient tous deux avoir des interprètes inconnus tandis que Columbia Pictures misait sur Brooke Shield et Scott Baio. N'oublions pas les incroyables effets-spéciaux qui même encore aujourd'hui font leur petit effet. Le principe est des plus simple mais demeure redoutable d'efficacité. L'un des tout meilleurs longs-métrages de John Carpenter...

Inland Empire de David Lynch (2006) - ★★★★★★★★★★

Comme je n'aimerais pas être à la place des fans de David Lynch qui, il y a dix ans, se sont précipités pour découvrir ce qui demeure à ce jour son dernier long-métrage. Pour moi, Inland Empire est sorti aujourd'hui, dans cette minuscule salle de cinéma que représente mon salon. Pas de voisins bavards, pas de pop-corn ni de soda, mais pas non plus le sentiment d'être orphelin d'un génie qui n'a pas réalisé un seul long-métrage depuis 2006. Quelques courts-métrages mais rien d'autre. Je sors donc tout neuf d'une projection de presque trois heures. Neuf ? Pas tout à fait. Plutôt lessivé même. Éreinté, épuisé par un trop grand nombre d'émotions, d'interrogations et de sentiments contradictoires qui pourtant, tendent tous vers une même et seule appréciation: « David Lynch demeure toujours l'un des rares génies du septième art ».

Les habitudes risquent pour une fois d'être sérieusement contrariées puisque je ne vous proposerai par de résumé. D'ailleurs, comment faire lorsque l'auteur du film lui-même possède à lui seul l'unique jeu de clés ouvrant les portes des innombrables énigmes qu'il sème au gré de son extraordinaire imagination ? Inland Empire est donc vieux de dix ans. Et si David Lynch avait ainsi clôt un cycle, demeurant silencieux jusqu'à aujourd'hui ? L'avantage d'une œuvre aussi complexe et touffue, c'est que l'on peut y déceler à peu près n'importe quel concept sans même savoir s'il correspond à ce qu'avait imaginé son auteur.

Mais ce qui demeure presque une certitude, c'est qu'il a une nouvelle fois repoussé les limites de son univers pour nous offrir un choc visuel et auditif d'un intensité rare. Comme une optimisation des visions macabres d'Henry Spencer, le héros de son tout premier long-métrage Eraserhead. David Lynch affirme son amour du cinéma à travers le portrait de Nikki Grace, actrice, dont on prédit qu'elle obtiendra le premier rôle dans un film intitulé On High in Blue Tomorrows. Dès les premiers instants, on plonge dans l'univers si particulier du cinéaste. Une mise en abîme diablement maîtrisée. Car ce qu'apprennent les deux personnages principaux, c'est que le scénario du film a déjà fait l'objet d'un long-métrage inachevé en raison de la mort de ses deux plus importants protagonistes.

C'est à ce moment très précis que les événements prennent une tournure curieuse pour les personnages, mais pour nous-mêmes également. David Lynch construit pièce par pièce les murs d'un labyrinthe dans lequel s'engouffre l'héroïne (admirablement interprétée par l'actrice Laura Dern). Entre fiction et réalité. Entre passé, présent et futur, chaque temps se rejoignant inexorablement, Inland Empire projette sa star dans un monde où se confondent sa vie d'épouse et celle du personnage qu'elle incarne à l'écran, sur fond de légendes polonaises et de mystères insondables.

On a parfois l'impression de saisir où veut en venir David Lynch, mais cette appréciation est souvent très vite mise en déroute, et avec une telle élégance, qu'on lui pardonne de vouloir sans cesse nous perdre. Entièrement filmé caméra à l'épaule, filmant souvent ses personnages en plans excessivement serrés, le cinéaste convie pour l'occasion les acteur Jeremy Irons, Harry Dean Stanton et Justin Theroux. Tout comme Laura Dern, ce dernier campe d'ailleurs un double rôle, donnant ainsi l'impression que les personnages baignent dans les eaux troubles de la schizophrénie tout en portant un double costume. Plus encore qu'un film signé David Lynch, Inland Empire demeure également d'une noirceur absolue qui le cantonne parfois dans le domaine de l'horreur pure. Véritable cauchemar sensitif, phénoménal trip visuel, et extraordinaire expérience de perception auditive, le film est un immense chef-d’œuvre...