Garde à vue de Claude Miller (1981) - ★★★★★★★★★☆

Nous sommes le soir du 31 décembre et alors que la population s'apprête à fêter le nouvel an, l’inspecteur Antoine Gallien reçoit dans son bureau le notaire Jérôme Martinaud. Assisté par l'inspecteur Marcel Belmont, Gallien interroge le notable au sujet de deux homicides concernant deux très jeunes filles. L'une a été retrouvée morte sur une plage et la seconde sur un terrain communal. Lorsque l'intrigue débute, celui qui très rapidement va se comporter comme un suspect se montre arrogant et surtout très évasif lorsque l'inspecteur incarné à l'écran par l'immense Lino Ventura lui pose des questions sur son emploi du temps. Curieux de connaître les détails précis s'agissant de la découverte par Martinaud de l'un des deux corps, Gallien lui met la pression. ''Épaulé'' par un Belmont nettement plus agressif envers le notaire. Et ce qui n'était au départ que l'interrogatoire classique d'un notable très connu dans la région en tant que simple témoin va rapidement se transformer en garde à vue durant laquelle, l’ambiguïté de Martinaud ainsi que sa désinvolture face à l'horreur du double fait-divers vont convaincre Gallien à pousser l'homme dans ses derniers retranchements... Réalisé par Claude Miller entre le 27 janvier et le 13 mars 1981, Garde à vue est un classique du cinéma policier hexagonal. Face à la carrure impressionnante de Lino Ventura, le cinéaste lui oppose un Michel Serrault qui derrière un physique déjà nettement moins impressionnant se sert ici du statut de notable de son personnage pour s'imposer malgré des éléments d'enquête qui contredisent à peu près tout ce qui repose sur le témoignage qu'il a rapporté antérieurement au récit développé ici. Accompagnés par un Guy Marchand qui dans le rôle de l'inspecteur Marcel Belmont rivalise de cynisme avec le témoin devenu suspect, Lino Ventura et Michel Serrault s'affrontent dans un duel verbal absolument remarquable que l'on doit au dialoguiste de génie, Michel Audiard...

Ici, pas d'enquête policière telle qu'elle est généralement conçue dans ce type de fiction. Pas de découverte d'un ou de plusieurs corps précédant des investigations de terrain. Tout juste quelques photographies rappelant l'horreur du fait-divers. Non, ici tout est concentré autour des quatre murs d'un bureau transformé en salle d'interrogatoire où l'on entend régulièrement les touches d'une machine à écrire sur laquelle Belmont s'acharne à taper la déposition du notaire entre deux blagues de mauvais goût. Le concept de ''Good Cop / Bad Cop'' qui se veut être une technique employée lors des interrogatoires intégrant un flic calme et faussement sympathique à un second, agressif et déjà beaucoup moins conciliant envers le témoin/suspect n'est ici pas à l'ordre du jour. Car même si les personnalités des deux inspecteurs ne concordent jamais vraiment, quelques regards de Gallien lancés en direction de Belmont confirment que les deux hommes ne jouent pas à ce jeu qui consiste à manipuler celui qu'ils interrogent. On peut même dire que le premier déteste les méthodes du second. Bien que l'intrigue se déroule à une date presque précise (nous sommes à l'orée du nouvel an mais... en quelle année précisément ?) un certain flou tourne autour de certains détails géographiques. Ce qui, en soit, n'est pas vraiment un problème puisque Garde à vue est un huis-clos tandis que les rares scènes d'extérieurs s'intéressent davantage aux festivités de fin d'année qui se déroulent en face du commissariat qu'aux lieux mêmes des crimes...

Une certaine distanciation que l'on pourrait comprendre face à l'horreur des actes dont le spectateur n'est témoin qu'à travers des termes aussi bruts que ''viols'' et ''étranglements'', Claude Miller nous épargnant les détails les plus sordides alors même qu'il ne retiendra plus ses mots ni ceux du romancier et scénariste Emmanuel Carrère dix-sept ans plus tard lorsque viendra le moment de signer le très glaçant La classe de neige... Privilégiant les dialogues à l'action, les regards et le jeu d'acteurs à la gestuelle (quoi que celle-ci puisse tout de même revêtir parfois une importance considérable), Garde à vue repose sur le duel entre deux hommes (et même trois si l'on ajoute la performance toute en audace de Guy Marchand), sur une tension qui à mesure que les heures passent monte graduellement et joue avec la plus subtile des perversions sur l'intime. Car pour comprendre le personnage de Martinaud, quoi de mieux que de dépasser son seul statut de témoin des événements pour aller plus en profondeur et aller chercher ce qui chez cet énigmatique individu expliquerait un éventuel passage à l'acte ? Claude Miller aurait-il choisi son camp en faisant de cet homme respecté et jusqu'à maintenant respectable un personnage qui aurait quoi qu'il arrive des choses à se reprocher ? Car comment expliquer alors l'intervention de la magnifique Romy Schneider dans le rôle de l'épouse du notaire qui au moment où tout bascule lorsque la culpabilité de celui-ci est devenue un impératif moral (Après avoir été frappé par Belmont, Martinaud explique avec ses mots qu'il vaut mieux avoir frappé un coupable plutôt qu'un innocent) vient en rajouter une couche en apportant une ''preuve'' de sa culpabilité ? Romy Schneider, justement... magnifique, digne... Un petit rôle pour une grande incarnation, jusqu'à ce final terrible suivant un twist inattendu, la encore précédé d'un souvenir contant une période dans l'existence du couple qui n'a à proprement parler rien à voir avec l'enquête mais dont l'évocation pourrait avoir de graves conséquences... On sort du film avec la sensation de s'être assis aux côtés du notaire et face au flic. Témoins d'une garde à vue magistralement orchestrée par un cinéaste et ses interprètes...

