Nuremberg de James Vanderbilt (2026) - ★★★★★★★☆☆☆

 

 

À l'issue de la seconde guerre mondiale, les États-Unis, le Royaume-Uni, la France et l'Union soviétique signent l'Accord de Londres, lequel établit un tribunal militaire international autorisé à poursuivre les criminels de guerre notamment pour crime contre l'humanité. Tandis que le procès auquel devront faire face de hauts responsables du régime nazi parmi lesquels se trouve le numéro 2 et bras droit d'Adolf Hitler, Hermann Göring, s'apprête à s'ouvrir, le psychiatre Douglas Kelley est dépêché en 1945 à la prison de Mondorf-les-Bains au Luxembourg afin d'expertiser l'état mental de hauts dignitaires nazis qui y furent enfermés après leur arrestation. Commandant en chef de la Luftwaffe entre 1935 et 1945, Reichsmarschall à partir de 1940, successeur officiel d’Hitler mais aussi signataire l'année suivante d’un ordre demandant la mise en œuvre de la Solution Finale visant à exterminer le peuple juif présent sur le territoire européen, Hermann Göring fait évidemment l'objet de toutes les attentions de la part de Douglas Kelley. Le long-métrage de James Vanderbilt n'est pas le premier à traiter du sujet puisque parmi les quelques tentatives à avoir vu le jour, l'on peut citer Judgment at Nuremberg de Stanley Kramer en 1961 avec Spencer Tracy, Burt Lancaster, Maximilian Schell, Marlene Dietrich, Judy Garland et Montgomery Clift ou le téléfilm québécois en deux partie intitulé Nuremberg et réalisé cette fois-ci par Yves Simoneau en 2000, avec Alec Baldwin, Brian Cox, Christopher Plummer ou encore Jill Hennessy dans les rôles principaux... Sorti le 28 janvier dernier en France, le Nuremberg de James Vanderbilt est une œuvre ambitieuse qui relate notamment la complexité des relations que développa le psychiatre Douglas Kelley ici incarné par l'acteur égypto-américain Rami Malek (la série Mr. Robot et le biopic consacré au groupe américain Queen, Bohemian Rhapsody) avec Hermann Göring, interprété quant à lui par Russell Crowe qui pour se fondre dans son personnage accepta de prendre du poids (lequel sera évalué aux environs de 125 kilos), d'observer les caractéristiques physiques et comportementales de l'ancien officier nazi, d'en apprendre davantage sur les faits historiques et enfin d'apprendre l'allemand afin d'apporter de la crédibilité à son incarnation... Pour autant, le long-métrage ne se présente non pas sous l'angle exclusif du procès de Nuremberg à l'issue duquel douze des vingt-deux prévenus furent exécutés par pendaison mais décrit très précisément la relation entre Hermann Göring et Douglas Kelley...

Des rapports qui apparaissent quelque peu ambigus, générant un certain malaise pouvant même bizarrement créer chez le spectateur une certaine forme d'empathie vis à vis du criminel de guerre. Le choix d'explorer dans cette première partie les relations entre les deux hommes rappelle une œuvre traitant d'un parti-pris similaire qui en 2021 concernait les transcriptions d'authentiques conversations ayant eu lieu entre le tueur en série américain Ted Bundy et l'agent spécial du FBI Bill Hagmaier. No Man of God d'Amber Sealey mettait déjà en lumière l'humanité d'un homme considéré alors de monstrueux après qu'il ait été reconnu coupable de plusieurs dizaines de meurtres. Alors, que penser d'un individu qui participa à l'élaboration d'un schéma visant à exterminer plusieurs millions de personnes ? Sur ce point, Nuremberg parvient à rendre ''attachant'' un personnage ô combien monstrueux lui aussi. Mais dont l'arrogance est beaucoup moins prégnante à l'image qu'elle ne l'était du temps de son vivant. Le scénario de James Vanderbilt, lequel repose sur The Nazi and the Psychiatrist de Jack El-Hai dans lequel l'écrivain revenait sur la relation entre le nazi et le psychiatre, explore effectivement la part d'humanité chez un Hermann Göring formidablement interprété par Russell Crowe et questionné par un Douglas Kelley lui aussi parfaitement incarné par Rami Malek même si ses différents ''tics'' faciaux dont il est affublé donnent la sensation qu'il n'a toujours pas intégré l'idée qu'il s'est enfin débarrassé des prothèses dentaires qu'il portait sur le tournage de Bohemian Rhapsody ! Qu'il s'agisse des alliés ou des nazis, chaque acteur est à sa place et gère parfaitement ses responsabilités. Notons malgré tout que parmi eux se dégage la courte mais néanmoins très émouvante présence de l'acteur britannique Leo Woodall qui dans le rôle du sergent Howie Triest apportera notamment sur un quai de gare et auprès de Douglas Kelley, un très émouvant témoignage. Belle reconstitution, mise en scène honorable bien que très conventionnelle, et musique passe-partout signée de Brian Tyler mais qui se fond parfaitement dans le décor. Bref, pas un chef-d’œuvre et sans doute encore moins le témoignage le plus bouleversant s'agissant de cette période sombre de notre histoire (en dehors du court et authentique document projeté lors du procès et ici ''imposé'' aux spectateurs dans toute son atrocité) mais une intéressante expérience de cinéma tout de même...

