La Orgía Nocturna de los Vampiros de León Klimovsky (1973) - ★★★★★★★☆☆☆

 

 

La Orgía Nocturna de los Vampiros de León Klimovsky... Franchement, avec un tel titre, il est parfaitement inutile d'avoir choisi l'espagnol comme seconde langue au collège pour comprendre le sens des mots et commencer à ''fantasmer'' sur son contenu... L'orgie nocturne des vampires promise par le cinéaste argentin, auteur entre autres de Odio mi Cuerpo en 1974 et Ultimo Deseo en 1976, fait partie d'une trilogie de longs-métrages consacrés aux fameux suceurs de sang aux dents longues et aiguisées poursuivie dès la même année, en 1973, avec El Exterminio de los Drácula et terminée deux ans plus tard, en 1975, avec El Extraño Amor de los Vampiros. Dans La Orgía Nocturna de los Vampiros, les passagers d'un bus en partance pour la ville imaginaire de Bojoni vont être contraints de faire un crochet en direction du petit village lui aussi fictif de Tolnio lorsque le conducteur du véhicule tombe raide mort, atteint d'une crise cardiaque ! Le pauvre homme est placé à l'arrière du bus tandis que son corps est recouvert d'une bâche afin de ne pas effrayer la seule gamine présente parmi les passagers. Lorsque le groupe arrive à Tolnio, il n'y a personne pour les accueillir. Et pour cause : comme l'indiquera dès le lendemain celui qui au village se fait appeler le Major (l'acteur José Guardiola), tout les habitants se sont rendus au cimetière afin d'honorer l'un d'entre eux, récemment décédé. Rassurés de voir qu'ils ne sont donc pas seuls et abandonnés à leur triste sort, Alma (l'actrice belge Dyanik Zurakowska), Raquel (Charo Soriano), sa fille Violeta (Sara Gil), Ernesto (Gaspar 'Indio' González) et les autres ont cependant le malheur de découvrir que le bus est désormais en panne. Entre-temps, Alma fait la connaissance de Luis (l'acteur américain Jack Taylor) qui tout comme le groupe se retrouve échoué à Tolnio. Et tout comme le bus, sa voiture elle aussi se retrouve mystérieusement en panne. Condamnant ce touriste ainsi que le groupe prévoyant de se rendre à Bojoni à demeurer au village pour quelques jours. Sans le sou, le Major propose alors à tout le monde de rencontrer celle qui se fait appeler la Comtesse (l’actrice allemande Helga Liné) et qui leur propose alors de les abriter à ses frais et sans conditions au village... Si le titre est abusivement tourné autour de l'idée qu'un groupe d'individus s'adonne à des activités sexuelles collectives, La Orgía Nocturna de los Vampiros n'est jamais tourné vers la pornographie...

Pas même vers l'érotisme même si à quelques occasions, l'actrice Dyanik Zurakowska s'effeuille devant la caméra et devant le regard aiguisé de Luis dont la chambre mitoyenne possède un trou caché dans un placard qui donne directement vers celle de la jeune femme. Le long-métrage de León Klimovsky, aussi peu soit-il connu des néophytes en matière de cinéma d'épouvante est une œuvre très intéressante en ce sens où le réalisateur argentin, le directeur de la photographie Antonio L. Ballesteros, ainsi que le directeur artistique et décorateur Gumersindo Andrés on conçu un projet qui ne souffre absolument pas de la comparaison avec ses homologues américains ou britanniques lorsqu'il s'agit de créer un climat anxiogène. Abusant ainsi pour notre plus grand plaisir des gros plans et des contre-plongées lorsque de nuit, les habitants sortent de leurs terriers afin de s'en prendre aux voyageurs égarés, qu'il ne tuent pas, mais dont ils prélèvent une partie de leur sang afin de s'en repaître. Car en effet, et comme on l'avait très rapidement deviné, Tolnio est un village qui n'est uniquement constitué que de vampires. Des rangs de suceurs de sang auxquels s'ajoutent tous ceux qui tombent entre les griffes des villageois et même entre les mains de la Comtesse. On comprend alors beaucoup mieux la générosité et les largesses de cette aristocrate dont les dents poussent lorsque le soleil se couche... Ambiance nocturne délétère, brumeuse et cauchemardesque. Visages blafards, yeux injectés de sang, sourires sinistres, les figurants s'en donnent à cœur-joie pour le plus grand plaisir du spectateur qui assiste non pas au sabbat de sexe et de sang plus ou moins annoncé par le titre mais à quelques meurtres que l'on pourrait presque qualifier de zombiesques ! Bref, sans être un grand film de vampires, La Orgía Nocturna de los Vampiros bénéficie d'une honnête interprétation, de décors ruraux qui rappellent parfois l'aspect arriéré de certaines contrées visibles dans un tout autre courant cinématographique connu sous le nom de Survival ou encore d''une ambiance nocturne très enveloppante...