 

Clash de Raphaël Delpard (1984) - ★★★★★☆☆☆☆☆

 

 

En 1965, Roman Polanski réalisait Répulsion. Un long-métrage britannique dans lequel le cinéaste franco-polonais mettait en scène l'actrice française Catherine Deneuve dans le rôle de Carol, jeune femme introvertie, psychotique et ayant déployé une peur viscérale envers les hommes. Si dans ce classique du septième art les raisons invoquant son aversion pour la gente masculine étaient peu explicites, les démons intérieurs qui dans Clash de Raphaël Delpard allaient faire de Catherine Alric l'héroïne d'un récit très étrange dans lequel la jeune femme allait être tourmentée par la présence d'un inconnu sont déjà beaucoup plus simples à comprendre. Incarnant Martine, une jeune femme confiante qui sur demande de son ami Be Schmuller (l'acteur Bernard Fresson) accepte de passer la frontière avec une mallette remplie d'argent jusqu'à un lieu très précis. Une usine désaffectée où elle patientera jusqu'à ce que l'homme en question la rejoigne. Seule, Martine angoisse. D'autant plus que ce nouvel environnement déploie chez la jeune femme de profonds tourments directement liés à son propre passé. Marquée par une enfance traumatique, elle va affronter ses démons intérieurs à travers la présence d'un étrange personnage interprété par Pierre Clémenti et supporter des visions cauchemardesques qui tiennent autant de souvenirs de sa petite enfance que des tentatives apparentes du nouveau venu de s'en prendre à elle... Les plus anciens se souviennent sans doute très bien du mythique Festival international du film fantastique d'Avoriaz qui en France et entre 1973 et 1993 présenta durant vingt ans diverses sélections de films d'horreur, d'épouvante, de science-fiction et fantastiques. Festival où émergèrent de futurs classiques parmi lesquels certains furent présentés en 1984. L'année même où y sera sélectionné Clash. Un privilège qui pour Raphaël Delpard et pour son antépénultième long-métrage de fiction se transformera en véritable chemin de croix face à une impitoyable concurrence et des critiques amères face à cette petite production hexagonale sortant très largement des carcans auxquels la presse et le public étaient habitués. Ayant abandonné la fiction peu de temps après pour se consacrer au documentaire historique, Raphaël Delpard signe ainsi une œuvre étrange, que d'aucun pourra considérer d'ennuyeuse, voire de très prétentieuse. Du ''cinéma d'auteur'' pourtant mis en scène par un cinéaste qui jusque là s'était adonné à la pornographie avec Perversions en 1976 et Lycéennes perverses en 1979, tous deux réalisés sous le pseudonyme Peter Rafael ainsi qu'à la comédie franchouillarde avec Ça va pas la tête en 1978 et surtout Les bidasses aux grandes manœuvres en 1981...

Mais Raphaël Delpard, on le connaît surtout pour La nuit de la mort! qu'il réalisa en 1980. Un film d'horreur parfois considéré de culte même s'il est plus simple de le ranger dans la catégorie des nanars bien de chez nous ! Avant de changer radicalement de registre, le voici donc en 1984 près à affronter une rude concurrence au festival d'Avoriaz. Face à lui, de grands noms de l'horreur et du fantastique : John Carpenter, Dick Mass (qui à ce moment très précis reste encore un inconnu chez nous), David Cronenberg ou bien Paul Verhoeven. Avec dans leur valise, rien moins que quelques classiques du genre, tels et respectivement, Christine, L'ascenseur, Dead Zone ainsi que Le quatrième homme... Bref, on l'aura compris, Clash y fait figure de véritable ovni et ça n'est que beaucoup plus tard qu'il faudra rendre à César, ou plutôt, à Delpard, ce qui est à Delpard... Car autant, effectivement, Clash peut se révéler ennuyeux, obscure et donc totalement incompréhensible, autant le film possède certains charmes. Car au-delà de la théâtrale incarnation de Pierre Clémenti dont la seule présence au générique témoigne d'un show à venir des plus étranges, Raphaël Delpard fait preuve d'une générosité qui dépasse de très loin le seul statut d'éventuel film d'auteur ''onaniste'' que revêt Clash. Une œuvre passionnée, passionnante si l'on reste accroché à ce wagon bourré jusqu'à la gueule d'idées toutes plus farfelues les unes que les autres, mais qui eut la mauvaise idée de sortir au mauvais moment. Face à des distributeurs frileux se demandant sans doute ce que pouvait vouloir signifier cet OFNI qui avait peut de chance d'attirer les foules dans les salles (ce qui fut le cas), Clash n'est alors visible que dans de rares salles de cinéma, omettant en outre d'être projeté dans la capitale, et n'attire que quelques spectateurs plutôt curieux à l'idée de découvrir ce qui pouvait se cacher derrière le titre et la présence d'interprètes généralement peu dévolus à ce genre de cinéma. On ne reprochera pas à ceux qui l'ont immédiatement détesté d'être depuis restés campés sur leur position. Sans doute le film de Raphaël Delpard mérite-t-il une double projection pour être véritablement apprécié. Et encore, ça n'est pas certain. Mais aussi bizarre que cela puisse paraître, le spectacle n'est pas aussi indigeste qu'on pourrait le croire. Et puis, voir Catherine Alric entièrement nue sous la douche ou recouverte de sang après avoir été attaquée par un Pierre Clémenti tout droit sorti de chez un ''Lucio Fulci low-cost'' ne nous étant pas offert tous les jours, pourquoi se priver... ?

