Passenger d'André Øvredal (2026) - ★★★★★★☆☆☆☆

 

 

Il y a une semaine très exactement est sorti dans les salles de cinéma le dernier long-métrage du réalisateur, scénariste et producteur norvégien André Øvredal. Auteur en 2010 de Troll Hunter, en 2016 de l'épatant The Jane Doe Identity ou en 2023 de The Last Voyage of the Demeter, il revient donc cette année avec Passenger. Encore un film d'horreur mais qui désormais se déroule à bord d'un camping-car appartenant à Tyler (Jacob Scipio). Fiancé à Maddie (Lou Llobell), l'homme la demande en mariage. Ce qu'accepte la jeune femme même si l'idée de changer complètement d'existence et de vivre désormais sur la route ne l'enchante guère. Un soir, alors qu'ils roulent sur un chemin peu fréquenté, ils sont dépassés par une voiture qui roule à vive allure avant de venir s'écraser contre un arbre. Préoccupé par le sort du conducteur, le couple s'arrête aux abords du lieu de l'accident. Tandis que Tyler tente d'aider Lucas (Miles Fowler) alors qu'il essaie de s'extraire de son véhicule, celui-ci est subitement attiré à l'intérieur de l'habitacle. L'airbag se déclenche subitement et le tue sur le coup. À l'extérieur, Maddie sent comme une présence inquiétante. Les urgences arrivent, Tyler explique aux sauveteurs ce qui vient de se produire et le couple reprend ensuite la route vers sa destination. Le lendemain, Tyler et Maddie découvrent sur le côté droit du camping-car une étrange marque de griffure... Voici donc comment débutent les effrayantes aventures de notre jeune couple d'amoureux qui sous l'impulsion de Tyler a donc prévu de vivre désormais à bord d'un camping-car entièrement aménagé. Passenger s'inscrit dans un genre horrifique très à la mode consistant à opposer les protagonistes à une légende urbaine. Sujet très contemporain du cinéma d'horreur et d'épouvante, Maddie et Tyler sont donc confrontés à un boogeyman relativement charismatique incarné à l'écran par l'acteur Joseph Lopez. Visage blafard et marqué par la vieillesse, celui-ci se présente sous différentes formes. Celle, tout à fait concrète d'un homme présent au détour de petits chemins de travers, sous celle d'un ectoplasme, lorsque interviennent des phénomènes paranormaux, et parvenant même à se dissimuler sous les traits de Tyler lorsque l'impose sa situation de traqueur nocturne. Ici, la poursuite de Maddie et Tyler s'explique à travers une légende exprimant l'idée selon laquelle il ne faut jamais s'arrêter sur une route de nuit. Une observation faite par Diana Marsh (Melissa Leo), femme d'âge mûr appartenant à la même communauté d'individus ayant choisi de vivre en marge de la société que va tout d'abord rencontrer Maddie lors d'un festival...

L'on comprend alors que le couple n'est pas le premier à être victime de cette traque qui généralement se termine par la disparition des victimes. À sa façon très particulière et convoquant donc le fantastique, Passenger traite de ces milliers d'américains qui chaque année disparaissent sans jamais donner de nouvelles. Cherchant absolument à créer la peur chez le spectateur, André Øvredal emploie des techniques souvent éprouvées, voire même éculées comme peuvent l'être les Jumpscares. Un procédé de moins en moins efficace à force d'être utilisé dans la plupart des films d'horreur. Le montage parfois brutal et même inconsidéré de Martin Bernfeld donne l'impression que certains plans manquent, réduisant ainsi l'impact de certaines séquences horrifiques en passant directement à autre chose d'une séquence à l'autre. Passenger est typique de ce genre de longs-métrages qui s'attardent moins sur l'horreur psychologique que sur une épouvante directement liée aux peurs enfantines (l'obscurité, l'inconnu, les croquemitaines). Et en ce cas là, il n'en ressort que de rares scènes véritablement angoissantes. On pense, lors de la séquence d'ouverture durant laquelle Lucas croise en chemin et à plusieurs reprises le ''Passager'', au fameux épisode de La quatrième dimension intitulé L'auto-stoppeur dans lequel l'héroïne croisait bien avant nos deux héros, toujours le même individu à des distances pourtant invraisemblables. Notons que Passenger contient malgré tout un passage vraiment réussi et qui témoigne du potentiel d'une œuvre qui malheureusement retombe très vite dans la routine et donc dans les travers d'un genre un peu trop encombré : la scène du parking durant laquelle André Øvredal a l'idée plutôt intelligente de réaliser un travelling circulaire autour de son actrice Lou Llobell. Laquelle a beau tenter de se rapprocher du camping-car (lieu de refuge théorique), mais qui chaque fois qu'elle s'en approche après lui avoir tourné le dos, constate qu'il s'est éloigné de plusieurs dizaines de mètres... Pour le reste, Passenger est un film d'horreur relativement anodin...