 

Assault de Sidney Hayers (1970) - ★★★★★★☆☆☆☆

 

 

Retour dans le passé avec Assault du réalisateur et monteur britannique Sidney Hayers qui huit ans plus tôt avait réalisé le film d'horreur Burn Witch Burn en 1962. Nous sommes en 1970 et l'auteur de nombreux épisodes de séries télévisées parmi lesquelles beaucoup sont devenues populaires en France, Sidney Hayers signe avec Assault un giallo à l'anglaise, genre pourtant propre au cinéma italien et qui côtoie ici le slasher avec son tueur dont l'identification parviendra aux enquêteurs ainsi qu'aux spectateurs sur le tard. Afin d’asseoir objectivement et sans ambiguïté le film dans le genre giallo, le cinéaste intègre au casting l'actrice originaire de Belper dans le Derbyshire, Suzy Kendall. Interprète entre autre de L'oiseau au plumage de cristal (L'Uccello dalle Piume di Cristallo) de Dario Argento la même année où elle incarnait l'un des rôles principaux à travers le personnage de Giulia ou de Torso (I Corpi Presentano Tracce di Violenza Carnale) de Sergio Martino dans lequel elle allait interpréter trois ans plus tard celui de l'étudiante Jane, Suzy Kendall apparaît désormais sous les traits de la professeur d'art Julie West. Donnant des cours dans une école pour jeunes filles, l'une de ses élèves prénommée Tessa (la chanteuse et actrice Lesley-Anne Down) est agressée à la sortie, à l'issue de la journée, sur le chemin censé la mener chez elle. C'est en prenant un raccourci à travers les bois que l'adolescente est effectivement attaquée par un inconnu aux mains gantées de noir (référence direct au giallo) qui l'agresse sexuellement avant de l'abandonner, toujours bien vivante, mais traumatisée. Mutique, la jeune fille est alors transférée dans les services psychiatriques du Docteur Bartell (Anthony Ainley) et confiée aux bons soins de son collègue le Docteur Greg Lomax (James Laurenson). Tandis que ce dernier tente d'aider Tessa à retrouver la parole, le surintendant en chef Velyan (Frank Finlay) mène l'enquête afin de mettre la main sur le violeur. Entre-temps, ce dernier a fait une seconde victime, toujours issue de l'école d'art, mais qui cette fois-ci est retrouvée morte après avoir été étranglée. Après que Julie et plusieurs de ses élèves se soient rendues en forêt afin de retrouver l'adolescente qui plus tôt ne donnait plus signe de vie, la professeur d'art découvre à l'arrière-plan de sa voiture l'assassin penché sur son élève. Devenue témoin du meurtre, la jeune femme décide d'aider la police à retrouver l'assassin. Une collaboration à laquelle apportera en outre son soutien le Docteur Lomax...

Comme souvent dans ce genre de production et à cette époque, Meurtre à haute tension Assault (titre français du long-métrage) charrie son lot de personnages ambigus. Et parmi eux, Leslie Sanford, responsable de l'intendance de l'école d'art et accessoirement l'époux de Miss Sanford (Dilys Hamlett), directrice de l'établissement avec laquelle ils forment un duo typique des gialli italiens transposé ici en Angleterre. Incarné par un Tony Beckley fièvreux, inquiétant et reluquant de manière répugnante les jeunes élèves en uniforme, l'homme semble de toute évidence attiré par ces jeunes et jolies adolescentes vétues de jupes courtes sur lesquelles il ne peut s'empêcher de jeter des regards insistants. Mais à caricaturer à ce point le personnage, tout porte en réalité à croire que l'on essaie de tromper le spectateur qui à force de tomber sur des oeuvres de ce types n'ont plus l'habitude de tomber dans le piège. La tentative, si tant est qu'elle puisse fonctionner durant quelques minutes, ne tarde pas à tomber à l'eau et c'est donc au tour d'autres protagonistes d'éveiller les soupçons. Tandis que la séquence suivant l'agression de Tessa est curieusement expédiée, l'on ne nous épargne rien des investigations menées sur la seconde victime. La scène de crime s'avère en effet plutôt réaliste même si le réalisateur a pris soin de couvrir les parties du corps les plus ''sensibles'' de la jeune actrice afin de ne pas heurter la sensibilité des spectateurs de l'époque. Tout le charme de l'Angleterre de ce début des années soixante-dix s'exprime à travers cette oeuvre qui malgré tout n'atteint jamais vraiment les qualités de ses homonymes transalpins. Comme dans tout bon ou mauvais Slasher/Giallo, l'on découvrira une fois de plus que l'assassin était l'un des moins suspects même si, ouais, là encore, le coupable (faisant partie de la poignée de protagonistes principaux) commence à avoir une curieuse attitude bien avant que le couperet tombe. Notons enfin la présence dans le rôle de l'imbuvable et beaucoup trop entreprenant journaliste du récit de l'acteur anglais Freddie Jones, notamment connu pour son rôle de Sid Buckland dans Terreur sur le Britannic (Juggernaut) de Richard Lester ou celui de Bytes dans Elephant Man de David Lynch...

