Jurassic Park de Steven Spielberg (1993) - ★★★★★★★☆☆☆

 

 

À six mois près, c'était il y a quasiment trente ans. Trois décennies qu'a débarqué dans les salles de cinéma le premier volet d'une franchise initiée par Steven Spielberg en 1993. Jurassic Park et ses dinosaures, le riche PDG de l'entreprise InGen John Hammond, le paléontologue Alan Grant, sa compagne et paléobotaniste Ellie Sattler ainsi que le mathématicien Ian Malcolm. Un projet qui pour l'époque pouvait sembler pharaonique d'un point de vue technologique puisque l'on y découvrait une nouvelle étape dans l'évolution des effets-spéciaux numériques. Comme quelques années en arrière avec Abyss de James Cameron ou beaucoup plus tard, en 2009 avec Avatar lui même réalisé par ce dernier. Si aujourd'hui redécouvrir le premier volet de cette franchise désormais constituée de six longs-métrages semble beaucoup moins stupéfiant visuellement c'est parce que le public a depuis été habitué à tant d'améliorations en terme d'effets-spéciaux qu'il demeure pratiquement insensible face aux challenges désormais relevés par les spécialistes en la matière. Notamment confiés aux célèbres Phil Tippett et Stan Winston, ces derniers ont remporté plusieurs récompenses dont les prix des meilleurs effets visuels au British Academy Film Awards et aux Oscars de l'année 1994. Le film révolutionne en effet la technique des effets-spéciaux numériques en proposant des créatures préhistoriques incroyablement réalistes. C'est simple : à l'époque, le film de Steven Spielberg met tout le monde d'accord en écrasant toute concurrence dans le domaine des effets-spéciaux en image de synthèse. Mais Jurassic Park ne traite pas ses dinosaures qu'à travers les ordinateurs puisque le film les envisage également en ''dur'' à travers des séquences lors desquelles sont employés des animatroniques. Le passage de l'une à l'autre des techniques se fondant à la perfection, on ne sait parfois s'il s'agit de ''marionnettes'' où de créatures en images de synthèse. Techniquement irréprochable, le long-métrage de Steven Spielberg n'en est pas moins doté de certaines faiblesses qui se verront surtout lors d'une seconde projection, une fois qu'auront été ''digérés'' les formidables effets-spéciaux...

Basé sur l'ouvrage éponyme de l'écrivain américain de science-fiction Michael Crichton (The Andromeda Strain, Sphere, Timeline, etc...), le film de Steven Spielberg donnera lieu quelques années plus tard au parc d'attraction Jurassic Park: The Ride. C'est d'ailleurs à peu de chose près à quoi ressemble le long-métrage qui dans une proportion importante ressemble à une promenade au cœur d'un complexe où vivent en liberté des créatures préhistoriques ramenées à la vie par l'équipe de généticiens travaillant aux côtés du milliardaire John Hammond (l'acteur Richard Attenborough). C'est donc au cœur du Jurassic Park que vont se dérouler les aventures de notre paléontologue Alan Grant et de ses compagnons d'infortune. Car si dans un premier temps le tout ressemble à une promenade de santé dans des contrées verdoyantes foulées par des dinosaures tantôt gigantesques mais inoffensifs, tantôt par de plus petites créatures particulièrement agressives, en dehors de ses remarquables effets-spéciaux, Jurassic Park vaut surtout pour son très long climax débutant lorsque l'un des employés de InGen (l'acteur Wayne Knight dans le rôle de Denis Nedry) tente de voler des embryons de dinosaures pour le compte de la société rivale Biosyn en coupant le système de sécurité du parc. Mettant ainsi les petits-enfants et les invités de John Hammond en danger face aux dangereuses créatures qui désormais vont pouvoir se déplacer hors de leur zone de restriction. Et parmi ces dernières, la plus redoutée de toute : le fameux T.rex !