 

TROMA : The Battle of Love's Return de Lloyd Kaufman (1969) - ★★★★★★☆☆☆☆

 

 

Lloyd Kaufman débute sa carrière de cinéaste en 1969 alors qu'il en est encore à sa deuxième année à l'université de Yale. Le futur co-fondateur avec Michael Herz de la fameuse société de production et de distribution indépendante américaine Troma Entertainment débute à la réalisation, l'écriture et la production avec la comédie The Girl Who Returned. Enchaînant deux ans plus tard en 1971 avec The Battle of Love's Return, l'homme signe une œuvre satirique, humoristique et surréaliste qui d'une certaine manière convoque le cinéma burlesque de la première moitié du vingtième siècle, voguant ainsi entre séquences réalistes en noir et blanc lors desquelles sous son véritable patronyme il interviewe divers intervenants et plans en couleurs durant lesquels il est filmé dans la peau du personnage principal prénommé Abacrombie. Un jeune homme qui n'a pas vraiment de chance dans la vie puisque à chaque fois qu'il trouve du travail, il est invariablement mis à la porte. En outre, Abacrombie est très amoureux d'une jeune serveuse qui travaille dans un bar mais qu'il n'ose toujours pas aborder... Pour son second long-métrage, Lloyd Kaufman critique tour à tour l'armée, l'église et une vision toute personnelle des rapports avec ses concitoyens. Qu'il s'agisse d'entreprendre d'aider une dame d'un certain âge à traverser un passage piéton ou de déclarer aussi maladroitement que possible son amour pour une jeune femme totalement différente à son égard, notre héros trimballe sa bonhomie dans une ville qui lui est étrangement hostile. Parcourant la nature humaine à travers de faux portraits, tels ceux d'un homme d'affaire, d'un poète sous influence de psychotropes, d'une vieille dame, d'une jeune femme très pieuse, d'un psychiatre, d'un propriétaire de librairie de charme ou encore d'un prédicateur, le cinéaste intercale ces séances d'interviews de scènes burlesques confrontant son personnage à des situations souvent absurdes. C'est ainsi qu'en aidant une vieille dame à traverser la rue, celle-ci se met à hurler, attirant une foule bigarrée comme Lloyd Kaufman aimera plus tard en ponctuer ses prochains films sous le sceau de la Troma Entertainment. Une déconvenue amorçant le triste sort d'un homme déambulant sur le chemin devant le mener jusqu'à son lieu de travail, sans cesse harangué par une foule toujours plus hostile à son égard. Cherchant même du secours auprès d'un psychiatre (celui-là même que le réalisateur interviewa juste avant), Abacrombie est mis devant le fait accompli : viré là encore du cabinet du spécialiste, le jeune homme ne peut qu'accepter l'évidence...

Personne ne l'aime. Comme s'il dégageait une aura négative et comme si le malheur, chaque fois, devait se pencher sur lui. Embauché pour marquer les nombreux câbles d'un pont avant que des employés ne viennent les peindre, une gamine s'amuse à les arracher durant le temps qu'est imparti à Abacrombie pour prouver à son nouvel employeur qu'il est capable d'effectuer les tâches qui lui incombent. Fauché mais non dénué d'un certain charme, The Battle of Love's Return séduit par son apparente naïveté même si déjà Lloyd Kaufman confronte l'un de ses premiers personnages à la dure réalité de l'existence. Il faut savoir qu'en outre ce second film du cinéaste fut pour un certain Oliver Stone, futur réalisateur de Wall Street, de The Doors, de JFK ou de Natural Born Killer, l'occasion d'apparaître pour la toute première fois de sa carrière devant une caméra puisque aussi discrète soit sa participation aux aventures d'Abacrombie, il y incarne le tout petit rôle de Cliff ! Et s'il y a de fortes chances pour que l'on ne s'aperçoive pas de sa présence à l'image, il en est une dont nous n'oublierons par la participation. Car en effet, dans le rôle de la ''Fille de rêve'' sur laquelle a jeté son dévolu le héros du récit, l'on retrouve l'actrice américaine aux yeux de chats, Lynn Lowry. Et pour celles et ceux qui n'ont pas connaissance de son nom, les amateurs de fantastique et d'épouvante se souviendront d'elle pour avoir été surtout présente sur les plateaux de tournage de The Crazies de George Romero en 1973 et de Shivers de David Cronenberg en 1975. Dans The Battle of Love's Return, elle incarne cette jeune femme inaccessible pour notre héros, présente à diverses occasions et dans différentes situations (serveuse dans un bar, secrétaire de bureau, membre d'un groupe de hippies...). Autant The Battle of Love's Return est une comédie sociale satirique plutôt amusante, autant la fin tragique de son personnage central laisse un goût amer sans doute recherché par un Lloyd Kaufman encore très timide en matière de provocation. Notons en outre que le propre père du réalisateur avoua que sa scène préférée est celle où son ''fils'' est tué après être parti sur le front...

