Saguine de Marion Le Corroller (2026) - ★★★☆☆☆☆☆☆☆

 

 

Maintenant que Julia Ducournau est parvenue à irriguer au sein du festival de Cannes 2021 l'intérêt du jury qui lui a offert les portes de la consécration avec le navrant Titane tout en étant boudée lors du palmarès final en 2025 avec son troisième long-métrage Alpha et maintenant que Coralie Fargeat s'est vue remettre de nombreux prix avec le surestimé The Substance en 2024, la France est devenue la nouvelle terre d'accueil d'un genre qui voit fleurir les ersatz comme autant de dermatoses atteignant la nouvelle génération éprise d'altérations psychologiques, de mouvements compulsifs et de modifications corporelles. Si l'on doit véritablement dresser le tableau de ce genre qui chez nous semble faire actuellement florès, il n'est sans doute pas idiot ni présomptueux de penser que tout aurait dû prendre fin après la sortie de Grave il y a dix ans. Une œuvre déjà signée de Julia Ducournau qui en fausse réalisatrice prometteuse fut sans doute davantage atteinte à l'époque par ce que l'on nomme communément la ''chance du débutant'' que l'auteur d'un premier éclair de génie évidemment démenti avec la suite de ses travaux ! Voilà qu'aujourd'hui certains aimeraient pouvoir compter sur la présence d'une troisième fauteuse de trouble elle aussi d'origine française dont on ne savait pas grand chose avant qu'elle fasse parler d'elle avec son second long-métrage intitulé Sanguine. La seule vraie bonne idée étant sans doute d'avoir eu le culot d'embaucher l'actrice Karin Viard et envisager de faire d'elle la responsable très autoritaire du service des urgences d'un hôpital exerçant sur son personnel une pression qui frise parfois le sadisme. En ouverture, la réalisatrice signe une séquence convenue aux atours empruntés au cinéma outre-atlantique et mettant au point ce qui deviendra l'un des sujets centraux du récit dont elle a conçu le script en collaboration avec le scénariste Thomas Pujol. À savoir que les zommers issus de la génération Z ne sont encore et toujours pas prêts à subir les pressions du monde du travail. Par ce message, la jeune Marion Le Corroller aurait-elle eu l'intention d'organiser la révolte qu'elle aurait eu tout faux. Sous ses allures de série télévisée humoristique dénuée de tout ressort comique mais empli d'un cahier des charges sanguinolent gavé jusqu'à l'implosion, Sanguine fait peine à voir tout en satisfaisant évidemment la lubie de celles et ceux qui veulent, désirent et convoitent passionnément l'idée d'un cinéma français hors cadre, jusqu'auboutiste et irrévérencieux...

La mise en scène de Marion Le Corroller peut faire penser à ces musiciens en herbe qui tentent de reproduire à la guitare le talent des légendaires Jimi Hendrix, Eddie Van Halen ou Eric Clapton sans avoir une once de talent pour cet instrument. Alors, comme eux, la jeune réalisatrice s'inspire des connaissances qu'elle a probablement acquises en tant que spectatrice ayant dans ses bagages des sources inépuisables de films d'horreur sans jamais pouvoir atteindre la force d'évocation ou la puissance émotionnelle d'aucun d'entre eux. Traitant ainsi de la souffrance de ses personnages et en l'occurrence celle de l'héroïne Margot Loiseau (Mara Taquin) en symptômes physiques dégénératifs monstrueux. Des Effets-spéciaux qui relèvent d'un procédé prosthétique qui là encore faillit face à la concurrence et notamment face aux visions cauchemardesques d'un certain David Cronenberg qui su des décennies en arrière et avec infiniment plus de brio retranscrire à l'écran des organismes en pleine mutation devenant le reflet de souffrances beaucoup plus intimes (Chromosome 3, La mouche ou encore Faux-semblants)... Le scénario ne servant plus ici que de prétexte à des scènes de Body Horror plus foireuses et répétitives les unes que les autres. Tourné entre un ancien campus désaffecté situé dans les Yvelines et le village audiovisuel studio Kremlin à Ivry-sur-Seine, le film respire tant et si bien le ''factice'' qu'il semble avoir été tourné dans les décors d'un Premiers Baisers ou d'un H qui auraient dégénéré pour devenir des sitcoms horrifiques ! Aucune émotion, aucune empathie pour les personnages, un acting valable mais une direction d'acteurs rudimentaire, le récit est en outre ruiné par une bande musicale électronique à tendance Acid Techno signée du français Robin Coudert qui logiquement est loin, très loin d'être aussi bouleversante que celle du compositeur Howard Shore dont la contribution au cinéma de David Cronenberg a toujours été fondamentale. Bref, Sanguine est très certainement l'une des pires propositions en matière de Body Horror. Sans saveur et en réalité bien moins percutant que ne l'a sans doute envisagé sa réalisatrice. Consternant !