 

Obsession de Curry Barker (2026) - ★★★★★★★★☆☆

 

 

Auteur d'une dizaine de courts-métrages et d'un premier long format en 2024 avec Milk & Serial, le réalisateur, scénariste et acteur américain Curry Barker a signé en 2026 l'un des rares films d'horreur qui demeureront sans doute dans les mémoires des spectateurs pour de nombreuses années. Partant sur le postulat pourtant très routinier d'une femme ''maladivement'' amoureuse d'un homme, le sujet semble a priori être très proche de Fatal Attraction d'Adrian Lyne ou de Play Misty for Me de Clint Eastwood tout en plongeant ses protagonistes dans un contexte horrifico-fantastique commun à certains films d'épouvante convoquant l'intervention d'objets capables d'exaucer des vœux. Ici, rien de plus commun qu'un jeune homme timide et réservé, incapable d'avouer ses sentiments à celle qu'il aime. Lorsque sa collègue de travail et amie Nikki Freeman (Inde Navarrette) perd accidentellement son pendentif, Baron Bailey (Michael Johnston) se rend dans une petite boutique de vente de breloques afin de lui en offrir un autre en retour. Incapable de faire son choix, le jeune homme trouve dans un rayon du magasin un objet en saule qui selon l'emballage est capable d'exaucer un vœu. Le soir-même, Nikki, Baron ainsi que leurs amis Ian (Cooper Tomlinson) et Sarah (Megan Lawless) se rendent dans une boite de nuit. À la sortie, tandis que ces derniers décident de continuer la soirée, Baron propose à Nikki de la raccompagner chez elle. Au moment de la laisser devant sa porte et avant de rentrer chez lui, le jeune homme décide d'ouvrir l'emballage de l'objet qu'il a acheté plus tôt et demande que son amie l'aime plus que tout au monde... Démarrant comme la plupart des films d'horreur actuels visant généralement un public adolescent, Obsession est d'abord un thriller psychologique avant de plonger ses protagonistes dans l'épouvante et le fantastique. Le spectateur peut d'ailleurs aisément soupçonner d'être embarqué dans un récit bien différent de ce que pourrait laisser supposer le concept de base. Quelques phrases lancées tout sauf au hasard, comme lorsque Nikki demande à Baron si il ressent quelque chose pour elle avant qu'il n'ait exaucé son vœu ou lorsque Ian conseille à son meilleur d'appeler la jeune femme sous son ancien sobriquet, ''Nikki la dingue''... Ensuite, et sans forcément se vautrer plus qu'il n'en faut dans la ''culture'' du mouvement #MeToo dans lequel se complaisent certains artistes, Obsession évoque fatalement le sujet du consentement et du libre arbitre.

Une opinion que le cinéaste tord ici dans tous les sens pour obtenir un renversement des valeurs puisque la victime n'est plus tant cette jeune femme absolument magnifique et théoriquement inatteignable par Baron mais bien celui-ci, qui après que son vœu se soit exaucé va devenir la cible d'une Nikki totalement obsédée. Là où le génie du script s'inscrit avec une rare intensité, c'est dans le choix de Curry Barker de laisser une petite porte d'entrée à l'idée que Nikki puisse être réellement ''dingue'' et non pas sous l'emprise d'une malédiction qui voudrait qu'elle n'ait d'yeux que pour Baron. Le spectateur se retrouvant ainsi coincé pendant près d'une heure entre deux hypothèses. L'une, totalement fantaisiste et l'autre, relevant plus d'un cas clinique. En une heure et quarante-cinq minutes environ, le réalisateur parvient à éviter les ventres mous, à relancer l'intrigue, à multiplier les moments d'angoisse et de frayeur. Et pour cela, il convoque deux formidables interprètes. D'un côté, Michael Johnston, qui dans son costume trop grand d'amant victime de son propre désir de voir celle qu'il aime partager ce même amour va vivre un cauchemar, un calvaire qui en outre semble insoluble. Et de l'autre, Inde Navarrette, dans le rôle d'une jeune femme emprisonnée dans une passion amoureuse maladive sur laquelle elle n'a absolument aucun contrôle. Mais Obsession n'est pas qu'un simple film d'horreur psychologique puisque l'on peut éventuellement considérer l’œuvre de Curry Barker comme une histoire d'amour tragique, avec ses moments de tendresse, rares, il est vrai, et concentrés dans la première partie, mais aussi avec ses moment de tension extrême durant lesquels Inde Navarrette est absolument flippante. Les cadrages ayant ici une importance considérable, le jeu de l'actrice américaine est sublimé par des choix de cadres qui amplifient l'angoisse. L'on peut notamment citer la séquence du restaurant ou l'échange entre Baron et Ian dans le magasin, lorsque en arrière-plan et pourtant floutée, l'on devine Nikki, totalement immobile et concentrant exclusivement son regard sur Baron. Bref, s'il ne fallait aller voir qu'un seul film en ce mois de mai se terminant dans quelques jours, ce serait celui-ci, sans la moindre hésitation...

 

More Brains! A Return to the Living Dead de Bill Philputt (2011) - ★★★★★★★★☆☆

 

 