 

La Trilogie Marseillaise de Marcel Pagnol : Marius d'Alexander Korda (1931) - ★★★★★★★★★☆

La Trilogie Marseillaise de Marcel Pagnol : Marius.

Avant-propos :

 J'ai cinquante-quatre ans, suis originaire de la région parisienne, vis depuis trente ans à Marseille et donc dans le sud depuis plus de la moitié de ma vie. Et pourtant, si je prends en compte ce que certains habitants du cru ne cessent de me ressasser, j'aurai beau vivre trente ans de plus à Marseille, jamais ô grand jamais je ne serais moi-même marseillais. N'ayant de toute façon jamais eu cette prétention, je ne me formalise pas. D'autres compatriotes cette fois-ci originaires de Seine-et-Marne pourraient considérer de traîtrise que de m'être laissé aller à goûter à la bouillabaisse ou au panisses et au chichi. Devenu apatride dans mon propre pays la France, c'est donc dans l'imaginaire offert par de grands auteurs que j'ai choisi de me réfugier lorsque souvent je me pose la question : '' d'où viens-je...?  ''.  La langue française, lorsqu'elle est écrite, est universelle. Sans accents. Presque anonyme si ce n'est le ton que lui donne l'auteur du texte que l'on tient entre les mains. Accent marseillais ? Parisien ?  Qui sait...?

Marius donne des regrets. Celui qui tout d'abord nous a refusé de vivre il y a près d'un siècle, proche de ce Vieux Port de carte postale en noir blanc. De ces autochtones au fort accent qui de nos jours se dilue au profit d'un parler '' racaille ''. Premier volet de la La Trilogie Marseillaise de Marcel Pagnol reposant sur l'ouvrage du célèbre écrivain et cinéaste français, ce long-métrage de plus de deux heures est comme très souvent chez son auteur, ce que l'on peut considérer comme l'un des plus précieux nectars en matière d'écriture. Bien avant Michel Audiard, Francis Veber ou Bertrand Blier, l'écrivain, scénariste et réalisateur français donne ici ses lettres de noblesse au cinéma méridional. Un héritage culturel et cinématographique qui pour certains fait probablement la nique à la concurrence parisienne de l'époque dont les qualités sont pourtant très '' flatteusement'' mises en avant par les archéologues du septième art... Tandis que le réalisme poétique du cinéma parisien s'ancre à l'époque au travers de certaines œuvres aussi célèbres que Quai des brumes ou Hôtel du Nord de Marcel Carné ou Sous les toits de Paris de René Clair, au ton plus sombre et donc beaucoup plus pessimiste, le cinéma de Marcel Pagnol s'inscrit dans un courant beaucoup plus chaleureux. Pourtant, l'un et l'autre de ces cinémas se trouvent être très proches du peuple. D'où des thématiques qui dans Marius parlent invariablement au plus grand nombre, que l'on soit du sud ou du nord. Ironiquement, si plusieurs séquences situées notamment aux abords du Vieux Port ont effectivement été très exactement tournées sur le lieu de l'intrigue, d'autres furent réalisées dans les Studios de Joinville, situés à Joinville-le-Pont, dans le Val-de-Marne. Et parmi ces dernières, celles situant leur action dans le Bar de la Marine, un lieu authentique du Vieux Port reconstitué à l'occasion du long-métrage...