 

Maléfique d'Eric Valette (2003) - ★★★★★★☆☆☆☆

 

 

Premier long-métrage du réalisateur et scénariste français Eric Valette, Maléfique fait partie de ces petites productions horrifiques hexagonales qui méritent amplement leur statut d’œuvres cultes. Un film qui ne ressemble à rien d'autre ou presque, bourré d'idées aussi farfelues que de faire interpréter à Clovis Cornillac le rôle de Marcus, étrange individu à la poitrine presque aussi impressionnante que celles de Samantha Fox et de Sabrina Salerno, deux chanteuses relativement plantureuses bien connues des amateurs d'euro-disco dans les années quatre-vingt et dont la célébrité fut tout d'abord redevable à leur énooOoorme paire de loches plutôt qu'à leur voix sans relief particulier ! Un film de prison à part donc puisque la totalité de l'intrigue en dehors d'une ou deux séquence se déroule à l'intérieur d'une cellule habitée par quatre individus. Marcus, donc, un culturiste dont le rêve est de devenir une femme, Lassalle (Philippe Laudenbach), un bibliothécaire condamné pour avoir assassinée sa femme, Pâquerette (Dimitri Rataud), un handicapé mental qui devrait en toute logique et assez rapidement taper sur les nerfs des spectateurs (au point que sa mort sera une véritable délivrance) ainsi que Carrère (Gérald Laroche), PDG d'une entreprise condamné à de la prison ferme pour détournement de fonds appartenant à sa propre boite. L'homme a pour seuls bagages quelques vêtements, une figurine Action Man que lui a confié jusqu'à sa sortie de prison son fils Hugo (Paul-Alexandre Bardela) et une photo les représentants ainsi que son épouse Claire (Félicia Massoni). L'entente entre les quatre hommes est presque cordiale et pourtant parfois très ambiguë s'agissant de la relation qu'entretiennent Marcus et Pâquerette. Les nuits sont calmes et à peine troublées par le passage de quelques cafards dont l'un va décrocher la photo que Carrère à planté au mur de son lit, dévoilant ainsi une cachette renfermant un très vieux manuscrit datant du début du siècle dernier. Sur une idée de François Cognard, les scénaristes Alexandre Charlot et Franck Magnier ont imaginé LEUR Necronomicon. Un très vieil ouvrage créé à l'origine par l'écrivain américain Howard Phillips Lovecraft pour son Mythe de Cthulhu et qui apparaît dès 1963 dans La malédiction d'Arkham de Roger Corman avant de devenir mondialement célèbre grâce à la saga Evil Dead. Un livre relié en peau humaine et écrit avec du sang qui durant la lecture d'incantations permet d'invoquer des démons connus sous le nom de Deadites...

Si Eric Valette et ses scénaristes n'évoquent pas directement le Necronomicon, l'hommage est pourtant flagrant. S'il ne porte pas de nom précis, l'on apprend pourtant qu'un certain Charles Danvers (Geoffrey Carey), un ancien prisonnier féru d'occultisme y avait inscrit des symboles cabalistiques ainsi que des formules magiques censées permettre à celui qui parvient à le décoder de s'évader. Une bonne partie du récit repose donc autour de ce bouquin poussiéreux qu'au moins deux des quatre prisonniers, les plus ''érudits'' d'entre tous, vont tenter de déchiffrer afin d'échapper à leur condition de prisonnier. Le problème demeure que le reste du temps, nos quatre protagonistes le passent à parler, beaucoup, voire trop. C'est qu'il faut bien combler les trous du scénario, lequel doit tout de même tenir sur une durée qui frise les quatre-vingt dix minutes. Ce qui peut sembler peu mais qui lorsque l'intrigue ne se déroule que dans une seule pièce, peut être un pari difficile à tenir ! Le bon sens aurait donc sans doute été de concevoir non pas un film d'une heure et trente minutes mais un moyen-métrage n'excédant pas les cinquante minutes environ. Histoire de débarrasser l'intrigue de cette pseudo caractérisation de personnages dont on se fiche royalement du sort. Il faut dire que ni Carrère, ni Marcus, ni Lassalle et sans doute encore moins l'insupportable Pâquerette ne se donnent la peine de se rendre attachants. En transsexuel, Clovis Cornillac apparaît vraiment trop louche pour être ne serait-ce qu'amusant un seul instant. Et encore moins lorsqu'il donne le sein à cette fiotte de Pâquerette qui passe son temps à chialer comme un enfant de trois ans. Au mieux l'on adhère à la philosophie de Lassalle même s'il a bûté sa femme mais certainement pas à celle de Carrère qui passe son temps à faire la grimace ! Murs gris, sales, décomposés, lits superposés, vue sur le ciel, caché derrière des barreaux et une fenêtre, tiens, que les prisonniers peuvent ouvrir à loisir. Le début du confort ! On appréciera par contre que les quatre protagonistes se perdent dans des théories fumeuses pour finalement se retrouver dans des situations qui les plongent au-delà de l'horreur carcérale et fantastique pour transformer l'aventure en film gore ! Notons l'intervention inattendue de Didier Bénureau dans le rôle de l'étrange Hyppolite Picus. Maléfique a remporté le prix du jury au festival de Gerardmer en 2003...