Lorsque l'on a grandit dans les années quatre-vingt et que l'on a toujours apprécié le cinéma quel que soit le genre abordé sur grand écran, comme pour n'importe quelle autre génération, il est des films qui nous marquent durablement. Je pourrais en citer des dizaines, des centaines même, mais parmi la pléthore de long-métrages à avoir vu le jour sur grand écran à cette époque, les premiers qui me viennent à l'esprit sont The Breakfast Club de John Hugues, Predator de John McTiernan, Terminator de James Cameron, Re-animator de Stuart Gordon, Ghostbusters d'Ivan Reitman, The Hidden de Jack Sholder, A Nightmare On Elm Street 3: Dream Warriors ainsi que The Blob tous deux réalisés par Chuck Russel, Day of the Dead de George Romero, Class of Nuke 'Em High de Lloyd Kaufman et Richard W. Haines ou encore Retour vers le futur de Robert Zemeckis. Et c'est sans compter tous ceux qui m'échappèrent et que je ne découvris que sur le tard, en VHS ou en DVD ! Parmi les innombrables longs-métrages qui ont nourrit ma passion pour le septième art, beaucoup de films d'horreur, de science-fiction ou fantastiques. Et encore parmi eux, l'un des meilleurs films de zombies toutes époques confondues : The Return of the Living Dead sorti chez nous sous le titre Le retour des morts-vivants. Un classique, un film culte et, n'ayons pas peur des mots, un chef-d’œuvre du genre. Tandis que l'on ne sait plus trop à quelle date verra le jour la suite officielle et tardive du film de Dan O'Bannon désormais réalisée par Steve Wolsh et situant son action dix-huit mois après les événements du premier long-métrage d'une saga qui s'est étirée sur une période de vingt années environ, les vrais fans de l'original attendent certainement davantage cet obscure et étrange objet du désir qui se fait appeler Trash's Revenge: Return of The Living Dead Universe. Une œuvre censée avoir vu le jour sur grand écran et dans peu de salles aux États-Unis fin 2025 mais dont les infos tombent malheureusement au compte-goutte quant à une éventuelle sortie officielle dans son pays d'origine ainsi qu'à travers le monde...

C'est en tombant ces derniers jours tout à fait par hasard sur l'improbable série Z horrifico-sportive (!?!) Linnea Quigley's Horror Workout que l'envie d’enquêter sur l'existence éventuelle d'un documentaire consacré à The Return of the Living Dead m'a permis de mettre la main sur un véritable Graal. Une ''encyclopédie'' audiovisuelle entièrement consacrée à ce petit bijou mêlant avec tout le respect dû au genre, horreur et comédie. D'ailleurs, si le spectateur malavisé se refuse à toute compromission lorsqu'il s'agit d'évoquer ce mélange théoriquement improbable entre humour et épouvante, Dan O'Bannon, ses techniciens ainsi que ses interprètes eurent le bon goût de verser dans la comédie horrifique et non pas dans la simple parodie. Durant sa courte carrière de producteur, de réalisateur, d'acteur ou de scénariste, Bill Philputt n'a mis en scène que deux documentaires. Le premier, Stormtroopers of Death: Kill Yourself - The Movie se consacrait à la tournée américaine du groupe de métal Stormtroopers of Death. Après une absence de plus de dix ans, il réapparaissait en 2011 avec le documentaire More Brains! A Return to the Living Dead... Deux heures entièrement consacrées au film de Dan O'Bannon, aux différents artisans qui participèrent à sa conception ainsi qu'à ses interprètes bien évidemment... L'on entre ainsi dans les coulisses d'un tournage tourmenté, conduit par un cinéastes parfois inflexible mais auquel son équipe rend hommage (Dan O'Bannon étant effectivement décédé le 17 décembre 2009, soit deux ans avant la réalisation du documentaire !). Bourré d'anecdotes relatées par les concepteurs des effets-spéciaux de maquillages (dont William Stout), les producteurs, le scénariste original John A. Russo, le directeur de la photographie Paul Sammon et bien évidemment la quasi totalité des interprètes du long-métrage, l'absence de Dan O'Bannon n'est pourtant pas la seule à se faire ressentir. L'on apprend ainsi que l'acteur Mark Venturini est mort très jeune d'une leucémie...

Beau jeune homme de près de deux mètres, il incarnait dans le film le punk Suicide. Si Linnea Quigley (Trash), Thom Mathews (Freddy), Beverly Randolph (Tina), John Philbin (Chuck), Clu Galager (Burt Wilson), Don Calfa (Ernie Kaltenbrunner), James Karen (Frank) et les autres ont forcément pris plus ou moins de la bouteille, c'est avec la même vigueur et dans un même élan qu'ils retracent avec nous leur expérience sur le tournage. Notons que Miguel A. Núñez Jr. vécu durant un temps dans la rue. L'interprète de Spider (aux doux airs d'un Jeff Goldblum version black) avait la même année participé au tournage de Friday the 13th: A New Beginning (Vendredi 13, chapitre V : Une nouvelle terreur) de Danny Steinmann en incarnant le rôle de Demon..... More Brains! A Return to the Living Dead nous en apprend beaucoup sur les différentes étapes, entre la pré et la post production. Écriture du script, choix des acteurs, conception des effets-spéciaux, tournage, anecdotes (l'on apprend notamment que le choix du nom d'Ernie Kaltenbrunner pour le rôle du médecin légiste incarné par Don Calfa est directement liée au nazi autrichien de triste mémoire, Ernst Kaltenbrunner) et surtout, retour sur la totalité des scènes du film expliquées par les techniciens et les acteurs. Bref, un incunable...