 

The Dunwich Horror de Daniel Haller (1971) - ★★★★★★★☆☆☆

 

 

Sorti sur les écrans au tout début des années soixante-dix, The Dunwich Horror met principalement en scène l'acteur américain Dean Stockwell, lequel incarne avec finesse et charisme le suppôt d'une incarnation du Mal dont on saisit mal les origines. Sauf qu'elle semble être au centre du fameux Necronomicon, ouvrage imaginaire créé par l'écrivain américain H.P.Lovecraft dans les années vingt et qui a servi à diverses occasions au cinéma (la trilogie originelle The Evil Dead de Sam Raimi demeurant sans doute LA référence en matière de ''démonologie'' et d'usage du dit ouvrage). S'il demeure un terme qui colle à la peau de l'écrivain, c'est bien ''l'indicible''. Cette chose qui ne peut être montrée ni décrite, au centre de nombreux ouvrages et d'adaptations sur grand écran, et dont The Dunwich Horror peut se targuer d'offrir l'une des plus remarquables définitions lors du meurtre de l'un des personnages féminins du récit. Grotesquement traduit chez nous sous le titre Horreur à volonté, le long-métrage de Daniel Haller est typique de cette vague de films d'épouvante fixant comme objectif de décrire tout ou partie de ce qui entoure la sorcellerie, le Diable et toutes les coutumes qui orbitent autour de ces deux sujets. Héritier démoniaque d'un arrière grand-père condamné au bûcher, rejeté par les habitants de Dunwich dont les croyances chrétiennes s'éloignent des siennes, Wilbur Watheley tente d'entrer en possession du Necronomicon qui dorénavant est exposé dans un musée et appartient au docteur Henry Armitage (l'acteur Ed Begley). Envoûtant littéralement la jeune Nancy Wagner (l'actrice Sandra Dee) qui accepte que Wilbur consulte un court instant le rarissime ouvrage, ce dernier est présenté au docteur qui lui reprend des mains avant de prendre congé. Alors que le jeune homme vient de manquer le bus qui était censé le ramener à Dunwich, Nancy lui propose de le ramener chez lui en voiture... Le personnage de Wilbur développe ici un stratagème visant à se servir de la jeune femme à des fins inquiétantes...

The Dunwich Horror est clairement l'ancêtre de Frayeurs de Lucio Fulci. Comme une préquelle au chef-d’œuvre macabre du réalisateur italien, lequel se rapporte d'ailleurs lui aussi à la nouvelle de H.P.Lovecraft...

Selon une légende propre aux Watheley et au Necronomicon, il existerait en effet une race antérieure à l'espèce humaine que des cérémonies et le sacrifice d'une jeune vierge permettrait de faire revenir dans notre monde. C'est donc autour de ce sujet que tourne le long-métrage de Daniel Haller qui plus qu'un film d'action est une œuvre d'incantations et de visions hallucinogènes typiques de l'époque. Dean Stockwell est véritablement habité par son personnage qu'il incarne avec la maniérisme et afféterie, scandant d'un ton suave et s'exprimant avec douceur, charmant une Nancy dont on ne sait jamais vraiment si le seule regard de Wilbur suffit à l'envoûter ou si les forces du mal entrent en action. Décoctions, rites sataniques, incantations sont au programme d'une œuvre qui impose un rythme lent aussi ensorcelant que peut l'être Dean Stockwell lui-même. Un individu qui malgré ses intentions finit par bizarrement devenir attachant, surtout face à la cruauté des habitants de Dunwich lorsque ceux-ci tentent de lui interdire d'enterrer son grand-père dans le cimetière de la ville ! On sent déjà pointer la conclusion de ce récit en forme d'hommage à toutes ces créatures du bestiaire fantastique qui terminent leur existence traqués, emprisonnés, puis menés au bûcher comme le furent leurs aînés. Bien qu'inspiré de la nouvelle L’Abomination de Dunwich (The Dunwich Horror) de H.P.Lovecraft, The Dunwich Horror prend parfois de grandes libertés. Ce qui par contre paraît tout à fait logique étant donné que le film fut tourné au tout début des années soixante-dix (soit, quarante et un an après la première parution de la nouvelle sur le territoire américain dans le magazine Weird Tales), c'est le côté hallucinogène de certaines séquences et notamment celles lors desquelles l'on découvre des scène de sabbats bariolées totalement psychédéliques. The Dunwich Horror est une excellente surprise, un peu lente, certes, mais Dean Stockwell absorbe littéralement l'attention du spectateur. À découvrir bien entendu en version originale, ne serait-ce que pour son interprète principal, donc, mais aussi pour cette séquence évoquée plus haut, laquelle fait intervenir l'indicible lors d'un climax absolument dément !

 

Passenger d'André Øvredal (2026) - ★★★★★★☆☆☆☆

 

 