 

Clayface de James Watkins (2026) - ★★★★★★★☆☆☆

Matt Hagen (Tom Rhys Harries) est un jeune acteur de la scène montante hollywoodienne lorsqu'il est sauvagement agressé par le caïd Markos Szabo (David Dencik) et ses hommes pour avoir osé passer la nuit dans le même lit que Mia Torrez (Joana Ribeiro), l'épouse du truand. Défiguré à l'aide d'un scalpel, Matt intente ensuite un procès qu'il perd malheureusement devant l'absence de preuves et de témoins. Trahit par son agent Frank Fitzpatrick (Eddie Marsan) et par son ami d'enfance Corey Bowery (Joshua James), le jeune acteur est en outre victime de désinformation de la part des médias qui relèvent de fausses rumeurs sur son passé. Alors qu'il était pressenti pour obtenir un Oscar pour son dernier rôle au cinéma, défiguré, Matt part revivre dans sa ville natale jusqu'au jour où il apprend l'existence du docteur Caitlyn Corr (Naomi Ackie), laquelle travaille depuis longtemps sur une technologie réparatrice innovante à base de nanites permettant de réparer les tissus endommagés. Sans autorisations préalables permettant d'expérimenter cette technologie sur l'homme, Matt parvient malgré tout à convaincre la jeune femme de l'aider à retrouver un visage humain. Après avoir subit plusieurs injections, le résultat tient du miracle. En effet, toutes les séquelles physiques dues à son agression ont désormais disparues. Cependant, Caitlyn ne maîtrisant pas totalement la technologie qu'elle a mise au point, des effets secondaires se font rapidement ressentir. De retour chez la jeune femme, Matt s'injecte une très forte dose de produit dans le corps qui fait rapidement disparaître ces effets. En outre, le jeune homme découvre bientôt que ses cellules sont capables de s'auto-régénérer et mieux, qu'il est en mesure de modifier son apparence à volonté...

Sept années après que Todd Phillips ait proposé de remonter aux origines du plus grand adversaire de Batman personnifié par Arthur Fleck dans le film Jokeren 2019, voici qu'à son tour James Watkins nous convie à découvrir celles de Matt Hagen, plus connu sous le nom de Gueule d'argile en France et de Clayface aux États-Unis. L'une des spécificités de ce personnage créé en 1940 par l'auteur de comics américain Bob Kane est d'être apparu sous les traits de plusieurs antagonistes, Matt Hagen étant lui-même le second après Basil Karlo et avant Preston Payne, son fils Cassius, Claything, Ethan Bennett et même une version féminine en la personne de Sondra Fuller. Si Gueule d'argile est apparu pour la première fois sur grand écran en 2017 dans Lego Batman, le filmde Chris McKay sous les traits de Basil Karlo, la seconde version du personnage a vu le jour à son tour au cinéma cette année sous ceux de Matt Hagen. Interprété par le séduisant Tom Rhys Harries, l'homme est confronté à une Gotham City sombre et corrompue qui ressemble de très près à celle que l'on croise dans l'univers de Batman. Auteur du traumatisant Eden Lakeen 2008 ou du récent Speak no Evilen 2024, James Watkins met en scène un super-vilain appartenant à l'univers DC Comicstout en s'écartant de l'esprit ''super-héros'' en faisant le choix non pas d'opposer sa ''créature'' à son éternel ennemi Batman mais à ceux qui lui ont fait du tort et ont participé à sa vertigineuse descente aux enfers. Clayfacene doit donc pas se concevoir comme un énième film de super-héros de l'univers DC mais plutôt comme un drame. La lente dégradation physique et psychologique d'un jeune homme a qui tout réussi depuis qu'il est parvenu à s'extraire de sa condition précaire et qui voit son monde s'écrouler lorsqu'un truand le défigure pour avoir couché avec sa compagne. Clayfaceest aussi un pur film d'horreur de type Body Horror...