 

Linnea Quigley's Horror Workout de Kenneth J. Hall (1990)

 

 

Je me souviens très bien de ces fiévreuses nuits lors desquelles je n'arrivais plus à dormir, totalement obsédé par le popotin de la Scream Queen Linnea Quigley. Fantasme de jeunesse, d'adolescence, qui prit le relais de Marilyn Jess dès 1985 lorsque je la découvrais pour la toute première fois en salle dans The Return of the Living Dead (Le retour des morts-vivants) de Dan O'Bannon, classique absolu et instantané du cinéma d'horreur. J'y allais éponger mes maigres économies sept jours d'affilées. Non pas seulement parce que l'actrice s'y dévêtait pour danser à poil sur une pierre tombale avec en fond sonore le Tonight de SSQ mais bien parce que le film est un savant et parfait mélange entre épouvante, gore et comédie. Rien à voir avec les différentes séquelles et surtout pas avec le très mauvais second opus réalisé trois ans plus tard par Ken Wiederhorn. Depuis l'existence des DVDs, c'est au moins trois ou quatre fois par an que je me replonge dans les méandres de ce tout petit bout d'Amérique coincé entre l'entrepôt de fournitures médicales d'Uneeda, la morgue d'Ernie Kaltenbrunner et son cimetière. Un film AVEC des punks mais SANS chiens et surtout, donc, Linnea Quigley, beauté juvénile au corps parfait dont le personnage de Trash fantasmait, selon ses propres mots de se faire dévorer par ''une bande de vieux mecs'' ! Notons qu'est toujours prévu Trash's Revenge: Return of The Living Dead Universe de Richard Driscoll, une ''suite'' tardive dans laquelle nous devrions, espérons-le, retrouver Linnea même si, forcément, l'ancienne ''Hurleuse'' du cinéma d'horreur américain a bien changée... Ancienne star du cinéma z, cette blonde craquante et très sexy interpréta des rôles dans des œuvres aux titres souvent improbables à l'image de Crepozoids et Sorority Babes in the Slimeball Bowl-O-Rama de DavidDeCocteau en 1987 et 1988 ou de Hollywood Chainsaw Hookers ou Scream Queen Hot Tub Party de Fred Olen Ray en 1988 et 1911... En 1990 sort un curieux projet signé du réalisateur, scénariste, producteur et concepteur d'effets-spéciaux américain Kenneth J. Hall. Après avoir tourné Evil Spawn en 1987 et Ghost Writer deux ans plus tard, le bonhomme se lance dans la réalisation d'un court film d'une heure environ entièrement consacré à Linnea Quigley. Autant dire que la testostérone risque de foutre un bazar monstre dans tout organisme propre à apprécier la plastique et la blondeur de la délicieuse Linnea ! D'autant plus que les festivités démarrent ici par une séance de deux minutes environs et lors desquelles notre vedette se lave le corps à l'aide d'un savon, la caméra de Kenneth J. Hall n'en perdant évidemment pas une miette...

Ensuite, pour nous rappeler aux bons souvenirs d'une carrière riche de très nombreuses (et savoureuses) séries z, Linnea évoque certaines de ses œuvres, parmi lesquelles celles citées plus haut. Quelques mises en bouche jouissives qui montraient déjà la forte implication de l'actrice, combattant alors contre des rats géants et même des démons, un peu à la manière des personnages du diptyque Dèmoni (Démon 1 & 2) réalisé par l'italien Lamberto Bava en 1985 et 1986 mais en plus... ''artisanal'' dirons-nous... Ensuite, et c'est le principal défaut tout en étant d'un intérêt certain pour ceux qui voudraient reluquer l'actrice sous toutes ses coutures, plus de la moitié des scènes sont consacrées à des séances d'aérobic. En effet, installée devant sa cheminée, Linnea Quigley fait de nombreux étirements, durant près de huit minutes. Un temps interminable ! Sauf qu'ensuite, elle sort faire une séance de footing à l'extérieur. L'occasion de croiser une bande de morts-vivants qui au passage de Linnea sortent de leur tombe pour la suivre jusque chez elle. Là, au bord de sa piscine, elle explique aux zombies qu'ils devraient faire du sport pour ne pas continuer à se ''défraîchir''. Et nous voilà repartis pour neuf minutes de sport dont le seul intérêt reste toujours la présence à l'image de Linnea et les maquillages des zombies qui pour la plupart sont plutôt réussis. Cette séquence mettant en scène des morts-vivants est décevante en ce sens où l'on était loin d'imaginer que Linnea Quigley's Horror Workout prendrait une telle tournure. Ensuite, Linnea convie quatre de ses amies à une soirée pyjama. Après quelques extraits de ses films projetés dans son salon, voilà qu'une fois encore l'on a droit à une séance d'aérobic longue de huit minutes. La dernière, fort heureusement. Et pour cause : le petit groupe va être plongé dans l'obscurité avant d'être attaqué par le Gipper (?), d'abord incarné à l'écran par Cleve Hall avant que Linnea ne refasse surface et dévoile qu'elle est en réalité le tueur de ce slasher de dixième catégorie se jouant des ridicules codes du genre comme par exemple, la division au compte-goutte du groupe. Ce qu'il faut retenir de Linnea Quigley's Horror Workout ? À vrai dire, pas grand chose si ce n'est la présence de Linnea Quigley auquel le film de Kenneth J. Hall rend hommage de la première à la dernière seconde. Bref, un indispensable pour tout fan de la Scream Queen et d'une inutilité crasse pour tous les autres...

