Insidious : Out of the Further de Jacob Chase (2026) - ★★★★★★☆☆☆☆

 

 

Insidious: The Red Door d'Adam Robitel ne devait-il pas être l'ultime volet de la franchise Insidious ? Une promesse non tenue qui tient compte sans doute des résultats obtenus par chacun des longs-métrages ayant vu le jour sur grand écran depuis maintenant plus de quinze années. Le premier obtenant cent millions de recette et les suivants encore davantage. Un succès qui ne s'est jamais démenti puisque après un troisième volet qui attira moins de spectateurs à l'échelle mondiale que le second, le quatrième a vu son influence augmenter en dépassant les cent soixante-dix millions d'entrées et le cinquième friser les cent quatre-vingt dix millions de spectateurs ! Sorti il y a un peu plus d'un mois, Insidious: Out of the Further de Jacob Chase a quant à lui attiré près de cent soixante millions d'âmes dans les salles. Par rapport aux précédents volets, le récit évolue désormais non plus simplement entre le monde réel et le monde de l'au-delà puisque les ''créatures'' qui étaient ''figées'' dans le plan astral ont désormais la capacité d'intégrer notre univers. La famille Dalton personnifiée à l'écran par Patrick Wilson, Ty Simpkins ou encore par Rose Byrne ne sont plus d'actualité. Ses différents membres sont désormais remplacés par Gemma Hall (Amelia Eve) et par sa fille Maya (Island Austin) qui vivent seules dans la demeure familiale où avait grandit la jeune femme auprès de sa mère décédée dans de tragiques circonstances. Insidious: Out of the Further s'ouvre d'ailleurs sur une séquence se situant en 1999 avant de plonger l'héroïne vingt ans plus tard au sein même de cette demeure où elle a conservé de lointains souvenirs... Le titre de ce nouvel (et espérons-le) dernier opus de la saga Insidious met en scène une mère célibataire capable d'entrer dans le Lointain, cet univers parallèle où se retrouvent piégée l'âme des défunts. Un lieu dans lequel elles errent dans l'attente de posséder l'esprit d'un être bien vivant afin de rejoindre notre plan. Un don ? Sans doute, oui, mais représentant un danger certain puisque sans le vouloir, Gemma offre ainsi l'occasion aux entités démoniaques de quitter le purgatoire pour rejoindre notre monde. Incarnée pour la sixième fois par l'actrice Lin Shaye, Elise Rainier est l'un des personnages les plus importants de la saga. Médium et enquêtrice du paranormal, sa fonction principale est surtout de venir en aide aux victimes...

Capable de voir et de communiquer avec les esprits et d'accéder au Lointain, elle semble devoir désormais passer par Clare (Maisie Richardson-Sellers), une jeune tatoueuse qui une fois en transe permet à la vieille femme désormais décédée d’interagir avec les mondes réels et de l'au-delà. L'une des différences fondamentales étant la possibilité pour les entités de passer la porte de l'au-delà pour pénétrer notre univers, les enjeux se montrent désormais beaucoup plus complexes à aborder par notre héroïne et par Elise. Mais au fond, rien n'a vraiment changé en terme de mise en scène ou d'effroi. Cependant, Insidious: Out of the Further est doté de quelques séquences qui peuvent justifier son existence et sans doute pour l'avenir, de nouvelles séquelles mettant désormais en scène non plus les Dalton mais bien de nouvelles familles à infester pour les démons. Pas sûr que l'idée soit bonne même si le fait est que la franchise continue à brasser des centaines de millions de billets verts et pourtant, il arrive que ce sixième opus étonne en proposant quelques passages relativement efficaces. Comme lors de cette séquence qui voit Gemma parcourir un long et étroit tunnel de coussins dont elle trouve beaucoup de difficulté à s'extraire ou lors de cette sinistre consultation dans son cabinet de dentiste qui la voit affronter l'un de ces trois vieillards croisés plus tôt au détour d'une rue. Cumulant en seize ans d'existence près de neuf-cent millions de dollars, rien ne nous interdit de croire qu'un nouveau volet de la franchise Insidious puisse être évoqué dans les mois ou années à venir. D'autant plus qu'il y aura toujours du monde pour aller vivre cette même et redondante expérience que les plus aguerris trouvent sans doute futile depuis l'issue du premier ou du second volet...