Un genre actuellement très prisé par les cinéastes puisque ces dernières années ont vu sa résurgence à travers de nombreuses œuvres telles que The Substancede Coralie Fargeat, Titane et Alpha de Julia Ducournau, Togetherde Michael Shanks, The Ugly Stepsisterd'Emilie Blichfeld, Possessorde Brandon Cronenberg, Bring her Backde Danny et Michael Philippou et bien d'autres encore qui s'enorgueillissent d'appartenir au genre. Ici, les effets-spéciaux réalisés à l'aide de CGI s'avèrent parfois saisissants et tranchent avec l'image idyllique du héros notamment apprécié pour sa grande beauté. Le film est porté par le duo Tom Rhys Harries/Naomi Ackie mais aussi par des personnages secondaires parfaitement campés. Écrit par Mike Flanagan (et par Hossein Amini) auquel l'on doit notamment la réalisation de The Mirroren 2013, Pas un bruiten 2016, Doctor Sleep en 2019, The Life of Chucken 2024 et prochainement de L'Exorciste : Martyrsainsi que de plusieurs séries télévisées dont The Hanting, La chute de la maison Usheret Carrie, le long-métrage de James Watkins emprunte cependant la même voie que l'immense La mouchede David Cronenberg sans jamais vraiment atteindre son intensité. Reste que Clayfacedemeure une œuvre très intéressante montrant la lente montée vers la criminalité d'un homme au départ au dessus de tout soupçon. Grâce ou à cause de sa fin ouverte, il n'est pas interdit d'imaginer une suite au long-métrage de James Watkins. Mais à considérer qu'une séquelle voit effectivement le jour dans les années qui viennent, espérons que le sort qui lui sera accordé ne sera pas le même que connu le personnage du Joker avec l'infâme Joker : Folie à deux...

Kraken de Mohamed Chabane et Théo Jourdain Rhodes (2026) - ★★★★★★☆☆☆☆

 

 

Alors que l'Amérique a décidé de donner cette année un visage humain au Jason Voorhees de la saga Vendredi 13 à travers la série Crystal Lake, en France, le slasher est à son tour entré par la petite porte d'une barre d'immeuble abandonnée depuis qu'à son sommet s'est déclaré un très grave incendie. C'est là-bas qu'un agent de sécurité et un policier en uniforme ont en outre récemment disparu. Alors qu'il vient tout juste de sortir de prison et qu'il a promis à sa petite amie Mélia (Manon Bresch) de changer de vie, Idriss (Alassane Diong) est sommé par le chef d'un réseau prénommé Mam's (le rappeur français Gazo, de son vrai nom Ibrahima Diakité) de monter dans la tour afin de découvrir ce qui la lie aux disparitions. Le jeune homme n'a pas vraiment le choix s'il veut pouvoir récupérer l'argent que lui doit Mam's et ainsi changer d'existence. Pourtant, celui-ci s'y refuse. En contrepartie, Ouss (Ulrich Zie) se propose de prendre sa place et se rend sur les lieux accompagné de Marvin (Bilel Chegrani), le frère de Mélia et jeune vidéaste amateur qui a bien l'intention de profiter du ''voyage'' pour filmer la tour de l'intérieure et ainsi faire un maximum de vues sur les réseaux sociaux. Lorsque Mélia apprend que son frère est entré dans la tour, elle et sa meilleure amie Layla (Lucie Charles-Alfred) décident de demander de l'aide à Idriss qui accepte alors avec les deux jeunes femmes d'entrer à leur tour dans l'immeuble abandonné... Jusqu'ici, rien que de très anodin pour une œuvre qui malgré un script aussi étriqué que la ficelle d'un string a comme avantage de proposer un environnement sonore et visuel plutôt remarquable. En ce sens ou la photographie de Raphaël Vandenbussche et la bande musicale mêlant rap et ambiances troubles apportent une indéniable patte au long-métrage de Mohamed Chabane et Théo Jourdain Rhodes. Deux réalisateurs qui n'en sont pas à leur premier coup d'essai puisque le premier a réalisé en solo quelques clips vidéos au profit du rappeur français Lomepal entre 2014 et 2017 tandis que le second a tourné en 2020 le court-métrage Mab an Tarz: fils de l'écume. Les deux hommes se rencontrent par la suite et tournent ensemble les séries ReuSSS et Young Millionaires ainsi que le court-métrage Else : Ocean avant de mettre en scène leur premier long-métrage en commun en 2026...

Kraken (à ne surtout pas confondre avec le film éponyme lui-même réalisé cette année par le cinéaste norvégien Pål Øie) porte le nom de l'antagoniste du récit qui plutôt que d'apparaître sous ses véritables traits à la toute fin du récit comme cela est généralement le cas dans ce type de film d'horreur de style Slasher devient très rapidement identifiable sous ceux d'un individu très gravement brûlé. Il n'en faut pas plus pour comprendre qu'au delà de la folie qui semble avoir pris le dessus sur la raison de cet homme dont nous découvrirons plus tard la raison pour laquelle il se met à tuer tous ceux qui se permettent d'approcher le sommet de la tour se cache en réalité un esprit de vengeance. D'ailleurs, malgré le caractère épouvantable de certaines situations qui devraient théoriquement empêcher les spectateurs d'éprouver la moindre empathie pour le tueur, il est difficile de ne pas comprendre les raisons de ses actes. En revanche, l'on pourra regretter que les auteurs du script, c'est à dire les deux réalisateurs ainsi que le scénariste Romain Protat aient opté pour leur antagoniste un apparat de flic qui voudrait ainsi confirmer la formule selon laquelle ''la police tue'' ! Ce qui n'a bien évidemment aucun rapport avec le contexte d'un récit où de toute manière même les ''héros'' n'ont jamais vraiment rien à se reprocher. Ambiance lourde, pesante et parfois angoissante, donc, Kraken demeure par contre plutôt avare en matière d'horreur et ce que certains considèrent comme d'authentiques moment gores n'ont sans doute du terme qu'une définition erronée. Alors oui, le long-métrage est violent mais côté hémoglobine, c'est souvent la sécheresse. Réduit à sa plus simple expression, le scénario vaut surtout pour l'évocation de l'incendie, lequel permet en outre de découvrir que derrière le ''masque de grand brûlé'' de l'antagoniste se cache le toujours excellent Guillaume Gouix. Au final, Kraken se regarde avec un réel plaisir mais demeurera malheureusement sans doute comme une première tentative signée du duo Mohamed Chabane et Théo Jourdain Rhodes vouée à l'oubli...