 

Shirome de Kōji Shiraishi (2010) - ★★★★☆☆☆☆☆☆

 

 

Après avoir vanté les qualités de réalisateur du cinéaste japonais Kōji Shiraishi à travers deux de ses longs-métrages intitulés Noroi et Okaturo, il est regrettable de constater que ses prédispositions à mettre en scène des personnages dans divers Found Footage ne se maintient pas systématiquement. Pour preuve, Shirome qu'il réalise en 2010. Un long-métrage qui perpétue cette longue tradition qui chez Kōji Shiraishi consiste à filmer des individus caméra à l'épaule et un interagissant avec eux comme s'il était en train de mettre en scène un documentaire. Comme pour les exemples précédents, Shirome s'intéresse à un cas très spécifique de phénomène surnaturel puisque l'action va en partie se dérouler dans une ancienne école désaffectée où eurent lieux de tragiques événements. C'est en effet dans une classe du deuxième étage que furent retrouvés les corps suspendus à des cordes de deux élèves supposées s'être suicidées. Mais pour certains, la mort des deux jeunes filles fut probablement liée à une légende selon laquelle lorsque l'on fait un vœu auprès du Kami (entité vénérée dans le shintoïsme) Shirome sans être totalement convaincu de son existence, celui-ci peut pousser ceux qui font appel à lui au suicide ou à la folie... Tout comme dans Okaturo, Kōji Shiraishi interprète son propre rôle et propose à un groupe de six jeunes chanteuses qui ont la particularité d'exister réellement d'interpréter ceux des héroïnes féminines. En effet, tandis que de nos jours Kanako Momota, Shiori Tamai, Ayaka Sasaki et Reni Takagi ne sont plus que quatre, elles formèrent au départ aux côtés d'Akari Hayami et Momoka Ariyasu le groupe Momoiro Kurōbā Zetto. Très populaires au Japon, les jeunes femmes se retrouvent donc au centre de ce récit qui mêle donc Found Footage, légendes urbaines et fantastique... Il est fort probable qu'en mettant en scène les six jeunes chanteuses, Kōji Shiraishi ait pris le parti à l'époque de faire la promotion de leur groupe car alors comment justifier la présence d'interprètes qui à défaut d'être de véritables artistes de la chanson n'ont aucun talent pour l'interprétation ? Pourtant, ici, le cinéaste japonais ne demande rien d'autre à ses interprètes que de demeurer elles-mêmes et de pousser régulièrement des cris lorsque le script le demande. En dehors de l'intérêt de présenter un groupe d'adolescentes typiques du Pays du Soleil Levant, avec leurs codes vestimentaires et celui de mettre en avant un groupe musical offrant des shows paraît-il très ''revigorants'', Shirome manque probablement d'être l'un des plus mauvais films du genre Found Footage alors même que son auteur peut s'enorgueillir d'avoir réalisé avant cela les meilleurs d'entre eux. Ici, le concept est simple...

Réunir les jeunes filles dans cette fameuse classe et les pousser à faire un vœu auprès de Shirome afin qu'elles puissent accéder à une populaire émission de télévision japonaise. Le film se divise ainsi en deux parties. La première présentant évidemment les membres du groupe, de frêles de jeune femmes qui ne cessent de hurler pour un oui et pour un non. D'ailleurs, si certaines précautions doivent être entreprises devant des longs-métrages diffusant des images graphiquement fortes, ici, l'on conseillera aux spectateurs de se munir de paracétamol tant Kanako Momota, Shiori Tamai et leurs copines ont tendance à produire des cris stridents qui rapidement donnent des maux de tête. Ici et comme cela est récurrent chez Kōji Shiraishi, l'on ne s'étonnera pas d'apercevoir des phénomènes d'ordre surnaturel très habituels chez le cinéaste japonais. Des orbes, qui en passant au dessus des têtes ont des conséquences directes sur l'action des personnages. Tandis que la première partie, relativement longue, pesante et s'intéressant principalement à nos jeunes héroïnes, situe son action dans la moyenne basse des attentes des spectateurs, la seconde ne se révèle malheureusement pas tellement plus fascinante. Peu inspiré, Kōji Shiraishi manque de jouer avec certains repères qui voudraient que le récit repose (ou non) sur une certaine forme de manipulation physique et mentale. On ne sait jamais vraiment quel est le but réel du cinéaste s'agissant du projet d'emmener les jeunes filles là où le double suicide se déroula. Les emmène-t-il vraiment pour qu'elles accèdent à la populaire émission de télévision ou agit-il uniquement dans un but personnel opportuniste ? Toujours est-il qu'en matière d'effroi, Shirome s'avère relativement maigre. Voire même inexistant. Quelques bribes d'images sont appréciables, comme lorsque l'une des jeunes filles est réveillée par une orbe alors qu'elle dort aux côtés de ses amies dans un dortoir ou lorsque un ''historiens'' des événements tragiques survenus dans le passé est pris d'une crise d'hystérie juste avant que le groupe ne pénètre entre les murs de l'école. Mais à part ces quelques fragiles envolées, le film n'a absolument aucun intérêt... L'on poussera alors les spectateurs à se rediriger vers Noroi et Okaturo plutôt que du côté de ce petit long-métrage dénué de tout impact émotionnel et physique...