 

Resident Evil de Zach Cregger (2026) - ★★★★★★★★☆☆

 

 

C'est en toute confiance que je me suis rendu hier soir dans mon cinéma préféré pour y faire connaissance avec le tout nouveau personnage de la franchise Resident Evil... Très confiant, oui, car derrière la mise en scène et l'écriture de ce huitième et nouvel opus live se cache Zach Cregger, l'auteur des excellents Barbarian en 2022 et Weapons en 2025. Pourtant, il y avait de quoi se faire du soucis car la licence vidéoludique créée par Capcom voilà des dizaines d'années n'a jamais vraiment bénéficié d'adaptations cinématographiques à la hauteur de sa qualité ou de sa réputation. Après quatre longs-métrages signés de Paul W.S. Anderson, un d'Alexander Witt, un de Russell Mulcahy et celui qui fut le dernier en date, Resident Evil : Bienvenue à Raccoon City, réalisé par Johannes Roberts en 2021, de qualité relativement bonne et pourtant incompréhensiblement rejeté par une grosse partie de la communauté des fans, Zach Cregger s'est donc lancé dans le pari incensé de redorer le blason d'une franchise dont il n'a jamais vu le moindre volet. Et autant dire que cela se voit, se ressent et explique sans doute pourquoi son dernier film s'éloigne drastiquement du reste de l'octalogie qui n'était en grande majorité qu'une série de longs-métrages bourrins, sans finesse aucune et plus proches d'un cinéma Z se fichant du matériau d'origine que celui d'auteurs désirant véritablement rendre hommage à une licence de jeux vidéos qui marqua et continue de marquer profondément l'esprit des joueurs... On pourrait alors arguer que Zach Cregger en fait autant en n'employant les zombies que lors de rares séquences. S'il est vrai que ceux-ci n'apparaissent que de manière très sporadique, le cinéaste exploite cependant beaucoup plus profondément le fameux Virus-T, l'une des souches du Virus Progenitor conçu par la Umbrella Corporation. Un virus qui devait à l'origine permettre à ceux auxquels il fut injecté de développer des capacités physiques hors normes mais qui malheureusement dégénéra pour donner forme à des créatures dont le nouvel opus sorti le 16 septembre dernier permet de découvrir de nouvelles formes de mutations. Si Resident Evil évoque bien l'existence de la ville et de l’hôpital de Raccoon City ainsi que la société Umbrella Corporation et si les créatures ressemblent parfois effectivement à certaines de celles que l'on pouvait croiser au détour de certains jeux issus de la franchise vidéoludique, le film de Zach Cregger aurait aussi bien pu porter un tout autre nom...

Ici, le long-métrage est principalement incarné par l'acteur Austin Abrams. Il y interprète le rôle du coursier médical Bryan Hodukavich auquel est confié la tâche de livrer un très important colis à destination de l'hôpital général de Raccoon City. Il est tard, la neige a recouvert de son blanc manteau la totalité de la région et le jeune homme est pressé de retrouver sa petite amie qui est enceinte. Malheureusement pour lui, la nuit va être longue, très longue et semée d'une foule d'embûches dont il devra se dépatouiller avec ses maigres moyens. Car plutôt que de faire de son personnage central un homme fort et héroïque, Zack Cregger choisi d'en faire un individu lambda auquel n'importe lequel d'entre nous ou presque pourra s'identifier. Une arme à la main, Bryan tire souvent à côté. Au moindre bruit, il se met à crier, à gémir, à respirer très fortement. Devant le danger, il fuit ! Et pourtant, sans hypothétique autre raison que de gagner le double de ce que lui rapporte habituellement les courses qu'il effectue, Bryan va aller jusqu'au bout, pénétrer dans Raccoon City, rencontrer quelques personnages secondaires qui ne feront pas long feu et surtout croiser en chemin des créatures véritablement monstrueuses. L'une des très grandes qualités de Resident Evil est pour son auteur d'avoir su comprendre les attentes non pas simplement des fans de la série de jeux mais bien des amateurs de cinéma d'horreur en exploitant leurs peurs les plus profondes. Et tout cela en évitant le plus possible d'user d'une méthodologie dont certains usent abondamment ! Ici, pas ou peu de jumpscares mais toute une série de situations angoissantes, admirablement mises en scène par un artiste qui s'y connait en la matière. On pense bien évidemment aux incessantes rencontres bien creepy que Bryan effectuera mais aussi et surtout au différents situations auxquelles il sera confronté. Comme cette séquence située dans un tunnel et qui ferait presque regretter qu'à l'époque de l'adaptation télévisuelle du roman Le fléau de Stephen King la séquence se déroulant elle-même dans un tunnel ait été ratée au point d'agacer certains fans du bouquin. Filmant très souvent l'acteur principal dans le dos et même parfois en vue subjective, Zack Cregger signe une fois de plus un excellent film d'horreur, parmi les meilleurs à avoir vu le jour cette année. Se terminant sur une fin ouverte, Zack Cregger ne semble pourtant pas avoir décidé de poursuivre l'aventure puisque son prochain film intitulé The Flood devrait être une œuvre de science-fiction...