 

Les passagers de Serge Leroy (1977) - ★★★★★★★☆☆☆

 

 

En grand pourvoyeur de polars et autres thrillers à la française, le réalisateur et scénariste Serge Leroy signait en 1977 Les passagers avec Jean-Louis Trintignant aux commandes de sa voiture et dans le rôle d'Alex Moineau et Richard Constantini qui dans celui de son beau-fils Marc incarne le personnage de Marc, le fils de sa nouvelle épouse Nicole qu'interprète de son côté la superbe Mireille Darc. Tandis qu'Alex remonte à bord de son véhicule et en compagnie de Marc la route qui mène de Rome à la capitale française, une étrange camionnette entièrement noire les suit de près sur l'autoroute, disparaissant la nuit tombée lorsque l'homme et le garçon dorment à l'hôtel pour ensuite réapparaître derrière eux. Vu le déroulement de l'intrigue, on pense presque immédiatement au téléfilm culte de Steven Spielberg Duel que l'américain réalisa en 1971. Un long-métrage très anxiogène qui inspira étonnamment la même année, en 1977, deux œuvres dont les similitudes les rapprochent de ce que l'on appelle communément des films jumeaux. Du moins en partie puisque si dans L'enfer mécanique d'Elliot Silverstein le mystère reste quasiment total jusqu'à l'issue de l'intrigue, Serge Leroy et Jean-Pierre Vergne (en co-scénariste) ont la mauvaise idée de vendre l'identité de celui qui traque les deux principaux protagonistes après seulement dix minutes ! Autant dire que concernant le mystère qui entoure ce personnage et les origines de sa camionnette ne font pas long-feu... Sur un rythme relativement soporifique, Serge Leroy met en scène un road movie, entre l'Italie et la France. Une grande majorité du récit se déroule sur les autoroutes transalpines, entre bitume et chambres d'hôtel avec en point de mire celui qui poursuit pour on ne sait quel but au départ, Alex et Marc. Mais là encore, allez savoir pour quelle raison mais le cinéaste préfère livrer au spectateur un élément essentiel qu'il aurait mieux fait de garder pour lui tout au long de l'histoire. En effet, parce qu'il semble vouloir mettre rapidement en scène la toujours magnifique Mireille Darc, Serge Leroy ne fait aucun mystère du lien qui existe entre elle et..... Bernard Fresson qui dans la peau de Fabio apparaît donc comme son ancien amant. Un homme qui accepte mal que son ancienne compagne l'ait quitté pour un autre homme...

Les pièces du puzzle se mettent alors en place avec une certaine logique et le spectateur n'a plus qu'à constater le résultat sans avoir eu besoin de réfléchir à la question ne serait-ce qu'au-delà des dix ou quinze premières minutes. Si Jean-Louis Trintignant interprète un beau-père simple, doux, discret et très compréhensif vis à vis d'un Marc très en avance intellectuellement sur son âge, Bernard Fresson incarne quant à lui un individu plutôt inquiétant, totalement obsédé par Nicole, atteint de troubles psychiatriques qui le font commenter ses actes devant une Nicole qui pourtant est absente. Des séquences où apparaît justement Mireille Darc afin de figurer la folie qui s'est emprise de Fabio depuis qu'elle l'a quitté ! Car à la vérité, la jeune femme est au chaud, chez elle, à Paris et à attendre son fils et son mari tandis qu'eux, les pauvres, subissent un haut niveau de stress même s'ils éprouvent quelques difficultés à se l'avouer. Les passagers reste donc le Duel du pauvre, souffrant majoritairement d'une flagrante absence de rythme qui nuit souvent au récit. D'autant plus que le film se déroulant généralement à bord du véhicule conduit par Alex/Jean-Louis Trintignant, le récit ne peut même pas compter sur ses dialogues qui eux-mêmes s'avèrent souvent très banals. Pas de quoi frissonner même si en tueur (misogyne ?) disséminant ça et là les cadavres (dont deux motards de la police italienne) Bernard Fresson fait ce qu'il peut pour se rendre effrayant. Notons malgré tout une particularité intéressante s'agissant du scénario puisque il s'inspire en fait d'un roman écrit par l'un des plus grands auteurs d'épouvante et d'horreur de la littérature américaine, Dean Koontz qui sous le pseudonyme de K.R.Dwyer signa en 1973 le roman Shattered qui chez nous fut publié en 1977 sous le titre Les passagers...