Alors que Jurassic Park débutait sous les oripeaux du film de science-fiction familial ouvert à tous publics, le film de Steven Spielberg rappelle ses spectateurs au bon souvenir d'un certain Les dents de la mer, transposant le thème du chasseur et de sa proie hors de l'eau. Le film se mue ainsi en une œuvre horrifique particulièrement efficace, prolongeant l'expérience jusque dans ses derniers retranchements, entre le parcours qu'a prévu d'offrir aux futurs clients du parc son créateur et le complexe réservé aux employés. Le film met en lumière en une seule phrase l'avenir de ses héros, logiquement contraints de pointer au chômage dès lors que seront mis à disposition des futurs visiteurs non plus des squelettes reconstitués de créatures préhistoriques mais des animaux d'un autre temps faits de chair et d'os ! L'on retrouve dans le principaux rôles les acteurs Sam Neill, Laura Dern qui à eux deux campent les rôles des professeurs Alan Grant et Ellie Sattier. À leurs côtés, Jeff Goldblum semble avoir déjà beaucoup plus de mal à s'imposer dans celui du professeur Ian Malcolm. Un rôle presque secondaire pour un temps de présence à l'image et de parole moindre. Décevant... Si en terme de technologie les années quatre-vingt dix ont souvent pâtit d'effets visuels qui de nous jours paraissent terriblement datés, on constate encore aujourd'hui son avancée technologie puisque même si depuis de nets progrès ont été effectués en matière d'effets-spéciaux numériques, Jurassic Park continue de faire son petit effet. Cependant, le film paraît n'être parfois qu'une vitrine technologique d'où l'on ne retiendra en outre que le ressort dramatique central tandis que le reste sent tout de même le réchauffé. Rien d'original donc dans cette traque entre le chasseur et sa proie où les valeurs sont malgré tout inversées puisqu'ici, l'homme devient en théorie le ''butin'' de créatures ''monstrueuses'' avides de chair fraîche. Tout comme les Frankenstein et autres œuvres au sein desquelles l'homme se prend pour Dieu, Jurassic Park le met face à certaines contradictions puisque la vie est ici synonyme de mort. Derrière l'enchantement, l'angoisse (T.rex et tempête font ici bon ménage lorsqu'il s'agit de créer un authentique climat de terreur) et cet attrait foncièrement bon pour ses créatures et ses personnages, Steven Spielberg signait une œuvre qui avec le temps et en dehors de ses prouesses technologiques, prenait paradoxalement le risque de perdre de son intérêt : une caractérisation revue à la baisse et un scénario se déchargeant presque uniquement sur les effets-spéciaux et sur quelques moments d'anthologie...

 

Le Fondateur de John Lee Hancock (2016) - ★★★★★★★☆☆☆

 

 

Ray Kroc, ou l’homme qui s’appropria le concept et le nom de ce qui allait devenir LA chaîne de fast-food la plus célèbre de la planète. Mc Donald’s, ce fut tout d’abord le nom de deux frères, propriétaires d’un restaurant de service rapide au concept inédit et surtout novateur qui en 1954 reçoivent la visite de Ray Kroc, un vendeur de mixers à Milk-shakes pas vraiment en veine et qui peine à payer ses factures. C’est parce que Maurice et Richard McDonald ont passé une commande de huit mixers à l’entreprise qui emploie Ray Kroc que ce dernier s’intéresse aux deux hommes et qui après avoir fait le tour de leurs installations leur propose de franchiser le nom Mc Donald’s. À la suite d’un contrat signé entre les deux frères et le vendeur de mixers mais un peu trop rapidement parcouru par Ray Kroc, celui-ci constate que le pourcentage qu’il perçoit est bien trop faible pour lui permettre de faire des profits. Lors d’une rencontre fortuite avec le sous-directeur de la banque qui lui demande des comptes au sujet de ses affaires, l’homme explique à Ray Kroc comment détourner à son avantage les termes du contrat signé avec les frères McDonald et surtout, comment se débarrasser d’eux. « Le fondateur » repose presque entièrement sur cette facette historique de la mythique chaîne de fast-food.