Il y a une semaine très exactement est sorti dans les salles de cinéma le dernier long-métrage du réalisateur, scénariste et producteur norvégien André Øvredal. Auteur en 2010 de Troll Hunter, en 2016 de l'épatant The Jane Doe Identity ou en 2023 de The Last Voyage of the Demeter, il revient donc cette année avec Passenger. Encore un film d'horreur mais qui désormais se déroule à bord d'un camping-car appartenant à Tyler (Jacob Scipio). Fiancé à Maddie (Lou Llobell), l'homme la demande en mariage. Ce qu'accepte la jeune femme même si l'idée de changer complètement d'existence et de vivre désormais sur la route ne l'enchante guère. Un soir, alors qu'ils roulent sur un chemin peu fréquenté, ils sont dépassés par une voiture qui roule à vive allure avant de venir s'écraser contre un arbre. Préoccupé par le sort du conducteur, le couple s'arrête aux abords du lieu de l'accident. Tandis que Tyler tente d'aider Lucas (Miles Fowler) alors qu'il essaie de s'extraire de son véhicule, celui-ci est subitement attiré à l'intérieur de l'habitacle. L'airbag se déclenche subitement et le tue sur le coup. À l'extérieur, Maddie sent comme une présence inquiétante. Les urgences arrivent, Tyler explique aux sauveteurs ce qui vient de se produire et le couple reprend ensuite la route vers sa destination. Le lendemain, Tyler et Maddie découvrent sur le côté droit du camping-car une étrange marque de griffure... Voici donc comment débutent les effrayantes aventures de notre jeune couple d'amoureux qui sous l'impulsion de Tyler a donc prévu de vivre désormais à bord d'un camping-car entièrement aménagé. Passenger s'inscrit dans un genre horrifique très à la mode consistant à opposer les protagonistes à une légende urbaine. Sujet très contemporain du cinéma d'horreur et d'épouvante, Maddie et Tyler sont donc confrontés à un boogeyman relativement charismatique incarné à l'écran par l'acteur Joseph Lopez. Visage blafard et marqué par la vieillesse, celui-ci se présente sous différentes formes. Celle, tout à fait concrète d'un homme présent au détour de petits chemins de travers, sous celle d'un ectoplasme, lorsque interviennent des phénomènes paranormaux, et parvenant même à se dissimuler sous les traits de Tyler lorsque l'impose sa situation de traqueur nocturne. Ici, la poursuite de Maddie et Tyler s'explique à travers une légende exprimant l'idée selon laquelle il ne faut jamais s'arrêter sur une route de nuit. Une observation faite par Diana Marsh (Melissa Leo), femme d'âge mûr appartenant à la même communauté d'individus ayant choisi de vivre en marge de la société que va tout d'abord rencontrer Maddie lors d'un festival...

L'on comprend alors que le couple n'est pas le premier à être victime de cette traque qui généralement se termine par la disparition des victimes. À sa façon très particulière et convoquant donc le fantastique, Passenger traite de ces milliers d'américains qui chaque année disparaissent sans jamais donner de nouvelles. Cherchant absolument à créer la peur chez le spectateur, André Øvredal emploie des techniques souvent éprouvées, voire même éculées comme peuvent l'être les Jumpscares. Un procédé de moins en moins efficace à force d'être utilisé dans la plupart des films d'horreur. Le montage parfois brutal et même inconsidéré de Martin Bernfeld donne l'impression que certains plans manquent, réduisant ainsi l'impact de certaines séquences horrifiques en passant directement à autre chose d'une séquence à l'autre. Passenger est typique de ce genre de longs-métrages qui s'attardent moins sur l'horreur psychologique que sur une épouvante directement liée aux peurs enfantines (l'obscurité, l'inconnu, les croquemitaines). Et en ce cas là, il n'en ressort que de rares scènes véritablement angoissantes. On pense, lors de la séquence d'ouverture durant laquelle Lucas croise en chemin et à plusieurs reprises le ''Passager'', au fameux épisode de La quatrième dimension intitulé L'auto-stoppeur dans lequel l'héroïne croisait bien avant nos deux héros, toujours le même individu à des distances pourtant invraisemblables. Notons que Passenger contient malgré tout un passage vraiment réussi et qui témoigne du potentiel d'une œuvre qui malheureusement retombe très vite dans la routine et donc dans les travers d'un genre un peu trop encombré : la scène du parking durant laquelle André Øvredal a l'idée plutôt intelligente de réaliser un travelling circulaire autour de son actrice Lou Llobell. Laquelle a beau tenter de se rapprocher du camping-car (lieu de refuge théorique), mais qui chaque fois qu'elle s'en approche après lui avoir tourné le dos, constate qu'il s'est éloigné de plusieurs dizaines de mètres... Pour le reste, Passenger est un film d'horreur relativement anodin...

 

Obsession de Curry Barker (2026) - ★★★★★★★★☆☆

 

 

Auteur d'une dizaine de courts-métrages et d'un premier long format en 2024 avec Milk & Serial, le réalisateur, scénariste et acteur américain Curry Barker a signé en 2026 l'un des rares films d'horreur qui demeureront sans doute dans les mémoires des spectateurs pour de nombreuses années. Partant sur le postulat pourtant très routinier d'une femme ''maladivement'' amoureuse d'un homme, le sujet semble a priori être très proche de Fatal Attraction d'Adrian Lyne ou de Play Misty for Me de Clint Eastwood tout en plongeant ses protagonistes dans un contexte horrifico-fantastique commun à certains films d'épouvante convoquant l'intervention d'objets capables d'exaucer des vœux. Ici, rien de plus commun qu'un jeune homme timide et réservé, incapable d'avouer ses sentiments à celle qu'il aime. Lorsque sa collègue de travail et amie Nikki Freeman (Inde Navarrette) perd accidentellement son pendentif, Baron Bailey (Michael Johnston) se rend dans une petite boutique de vente de breloques afin de lui en offrir un autre en retour. Incapable de faire son choix, le jeune homme trouve dans un rayon du magasin un objet en saule qui selon l'emballage est capable d'exaucer un vœu. Le soir-même, Nikki, Baron ainsi que leurs amis Ian (Cooper Tomlinson) et Sarah (Megan Lawless) se rendent dans une boite de nuit. À la sortie, tandis que ces derniers décident de continuer la soirée, Baron propose à Nikki de la raccompagner chez elle. Au moment de la laisser devant sa porte et avant de rentrer chez lui, le jeune homme décide d'ouvrir l'emballage de l'objet qu'il a acheté plus tôt et demande que son amie l'aime plus que tout au monde... Démarrant comme la plupart des films d'horreur actuels visant généralement un public adolescent, Obsession est d'abord un thriller psychologique avant de plonger ses protagonistes dans l'épouvante et le fantastique. Le spectateur peut d'ailleurs aisément soupçonner d'être embarqué dans un récit bien différent de ce que pourrait laisser supposer le concept de base. Quelques phrases lancées tout sauf au hasard, comme lorsque Nikki demande à Baron si il ressent quelque chose pour elle avant qu'il n'ait exaucé son vœu ou lorsque Ian conseille à son meilleur d'appeler la jeune femme sous son ancien sobriquet, ''Nikki la dingue''... Ensuite, et sans forcément se vautrer plus qu'il n'en faut dans la ''culture'' du mouvement #MeToo dans lequel se complaisent certains artistes, Obsession évoque fatalement le sujet du consentement et du libre arbitre.