 

Les Grands Prix du Festival international de Paris du film fantastique et de science-fiction (1973-1978)

Pour en arriver à créer le Festival international du film fantastique et de science-fiction de Paris, le jeune Alain Schlokoff a dû passer par diverses étapes afin de forger ce qui deviendra plus tard sa spécialité : le cinéma fantastique. Féru de fanzines américains, c’est à quatorze ans qu’il achète une machine à écrire afin de produire ses propres fanzines. Malheureusement pour lui, l’expérience démarre sous de bien mauvaises augures puisqu’en 1967, et alors qu’il a déjà conçu quelques fanzines, il a l’ambition d’en produire un beaucoup plus important. A tel point que dès le numéro deux, il décide de le faire imprimer. Alain Schlokoff perd cependant la propriété de Horizons du fantastique mais se relève très vite et fonde L’Ecran du fantastique, qui deviendra par la suite l’une des plus importantes références en matière de magasine consacré au cinéma fantastique. Mais le bonhomme ne s’arrête pas là. Alors qu’il termine son service militaire en 1972, il lance le premier projet d’un genre qui en influencera plus d’un : Le Festival international du film fantastique et de science-fiction de Paris. De 1973 à 1989, outre des prix d’interprétation, des prix pour les effets-spéciaux, de la Critique, ou encore pour le scénario, le Grand Grix remis chaque année à une œuvre fut La Licorne d’Or. 

Il y en avait pour tous les gouts et de toutes les qualités. En 1973, le tout premier film à recevoir cette récompense est Asylum de Roy Ward Baker (Les 7 Vampires d’Or). Un psychiatre, un jeune médecin qui aimerait intégrer un hopital psychiatrique, et quatre patients. Résultat, le gagnant est un film à sketches « visité » entre autre par Peter Cushing, Patrick McGee, Barry Morse ou bien Charlotte Rampling. L’année suivante, c’est l’excellent The Wicker Man (dont on a osé réaliser un remake il y a quelques années) qui remporte le grand prix. Signé par Robin Hardy, le film nous conte les mésaventures d’un policier fraîchement débarqué sur une étrange île où disparaissent de jeunes filles. Bientôt, le sergent découvre que les habitants des lieux se livrent à un curieux culte païen. Contraire à l’éthique du policier, ce dernier va tout faire pour démanteler cet étrange réseau auquel appartiennent même les mères de familles. Une erreur : le piège va se refermer sur lui. Un grand prix bien mérité puisque depuis, The Wicker Man est considéré comme l’un des meilleurs films britanniques. 1975. Les Insectes de Feu n’est ni un mauvais film, ni un chef-d’œuvre. C’est pourtant ce film qui remporte le précieux sésame cette année-là. Etrange récit que cette histoire de tremblement de terre qui libère des insectes possédant la faculté d’allumer des incendies. Des conséquences terribles dont va faire les frais une petite bourgade des États-Unis. 

En 1976, c’est une œuvre de science-fiction qui remporte le grand prix. Réalisé un an plus tôt par le cinéaste Paul Bartel,  La Course à la mort de l'an 2000 est une œuvre d’anticipation visionnaire qui critique férocement la société américaine et les dérives dans lesquelles elle aura tendance à plonger bien des années plus tard. Reality show fictif avant l’heure, le film explore un monde qui a perdu de sa superbe depuis un krach mondial survenu en 1979. Un seul homme est à la tête d’un parti unique. L’engouement du public n’est pas dirigé ici vers le football mais vers une curieuse course de voitures dans laquelle écraser des pétions est un paramètre essentiel si l’on veut gagner celle-ci. Sylvester Stallone et David Carradine sont les acteurs principaux de cette œuvre étonnante et finalement plutôt jouissive. L’environnement semble être au cœur des préoccupations du jury de 1977, puisque c’est le très « animal » The Food Of The Gods de Bert I. Gordon qui repart avec la Licorne d’Or. Des animaux qui grandissent grâce aux bienfaits d’une étrange substance. Voilà un étrange phénomène qui pourrait donner des idées à certains. Et c’est d’ailleurs ce qui se produit puisque les indigènes du coin vont vouloir exploiter ce précieux don des dieux. Mal leur en prendra puisqu’ils devront faire face à des créatures voraces et particulièrement agressives. L’année suivante, c’est Tobe Hooper qui repart avec le grand prix. L’homme qui a commis le plus grand film d’épouvante de tous les temps (excusez du peu) revient avec une autre histoire elle aussi inspirée de faits réels. Le Crocodile de la Mort, s’il n’est pas aussi puissant que son prédécesseur demeure néanmoins une œuvre efficace et surtout, l’une des meilleures de son auteur. Glauque à souhait et suintant la folie et la nécrophilie, Eaten Alive a pour lui d’être interprété par le génial Neville Brand. A noter que Tobe Hooper engage ici pour la seconde fois l’actrice (et scream girl) Marilyn Burns,  et que l’on y croise un « cow-boy » dont la tronche sera bientôt connue de tous les aficionados de Freddy Krueger, celle de Robert Englund…