Si l'histoire est somme toute classique et tourne autour de deux idées principales, Marius vaut évidemment davantage pour ses dialogues et son interprétation que pour son cadre, lequel se résume rapidement au Bar de César Ollivier qu'interprète l'excellent Raimu et à quelques séquences tournées en extérieur et notamment sur le quai du Vieux Port de Marseille. Si le père de Marius est très présent à l'image et donne la réplique au héros lors de séquences souvent admirables, c'est bien autour du jeune homme que tourne ce premier volet de la La Trilogie Marseillaise de Marcel Pagnol. Laquelle se poursuivra l'année suivante avec Fanny avant de prendre fin en 1936 avec César. Dans Marius, il est beaucoup question d'amour et de passion. Écrit par Marcel Pagnol mais réalisé par le britannico-hongrois Alexander Korda, le long-métrage fait effectivement la part belle à cet amour que partagent l'un pour l'autre Marius et la jeune Fanny. Respectivement interprétés par Pierre Fresnay et Orane Demazis, cette dernière accompagnera la carrière de Marcel Pagnol durant un temps tout en partageant son existence entre 1925 et 1938. L'on pourra d'ailleurs regretter qu'en 1952 le cinéaste et écrivain n'ait pas préféré opter pour une actrice de la trempe d'Orane Demazis plutôt que pour sa nouvelle compagne Jacqueline dont l'incarnation dans la seconde partie de Manon des sources intitulée Hugolin laissa quelque peu à désirer ! Si beaucoup semblent tout d'abord se souvenir de la mythique partie de carte et de la légendaire réplique de César ''Tu me fends le cœur, Marius vaut surtout pour ses innombrables lignes de dialogues dont la richesse et l'esprit parfois très méridional régalent les oreilles du spectateur en permanence. Un humour très présent, donc, mais aussi quelques moments plus graves qui démontrent notamment la richesse d'interprétation de la plus part des acteurs présents à l'image. Les rapports entre Marius et son père César. Et plus encore, cette séquence relativement longue durant laquelle Marius et Fanny avouent s'aimer tandis que le jeune homme révèle à la jeune femme la raison pour laquelle il ne peut pas l'épouser. Bref, Marius est une pépite du cinéma français des années trente qui n'a pris que très peu de rides. De formidables acteurs. Une histoire simple campée par des personnages fascinants, touchants et souvent drôles...

Symptoms de José Ramón Larraz (1974) - ★★★★★★★☆☆☆

 

 

Nous sommes en 1974 et le réalisateur et scénariste espagnol José Ramón Larraz a beau tenter de nous leurrer, le subterfuge ne fonctionne pas. Qu'il s'agisse d'un plagiat ou plus simplement d'un remake tardif de l'excellent Répulsion de Roman Polanski réalisé près de dix ans auparavant, ça n'est pas parce que l'un se déroule dans un manoir situé dans une forêt et aux abords d'un lac et que le second situe son action dans un appartement placé au cœur de Londres qu'Helen n'a aucune chance de rappeler aux bons souvenirs des cinéphiles la Carole Ledoux du classique du cinéaste franco-polonais. Avec son visage ovale si particulier, ses yeux enfoncés dans leurs orbites, l'actrice britannique Angela Pleasence rappelle à chaque instant qu'elle fut la fille du légendaire Donald Pleasence. Décédée le 10 avril dernier, la jeune femme donne à voir dans ce très curieux long-métrage lorgnant entre drame et épouvante l'une des plus saisissantes incarnations de la folie sur grand écran. En toute discrétion, se déplaçant aussi silencieusement qu'une chatte découvrant son tout nouveau territoire, Angela Pleasence interprète dans Symptoms, un personnage trouble dont on sait d'emblée qu'elle est sujette à des désordres d'ordre psychiatrique. Ce que viendra d'ailleurs confirmer la suite du récit même si pour l'instant, aucune précision ne vient étayer la moindre hypothèse quant à leur origine ! Tout commence alors qu'un couple s'enlace en pleine forêt. Puis, subitement, dans un cadre qui n'est pas tant éloigné géographiquement ou temporellement de cette première séquence, l'on aperçoit le corps d'une femme à la surface d'un lac... Helen vit seule, dans ce manoir trop grand pour elle. Mais alors qu'un certain Brady (Peter Vaughan) semble ''veiller'' sur elle, la jeune femme accueille son amie Anne (Lorna Heilbron) qu'elle supplie alors de rester à ses côtés quelques temps malgré le petit ami relativement impatient de cette dernière qui lui demande de revenir chez eux. Anne accepte finalement de rester quelques jours de plus auprès d'Helen mais un soir, alors que la nuit sans Lune éclaire difficilement l'intérieur du manoir, trop curieuse, l'amie en question monte au grenier et y trouve une malle qu'elle décide d'ouvrir... Bien évidemment, avant que tout ne chamboule et que cette touchante histoire d'amitié ne bascule dans l'horreur, José Ramón Larraz cherche à donner une définition aux peurs qui engendrent chez son héroïne, la folie.