Une opinion que le cinéaste tord ici dans tous les sens pour obtenir un renversement des valeurs puisque la victime n'est plus tant cette jeune femme absolument magnifique et théoriquement inatteignable par Baron mais bien celui-ci, qui après que son vœu se soit exaucé va devenir la cible d'une Nikki totalement obsédée. Là où le génie du script s'inscrit avec une rare intensité, c'est dans le choix de Curry Barker de laisser une petite porte d'entrée à l'idée que Nikki puisse être réellement ''dingue'' et non pas sous l'emprise d'une malédiction qui voudrait qu'elle n'ait d'yeux que pour Baron. Le spectateur se retrouvant ainsi coincé pendant près d'une heure entre deux hypothèses. L'une, totalement fantaisiste et l'autre, relevant plus d'un cas clinique. En une heure et quarante-cinq minutes environ, le réalisateur parvient à éviter les ventres mous, à relancer l'intrigue, à multiplier les moments d'angoisse et de frayeur. Et pour cela, il convoque deux formidables interprètes. D'un côté, Michael Johnston, qui dans son costume trop grand d'amant victime de son propre désir de voir celle qu'il aime partager ce même amour va vivre un cauchemar, un calvaire qui en outre semble insoluble. Et de l'autre, Inde Navarrette, dans le rôle d'une jeune femme emprisonnée dans une passion amoureuse maladive sur laquelle elle n'a absolument aucun contrôle. Mais Obsession n'est pas qu'un simple film d'horreur psychologique puisque l'on peut éventuellement considérer l’œuvre de Curry Barker comme une histoire d'amour tragique, avec ses moments de tendresse, rares, il est vrai, et concentrés dans la première partie, mais aussi avec ses moment de tension extrême durant lesquels Inde Navarrette est absolument flippante. Les cadrages ayant ici une importance considérable, le jeu de l'actrice américaine est sublimé par des choix de cadres qui amplifient l'angoisse. L'on peut notamment citer la séquence du restaurant ou l'échange entre Baron et Ian dans le magasin, lorsque en arrière-plan et pourtant floutée, l'on devine Nikki, totalement immobile et concentrant exclusivement son regard sur Baron. Bref, s'il ne fallait aller voir qu'un seul film en ce mois de mai se terminant dans quelques jours, ce serait celui-ci, sans la moindre hésitation...

 

More Brains! A Return to the Living Dead de Bill Philputt (2011) - ★★★★★★★★☆☆

 

 

Lorsque l'on a grandit dans les années quatre-vingt et que l'on a toujours apprécié le cinéma quel que soit le genre abordé sur grand écran, comme pour n'importe quelle autre génération, il est des films qui nous marquent durablement. Je pourrais en citer des dizaines, des centaines même, mais parmi la pléthore de long-métrages à avoir vu le jour sur grand écran à cette époque, les premiers qui me viennent à l'esprit sont The Breakfast Club de John Hugues, Predator de John McTiernan, Terminator de James Cameron, Re-animator de Stuart Gordon, Ghostbusters d'Ivan Reitman, The Hidden de Jack Sholder, A Nightmare On Elm Street 3: Dream Warriors ainsi que The Blob tous deux réalisés par Chuck Russel, Day of the Dead de George Romero, Class of Nuke 'Em High de Lloyd Kaufman et Richard W. Haines ou encore Retour vers le futur de Robert Zemeckis. Et c'est sans compter tous ceux qui m'échappèrent et que je ne découvris que sur le tard, en VHS ou en DVD ! Parmi les innombrables longs-métrages qui ont nourrit ma passion pour le septième art, beaucoup de films d'horreur, de science-fiction ou fantastiques. Et encore parmi eux, l'un des meilleurs films de zombies toutes époques confondues : The Return of the Living Dead sorti chez nous sous le titre Le retour des morts-vivants. Un classique, un film culte et, n'ayons pas peur des mots, un chef-d’œuvre du genre. Tandis que l'on ne sait plus trop à quelle date verra le jour la suite officielle et tardive du film de Dan O'Bannon désormais réalisée par Steve Wolsh et situant son action dix-huit mois après les événements du premier long-métrage d'une saga qui s'est étirée sur une période de vingt années environ, les vrais fans de l'original attendent certainement davantage cet obscure et étrange objet du désir qui se fait appeler Trash's Revenge: Return of The Living Dead Universe. Une œuvre censée avoir vu le jour sur grand écran et dans peu de salles aux États-Unis fin 2025 mais dont les infos tombent malheureusement au compte-goutte quant à une éventuelle sortie officielle dans son pays d'origine ainsi qu'à travers le monde...