 

Nikita de Luc Besson (1990) - ★★★★★★★★☆☆

 

 

Camée, paumée, Nikita participe au braquage d'une pharmacie en compagnie de trois complices. Son petit ami Rico (Marc Duret), Antoine (Patrick Fontana), le fils du propriétaire surnommé Coyotte, ainsi que Zap (Alain Lathière). Mais les choses tournent mal et les trois garçons sont descendus par la police dépéchée sur les lieux. Quant à Nikita, armée d'un flingue, elle assassine froidement trois flics avant d'être arrêtée puis condamnée à perpétuité. Une fois sous les verrous, un homme lui injecte en intraveineuse un produit qu'il la plonge dans le sommeil. Officiellement, Nikita s'est suicidée et ses obsèques ont lieu en son absence. Car en effet, la jeune femme est toujours vivante et se retrouve désormais enfermée dans l'une des chambres d'un complexe appartenant au Gouvernement français. Un centre d'entraînement des services secrets dont un agent prénommé Bob (incarné par l'excellentissime Tchéky Karyo) est chargé de former la nouvelle ''pensionnaire''. Deux ans après le succès de son second long-métrage Le grand bleu considéré alors par beaucoup de spectateurs et de critiques comme un film générationnel, le réalisateur, producteur et scénariste Luc Besson change d'optique en proposant une œuvre beaucoup plus dure, radicale et violente. Il profitera d'ailleurs de son passage dans divers médias pour prévenir que son dernier long-métrage n'a rien à voir avec son précédent. Au delà de la violence récurrente visible lors de certaines séquences, Nikita reste aussi et surtout un très beau portrait de femme. Et bien que son œuvre actuelle soit désormais critiquée dans sa quasi globalité, le cinéaste hexagonal savait à l'époque faire de vrais bons films...

À l'image, donc, de ce thriller parfois implacable mettant en scène la sublime Anne Parillaud dans lequel l'actrice interprète le rôle-titre, Luc Besson lui offre ainsi son premier vrai grand rôle avec à la clé, le César de la meilleure actrice en 1990. Nikita décrit tout d'abord l'éclosion d'une femme-enfant, enfermée jusque là dans sa toxicomanie et ses mauvaises fréquentations. Prise en charge par le très charismatique Bob qu'incarne superbement Tchéky Karyo, la jeune marginale apprend l'informatique, le combat au corps à corps, la façon de bien se comporter en société (auprès de Jeanne Moreau qui incarne le rôle d'Amande) et le maniement des armes, bien qu'en la matière, elle n'ait pas vraiment de leçons à recevoir. Durant de longues années, enfermée dans ce centre, Nikita se transforme peu à peu, laisse de côté son côté rebelle, mûrit et se prépare à une carrière dont elle n'a même pas encore idée. Car si la jeune femme s'est vue proposer l'occasion d'être formée au bénéfice du Gouvernement français, ça n'est pas par simple charité chrétienne mais bien parce que certains ont vu en elle le potentiel suffisant pour en faire une tueuse à gages. Une fois prête, Nikita quitte le centre, s'installe seule dans un appartement, rencontre celui deviendra son petit ami (Jean-Hugues Anglade dans le rôle de Marco) et attend son premier contrat...

Luc Besson dresse donc ici le portrait d'une jeune femme asociale, droguée, violente et réfractaire à toute forme d'autorité qui au contact de Bob va laisser la place à une jeune femme fort séduisante. La première partie du long-métrage se concentre donc sur la formation de Nikita, entre séquences au premier degré et courts passages humoristiques qui feront autant tiquer Bob que les spectateurs (comme le coup de pied entre les jambes du professeur de karaté). Ensuite, la partie la plus importante du récit se concentre sur la vie à l'air libre de Nikita. Une femme presque normale dont l'existence est non seulement chamboulée par l'arrivée de Marco mais aussi par celle, parfois soudaine et inattendue des différents contrats qu'elle sera menée à exécuter. L'occasion pour Luc Besson de montrer sa maestria lorsqu'il s'agit de créer des séquences de tensions comme celle s'agissant de l'exécution d'une femme à travers la vitre d'une salle de bain d'un hôtel vénitien. Le réalisateur joue sur deux contrastes qui s'opposent en permanence. Entre le monde de l'espionnage et des contrats meurtriers et l'existence beaucoup plus ordinaire que tente de vivre Nikita aux côtés de Marco. Luc Besson pose ici la question de la rédemption et de la réincarcération. Nikita est une œuvre brillante, jouissive, émouvante et parfois angoissante, parfaitement incarnée par une Anne Parillaud habitée, sublimée et par un Tchéky Karyo impérial. Notons qu'en forme de cerise sur le gâteau, le script ajoute en fin de partie le personnage de Victor, un nettoyeur incarné par Jean Réno qui réinterprétera quatre ans plus tard le même type d'individu dans l'excellent Léon, toujours mis en scène par Luc Besson. Enfin, Nikita ne serait sans doute pas celui qu'il est sans l'excellente partition du fidèle compositeur Eric Serra qui signe une bande musicale très en accord avec le récit...