 

Hannibal de Ridley Scott (2001) - ★★★★★☆☆☆☆☆

 

 

Au départ fut Red Dragon de Thomas Harris. Premier volet d'une tétralogie complétée en 1988 par The Silence of the Lambs, en 1999 par Hannibal et enfin en 2006 par Hannibal Rising. Chacun de ces ouvrages ayant eu les honneurs d'une adaptation sur grand écran. Le premier d'entre eux, logiquement, s'inspire en 1986 du roman séminal, même si le réalisateur et scénariste Michael Mann se voit imposé le titre Manhunter pour des raisons assez farfelues provenant du producteur Dino De Laurentiis qui un an plus tôt avait produit Year of the Dragon de Michael Cimino. Lequel ne rencontra pas le succès en salle puisque après avoir été budgété à hauteur de vingt-deux millions de dollars, il n'en rapporta que dix-huit sur le territoire américain. Exit donc Red Dragon. Le choix d'un nouveau titre s'impose donc aux yeux du producteur, tentant ainsi vainement de briser la malédiction puisque Manhunter ne rencontrera pas davantage le succès car pour un financement estimé à quinze millions de dollars, il n'en rapportera qu'un peu moins de neuf ! Pourtant, si l'on se réfère à l'avis général qui sous-entend très objectivement que le long-métrage de Michael Mann est un véritable chef-d’œuvre, il est sans doute fort à parier que le choix du producteur d'en changer le titre et ainsi de faire perdre conscience au public qu'il s'agissait bien d'une adaptation du roman Red Dragon de Thomas Harris est sans doute la raison principale de son échec au cinéma. Heureusement, le temps donnera raison à Michael Mann et à sa mise en scène glaciale faisant de Manhunter une œuvre à l'identité propre et à l'incarnation parfois inoubliable... Des qualités propres à Jonathan Demme qui quinze ans plus tard permet au personnage de Clarice Starling de faire sa toute première apparition au cinéma sous les traits de la magnifique et talentueuse Jodie Foster après être née sous la plume de Thomas Harris en 1988 dans le roman The Silence of the Lambs. Sorti chez nous sous le titre Le silence des agneaux, l'adaptation du roman devient presque instantanément un classique du genre. Un chef-d’œuvre aux multiples qualités qui remportera une flopée de récompenses à travers le monde. Et surtout, la découverte d'un binôme, de deux personnages fascinants (d'un côté, la stagiaire du FBI Clarice Starling et de l'autre, le tueur en série cannibale Hannibal Lecter) littéralement incarnés par Jodie Foster donc, mais aussi par Anthony Hopkins. Sans oublier la magistrale interprétation des acteurs secondaires parmi lesquels, bien évidemment, l'on ne peut oublier la présence de Ted Levine dans le rôle de James ''Buffalo Bill'' Gumb ou celle de Scott Glenn dans celui de Jack Crawford, le supérieur de Clarice........

Larvé par les pressions découlant du succès du long-métrage de Jonathan Demme, Thomas Harris finit par accepter d'écrire Hannibal en 1999 alors qu'il n'est même pas certain qu'à l'origine le romancier fut véritablement attiré à l'idée de poursuivre par écrit l'histoire de Clarice Starling et de Hannibal Lecter. Ceux qui parcoururent les pages de ce nouvel opus seront sans doute en mesure de répondre à certaines interrogations quant à l'intérêt ou non d'un tel exercice de réactualisation, mais s'agissant de son adaptation sur grand écran sous le titre Hannibal, il est un fait que le long-métrage de Ridley Scott ne parvient jamais à égaler, et donc encore moins à surpasser, le chef-d’œuvre de Jonathan Demme. Convoquant des raisons d'ordre purement calendaire qui prévoyaient que Jodie Foster devait réaliser son troisième long-métrage Flora Plum (projet qui tomba finalement à l'eau), l'actrice refuse de jouer dans cette suite de The Silence of the Lambs pour des raisons que l'on jugera objectivement comme étant relativement clairvoyantes. Car tout comme Jonathan Demme qui refuse lui aussi d'apparaître au générique de la future adaptation de Hannibal, Jodie Foster déteste le roman de Thomas Harris. Du moins émet-elle des réserves quand à la tournure que prend le récit, s'agissant de la personnalité de Clarice Starling qui entretient désormais très clairement une relation à distance, certes, mais très ambiguë avec le Docteur Hannibal Lecter ! Et c'est vrai. Difficile d'admettre que la Clarice Starling déterminée, certes, mais aussi sensible et fragile soit devenue une femme au tempérament beaucoup plus affirmé même si chronologiquement, les dix années qui ont passé expliquent qu'elle ait forgé une carapace autour d'elle. S'agissant du Docteur Lecter, celui-ci est toujours incarné par le talentueux Anthony Hopkins mais s'avère au fond, nettement moins fascinant qu'il ne le fut par le passé. Un problème sans doute relatif à sa présence beaucoup plus importante que dans The Silence of the Lambs.