 

MALHEUREUSEMENT « presque entièrement » puisque le long-métrage de John Lee Hancock s’attarde tout d’abord sur la rencontre entre les deux frères et Ray Kroc à San Bernardino lors d’une première partie peu séduisante. En effet, scénario et mise en scène sont éculés et il n’y a guère que l’interprétation de Michael Keaton, et celles de Nick Offerman et John Carroll Lynch pour véritablement retenir l’attention. Aussi lisse qu’un téléfilm à l’attention des familles, « Le Fondateur » a tout du biopic des familles et est donc bien propre sur lui. Le style est plat et cette première heure s’avère donc relativement ennuyeuse. Mais c’était sans compter sur une deuxième partie beaucoup plus riche et éclairant le spectateur sur les intentions réelles d’un Ray Kroc absolument détestable et dont l’attitude est magnifiée par un Michael Keaton tout à fait crédible. Si la reconstitution du milieu et de la fin des années cinquante est parfois parfaitement reconstituée, l’intérêt principal demeure bien entendu la découverte de tout ce qui a pu se tramer derrière l’histoire de McDonald’s. Ray Kroc n’est certes pas un héros ordinaire. On se prêterait facilement à lui lancer quelques injures et quelques crachats au visage s’il vivait encore de nos jours et si l’occasion de le croiser nous était offerte. On oublie finalement très rapidement les défauts de la première moitié du long-métrage tant la seconde s’avère passionnante. « Le fondateur » est une très bonne surprise. L’histoire de l’ambitieux et affreux personnage qui vola un concept et surtout un nom qui aujourd’hui font partie du quotidien de millions de nos semblables...

Marriage Story de Noah Baumbach (2019) - ★★★★★★★★☆☆

Tout semble aller pour le mieux entre Nicole et Charlie Barber. Alors qu'ils évoquent tour à tour ce qui compose la personnalité de leur conjoint, le spectateur se rend rapidement compte qu'en réalité, rien ne va plus entre eux. C'est donc sur ces révélations que s'ouvre le dernier long-métrage du réalisateur et scénariste américain Noah Baumbach. Aucun flash-back, et pourtant, en se remémorant ce qu'ils ont vécu ensemble et ce qui les pousse désormais à divorcer, le cinéaste nous fait entrer de plain-pied dans l'histoire personnelle de ce couple, père et mère du jeune Henry, qui tout au long de ces cent-trente sept minutes que dure Marriage Story, vont s'expliquer, se déchirer, et faire appel à leur avocat respectif afin de mettre un terme définitif à leur union. Loin de ces œuvre mielleuses qui nourrissent les écrans de télévision américaine, Noah Baumbach signe une profonde étude du couple et du divorce. Adam Driver et Scarlett Johansson incarnent ces âmes en peine, amoureux un jour, capables d'humiliation le lendemain. Marriage Story observe avec réalisme le comportement d'un homme et de son épouse mais également celui de leur entourage et de leurs avocats...

Le spectateur est pris à témoin, pénétrant l 'intimité du couple, empli d'émotion lorsqu'ils se déchirent et saisit d'effroi face à la diabolique orchestration d'avocats faisant fi de tout sens moral pour parvenir à leurs fins. Plus que le récit en lui-même qui dégage déjà à lui seul une très grande force, c'est sans doute la manière qu'à Noah Baumbach de filmer ses interprètes. Qu'il les filme de loin, ou de très près, les éloignant l'un de l'autre ou leur permettant d'éphémères contacts physiques, sa caméra sublime leur interprétation. Nominé à de nombreuses reprises et notamment pour l'Oscar du meilleur acteur pour Adam Driver, la meilleure actrice pour Scarlett Johansson, le meilleur film pour Noah Baumbach ou encore la meilleure musique et la meilleure actrice secondaire, on voit mal comment le film pourrait repartir les mains vides. Une hérésie lorsque l'on constate combien son auteur a su saisir ces moments de fragilité et de tension que génère un tel conflit.

Accompagné par la discrète partition musicale de Randy Newman, Marriage Story est également porté par l'exceptionnelle interprétation de Laura Dern. Dans le rôle de l'avocate Nora Fanshaw, laquelle défend Nicole, l'une des anciennes égérie de David Lynch (Blue Velvet en 1986, Sailor et Lula en 1990 et Inland Empire en 2007) met en évidence et de manière implacable les méthodes employées par certains avocats grassement rémunérés pour arriver à leurs fins. Son pendant masculin, elle le trouve en la personne de Jay Marotta, l'avocat définitif de Charlie, incarné par le toujours aussi épatant Ray Liotta. Attachants, juste et bouleversants, Scarlett Johansson et Adram Driver sont absolument remarquables. Ce genre de long-métrage presque exclusivement porté par l'interprétation ne souffre par conséquent d'aucune alternative à la langue d'origine employée. Autant dire que même le doublage le plus soigné et le plus respectueux ne pourra rendre justice à l'interprétation des actrices et acteurs. Il est donc plus que conseillé de découvrir le film en versio originale. Exclusivité Netflix (le film est sorti dans très peu de salles et pour très peu de temps sur le territoire américain avant de connaître une sortie mondiale sur la célèbre plate-forme), Marriage Story est l'un de ces longs-métrages qui clouèrent l'année 2019 en beauté...