C'est en tombant ces derniers jours tout à fait par hasard sur l'improbable série Z horrifico-sportive (!?!) Linnea Quigley's Horror Workout que l'envie d’enquêter sur l'existence éventuelle d'un documentaire consacré à The Return of the Living Dead m'a permis de mettre la main sur un véritable Graal. Une ''encyclopédie'' audiovisuelle entièrement consacrée à ce petit bijou mêlant avec tout le respect dû au genre, horreur et comédie. D'ailleurs, si le spectateur malavisé se refuse à toute compromission lorsqu'il s'agit d'évoquer ce mélange théoriquement improbable entre humour et épouvante, Dan O'Bannon, ses techniciens ainsi que ses interprètes eurent le bon goût de verser dans la comédie horrifique et non pas dans la simple parodie. Durant sa courte carrière de producteur, de réalisateur, d'acteur ou de scénariste, Bill Philputt n'a mis en scène que deux documentaires. Le premier, Stormtroopers of Death: Kill Yourself - The Movie se consacrait à la tournée américaine du groupe de métal Stormtroopers of Death. Après une absence de plus de dix ans, il réapparaissait en 2011 avec le documentaire More Brains! A Return to the Living Dead... Deux heures entièrement consacrées au film de Dan O'Bannon, aux différents artisans qui participèrent à sa conception ainsi qu'à ses interprètes bien évidemment... L'on entre ainsi dans les coulisses d'un tournage tourmenté, conduit par un cinéastes parfois inflexible mais auquel son équipe rend hommage (Dan O'Bannon étant effectivement décédé le 17 décembre 2009, soit deux ans avant la réalisation du documentaire !). Bourré d'anecdotes relatées par les concepteurs des effets-spéciaux de maquillages (dont William Stout), les producteurs, le scénariste original John A. Russo, le directeur de la photographie Paul Sammon et bien évidemment la quasi totalité des interprètes du long-métrage, l'absence de Dan O'Bannon n'est pourtant pas la seule à se faire ressentir. L'on apprend ainsi que l'acteur Mark Venturini est mort très jeune d'une leucémie...

Beau jeune homme de près de deux mètres, il incarnait dans le film le punk Suicide. Si Linnea Quigley (Trash), Thom Mathews (Freddy), Beverly Randolph (Tina), John Philbin (Chuck), Clu Galager (Burt Wilson), Don Calfa (Ernie Kaltenbrunner), James Karen (Frank) et les autres ont forcément pris plus ou moins de la bouteille, c'est avec la même vigueur et dans un même élan qu'ils retracent avec nous leur expérience sur le tournage. Notons que Miguel A. Núñez Jr. vécu durant un temps dans la rue. L'interprète de Spider (aux doux airs d'un Jeff Goldblum version black) avait la même année participé au tournage de Friday the 13th: A New Beginning (Vendredi 13, chapitre V : Une nouvelle terreur) de Danny Steinmann en incarnant le rôle de Demon..... More Brains! A Return to the Living Dead nous en apprend beaucoup sur les différentes étapes, entre la pré et la post production. Écriture du script, choix des acteurs, conception des effets-spéciaux, tournage, anecdotes (l'on apprend notamment que le choix du nom d'Ernie Kaltenbrunner pour le rôle du médecin légiste incarné par Don Calfa est directement liée au nazi autrichien de triste mémoire, Ernst Kaltenbrunner) et surtout, retour sur la totalité des scènes du film expliquées par les techniciens et les acteurs. Bref, un incunable...

 

Linnea Quigley's Horror Workout de Kenneth J. Hall (1990)

 

 

Je me souviens très bien de ces fiévreuses nuits lors desquelles je n'arrivais plus à dormir, totalement obsédé par le popotin de la Scream Queen Linnea Quigley. Fantasme de jeunesse, d'adolescence, qui prit le relais de Marilyn Jess dès 1985 lorsque je la découvrais pour la toute première fois en salle dans The Return of the Living Dead (Le retour des morts-vivants) de Dan O'Bannon, classique absolu et instantané du cinéma d'horreur. J'y allais éponger mes maigres économies sept jours d'affilées. Non pas seulement parce que l'actrice s'y dévêtait pour danser à poil sur une pierre tombale avec en fond sonore le Tonight de SSQ mais bien parce que le film est un savant et parfait mélange entre épouvante, gore et comédie. Rien à voir avec les différentes séquelles et surtout pas avec le très mauvais second opus réalisé trois ans plus tard par Ken Wiederhorn. Depuis l'existence des DVDs, c'est au moins trois ou quatre fois par an que je me replonge dans les méandres de ce tout petit bout d'Amérique coincé entre l'entrepôt de fournitures médicales d'Uneeda, la morgue d'Ernie Kaltenbrunner et son cimetière. Un film AVEC des punks mais SANS chiens et surtout, donc, Linnea Quigley, beauté juvénile au corps parfait dont le personnage de Trash fantasmait, selon ses propres mots de se faire dévorer par ''une bande de vieux mecs'' ! Notons qu'est toujours prévu Trash's Revenge: Return of The Living Dead Universe de Richard Driscoll, une ''suite'' tardive dans laquelle nous devrions, espérons-le, retrouver Linnea même si, forcément, l'ancienne ''Hurleuse'' du cinéma d'horreur américain a bien changée... Ancienne star du cinéma z, cette blonde craquante et très sexy interpréta des rôles dans des œuvres aux titres souvent improbables à l'image de Crepozoids et Sorority Babes in the Slimeball Bowl-O-Rama de DavidDeCocteau en 1987 et 1988 ou de Hollywood Chainsaw Hookers ou Scream Queen Hot Tub Party de Fred Olen Ray en 1988 et 1911... En 1990 sort un curieux projet signé du réalisateur, scénariste, producteur et concepteur d'effets-spéciaux américain Kenneth J. Hall. Après avoir tourné Evil Spawn en 1987 et Ghost Writer deux ans plus tard, le bonhomme se lance dans la réalisation d'un court film d'une heure environ entièrement consacré à Linnea Quigley. Autant dire que la testostérone risque de foutre un bazar monstre dans tout organisme propre à apprécier la plastique et la blondeur de la délicieuse Linnea ! D'autant plus que les festivités démarrent ici par une séance de deux minutes environs et lors desquelles notre vedette se lave le corps à l'aide d'un savon, la caméra de Kenneth J. Hall n'en perdant évidemment pas une miette...