 

Män som hatar kvinnor de Niels Arden Oplev (2009)

Un vieil homme, Henrik Vanger, fait appel au journaliste Mikael Blomkvist afin d'enquêter sur la disparition de sa nièce Harriet survenue quarante ans plus tôt alors qu'elle n'avait que seize ans. Alors qu'il vient d'être condamné pour diffamation à l'encontre du financier Hans-Erik Wennerström. En effet, le journaliste a écrit et publié dans le magasine Millenium, dont il est le rédacteur en chef, une série d'articles accusant Wennerström d'avoir détourné plus de soixante millions de couronnes et de sêtre livré à un trafic d'armes. Condamné à verser au financier une somme de cent-cinquante mille couronnes et à trois mois de prison ferme, Mikael Blomkvist a devant lui, six mois avant de purger sa peine.

C'est ainsi qu'il prend du recul avec son entourage et plus précisément le journal Millenium. Une fois rendu auprès de HenrikVanger, Mikael accepte de travaille pour le vieil homme. Réunissant toutes les informations concernant Harriet contenues dans des cartons accumulés par le vieillard, Mikael parvient à mettre en parallèle toute une série de meurtres dont les premiers remontent dans les années soixante et la disparition d'Harriet. Mikael découvre dans le journal intime de celle-ci de curieuses annotations. Des prénoms suivis de séries de chiffres. Malheureusement pour lui, ces derniers ne donnent rien. C'était pourtant sans compter sur Lisbeth Salander, une jeune femme de vingt-quatre ans instable, au look de gothique, mais redoutablement efficace quand il s'agit de traquer la moindre petite information sur telle ou telle personnalité. Elle a d'ailleurs enquêté de son côté lors de l'affaire Blomkvist-Wennerström et a découvert que malgré le verdict du juge lors du procès, le journaliste était blanc comme neige. Ayant piraté l’ordinateur de Mikael à son insu, la jeune femme suit les différentes étapes dans l'enquête sur Harriet. Voyant que le journaliste peine à avancer, Lisbeth prend le risque de l'aider en lui envoyant de l'aide par mail après avoir consulté les étranges annotations.

C'est ainsi que Mikael finit par comprendre qu'il est suivit de près par la jeune femme et qu'il décide de la contacter afin qu'elle l'aide à élucider cette étrange affaire dans laquelle l'un des nombreux membres de la famille Vanger semble mouillé...

Män som hatar kvinnor est tiré du roman à succès Millenium du suédois Stieg Larsson dont la trilogie s'est vendue jusqu'à maintenant à plus de cinquante millions d'exemplaires. Thriller imparable, Män som hatar kvinnor est un film parfaitement construit autour d'une disparition, d'un journaliste enquêtant sur l'affaire, et de la jeune femme qui le rejoint bientôt afin de faire équipe avec lui. Mêlant subtilement l'histoire personnelle de la jeune Lisbeth et l'enquête sur la disparition de Harriet, le puzzle mit en place par le cinéaste Niels Arden Oplev et par les scénaristes Nikolaj Arcel et Rasmus Heisterberg est diablement complexe et efficace. On se passionne très vite pour cette histoire somme toute banale qui devient au fil de l'intrigue de plus en plus passionnante.

Et puis, il y a cette histoire qui dans un premier temps sert de parallèle au sujet principal. L'intrigante Lisbeth, confrontée à ses démons (qui nous seront partiellement et très subtilement révélés) mais aussi son nouvel et abominable tuteur Nils Bjurman (l'excellent mais effroyable Peter Andersson) qui se comporte avec elle comme un véritable monstre ayant un pouvoir qu'il se découvre sans limites. Cette confrontation entre les deux personnages a d'ailleurs des effets épidermiques chaque fois que Lisbeth vient frapper à la porte de l'horrible tuteur qui détient la seule chose dont ait besoin pour l'instant la jeune femme : l'argent qu'elle gagne grâce à son talent mais que Nisl Bjurman est décidé à ne lui verser qu'au compte-goutte.