 

 

Okaruto de Kôji Shiraishi (2009) - ★★★★★★★☆☆☆

 

 

Évoquer le réalisateur et scénariste japonais Kôji Shiraishi, c'est s'intéresser à un cinéaste vraiment à part, qui a majoritairement consacré sa carrière à une manière très particulière de tourner ses films. Auteur d'une centaine de courts et de longs-métrages, de séries télévisées et même d'un unique téléfilm en 2004 (Suiyô Puremia: Sekai Saikyô J Horâ SP Nihon no Kowai Yoru), il est en effet devenu l'un des spécialistes du Found Footage. Ce type de production tournée caméra à l'épaule et censée révéler le contenu de pseudos documents vidéos relatant d'authentiques événements dramatiques... Oubliez tout ce que vous connaissez sur le sujet. Qu'il s'agisse de l'ancêtre Cannibal Holocaust ou de The Blair Witch Project de Daniel Myrick et Eduardo Sánchez que beaucoup considèrent encore aujourd'hui comme le meilleur d'entre tous. En effet, effacez donc de votre mémoire cette idée préconçue que c'est aux États-Unis que le meilleur Found Footage du monde fut tourné car c'est vers un ailleurs, très éloigné de là, du côté du Pays du Soleil Levant qu'il faut tourner son regard. Car si même vous faites partie des indécrottables passionnés du genre qui ne connaissent malheureusement pas encore Noroi, il est encore temps de réparer cette erreur et de découvrir enfin LE chef-d’œuvre du genre, si tant est que l'on puisse nommer ainsi certains représentants de ce courant du cinéma d'horreur... Dans ce long-métrage fantastico-horrifique, Kôji Shiraishi s'intéressait en 2004 à la disparition d'un journaliste spécialisé dans le paranormal alors qu'il enquêtait jusque là sur un très ancien démon japonais du nom de Kagutaba. S'il est donc réalisateur et scénariste de ses propres projets, le cinéaste originaire de Fukuoka situé sur l'île de Kyūshū est aussi parfois aux manettes du montage, de la photographie, des effets-spéciaux et endosse même parfois l'un des rôles comme ici, avec Okaruto, dans lequel il incarne un réalisateur de documentaires intéressé par le cas particulièrement extraordinaire d'un certain Shonei Eno . Un individu incarné par l'acteur Shôhei Uno (le concept repoussant les limites du réalisme en présentant les principaux protagonistes sous des patronymes très proches de ceux de leurs interprètes respectifs) et qui trois ans après avoir été au centre d'un fait-divers très étrange fait aujourd'hui l'objet de toutes les attentions de la part d'un réalisateur qui est donc joué par le réalisateur lui-même ainsi que de celle d'Akira Wakatsuki (Akira Takatsuki), un producteur ouvert à l'idée d'aider financièrement Shôhei contre sa participation à un projet visant à prendre sur le fait, la présence quotidienne d'événements extraordinaires que lui seul semble être en mesure de voir. Sans argent et désormais sans abris, les deux hommes lui offrent l'opportunité de dormir durant une semaine dans leur bureau et de gagner de l'argent chaque fois qu'il aura la possibilité de filmer l'un des phénomènes en question. Portant dans le dos les stigmates de son agression au couteau survenue trois ans plus tôt et perpétrée par un déséquilibré qui s'est ensuite jeté d'une falaise, Shonei accepte. Alors qu'il vient de trouver un nouvel emploi, le voilà qui chaque jour fait suivre une petite caméra confiée par le réalisateur...

Si au départ, aucun fait étrange ou presque ne se manifeste, très vite les choses s'accélèrent et le spectateur est pris comme témoin d'une série d'événements très curieux qui vont les plonger lui et le personnage principal dans un univers très lovecraftien... Un monde qui jusque là était de l'ordre de l'indicible mais que Kôji Shiraishi va donc traiter à sa façon si particulière et même unique à vrai dire. Ce sens du cadre qui lui permet d'intégrer des éléments auquel l’œil peu exercé peut parfois échapper. Un objet survolant la scène de crime, trois ans plus tôt et qui au mieux et au départ, paraissait n'être que le survol d'un oiseau et qui au pire, était passé devant nos yeux sans que nous en ayons eu conscience... Là encore, le cinéaste japonais s'amuse avec le concept de Found Footage pour élaborer ce que l'on appelle un documenteur. L'objectif étant une nouvelle fois de créer l'illusion d'être devant d'authentiques événements alors que l'on sait pertinemment que tout est faux. Et pourtant, cela fonctionne. Et même si croire au défilé d'images qui se déroulent devant nous devient compliqué, la lente progression du récit qui s'aligne presque sur deux heures fascine par ce jeu de construction, entre enquête paranormale et surgissement de phénomènes surnaturels. Citant ainsi la présence d'ovnis et d'objets vaporeux parfois comparables à des orbes. Détail amusant, parmi les interprètes l'on aperçoit durant un cours moment le réalisateur Kiyoshi Kurosawa dans son propre rôle. Illustre cinéaste japonais qui nous gratifie régulièrement d'excellents films, tels Kyua en 1997, Kuriipii en 2016 ou encore Kuraudo l'année dernière... Bénéficiant de moyens qui malheureusement ne sont pas à la hauteur de ses ambitions, Kôji Shiraishi signe pourtant une œuvre passionnante même si l'on reste tout de même très loin de son immense Noroi. Sans doute trop long, le film aurait mérité d'être recentré autour de certaines séquences tandis que d'autres auraient méritées d'être jetées aux oubliettes. Il n'empêche que malgré des effets-spéciaux faits avec des bouts de ficelles et le savoir-faire d'un artisan sans le sou, Okaruto reste malgré tout au sommet du panier du genre Found Footage. Le japonais prenant visiblement un immense plaisir à développer continuellement ses ''obsessions'' pour des formes de ''vie'' très particulières...