Un personnage qui se caractérisait à l'époque par sa grande intelligence et par une violence intériorisée qui malheureusement est un peu trop exposée à l'écran dans cette préquelle qui offre une part beaucoup plus importante aux scènes sanglantes alors que dans le précédent opus, celles-ci savaient se faire suffisamment discrètes pour avoir un réel impact lorsque subitement, elles surgissaient à l'écran. Le roman, et donc son adaptation, multiplie les interventions extérieures. À l'image de Mason Verger ancienne et seule victime à avoir survécu à Hannibal Lecter. Incarné en outre par un Gary Oldman méconnaissable puisque dissimulé sous un maquillage fort impressionnant. Ou à celle de l'inspecteur Rinaldo Pazzi (Giancarlo Giannini), lequel enquête de son côté sur le célèbre tueur en série dans une Florence curieusement photographiée par un John Mathieson qui sembla croire que Ridley Scott tourna là un gigantesque clip vidéo de plus de cent-vingt minutes. De plus, Hans Zimmer a beau être souvent glorifié comme étant l'un des plus grands compositeurs de musiques de films de son époque, ses compositions sont très largement en deçà de celles, magnifiques et bouleversantes de Howard Shore qui pour The Silence of the Lambs signa une partition très chargée d'un point de vue émotionnel. Mais bon, pour être tout à fait honnête, si j'évoque un dernier ''détail'' en fin d'article, c'est parce qu'il est propre à ce que je ressens et manque donc peut-être d'objectivité. Car oui, pour moi, le principal problème avec Hannibal, ça n'est pas tant que le film se traîne en longueur ou que le charme n'agit plus que la présence à l'image de l'actrice Julianne Moore dans le rôle de Clarice Starling. Avoir remplacé Jodie Foster par cette actrice pourtant talentueuse m'a fait le même effet que Muriel Robin remplaçant Valérie Lemercier dans Les Couloirs du temps : Les Visiteurs 2. Ridley Scott ayant ainsi définitivement rompu le charme... Bref, plus qu'une suite, le réalisateur américain semble avoir signé un tout autre film, qui n'entre absolument pas dans la mythologie du Docteur Hannibal Lecter ou qui, en tout cas, préfère s'extraire de son contexte esthétique et artistique d'origine pour en faire une œuvre personnelle.....

 

To Nisi Tis Amartias de Kostas Doukas (1973) - ★★★☆☆☆☆☆☆☆

 

 

C'est assez rare pour que ce détail mérite d'être souligné mais To Nisi Tis Amartias est d'origine grecque. Signé par un réalisateur et scénariste qui me semble-t-il demeure chez nous un parfait inconnu, le long-métrage n'est pas sans rappeler The Last House on the Left que réalisa l'américain Wes Craven en 1972 ou le plus tardif La Casa Sperduta Nel Parco que tourna de son côté l'italien Ruggero Deodato en 1980. S'agissant de To Nisi Tis Amartias (traduction : L'île du péché), renommé à l'internationale sous le titre Violent Rape (ou Viol violent en français), le film démarre un peu à la manière des Spécialistes de Patrice Leconte qui en 1985 mettait en scène Bernard Giraudeau et Gérard Lanvin dans les rôles Paul Brandon et Stéphane Carella. Deux criminels qui profitaient d'une minute d'inattention de la part du policier qui les surveillait pour s'enfuir dans les hauteurs des Gorges du Verdon. Liés par une paire de menottes. Douze ans plus tôt, Stamatis Biliris (Giorgos Stratigakis) et Stefanos Katsaounis (Petros Zarkadis) forment un duo de fugitifs qui après avoir échappé à la police sont également contraints de se supporter. Reliés eux aussi à une paire de menottes, ils parviennent cependant à s'en débarrasser assez rapidement. Kostas Doukas ne s'embarrassant d'ailleurs pas de la moindre explication concernant la méthode employée, l'on passe d'un plan où ses deux interprètes portent les menottes à un autre où ils sont libérés de leurs entraves ! Tandis que les flics s'activent dans la région pour mettre la main sur ces deux dangereux criminels, Stamatis et Stefanos tombent par hasard sur Aliki Kallergi (Lia Flessi), jeune femme sexy qui se baigne nue au bord d'un lac avant de rejoindre Dimitris (Yannis Petrakis), lequel fait l'amour à sa petite amie (l'actrice Lena Samiou). Celle-ci n'étant autre que la jeune sœur d'Aliki que cette dernière jalouse. Tandis que le couple a prévu de se marier, Aliki tente de convaincre Dimitris que c'est elle dont a besoin l'amant et non pas de sa sœur cadette. Devant ce spectacle ô combien affligeant d'une trentenaire s'agrippant à l'idée de mettre le compagnon de sa sœur dans son lit, nos deux fugitifs assistent à la scène, planqués derrière un rocher. Si Stefanos sent le désir bouillir dans ses veines, Stamatis est en revanche plus disposé à faire payer aux femmes l'humiliation que son ancienne épouse, qu'il a assassiné, lui a fait subir en raison de son impuissance à lui faire l'amour...