Satsujinki wo Kau Onna de Hideo Nakata (2018) - ★★★★★★★☆☆☆

 

 

Lorsque l'on évoque le cinéma d'épouvante japonais contemporain, en général, les premiers noms qui viennent à l'esprit sont ceux de Takashi Shimizu, de Hideo Nakata ou de Shin'ya Tsukamoto. Le premier est resté fidèle au genre qui l'a rendu célèbre tandis que le troisième a parfaitement réussi ses divers passages par d'autres catégories que l'horreur et le fantastique. Parmi ses plus brillantes tentatives, nous citerons les très réussis Rokugatsu no Hebi (A Snake of June) en 2002, Nobi (Fires on the Plain) en 2014 mais aussi et surtout le formidable Kotoko en 2011. Quant à Hideo Nakata, s'agissant de sa capacité à sortir de sa zone de confort inscrite dans le marbre de la J-Horror versant dans l'occultisme et la chasse aux fantômes, l'homme a notamment signé en 2019 une œuvre qui sort des sentiers balisés d'une carrière relativement homogène. Satsujinki wo Kau Onna (traduisible sous le titre La femme qui abrite un tueur) traite du corps et de l'esprit chez une jeune femme atteinte de troubles dissociatifs de la personnalité depuis l'âge de dix ans. Depuis en fait qu'elle a poussé dans le vide celui qu'elle croyait être son père. Un homme qui pratiquait sur elle des actes sexuels contre nature d'ordre incestueux et pédophiles. C'est ainsi qu'au fil des années Kyôko (Asuka Rin) a non seulement développé une aversion totale pour les hommes mais aussi diverses personnalités dont Yukari (Airi Matsuyama), du prénom de sa propre mère incarnée quant à elle par Toshie Negishi et qui la protègent de toute tentative d'intrusion de la part de la gente masculine. Apte à faire la connaissance de son voisin, l'écrivain Fuyuki Tajima (Kenji Mizuhashi) dont elle est une fan assidue mais dont il manque le premier ouvrage devenu introuvable, Kyôko travaille comme employée d'un bar-restaurant... Ici, pas vraiment de fantômes en dehors de ce qui appartient aux mauvais démons de l'héroïne incapable d'entretenir la moindre relation avec les hommes. La personnalité de Kyôko se rapproche sensiblement de celle de la jeune manucure prénommée Carol du classique de Roman Polanski, Répulsion...

À la différence où notre jeune protagoniste semble bien fantasmer d'hypothétiques relations sexuelles qu'elle n'assumera cependant pas par elle-même mais en passant ainsi le relais à Yukari, sa personnalité la plus exubérante, extravertie et nymphomane. Représentation maternelle de celle qui l'éleva, Yukari, tout comme la mère de l'héroïne éprouve une véritable fascination pour le sexe que Hideo Nakata transpose d'ailleurs à l'écran à travers différentes séquences ouvertement érotiques. Entre relations sexuelles mixtes et saphisme, ces scènes expriment le dérèglement intellectuel de Kyôko, incapable de s'assumer en tant que femme et replongeant même dans sa propre enfance à travers l'une des trois autres personnalités qui prennent régulièrement sa place. L'approche de Satsujinki wo Kau Onna est également comparable au cinéma d'un autre grand auteur cette fois-ci d'origine polonaise, Andrzej Żuławski. Si Roman Polanski a toujours fait preuve d'une certaine pudeur, Andrzej Żuławski, lui, avait pour habitude de lâcher ses héroïnes dans des tornades d'émotions et de pulsion viscérales extrêmes. Ce que l'on retrouve donc chez Hideo Nakata, à travers quelques séquences relativement explicites bien que le film soit avant tout un drame véritablement poignant. Basé sur le roman éponyme de Kei Ohishi, Satsujinki wo Kau Onna surprend tout d'abord par sa maturité. Si l'on élude l'aspect voyeuriste des nombreuses scènes de sexe, Hideo Nakata fait par contre en revanche œuvre de sobriété dans la narration. Car bien que le sujet puisse confiner à l'absolue noirceur, avec ce titre qui indique à l'avance le point de non retour inévitable vers lequel l'héroïne tente à se laisser glisser, l'un des maîtres de la J-Horror ne se laisse pas abuser par l'envie de verser des tombereaux d'hémoglobine pour mieux rester sur le terrain du drame psychologique et partager ainsi avec le public une expérience émotionnellement intense. Ce qu'est véritablement Satsujinki wo Kau Onna. Une œuvre troublante et dérangeante qui assurément prouve que le cinéaste japonais est donc effectivement capable de dépasser les frontières de l'horreur pour aller tutoyer l'intimité de ses personnages. Une réussite...