Michael Nyqvist campe un journaliste désabusé par le verdict qui lui est tombé dessus, mais qui au contact de la jeune et frèle Lisbeth reprend du poil de la bête. Leur enquête les mènent bien au delé de ce qu'ils auraient pu imaginer. Les spectateurs eux-mêmes assistent à un tourbillons d'éléments qui, mis bout à bout révèlent l'ampleur de l'affaire à laquelle le duo doit faire face. Et puis, on ne regrettera pas les deux heures trente que dure le film car jamais l'ennui ne pointe le bout de son nez. Le sujet est si bien maîtrisé que l'on y croit sans douter et surtout sans jamais pouvoir imaginer qui peut se cacher derrière le masque du tueur. D'autant plus que la fin nous réserve son lot de surprises.

Män som hatar kvinnor est donc un petit chef-d’œuvre. Encore un venu de Suède, un pays qui décidément recèle d'innombrables trésors.

Claustro de Olzhas Bayalbayev (2023) - ★★★★★★★☆☆☆

 

Un concept absolument génial pour un résultat........ malheureusement, mi-figue, mi-raisin. Imaginez : un homme (Roman Zhukov dans le rôle de Max) part chercher son ami en voiture afin de le ramener chez lui. Lorsqu'il arrive, il est convié par un inconnu à pénétrer un appartement où ont démarré des festivités honorant le patriarche de la famille. Là, Max retrouve Dan, l'ami en question, qui est accompagné de sa petite amie Kema (Elizaveta Yuryeva). Tandis que Dan s'éloigne en compagnie d'une très aguicheuse invitée, Kema décide de s'assurer qu'il n'a pas décidé de se laisser tenter par les charmes de la jeune femme. Quant à Max, il se lève lui aussi de table, pressé de reprendre la route. Quittant la pièce où sont réunies une quinzaine de personnes, les deux jeunes gens se croisent mais lorsqu'ils retournent dans la salle à manger, ils découvrent effarés que le patriarche et tous les invités ont disparu ! Pire : l'appartement semble avoir été reconfiguré. La porte d'entrée a laissé la place à un mur recouvert de tapisserie et certaines pièces donnent directement sur celles que viennent de quitter nos deux protagonistes. Incapables de quitter les lieux, enfermés dans cette étrange prison où le temps semble en outre s'être totalement figé, Max et Kema vont tenter de résoudre cette étrange énigme afin de pouvoir enfin reprendre le cours normal de leur existence... L'idée absolument brillante provient bien évidemment de l'architecture propre à l'appartement qui sert de lieu exclusif à l'intrigue. Ici, une porte passée donne exactement sur la même pièce que traversée précédemment. Le réalisateur, scénariste et monteur kazakhstanais Olzhas Bayalbayev concentre donc le récit autour de cet appartement qui fait ainsi office de personnage à part entière. Un premier ''acte'' particulièrement ludique met en scène nos deux personnages face à l'étrangeté du phénomène. Le cinéaste s'amusant de la situation lorsque notamment, Max lance à plusieurs reprises une balle de tennis dans son dos pour la voir immédiatement rebondir devant lui. Expliquant ainsi par ce geste on ne peut plus anecdotique la mécanique même de l'environnement...

Plutôt que de se référer exclusivement au principe de claustrophobie, le titre Claustro du long-métrage renvoie également à cette forme de représentation des souvenirs enfouis que n'intègrent pas immédiatement les deux principaux protagonistes en ignorant tout d'abord une partie de leur passé avant de comprendre que l'enjeu du récit leur est directement lié ! Là où l'intrigue se grippe quelque peu se situe dans l'intervention répétée de jeunes enfants, ou plutôt de leurs ectoplasmes, décédés dans diverses circonstances, dont les fantômes sont eux aussi bloqués dans l'appartement. Ayant notamment besoin de l'intervention de Max, une jeune fille réclame par exemple ses deux souliers rouges afin de pouvoir quitter les lieux. Une fois la mission accomplie par le jeune homme, la situation de l'appartement se débloque une fois la gamine ''évaporée''. Un concept que répète à plusieurs reprises Olzhas Bayalbayev tout en délaissant parfois malheureusement l'idée principale de l'appartement labyrinthique. Assez répétitive, l'intrigue est en outre alourdie par quelques ventres mous dont nous nous serions bien passés. En effet, afin de consolider la relation entre Max et Kema après des débuts plutôt glacés, le réalisateur laisse le temps à ses personnages de s'approcher, de s'apprivoiser et au final, de s'aimer (ou plus simplement de se désirer, du moins si l'on considère ainsi leur nouvelle relation dès qu'ils commencent à coucher ensemble). La présence des enfants crée une rupture et donne au film un caractère que l'on rencontre souvent dans les films de fantômes. La surprise passée, le film devient déjà nettement plus classique. Et pourtant, Olzhas Bayalbayev nous réserve un final qui rehausse très largement le niveau qui avait eu tendance à s'effondrer au fil du récit. Entre révélations et moments choc, la dernière partie du long-métrage est vraiment réussie. À travers la présence d'une sorcière, de quelques effets-spéciaux numériques discrets mais bluffants et d'une action qui jusque là était en suspens. Bref, un film à découvrir même s'il n'est pas dénué de défauts...