Projetant l'image de sa femme sur celle d'Aliki, il n'a plus qu'une idée en tête : lui faire subir le même sort... Tandis que To Nisi Tis Amartias a déjà démarré voilà plus de quarante minutes, un constat s'impose. Le film est pour l'instant d'un ennui sidéral. Et ce ne sont pas les quelques scènes de nudité auxquelles participent sans broncher Lena Samiou et surtout Lia Flessa qui vont changer grand chose. Aliki passe le plus clair de son temps les seins à l'air, provoquant Stamatis lorsque lui et Stefanos décident de séquestrer les deux jeunes femmes ainsi que Dimitris et quelques autres protagonistes... Ce changement de ton lors duquel les deux fugitifs se décident enfin à agir, c'est l'espoir enfin d'assister à autre chose qu'à cette espèce de carte postale méditerranéenne ponctuée de scènes de sexe peu aventureuses en terme d'acrobaties. Mais ne nous y trompons pas. Ça n'est pas parce que Kostas Doukas a enfin choisi de faire sortir le(s) loup(s) de la bergerie que To Nisi Tis Amartias va gagner en saveur, en volupté et, pourquoi pas, en violence. Celle-là même que promet le titre anglais. Un viol qui d'ailleurs tardera à venir puisque s'inscrivant dans une conclusion mortifère où Stamatis découvrira sur le tard qu'il est désormais capable d'avoir une érection avant d'être assassiné d'un coup de fusil tiré par sa victime, Aliki. Celle-là même qui aura passé toute la seconde partie du long-métrage à mettre les nerfs de l'un de ses deux ravisseurs à rude épreuve. Dire que To Nisi Tis Amartias n'a aucun intérêt est un euphémisme. Ou si peu. Car en dehors des quelques séquences où en mode nymphomane Aliki/Lia Flessa ôte avec empressement sa jupe, son soutien-gorge et sa culotte, il n'y a vraiment rien à attendre d'une œuvre où l'on a l'impression que les personnages attendent l'arrivée d'un train. Ou comme ici, celle d'un bateau qui n'arrivera jamais. Kostas Doukas tente bien d'instaurer un climat de tension entre les ravisseurs et leurs victimes et même entre les deux hommes (Stefanos tentant vainement de raisonner ce psychopathe de Stamatis) mais ça ne fonctionne jamais. To Nisi Tis Amartias fait surtout œuvre de curiosité de part ses origines et sa rareté. Pour le reste, le film du cinéaste grec est parfaitement dispensable...

 

Dark Places (Le manoir des fantasmes) de Don Sharp (1970) - ★★★★★★★☆☆☆

 

 

Dark Places ou Le manoir des fantasmes conserve le charme des productions britanniques fantastiques des années soixante-dix. L'on y retrouve d'ailleurs l'un des acteurs emblématiques du cinéma d'horreur et d'épouvante en la personne de Christopher Lee qui y incarne le rôle du Docteur Ian Mandeville qui sous des apparences de respectabilité s'avère n'être que l'avare prétendant d'un magot planqué dans une demeure délabrée dont va prendre possession un certain Edward Foster. Héritier d'une maison de campagne auparavant détenue par Andrew Marr, ce dernier est devenu fou après avoir tué ses deux enfants ainsi que son épouse Victoria (l'actrice Jean Marsh). Notons que l'un des enfants d'Andrew Marr, Jessica, est interprété par Jennifer Thanisch qui fut surtout connue pour avoir incarné entre 1978 et 1979 le rôle d'Annie dans l'adaptation télévisuelle du roman pour enfants Le club des Cinq de la romancière britannique Enid Blyton. Quant à Jane Birkin, après avoir rencontré Serge Gainsbourg quelques années auparavant sur le tournage de Slogan de Pierre Grimblat ou après être apparue dans la palme d'or du festival de Cannes 1967 Blow-Up de Michelangelo Antonioni, voici qu'elle interprétait dans Dark Places le rôle de l'amante d'Andrew Marr. Féminicide, infanticide, dédoublement de personnalité, appât du gain, il y a de quoi passer un très agréable moment devant ce long-métrage atypique mettant en scène un héritier qui peu à peu va s'immerger dans le passé de l'ancien propriétaire de la demeure tout en perdant la tête au fil du récit. Car en plus d'incarner le rôle d'Edward Foster, l'acteur Robert Hardy va également assurer celui d'Andrew Marr. Seule différence physique entre les deux personnages, la moustache que porte le second...

L'un comme l'autre souffrant de troubles psychiatriques, Edward ne va pas tarder à entendre des voix dans la demeure qu'il vient d'acquérir. Il va notamment faire connaissance avec la séduisante Sarah qui n'est autre que la sœur du docteur Ian Mandeville. Ces deux là partagent le projet commun de mettre la main sur l'argent caché dans la demeure. C'est donc la raison pour laquelle la jeune femme joue de ses charmes auprès d'Edward afin de le séduire et de découvrir où se trouve l'argent. L'actrice Joan Collins (la série Dynastie) interprète le rôle de Sarah. Jeune et très belle femme qui sait comment s'y prendre avec les hommes. On apprendra de la bouche de son frère et du notaire Prescott (l'acteur britannico-tchèque Herbert Lom) qu'elle est une femme facile. Une aptitude à se laisser convaincre de finir dans le lit des hommes qui, au mieux, est ici une qualité puisque convenant parfaitement à l'ambitieux projet dans lequel son frère et elle se sont lancés. Si Dark Places demeure tout d'abord timide en terme d'effets, le long-métrage nous laisse ensuite supposer que l'on est face à une œuvre fantastique placée sous le signe des esprits. Pourtant, le seul véritable que l'on y croisera n'aura bien entendu rien à voir avec une éventuelle apparition fantomatique mais plutôt celle d'un trouble psychiatrique se déclarant au contact de cette demeure et notamment d'un tableau à l'effigie d'Andrew Marr. Peu anxiogène, constitué d'une somme importante de flash-back qui confondent et entremêlent parfois passé et présent (le montage accentuant l'aspect schizophrénique du scénario de Don Sharp et de James Hannah Jr.), le film est tout de même nourri de quelques séquences intéressantes lors desquelles on constate la perte quasi totale de repères de la part d'un Edward Foster dont même l'apparence physique change au rythme des visions sonores qui l'assaillent. Notons également qu'aucun personnage ne semble véritablement avoir grâce aux yeux du réalisateur et scénariste. Pas tous pourris mais tout de même porteurs de certains gênes particulièrement disgracieux. Entre les fous et les escrocs, c'est la foire d'empoigne. Sympathique...