Les tueurs qui inspirent le 7ème art: Raymond Fernandez et Martha Beck "Coeurs Perdus" de Todd Robinson (2006)

Passion dévorante qui remonte à plus de vingt ans, les tueurs en série font partie de mon existence comme le shampooing accompagne celle des coiffeuses et les crèmes de beauté celle des esthéticiennes. Après avoir parcouru en long et en large l'intégralité des 62 volumes de l'excellente collection DOSSIER MEURTRE : Enquête sur les Grands Crimes de Notre Temps, après avoir lu, écouté ou regardé les entrevues du plus grand criminologue français Stéphane Bourgoin et lu quelques ouvrages écrits de la plume d'autres auteurs, il fallait bien qu'un jour je me lance dans ce qui, désormais, fait partie du fond de commerce des scénaristes et autres réalisateurs de cinéma. Landru de Claude Chabrol, Henry, Portrait of a Serial Killer de John Mc Naughton, Texas Chainsaw Massacre de Tbe Hooper, ou les différentes adaptation du premier tueur en série officiel de l'histoire du crime mondial Jack L'Eventreur pour les plus célèbres, et jusqu'à The Sacrament de Ti West, La Machine de Paul Vecchiali, ou bien Swoon de Tom Kalin pour les œuvres parmi les moins connues, il fallait donc que ma banque de données personnelle soit la plu exhaustive possible. Des dizaines d’œuvres plus ou moins abouties ou respectueuses des thèmes dont elles s'inspirent.

Parmi ces sujets, il en est un qui a inspiré à plusieurs reprises le grand écran. Celui du cas Raymond Fernandez et Martha Beck, un couple de tueurs plus connus sous le nom des Lonely Hearts Killers, chez nous, les Tueurs de la Lune de Miel. Un patronyme "sensationnel" repris par le cinéaste et scénariste Leonard Kastle dont The Honeymoon Killers sera le seul film en tant que réalisateur. Une œuvre qui tout d'abord devait échoir au célèbre cinéaste Martin Scorsese mais qui tomba finalement entre les mains bienheureuses de Kastle qui en fit un chef-d’œuvre et une sacré référence pour les cinéphiles. Le sujet inspira également Andrew Lane en 1991 pour Un Homme Fatal, Carmin Profond de Arturo Ripstein six ans plus tard et surtout, le belge Fabrice du Welz et son incroyable Alléluia qui quarante-quatre ans après la version noir en blanc de William Kastle allait enfoncer le clou.

Très proche du scénario de Alléluia, celui de Cœurs Perdus de Todd Robinson reprend par contre, lui, les patronymes réels des deux meurtriers. Autre différence avec le film du belge, Cœurs Perdus mêle l'horreur des actes perpétrés par Beck et Fernandez à une enquête policière menée par le flic Elmer C. Robinson et son partenaire Charles Hilderbrandt. Le premier est campé par un John Travolta dont le visage aussi expressif que celui d'un blobfish ruine au moins une bonne moitié de l'intrigue. En fait, toute la partie qui lui est consacrée et lors de laquelle il est censé interpréter un personnage anéanti par le suicide de sa femme. Il est si peu convainquant que l'on a parfois la désagréable impression qu'il récite mentalement la liste des courses à faire alors que le bonhomme est tout de même payé pour jouer son rôle. On regretterait presque l'absence du Nicolas Cage de Leaving Las Vegas. Heureusement que le film ne tourne pas exclusivement autour de lui et que d'autres relèvent un peu le niveau. A commencer par Salma Hayek, peut-être moins sexy, mais aussi séduisante que lors de sa chaude interprétation dans Une Nuit en Enfer de Robert Rodriguez.