 

La poupée de Sophie Beaulieu (2026) - ★★★★★★★★☆☆

 

 

Dans Monique : toujours contente de Valérie Guignabodet, Albert Dupontel se trimbalait avec une poupée gonflable. De l'autre côté de l'Atlantique, Ryan Gosling développait dans Lars and the Real Girl de Craig Gillespie une relation émotionnelle avec lui aussi, une poupée. Dans Mannequin de Michael Gottlieb, il s'agissait pour le réalisateur de mettre en scène un mannequin de vitrine qui prenait vie et tombait amoureux d'un employé. Mais celui qui se rapproche sans doute le mieux du long-métrage dont nous allons parler ici nous vient du Japon avec Air Doll du cinéaste Hirokazu Kore-eda, dans lequel une poupée gonflable découvrait le monde après avoir pris vie ! Nous étions alors en 2009 et dix-sept ans plus tard, c'est au tour de la réalisatrice, scénariste, linguiste et traductrice française Sophie Beaulieu de s'atteler à la tâche de donner vie à un personnage inerte. Une poupée sexuelle conçue généralement pour le plaisir des hommes et qui dans le cas de La poupée est tout d'abord le moyen pour Rémi (excellent Vincent Macaigne) de faire table rase sur une séparation dont il a conservé des traces psychologiques. Devenu incapable d'aimer et d'éprouver des sentiments réels pour une femme (contacts physiques, chaleur humaine, etc...), ce vendeur de gazon synthétique qui travaille dans une petite entreprise uniquement constituée de collègues masculins vit donc depuis six mois aux côtés d'Audrey. Le concept, aussi absurde puisse-t-il paraître, repose pourtant sur un constat tout à fait réel puisque les Tpe Doll sont des poupées qui existent réellement et qui sont d'un réalisme parfois bluffant. Tandis que Rémi prévoit de se marier avec elle prochainement alors qu'il n'a toujours pas osé la présenter à ses collègues de travail ou à sa famille (en dehors de sa sœur qui sait qu'Audrey n'est qu'une poupée), l'entreprise GAZONZON accueille une jeune intérimaire qui durant l'absence pour congé parental de l'un des employés va le remplacer...

Une jeune femme pétillante qui semble pourtant en être revenue de ses relations avec les hommes. Étrangement, son arrivée dans la boite coïncide avec le ''réveil'' d'Audrey qui subitement se matérialise en femme en chair et en os... Visuellement, La poupée fait parfois penser à la comédie réalisée voilà dix ans par Franck Magnier, Les têtes de l'emploi. Dans un cas comme dans l'autre, tous deux évoquent parfois dans leur forme la mythique émission de télévision humoristique française Message à caractère informatif qui à la fin du vingtième siècle détournait de vieux documents vidéos d'entreprises. Ou encore la série Caméra café et sa bande de collègues de bureau dans une esthétique moderne relativement minimaliste. Un cachet qui se veut donc parfois cheap, désuet, voire ringard et sur lequel s'attarde pour son premier long-métrage Sophie Beaulieu avec cette petite start-up très masculine et travaillant dans la bonne humeur, jouant au baby-foot durant la pause et accueillant donc Patricia. Personnage incarné à l'écran par une Cécile de France qui à cette occasion est affublée d'une ridicule coiffure qui participera à l'élaboration de son personnage. Gentiment mythomane, certes, mais l'accroche entre elle et Rémi est pratiquement immédiate. Ahhhh, Rémi. Ce type à l'irrésistible bonhomie, à la voix douce et au courage tout relatif (il faut voir sa réaction face à sa poupée devenue femme). Et puis, il y a bien sûr Audrey. Poupée à taille adulte que son propriétaire déplace de pièce en en pièce, face à lui lorsqu'il cuisine et dîne, ou à ses côtés lorsqu'il regarde de vieux documents télévisuels mettant en scène les Grands Hommes de l'Histoire de France ou lorsqu'il dort ! Audrey, donc, interprétée Zoé Marchal, laquelle n'est autre que la fille de Catherine et Olivier Marchal. Nouvelle valeur sûre du cinéma et de la télévision française qui brilla tout récemment dans l'excellente mini série Les lionnes d'Olivier Rosemberg et Carine Prévot dans laquelle elle interprétait l'un des rôles principaux d'un quatuor de braqueuses de banques...