 

Deep Water de Renny Harlin (2026) - ★★★★★☆☆☆☆☆

 

 

Les requins mangeurs d'hommes sont de retour........... Enfin, pas vraiment puisqu'ils n'ont jamais cessé d'apparaître sur grand écran, les chaînes de télé et les sites de streaming. Rien qu'en 2025 l'on compte une petite dizaine de longs-métrages parmi lesquels l'excellent Dangerous Animals de l'australien Sean Byrne. Une très bonne surprise dans laquelle la présence de ces élasmobranches parfois très belliqueux envers l'espèce humaine n'est au fond qu'un prétexte pour nous présenter Tucker (l'acteur Jai Courtney), un tueur en série ayant comme spécificité de filmer ses victimes suspendues par un câble et au dessus de l'océan dans l'attente qu'un requin vienne les... ''grignoter'' ! Autre excellente surprise, l'américano-australien Thrash de Tommy Wirkola (auteur en outre de Dead Snow 1 & 2, Seven Sisters et de... Spermageddon!!!) dans lequel des requins s'en prenait aux rares survivants d'une petite ville côtière submergée après le passage d'un ouragan. Très sympathique proposition bien qu'un brin pompée sur le Crawl du français Alexandre Aja dans lequel les protagonistes étaient cette fois-ci les proies d'alligators... En attendant la sortie prochaine du huitième opus de la franchise Sharknado toujours réalisé par Anthony C. Ferrante et intitulé Sharknado Origins, penchons nous sur Deep Water de Renny Harlin (à ne pas confondre avec le film éponyme signé d'Adrian Lyne en 2022). S'il s'agit encore une fois d'un énième film d'horreur avec des requins, il est surtout l’œuvre d'un artisan de l'action, de l'horreur, de l'épouvante et du fantastique qui durant la première partie de sa carrière réalisa quelques films notables. Il fut en effet l'auteur de Prison et du Cauchemar de Freddy en 1988, de 58 minutes pour vivre en 1990 (la deuxième aventure de John McClane, héros de la franchise Die Hard), de Cliffhanger : Traque au sommet en 1993 et plus tard de L'exorciste : Au commencement en 2004 mais aussi d'un premier long-métrage mettant en scène des requins en 1999 avec Peur Bleue, lequel n'a évidemment rien à voir avec le film éponyme réalisé par Daniel Attias en 1985, lequel mettait en scène non pas des requins mais un loup-garou ! On l'aura compris, Renny Harlin n'est donc théoriquement pas un manche en la matière. Après avoir consacré ces dernières années sa carrière à la franchise The Strangers (ou Les intrus chez nous), le voilà qui revient avec deux films. The Beast, film d'action mettant en scène l'acteur Samuel L. Jackson et qui devrait prochainement voir le jour, ainsi que Deep Water...

 

Un mélange entre film catastrophe et film d'horreur. Avec tout ce que cela peut compter de bons sentiments et d'antagonistes imbuvables. Tout commence dans un avion à bord duquel nous sont présentés les protagonistes essentiels du récit. À commencer par Ben (Aaron Eckhart), le commandant en second, assis aux côtés de Rich, le commandant de bord incarné par un Ben Kingsley dont l'apparition sera curieusement écourtée puisqu'il ne survivra pas au crash. Au crash, oui ! Car Dan (Angus Sampson) un passager très imbu de lui-même a mis son smartphone dans sa valise qui elle-même a été placée dans la soute à bagages. Sauf que le téléphone semble avoir un problème électrique. Lequel déclenche des étincelles et provoque un incendie qui va à son tour causer d'importants dégâts. L'avion devient alors incontrôlable et vient se perdre dans l'océan tandis que plusieurs parties du fuselage viennent s'échouer sur un récif corallien..... Un endroit évidemment infesté de requins très agressifs qui ne vont faire qu'une bouchée de certains survivants. Bon ben que dire sinon que Deep Water est assez décevant en ce sens ou il n'apporte pas grand chose dans la thématiques des films d'horreur mettant en scène des requins ? Quelques morts assez violentes, un commandant en second certes charismatique mais ô combien cliché, de l'héroïsme, mais aussi quelques personnages secondaires très crispants. Comme cet enc[CENSURE]lé de Dan justement. Tellement imbitable (et non, ça n'est pas un gros mot) qu'à défaut de vivre une vraie bonne aventure en milieu hostile l'on passe son temps à attendre le moment où il finira entre les dents d'un squale ! On pense ensuite à ces ''chamailleries'' perpétuelles entre un afro-américain et un japonais dont j'ai rapidement oublié les prénoms mais aussi et surtout à cette sale gamine prénommée Cora (la jeune actrice Molly Belle Wright) que l'on donnerait bien à manger aux requins histoire d'effacer définitivement de son visage cette moue boudeuse qu'elle nous inflige durant une bonne moitié du récit ! Ouais, je sais, c'est mesquin. Mais bon, le film étant d'un classicisme ronflant, la mise en scène de Renny Harlin pousse à se focaliser sur les petits détails...