 

Pandémie (Gamgi) de Kim Seong-su (2013) - ★★★★★☆☆☆☆☆

 

 

Si le film catastrophe est un genre en soit qui a donné lieu à de nombreuses œuvres cinématographiques plus ou moins réalistes ou absurdes, il demeure une sous catégorie qui a su exploiter la thématique de la pandémie pour flirter avec l'horreur et l'épouvante en transformant les victimes d'un virus en zombies, voire en infectés extrêmement agressifs envers leur concitoyens. Mais en 2013, le réalisateur sud-coréen Kim Seong-su est bien loin de ces considérations ''philosophiques'' qui généralement permettent de remettre les compteurs à zéro en éliminant la quasi totalité de l'espèce humaine pour permettre aux survivants de tout recommencer... ici, le récit est à l'échelle d'une ville d'environ cinq-cent mille habitants. Pas de monstres baveux terriblement belliqueux mais une cité très commune de Corée du sud qui va rencontrer un événement sans précédent qui pourrait bien avoir des répercussions sur le plan mondial si les responsables de la ville n'y mettent pas un terme le plus rapidement possible. Très vite, le réalisateur met en scène les frères Ju Byung-woo (Lee Sang-yeob) et Ju Byung-ki (Lee Hee-joon) lors d'une séquence constituant l'entrée sur le territoire non plus de migrants entassés dans un container dont un seul a survécu mais bien de ce mal invisible qui va rapidement se propager dans la ville de Bundang. Kim Seog-su nous présente ensuite Oh Ji-goo (Jang Hyuk), un sauveteur volontaire qui vient en aide à la jeune Kim In-hae (Soo Ae) qui travaille au centre de lutte contre la contagion de Bundang et qui après un accident de voiture se retrouve au fond d'un puits dont le sauveteur va l'extraire. Intervenant sur le terrain, l'Agence coréenne de contrôle et de prévention des maladies fait ensuite brûler le container et les cadavres qu'il renferme mais le virus a déjà commencé à se propager dans toute la cité. Administrateurs de la ville et politiciens minimisent la situation mais se retrouvent contraints de créer une zone de quarantaine pour les malades..... D'une durée ne dépassant les deux heures que d'une toute petite poignée de minutes, Pandémie (Gamgi) est typiquement le genre de spectacle auquel doivent s'attendre en général les amateurs de films catastrophes, qu'il s'agisse de productions américaines, asiatiques ou provenant de n'importe quel continent.....

Et ce qui aurait dû être une force pour une œuvre nous provenant donc de Corée du sud et qui aurait possiblement dû proposer quelques chose d'infiniment plus exotique que sur le territoire américain ne se révèle être en fait qu'une alternative dénuée de toute forme d'inspiration. En dehors, sans doute, de cette habitude très ''Corean-Touch'' qui n'est cependant pas propre au cinéma catastrophiste coréen mais qui consiste à injecter de l'humour à des situations qui ne s'y prêtent pas toujours. Car ici, aussi sérieux le sujet puisse-t-il être, le personnage incarné par l'acteur Jang Hyuk n'est pas de ceux auquels l'on aurait d'emblée penser confier la garde d'une petite gamine, fille de la jeune doctoresse Kim In-hae dont son sauveteur va rapidement tomber amoureux. Pourtant, le film démarrait sur la promesse d'un spectacle que l'on pouvait sans doute espérer plus proche d'un Contagion signé de Steven Soderbergh deux ans auparavant que de ces blockbusters bourrés d'une action ininterrompue renforcée par des visuels stupéfiants et une bande musicale tonitruante voire, assourdissante. Malheureusement, nous sommes parfois plus proches du spectacle généralement imposé par le nanardesque Roland Emmerich de la période 2012 ou Moofall que de celle de son brillant Le jour d'après... Sans être aussi bourrin, Kim Seong-su fait souvent preuve d'une finesse toute relative et va même pécher là où l'on aurait aimé qu'il exploite d'autres concepts plutôt que de nous assainer une bluette sans intérêt. Alors oui, certains visuels sont (plus ou moins) impressionnants mais pour le reste, le long-métrage demeure cependant très académique dans son fonctionnement. Quant au sentimentalisme avec lequel le cinéaste sud-coréen tente de nous toucher, l'effet y est inverse. Boursouflé par tant de sensiblerie, par ce rapport à l'autre dont on se fiche en réalité autant que de cet amour naissant entre deux formes de ''sauveurs de l'humanité'', Pandémie, malheureusement, s'englue tant et si bien dans des considérations extérieures qu'il finit par n'être plus qu'un film catastrophe très commun, fade et sans réelle saveur...