Dans le cas de La poupée, la jeune femme personnifie l'émancipation de son personnage qui jusque là, et à l'image de cette poupée incarnant une femme enfermée dans sa condition de victime du patriarcat, va donc notamment découvrir le libre arbitre ! Avec justesse, beaucoup d'humour, de sincérité et parfois même d'émotion, Sophie Beaulieu signe une comédie plus simple que simpliste. Drainant en outre comme un cahier des charges imposé, quelques idées bien dans l'air du temps comme la ''Non binarité'' ou son contraire, la ''Cisidentité'', à travers le personnage de Domi, la sœur de Rémi, interprétée par l'actrice Adèle Journeaux dont il s'agit ici du premier rôle sur grand écran. Faussement naïve, la comédie de Sophie Beaulieu est un véritable bol d'air frais et derrière le message que l'on pourrait parfois estimer d'opportuniste se cache l'une de ces rares bonnes comédies qui chaque année sortent en France. Originale, drôle, touchante, entre comédie romantique, satire sociale et fantastique, La poupée fonctionne très bien grâce à sa mise en scène sobre mais efficace et surtout grâce à l'excellent jeu d'acteurs. Notons d'ailleurs que parmi ces derniers, Marianne Basler et Gilbert Melki incarnent les parents de Rémi. À découvrir très vite en salle puisque le film est sorti il y a deux semaines environ...

 

Ça tourne à Saint-Pierre et Miquelon de Christian Monnier (2021) - ★★★★★★☆☆☆☆

 

 

Avec ses fausses informations télévisées présentant Roman Zodowski (Référence à Roman Polanski ? Andrzej Zulawski?) comme un original qui a connu le succès avec son premier long-métrage, Ça tourne à Saint-Pierre et Miquelon se révèle mensonger dans quasiment tous les domaines qu'il investit. Ce qui ne sera et surtout, devra pas être renvendiqué au sens péjoratif du terme tant l'objet que l'on tient ici en main paraît peu anodin. Sans être non plus tout à fait passionnant puisque bénéficiant d'un scénario rachitique et d'une mise en scène anémique, le second long-métrage de Christian Monnier (quinze ans après Le chien!) peut s'envisager comme un bol d'air frais iodé situant, comme le titre l'indique, son action à Saint-Pierre et Miquelon. Un archipel français plus connu pour son nom que pour sa zone géographique puisque contrairement à ce que l'on pourrait supposer, celui-ci n'est pas situé dans une zone proche de l'hexagone mais au sud-est de l'île canadienne de Terre-Neuve. C'est donc là-bas, très loin de chez nous et pourtant visuellement si proche de certaines de nos côtes que se déroule l'action de cette comédie qui soyons-en sûrs, n'emballera pas tout le monde. Les gamins sevrés aux jeux vidéos ou aux réseaux sociaux passeront leur temps au pied du canapé à consulter leur smartphone ou à discuter entre eux tandis que d'autres se demanderont quelle idée saugrenue est venue à l'esprit de leur proche de leur offrir ce cadeau empoisonné (DVD disponible depuis 19 octobre dernier). D'un point de vue personnel, Ça tourne à Saint-Pierre et Miquelon est un peu fade. Amusant sans être drôle, et nettement moins transgressif en terme de fantaisie que le En roue libre de Didier Barcelo découvert sur grand écran il y a quelques mois. Rien à voir entre l'un et l'autre, c'est vrai. Mais un brin de folie que les deux longs-métrages partagent malgré tout !

Dans cette comédie où Céline Mauge (l'actrice du même nom, dans son propre rôle) espère jouer dans le nouveau film du trublion du cinéma Roman Zodowski (interprété par l'acteur Philippe Rebbot, raison principale pour laquelle je me suis collé à la projection du film), il n'y à guère à manger en terme de pur comique de situation. Plutôt axé sur la détresse d'une comédienne désespérant de tourner avec son nouveau réalisateur, lui-même enfermé depuis des jours dans une baraque située à proximité du logement temporaire que l'héroïne partage avec deux membres de l'équipe technique, Ça tourne à Saint-Pierre et Miquelon s'emballe dans des séquences de boulimie lors desquelles des plats de morue font les frais de la nouvelle obsession de l'actrice. Entre l'attente et les crises d'hystérie de Céline Mauge, l'ingénieur du son Keanu (Jules Sitruk) et la régisseuse Adèle (l'actrice Adèle Lebon) composent un duo intéressant, entre un adepte des causes environnementales et animales et une jeune femme un brin garçonne. Afin d'apporter un peu de matière et de profondeur à un récit qui reste tout d'abord bloqué sur ses aspirations d'origine, Christian Monnier et l'actrice Sheila O'Connor (La boum 1 et 2 de Claude Pinoteau, P.R.O.F.S de Patrick Schulmann) imaginent une sous-intrigue qui bientôt prendra le pas pour ensuite faire corps avec le sujet du film que sont censés tourner ensemble l'actrice et le réalisateur. Interviennent ainsi Claire Nadeau, Patrick Bouchitey ou Dominique Pinon dans des rôles minimes mais parfaitement essentiels au dessus desquels surnage à peine Philippe Rebbot, malheureusement sous employé ! Céline Mauge porte donc presque à elle seule ce projet tout à fait particulier, de nature parfois automnale qui ne fera exploser de rire que peu de monde mais qui demeure tout de même relativement intriguant. Un moment de douce folie parfaitement accessible au commun des mortels mais qui paraîtra bien ennuyeux pour les habitués de transgressions cinématographiques. Une œuvre mi-figue, mi-raisin...