Ensuite, pour nous rappeler aux bons souvenirs d'une carrière riche de très nombreuses (et savoureuses) séries z, Linnea évoque certaines de ses œuvres, parmi lesquelles celles citées plus haut. Quelques mises en bouche jouissives qui montraient déjà la forte implication de l'actrice, combattant alors contre des rats géants et même des démons, un peu à la manière des personnages du diptyque Dèmoni (Démon 1 & 2) réalisé par l'italien Lamberto Bava en 1985 et 1986 mais en plus... ''artisanal'' dirons-nous... Ensuite, et c'est le principal défaut tout en étant d'un intérêt certain pour ceux qui voudraient reluquer l'actrice sous toutes ses coutures, plus de la moitié des scènes sont consacrées à des séances d'aérobic. En effet, installée devant sa cheminée, Linnea Quigley fait de nombreux étirements, durant près de huit minutes. Un temps interminable ! Sauf qu'ensuite, elle sort faire une séance de footing à l'extérieur. L'occasion de croiser une bande de morts-vivants qui au passage de Linnea sortent de leur tombe pour la suivre jusque chez elle. Là, au bord de sa piscine, elle explique aux zombies qu'ils devraient faire du sport pour ne pas continuer à se ''défraîchir''. Et nous voilà repartis pour neuf minutes de sport dont le seul intérêt reste toujours la présence à l'image de Linnea et les maquillages des zombies qui pour la plupart sont plutôt réussis. Cette séquence mettant en scène des morts-vivants est décevante en ce sens où l'on était loin d'imaginer que Linnea Quigley's Horror Workout prendrait une telle tournure. Ensuite, Linnea convie quatre de ses amies à une soirée pyjama. Après quelques extraits de ses films projetés dans son salon, voilà qu'une fois encore l'on a droit à une séance d'aérobic longue de huit minutes. La dernière, fort heureusement. Et pour cause : le petit groupe va être plongé dans l'obscurité avant d'être attaqué par le Gipper (?), d'abord incarné à l'écran par Cleve Hall avant que Linnea ne refasse surface et dévoile qu'elle est en réalité le tueur de ce slasher de dixième catégorie se jouant des ridicules codes du genre comme par exemple, la division au compte-goutte du groupe. Ce qu'il faut retenir de Linnea Quigley's Horror Workout ? À vrai dire, pas grand chose si ce n'est la présence de Linnea Quigley auquel le film de Kenneth J. Hall rend hommage de la première à la dernière seconde. Bref, un indispensable pour tout fan de la Scream Queen et d'une inutilité crasse pour tous les autres...

 

Hannibal de Ridley Scott (2001) - ★★★★★☆☆☆☆☆

 

 

Au départ fut Red Dragon de Thomas Harris. Premier volet d'une tétralogie complétée en 1988 par The Silence of the Lambs, en 1999 par Hannibal et enfin en 2006 par Hannibal Rising. Chacun de ces ouvrages ayant eu les honneurs d'une adaptation sur grand écran. Le premier d'entre eux, logiquement, s'inspire en 1986 du roman séminal, même si le réalisateur et scénariste Michael Mann se voit imposé le titre Manhunter pour des raisons assez farfelues provenant du producteur Dino De Laurentiis qui un an plus tôt avait produit Year of the Dragon de Michael Cimino. Lequel ne rencontra pas le succès en salle puisque après avoir été budgété à hauteur de vingt-deux millions de dollars, il n'en rapporta que dix-huit sur le territoire américain. Exit donc Red Dragon. Le choix d'un nouveau titre s'impose donc aux yeux du producteur, tentant ainsi vainement de briser la malédiction puisque Manhunter ne rencontrera pas davantage le succès car pour un financement estimé à quinze millions de dollars, il n'en rapportera qu'un peu moins de neuf ! Pourtant, si l'on se réfère à l'avis général qui sous-entend très objectivement que le long-métrage de Michael Mann est un véritable chef-d’œuvre, il est sans doute fort à parier que le choix du producteur d'en changer le titre et ainsi de faire perdre conscience au public qu'il s'agissait bien d'une adaptation du roman Red Dragon de Thomas Harris est sans doute la raison principale de son échec au cinéma. Heureusement, le temps donnera raison à Michael Mann et à sa mise en scène glaciale faisant de Manhunter une œuvre à l'identité propre et à l'incarnation parfois inoubliable... Des qualités propres à Jonathan Demme qui quinze ans plus tard permet au personnage de Clarice Starling de faire sa toute première apparition au cinéma sous les traits de la magnifique et talentueuse Jodie Foster après être née sous la plume de Thomas Harris en 1988 dans le roman The Silence of the Lambs. Sorti chez nous sous le titre Le silence des agneaux, l'adaptation du roman devient presque instantanément un classique du genre. Un chef-d’œuvre aux multiples qualités qui remportera une flopée de récompenses à travers le monde. Et surtout, la découverte d'un binôme, de deux personnages fascinants (d'un côté, la stagiaire du FBI Clarice Starling et de l'autre, le tueur en série cannibale Hannibal Lecter) littéralement incarnés par Jodie Foster donc, mais aussi par Anthony Hopkins. Sans oublier la magistrale interprétation des acteurs secondaires parmi lesquels, bien évidemment, l'on ne peut oublier la présence de Ted Levine dans le rôle de James ''Buffalo Bill'' Gumb ou celle de Scott Glenn dans celui de Jack Crawford, le supérieur de Clarice........