 

Résident débile de Laurent Coiffic (2000) - ★★☆☆☆☆☆☆☆☆

 

 

En attendant d'aller voir dans les jours prochains la toute nouvelle itération cinématographique basée sur l'univers du jeu vidéo créé par Capcom, Resident Evil, mieux que de me refarcir l'intégralité des œuvres sorties depuis sur grand écran, sur support physique ou numérique, j'ai choisi de m'intéresser au très superfétatoire Résident débile dont la définition même n'arrive pas vraiment à coller au sentiment de désespoir qui peut étreindre le spectateur devant un film aussi pitoyable. Mais l'appeler Resident à chier ou Resident je viens de voir l'une des plus grosses merdes qu'il m'ait été donné l'occasion de contenpler n'ayant bien évidemment aucun sens, devenu tributaire d'une licence vidéoludique qui ne lui a pourtant rien demandé, Laurent Coiffic n'aura ''marqué'' de son empreinte le septième art qu'à trois occasions. Directeur de la photographie en 2017 sur Les 4 sales locataires de Cyril Étesse, voix-off sur le court métrage Revolution de Joffrey Schmitt en 2024, il commença et termina donc sa carrière de réalisateur en l'an 2000 avec Résident débile dont il serait carrément osé d'expliquer le sens hautement ironique et parodique du titre à celles et ceux qui connaissent le jeu vidéo dont il s'inspire. À la lecture du script de Laurent Coiffic, de Stephen Moret et de Christopher Croce, tout laissait plus ou moins supposer une œuvre certes parodique mais fidèle au terreau d'origine. Que nenni puisque si la division des forces spéciales S.T.A.R.S. (pour Special Tactics and Rescue Service) est évoquée tout comme certains personnages iconiques de la franchise comme Albert Wesker sont présents à l'écran, ne rêvons tout de même pas d'une aventure humoristique reprenant les différentes étapes des premiers jeux vidéos. La ville de Racoon City est ici remplacée par la forêt de Racon ! Une forêt qui ressemble d'ailleurs moins à celles de Mallemoisson, de Rialsesse ou des Bertranges en France qu'à un petit parc agrémenté d'une flore dont les espèces n'ont pas le moindre intérêt. Tout commence lorsqu'un couple en mode ''Un gars, une fille'' dont le cinéaste pille sans vergogne la typographie et la musique meurt attaqué par un zombie. Afin d'enquêter sur place, le colonel Albert Wesker fait notamment appel à deux anciens camarades de la guerre du Vietnam Spring Fellow Hawk et Dur Snake Source...

Mais tandis que le groupe devra affronter des ''hordes'' de zombies, ils devront également faire face à d'anciens adversaires en les personnes de Heinrich Kroeger, Sniper Waf et Fluide Snake Octopus... Que dire, hum, hum. Comme l'aurait sans doute si bien définit le philosophe Jacquouille la Fripouille, Résident débile, c'est de la grosse merdasse ! Une parodie, certes, des jeux Resident Evil mais aussi de la licence Metal Gear Solid, mais il faut voir dans quel état le réalisateur laisse les spectateurs qui après à peine moins de soixante-dix minutes finissent avec moitié moins de neurones que les quelques zombies qui râlent à l'écran. On pourrait facilement hurler devant ce naufrage qui renvoit même à l'état de chef-d'œuvre la pire parodie officielle de n'importe quel film d'horreur ou thriller ayant vu le jour sur grand écran. Pourtant, en remontant sur les origines du concept et sur l'expérience calamiteuse de son auteur Laurent Coiffic lors de ses études de cinéma dans une école qu'il jugea de merdique alors qu'il avait déboursé l'astronomique somme de trente-mille francs pour un résultat qui frisa le néant, l'on a déjà beaucoup moins envie de lui taper sur les doigts. Un budget de dix-mille balles et une équipe d'acteurs recrutés parmi ses amis, Laurent Coiffic fait ce qu'il peut, avec ses faibles moyens financiers, le peu d'expérience des interprètes et de sa mise en scène. Le plus drôle ne se situant pas dans les dialogues mais bien dans l'évocation des différentes sources d'inspiration du réalisateur car sans craindre le ridicule celui-ci cite David Fincher, Ridley Scott, Hideo Kojima ou encore John Woo ! Laid, mal joué et trèèèèèèèès rarement inspiré côté dialogues et situations même si certaines références peuvent faire sourire (le coffre à diamants et la petite ritournelle de la licence Zelda comme seul exemple), Résident débile est vraiment pénible. Sans avoir demandé aucune licence, le bonhomme agrémente l'ensemble de toute une série de références musicales puisque Laurent Coiffic a '''emprunté'' diverses sources issues de plusieurs jeux estampillés Resident Evil, tout comme l'on peut entendre les thèmes du Retour vers le futur, de Benny Hill, ou des jeux Rainbow Six et Parasite Eve... Bref, à éviter de toute urgence !