Coeurs Perdus possède aussi ceci de décevant qu'il demeure trop propre sur lui alors que le sujet lui-même aurait eu droit à un traitement un peu moins lisse et hollywoodien. Mieux vaut alors, si l'on s'intéresse au cas Raymond Fernandez et Martha Beck, se tourner vers les deux classiques cités plus haut.

Les véritables Raymond Fernandez et Martha Beck

Inland Empire de David Lynch (2006) - ★★★★★★★★★★

Comme je n'aimerais pas être à la place des fans de David Lynch qui, il y a dix ans, se sont précipités pour découvrir ce qui demeure à ce jour son dernier long-métrage. Pour moi, Inland Empire est sorti aujourd'hui, dans cette minuscule salle de cinéma que représente mon salon. Pas de voisins bavards, pas de pop-corn ni de soda, mais pas non plus le sentiment d'être orphelin d'un génie qui n'a pas réalisé un seul long-métrage depuis 2006. Quelques courts-métrages mais rien d'autre. Je sors donc tout neuf d'une projection de presque trois heures. Neuf ? Pas tout à fait. Plutôt lessivé même. Éreinté, épuisé par un trop grand nombre d'émotions, d'interrogations et de sentiments contradictoires qui pourtant, tendent tous vers une même et seule appréciation: « David Lynch demeure toujours l'un des rares génies du septième art ».

Les habitudes risquent pour une fois d'être sérieusement contrariées puisque je ne vous proposerai par de résumé. D'ailleurs, comment faire lorsque l'auteur du film lui-même possède à lui seul l'unique jeu de clés ouvrant les portes des innombrables énigmes qu'il sème au gré de son extraordinaire imagination ? Inland Empire est donc vieux de dix ans. Et si David Lynch avait ainsi clôt un cycle, demeurant silencieux jusqu'à aujourd'hui ? L'avantage d'une œuvre aussi complexe et touffue, c'est que l'on peut y déceler à peu près n'importe quel concept sans même savoir s'il correspond à ce qu'avait imaginé son auteur.

Mais ce qui demeure presque une certitude, c'est qu'il a une nouvelle fois repoussé les limites de son univers pour nous offrir un choc visuel et auditif d'un intensité rare. Comme une optimisation des visions macabres d'Henry Spencer, le héros de son tout premier long-métrage Eraserhead. David Lynch affirme son amour du cinéma à travers le portrait de Nikki Grace, actrice, dont on prédit qu'elle obtiendra le premier rôle dans un film intitulé On High in Blue Tomorrows. Dès les premiers instants, on plonge dans l'univers si particulier du cinéaste. Une mise en abîme diablement maîtrisée. Car ce qu'apprennent les deux personnages principaux, c'est que le scénario du film a déjà fait l'objet d'un long-métrage inachevé en raison de la mort de ses deux plus importants protagonistes.

C'est à ce moment très précis que les événements prennent une tournure curieuse pour les personnages, mais pour nous-mêmes également. David Lynch construit pièce par pièce les murs d'un labyrinthe dans lequel s'engouffre l'héroïne (admirablement interprétée par l'actrice Laura Dern). Entre fiction et réalité. Entre passé, présent et futur, chaque temps se rejoignant inexorablement, Inland Empire projette sa star dans un monde où se confondent sa vie d'épouse et celle du personnage qu'elle incarne à l'écran, sur fond de légendes polonaises et de mystères insondables.

On a parfois l'impression de saisir où veut en venir David Lynch, mais cette appréciation est souvent très vite mise en déroute, et avec une telle élégance, qu'on lui pardonne de vouloir sans cesse nous perdre. Entièrement filmé caméra à l'épaule, filmant souvent ses personnages en plans excessivement serrés, le cinéaste convie pour l'occasion les acteur Jeremy Irons, Harry Dean Stanton et Justin Theroux. Tout comme Laura Dern, ce dernier campe d'ailleurs un double rôle, donnant ainsi l'impression que les personnages baignent dans les eaux troubles de la schizophrénie tout en portant un double costume. Plus encore qu'un film signé David Lynch, Inland Empire demeure également d'une noirceur absolue qui le cantonne parfois dans le domaine de l'horreur pure. Véritable cauchemar sensitif, phénoménal trip visuel, et extraordinaire expérience de perception auditive, le film est un immense chef-d’œuvre...