 

They Will Kill You de Kirill Sokolov (2026) - ★★★★★★☆☆☆☆

 

 

They Will Kill You. Un concept, pas de scénario, mais du fun à tous les étages avec pourtant, ce persistant message qui depuis maintenant pas mal d'années renverse les valeurs du Bien et du Mal sur grand écran en faisant systématiquement de l'homme blanc le nouveau stéréotype du méchant antagoniste quand dans le courant du vingtième siècle, la représentation du noir à l'écran passa par le ségrégationnisme, le racisme et plus tard l'emploi de la communauté dite afro-américaine dans des rôles de sauvages, de domestiques ou de criminels. Fort heureusement, la culture de l'africanité et sa reconnaissance ainsi que le courant culturel américain des années soixante-dix connu sous le nom de Blaxploitation eurent tendance à renverser la vapeur. Après la quasi disparition de ce courant, quelques cinéastes l'ont fait sporadiquement revivre et ça n'est que depuis quelques années, à travers des œuvres telles que Shaft de John Singleton, Black Dynamite de Scott Sanders ou le moins connu They Cloned Tyrone de Juel Taylor, que la Blaxploitation et la mise en avant de nouveau balbutiante de la communauté afro-américaine permet à certains de rediriger le discours vers un message politique encore plus engagé. Pour avoir essoré en long et en large un bon nombre de longs-métrages du genre datant des années soixante-dix, il est clair que l'une des différences fondamentales est désormais de glorifier l'homme de couleur en lui faisant endosser aussi souvent que cela lui est permis, le rôle du bon samaritain. Et si dans la Blaxploitation d'antan, le blanc était souvent remisé au second plan, considéré déjà de ''mauvais garnement'', parfois même parodié et donc souvent moqué, aujourd'hui, le temps des ''réparations'' semble être arrivé à son apogée et après des décennies d'incurie, les rôles se sont donc ''définitivement'' inversés... Tout commence (ou presque) lorsque Asia Reaves (Zazie Beetz) est séparée de sa jeune sœur Maria (Myha'la) après qu'elle ait tiré sur leur père d'une balle de pistolet. Un père (fouettard, et donc blanc, bien évidemment) qui contre toute attente demeure en vie. Ce qui n'empêche pas la fugitive d'être arrêtée puis enfermée pour les cinq années à venir...

Au sortir de la prison où elle a eu tout le temps de s'affranchir de ses codétenues en s'adonnant à la bagarre, Asia part à la recherche de sa sœur et apprend que depuis un certain temps, celle-ci travaille dans le très chic hôtel ''Le Majestic''. Tenu par une famille blanche aisée dont la directrice est l'épouse d'un certain Ray (Paterson Joseph), l'établissement est entretenu par une batterie de domestiques afro-américaines toutes dévouées à leur tâche. Changeant de nom, Asia se fait embaucher afin de retrouver Maria et de l'emmener loin avec elle... Mais les choses ne vont bien évidemment pas se dérouler telles que la jeune femme l'avait prévu... On le voit, le script de d'Alex Litvak et Kirill Sokolov est relativement succinct. Mais ce qui l'est plus ou moins selon le genre de films que l'on a l'habitude de regarder, c'est le ton outrancier avec lequel le réalisateur, scénariste et monteur russe Kirill Sokolov va traiter son sujet. Humour, gore et action s'entremêlant dans un tourbillon parfois vertigineux et plutôt distrayant. Mais là encore, selon que l'on soit un véritable cinévore ou un spectateur irrégulier, les références pourtant multiples ne sauteront pas forcément aux yeux de tous. Pourtant, il y a dans They Will Kill You, un peu du Kill Bill de Quentin Tarantino. Lui-même étant visiblement inspiré par le cinéma asiatique, l'on retrouve de nombreux combats à l'arme blanche et même parfois au fusil. Jouant avec les décors, entre chambres, couloirs et vides sanitaires, le long-métrage de Kirill Sokolov laisse une grande place à l'action, à travers des combats plutôt bien orchestrés même si l'on est très loin des prouesses techniques d'un The Raid réalisé par Gareth Evans en 2011 ou d'un City of Darkness signé de Soi Cheang en 2024. Concernant le gore, c'est encore du côté de l'Asie qu'il faudra pencher le regard puisque en dehors de quelques menues tripailles, l'hémoglobine gicle davantage à la manière de geysers comme dans Tokyo Gore Police de Yoshihiro Nishimura, Machine Girl Noboru Iguchi ou encore Meatball Machine de Yūdai Yamaguchi et Junichi Yamamoto. Bref, rien de très fin mais le film possède malgré tout quelques plans virtuoses, une direction artistique pas dégueu et une pêche d'enfer...