 

The Dark and the Wicked de Bryan Bertino (2020) - ★★★★★★☆☆☆☆

 

 

Habitué du cinéma d'horreur, le réalisateur,scénariste et producteur américain originaire du Texas Bryan Bertino signa notamment la série de longs-métrages The Strangers ainsi que le très sympathique The Monster en 2016. Quatre ans plus tard, en 2020, il réalise The Dark and the Wicked qui chez nous peut se traduit sous le titre ''Les ténèbres et le maléfique''. Une ''appellation'' qui certes colle relativement bien avec le contenu du récit mais qui ne se réduit pas qu'au simple contexte des différents éléments d'une famille confrontés à une entité tenace et particulièrement invasive... The Dark and the Wicked met prioritairement en scène Louise et son frère Michael qu'interprètent respectivement Marin Ireland et Michael Abbott Jr. Une petite fratrie dont les deux seuls représentants vivent chacun de leur côté jusqu'à ce moment très précis où ils apprennent que leur père (Michael Zagst) est très gravement malade. Rejoignant la ferme familiale isolée que leur géniteur partage avec leur mère (Julie Oliver-Touchstone) et donc l'époux de ce dernier, Louise et Michael constatent rapidement que quelque chose ne tourne pas rond. Leur mère leur indique notamment entendre des voix qui n'appartiennent pas à son mari. Déjà pas mal terrifiée par l'angoissante situation, un soir celle-ci se coupe plusieurs doigts en cuisinant avant d'aller se pendre dans la grange de la propriété. Découverte décédée le lendemain par ses deux enfants, ceux-ci prennent la décision de rester sur place afin de s'occuper de leur père alité dans sa chambre, sous respirateur et apparemment incapable de bouger ou de simplement s'exprimer. Les événements s'enchaînent alors sur un rythme pas vraiment endiablé, Michael hésitant à quitter les lieux tandis que sa sœur reste campée sur sa position en décidant de demeurer sur place...

Le sujet principal du récit, la famille. Au centre de laquelle la culpabilité s'installe. Face à la maladie de leur père contre laquelle ses deux enfants ne peuvent rien, une entité développe son emprise sur chacun des membres de la famille. Et le ''suicide'' de la mère telle qu'est conçue son décès ne mettra pas un terme au jeu macabre que se livrera ce démon venu hanté les nuits de Louise et de Michael. Plutôt que d'opter pour une vision visuellement très explicite du Mal, Bryan Bertino préfère conserver une certaine part de mystère s'agissant de ce qui rôde autour et dans la demeure familiale. Quelle sont ses origines ? Quel est son but premier ? Et même, plus simplement, qui est-elle ? Un choix qui permet de douter dans un premier temps quand à la réalité de cette créature tapie dans l'ombre et qui n'est majoritairement visible qu'à travers le regard ou le comportement des protagonistes. Poussant parfois le spectateur à se poser des questions quant à sa réelle existence. En inscrivant l'intrigue dans un contexte géographique isolé et donc à l'écart de toute source pouvant éventuellement apporter de l'aide à Louise et à son frère, Bryan Bertino augmente le potentiel d'angoisse du long-métrage. Une source d'inquiétude supplémentaire qu'il aura d'ailleurs déjà notamment exploité avec brio lors du tournage de The Monster. En dehors de quelques Jumpscares plutôt efficaces, le cinéaste préfère l'attente à l'action ininterrompue. Signifiant pour le spectateur, une œuvre au rythme souvent lancinant, lymphatique et à certains endroits, relativement ennuyeuse. D'une noirceur quasi généralisée et donc d'un pessimisme qui confine souvent au nihilisme, The Dark and the Wicked ''réinvente'' presque les concepts de Home-Invasion et de possession sans jamais nous donner les clés de son intrigue. D'autant plus qu'en terme de conclusion, rien ne nous indiquera les motivations et les origines réelles de l'entité, nous laissant quelque peu sur notre faim. Un film qui repose davantage sur son étouffante atmosphère que sur son sujet. Sympa, sans plus...