Blue Velvet de David Lynch (1987) - ★★★★★★★★☆☆

Lamberton, petite ville américaine où les pelouses sont verdoyantes et où la quiétude semble être la première des impressions que donnent les lieux, un homme arrose son jardin avant d'avoir une attaque. A l'hôpital où il séjourne, son fils Jeffrey Beaumont lui rend visite. Après avoir quitté l’hôpital, ce dernier flâne dans la campagne avoisinante et trouve dans un coin herbeux une oreille coupée. Curieux, il décide de l'emporter avec lui et se rend au commissariat de la ville afin d'en faire part aux autorités. Après que le médecin légiste local ai constaté qu'elle a été coupée à l'aide d'une paire de ciseaux, Jeffrey emmène l'inspecteur auquel il a eu affaire à l'endroit même où il a trouvé l'oreille.

Le soir même Jeffrey se promène dans une rue tranquille de la ville et frappe à la porte de l'inspecteur chargé de l'enquête qui lui promet de lui donner tous les détails de l'affaire une fois qu'elle sera résolue. Dehors il rencontre la fille de ce dernier qu'il connaît depuis l'enfance et la questionne au cas ou cette dernière serait au courant de certains détails concernant l'enquête. Elle lui parle d'une certaine Dorothy Vallens qui serait mêlée à l'affaire. Elle accepte alors de le conduire jusqu'à l'appartement de celle-ci et, attisé par la curiosité, il se fait un devoir d'épier l'inconnue et découvre que l'apparente tranquillité de Lamberton n'est qu'une façade et qu'elle cache en son sein de biens étranges personnages...

Pénétrer l'univers si particulier de David Lynch n'est, pour beaucoup de monde, pas chose aisée. Il demande un effort de concentration, de patience, d'interrogation et de curiosité pour se livrer au cinéphile envieux d'en connaître d'avantage sur celui qui depuis une trentaine d'années triture les méninges de nombre de personnes en mal d'évasions cinéphiles. Depuis ses premiers courts-métrages jusqu'à son dernier film "Inland Empire", le cinéaste nous convie à l'exploration d'un univers sans cesse en expansion qu'il est intéressant de décortiquer image par image ou au contraire définitivement insupportable d'essayer d'analyser lorsque l'on ne s'y est pas préparé longtemps à l'avance et ce, avec conviction. Regarder l'un de ses rares films tortueux et labyrinthiques, c'est prendre le risque de se perdre, à l'image de ses héros, dans les méandres d'histoires alambiquées et de personnages aux destinées troubles, de celles qu'on ne rencontre que très rarement dans la vie de tous les jours.

Alors que le cinéma semble parfois se perdre définitivement dans l'irraisonnable légèreté de scénarios insipides et dans d'insolvables jeux d'acteurs zombifiés par d'indigentes répliques, David Lynch lui, nous offre une approche toute personnelle du septième art. Lorsqu'un génie jette un regard sur le monde qui l'entoure, il offre aux spectateurs conquis les plus belles images qui leur soit offertes à la contemplation. Parler de ce film et de tant d'autres est avant tout un désir de partager l'amour du septième art et pourquoi pas de faire découvrir et aimer des films qui malheureusement passent très souvent sous le nez de ceux qui arrivent à se contenter de ce qu'on leur sert sur de disgracieux plateaux d'argent et à grands renforts de publicité et de bandes annonces grasses et mensongères. 

 

Blue Velvet fait partie de cette catégorie d’œuvres inclassables même si elle demeure aujourd'hui dans sa filmographie comme l'une des plus évidente (et rare) à déchiffrer. Inutile de revenir sur l'interprétation magistrale des acteurs employés ici puisque le cinéaste continue à se fier à des interprètes majeurs du cinéma américain (Isabella Rossellini, Kyle MacLachlane, Dennis Hopper, Laura Dern, Dean Stockwell). La musique signée angelo badalamenti participe elle aussi grandement à l'élaboration de ce rêve (cauchemar?) éveillé qui plonge le commun des mortels dans un univers cérébralement et physiquement éprouvant. Une très granderéussite...