Larvé par les pressions découlant du succès du long-métrage de Jonathan Demme, Thomas Harris finit par accepter d'écrire Hannibal en 1999 alors qu'il n'est même pas certain qu'à l'origine le romancier fut véritablement attiré à l'idée de poursuivre par écrit l'histoire de Clarice Starling et de Hannibal Lecter. Ceux qui parcoururent les pages de ce nouvel opus seront sans doute en mesure de répondre à certaines interrogations quant à l'intérêt ou non d'un tel exercice de réactualisation, mais s'agissant de son adaptation sur grand écran sous le titre Hannibal, il est un fait que le long-métrage de Ridley Scott ne parvient jamais à égaler, et donc encore moins à surpasser, le chef-d’œuvre de Jonathan Demme. Convoquant des raisons d'ordre purement calendaire qui prévoyaient que Jodie Foster devait réaliser son troisième long-métrage Flora Plum (projet qui tomba finalement à l'eau), l'actrice refuse de jouer dans cette suite de The Silence of the Lambs pour des raisons que l'on jugera objectivement comme étant relativement clairvoyantes. Car tout comme Jonathan Demme qui refuse lui aussi d'apparaître au générique de la future adaptation de Hannibal, Jodie Foster déteste le roman de Thomas Harris. Du moins émet-elle des réserves quand à la tournure que prend le récit, s'agissant de la personnalité de Clarice Starling qui entretient désormais très clairement une relation à distance, certes, mais très ambiguë avec le Docteur Hannibal Lecter ! Et c'est vrai. Difficile d'admettre que la Clarice Starling déterminée, certes, mais aussi sensible et fragile soit devenue une femme au tempérament beaucoup plus affirmé même si chronologiquement, les dix années qui ont passé expliquent qu'elle ait forgé une carapace autour d'elle. S'agissant du Docteur Lecter, celui-ci est toujours incarné par le talentueux Anthony Hopkins mais s'avère au fond, nettement moins fascinant qu'il ne le fut par le passé. Un problème sans doute relatif à sa présence beaucoup plus importante que dans The Silence of the Lambs.

Un personnage qui se caractérisait à l'époque par sa grande intelligence et par une violence intériorisée qui malheureusement est un peu trop exposée à l'écran dans cette préquelle qui offre une part beaucoup plus importante aux scènes sanglantes alors que dans le précédent opus, celles-ci savaient se faire suffisamment discrètes pour avoir un réel impact lorsque subitement, elles surgissaient à l'écran. Le roman, et donc son adaptation, multiplie les interventions extérieures. À l'image de Mason Verger ancienne et seule victime à avoir survécu à Hannibal Lecter. Incarné en outre par un Gary Oldman méconnaissable puisque dissimulé sous un maquillage fort impressionnant. Ou à celle de l'inspecteur Rinaldo Pazzi (Giancarlo Giannini), lequel enquête de son côté sur le célèbre tueur en série dans une Florence curieusement photographiée par un John Mathieson qui sembla croire que Ridley Scott tourna là un gigantesque clip vidéo de plus de cent-vingt minutes. De plus, Hans Zimmer a beau être souvent glorifié comme étant l'un des plus grands compositeurs de musiques de films de son époque, ses compositions sont très largement en deçà de celles, magnifiques et bouleversantes de Howard Shore qui pour The Silence of the Lambs signa une partition très chargée d'un point de vue émotionnel. Mais bon, pour être tout à fait honnête, si j'évoque un dernier ''détail'' en fin d'article, c'est parce qu'il est propre à ce que je ressens et manque donc peut-être d'objectivité. Car oui, pour moi, le principal problème avec Hannibal, ça n'est pas tant que le film se traîne en longueur ou que le charme n'agit plus que la présence à l'image de l'actrice Julianne Moore dans le rôle de Clarice Starling. Avoir remplacé Jodie Foster par cette actrice pourtant talentueuse m'a fait le même effet que Muriel Robin remplaçant Valérie Lemercier dans Les Couloirs du temps : Les Visiteurs 2. Ridley Scott ayant ainsi définitivement rompu le charme... Bref, plus qu'une suite, le réalisateur américain semble avoir signé un tout autre film, qui n'entre absolument pas dans la mythologie du Docteur Hannibal Lecter ou qui, en tout cas, préfère s'extraire de son contexte esthétique et artistique d'origine pour en faire une œuvre personnelle.....