 

Ming'an (Mad Fate) de Soi Cheang (2023) - ★★★★★★★★☆☆

 

 

Auteur du démentiel Limbo en 2021 et de l'extraordinaire City of Darkness en 2023, le réalisateur, scénariste, producteur et acteur hongkongais Soi Cheang signa entre ces deux chefs-d'œuvre du septième art un Ming'an (Mad Fate) qui semble-t-il apparaît beaucoup moins riche et impressionnant. Et pourtant l'on retrouve ici la patte de ce cinéaste de génie qui compte au moins autant dans le cinéma asiatique et mondial que l'auteur de l'incroyable Gokseong (The Strangers), le sud-coréen Na Hong-jin qui avait déjà fait très fortement parler de lui avec ses deux précédents longs-métrages Chugyeogja (The Chaser) et Hwanghae (The Murderer) ou que les deux compatriotes de ce dernier, Park Chan-wook avec Oldeuboi (Old Boy) et Kim Jee-Woon avec Akmareul Boatda (J'ai rencontré le Diable). S'agissant de Ming'an, Soi Cheang signe une œuvre relativement déstabilisante. Entre drame, thriller psychologique, folklore, comédie noire et réflexion philosophique. Autant dire qu'il y a ici, de quoi faire un véritable festin de cinéphilie dès lors que l'on accepte un concept parfois et même très souvent alambiqué. Un trait de caractère que partagent d'ailleurs toutes ces œuvres que n'importe quel cinéphile ou cinéphage a l'obligation de ''s'infliger'', qu'il aime ou nom le cinéma asiatique et ses différentes et très particulières circonvolutions scénaristiques ! Sans y voir ne serait-ce qu'une once de racisme visant la population asiatique ni aucune manifestation de type ''ironie'' sur la ressemblance des uns et des autres, il est vrai que l'exercice impose parfois aux spectateurs occidentaux un petit temps d'adaptation pour différencier certains acteurs et donc, certains personnages. Ici, en revanche, pas d'effort particulier à entreprendre puisque les quelques protagonistes autour desquels évolue le récit sont parfaitement définis à travers, justement, leur apparence et non plus leur attitude au sein de l'intrigue. Car c'est justement là où le cinéaste impose une certaine contradiction entre les apparences physiques et la psychologie de chacun d'entre eux. Si les modes de fonctionnement intellectuels du flic incarné par Berg Ting-Yip Ng et du tueur en série interprété par Charm Man Peter Chan qui sévit en s'en prenant exclusivement aux prostituées sont faciles à détecter, le véritable et en réalité seul intérêt du récit tourne autour d'un Maître de feng shui campé par Gordon Lam Ka-tung et d'un étudiant mentalement perturbé quant à lui incarné par Lokman Yeung...

Plus riche qu'il n'en a l'air, le long-métrage de Soi Cheang est en fait comme les deux autres films du cinéaste hongkongais cités plus haut, un modèle de mise en scène, d'écriture et de narration. Tandis que l'on attend fiévreusement ses prochains films dont la production de Penghu Hai Zhan est achevée et dont le tournage de Jiu Long Cheng Zhai · Zhong Zhang a déjà commencé, Ming'an nous plonge au cœur d'un récit où les intrigues s'entremêlent pour finalement se rejoindre lors d'un final absolument remarquable. Pour simplifier le concept, le film du cinéaste hongkongais pourrait être définit à travers de simples et courtes phrases, telle ''naissance OU fabrication d'un monstre'', ''contrôle de la destinée'', ''voyance et manipulation'' et autres petites joyeusetés qui compilées les unes aux autres fabriquent une œuvre qui peu, alors oui, être parfois ardue à suivre pour les néophytes mais qui au fond reste d'une richesse hors du commun. Si la femme est rendue à l'état de ''subalterne'' avec sa prostituée incarnée à l'écran par Wing-Sze Ng dont la parole ne sera donnée qu'en de très rares occasions et du moins jusqu'à ce qu'elle passe entre les griffes du tueur en série, Ming'an est bien évidemment porté par l'incroyable performance de Lokman Yeung, en jeune psychopathe qui relève du tueur en série potentiel agissant d'abord sur les animaux égarés et de Gordon Lam Ka-tung en Maître de Feng Shui lancé dans une mission de sauvetage visant à éviter à l'étudiant de tomber dans le meurtre. À la photographie l'on retrouve le fidèle Gordon Lam Ka-tung qui avait déjà notamment travaillé sur Limbo et que l'on revit donc au générique de City of Darkness en 2024. Si Ming'an peut apparaître parfois anecdotique en comparaison des deux grands classiques de son auteur, une seconde projection sera peut-être nécessaire pour certains spectateurs comme ce fut d'ailleurs le cas pour votre serviteur afin d'en saisir toute la portée. Mais au final, que l'on préfère se lancer dans l'une ou l'autre de ces trois expériences de cinéma, la récompense est toujours à la hauteur. Bref, vous savez quoi faire...