De celles qui poussent à vivre recluses chez elles de jeunes femmes. Ici un manoir. Là-bas, un appartement londonien. Les repères de deux bêtes, cachées l'une comme l'autre dans leurs propres solitudes, cultivant ainsi leurs obsessions jusqu'à ce que des interventions extérieures ne déclenchent un tourbillon de violence. Tout ou presque dans Symptoms réveille donc le souvenir de Répulsion, premier volet de la remarquable Trilogie de l'appartement de Roman Polanski. Deux jeunes femmes frêles, timides, peu communicatives. Jusque dans ces robes de chambres qu'elles portent le plus souvent. Ce lapin d'un côté ou ce beurre rance de l'autre, qu'elles laissent respectivement traîner comme les témoins du temps qui passe. Ou celui de ces névroses qui entretiennent la paranoïa. Ces rêves éveillés, hallucinés, formés dans un cas comme dans l'autre autour de cadrages inhabituels témoignant du désordre qui se déroule dans leur tête. De l'envahissement fantasmé d'étrangers chez Carol ou des bruits inquiétants qui viennent du grenier chez Helen et qui lui rappelle sans cesse son amie Cora... La jeune femme qui justement au début était celle que Brady enlaçait... avant que l'on ne devine que le corps qui ''baignait' ensuite à la surface du lac était bien celui de cette amie disparue. Et puis, il y a l'arme employée. Une lame de rasoir et une lourde sculpture pour l'une et la lame d'un couteau pour la seconde. Bref, le long-métrage de José Ramón Larraz rappelle bien dans toutes ses entournures le chef-d’œuvre de Roman Polanski. Sur un rythme très lent, voire lancinant, Symptoms décrit la longue et inévitable dérive psychologique de son héroïne chez qui des médecins sans doute très officiellement compétents avaient pu malgré tout déceler la guérison. Fiévreuse, blafarde, cheveu en bataille et le regard dans le vide, Angela Pleasence incarne la folie avec une intensité parfois glaçante. Le cinéaste espagnol et le directeur de la photographie Trevor Wrenn sublimant en outre les décors dans un jeu d'ombres et de lumières réellement angoissant. Une œuvre rare qu'il devient urgent de redécouvrir. Surtout aujourd'hui, en hommage à une actrice qui probablement sera demeurée dans l'ombre de son père même si Symptoms révélait déjà à l'époque son immense potentiel d'interprète...

 

Organ de Kei Fujiwara (1996) - ★★★★★☆☆☆☆☆

Sept ans après avoir été l'une des interprètes du cinéaste Shinya Tsukamoto dans le film culte Tetsuo, l'actrice et réalisatrice Kei Fujiwara se place cette fois-ci derrière la caméra pour pondre sa première réalisation en 1996. Organ est une œuvre organique, qui avec Tetsuo partage quelques similitudes, l'hybridation mécanico-organique en moins. De ces deux « matières » qui jusqu'en 1989 apparaissaient incompatibles, la cinéaste japonaise n'en conserve que la seconde. Car si Organ porte un nom qui lui sied à ravir, c'est parce que le film est tout entier un réservoir à viande particulièrement craspec. Dans des quartiers insalubres, les anti-héros du film barbotent dans un mélange assez écœurant de sang et de matières en décomposition.

Le récit de Organ est confus. C'est vrai, difficile de comprendre le spectacle que l'on a sous les yeux. Dès les premiers instants, on a du mal à cerner le parti-pris des personnages. Qui est flic, qui au contraire est un criminel ? Ici, le but étant pour le « héros » (terme à prendre avec des pincettes puisqu'aucun des personnages n'en est vraiment un) de retrouver son ancien collègue qu'il abandonna lors d'une enquête pour sauver sa propre existence. Organ est très gore. A partir du moment où l'on accepte le principe même du montage anarchique, inutile de chercher la moindre cohérence.

Kei Fujiwara filme à l'instinct, sans même se rendre compte des invraisemblances qui émaillent son œuvre. Le montage est nerveux mais échappe à toute logique. Comme certaines situations d'ailleurs, qui rendent totalement caduque toute recherche de point d'accroche. La post-synchronisation est catastrophique et certains bruitages accentuent le dégoût ressenti lors de scènes graphiquement très éprouvantes. Le pire dans Organ n'est pas l'hémoglobine qui coule à flot mais toutes ces substances que le corps sécrète. On a presque le sentiment de sentir les odeurs épouvantables qui se dégagent des organismes en mutation.

La monstruosité telle que l'individu se la représente généralement face aux actes barbares est ici extrapolée par la vision d'organismes qui se dégradent lentement mais sûrement vers des états qui n'ont pratiquement plus rien d'humain. Kei Fujiwara fait preuve d'une grande imagination en matière d'horreur. Le sang disparaît au profit de matières plus inquiétantes lorsque l'organisme n'est plus en mesure de combattre l'infection.

Au delà du spectacle tordu que nous propose la cinéaste viennent s'apposer des images riches de symbole qui faudra sans doute étudier un peu pour en comprendre le sens. Comme cette jeune femme accouchée dans la douleur par un immense cocon-vagin. Organ est une recherche permanente dans le domaine de l'expérimentation. Mais alors que Shinya Tsukamoto parvenait à créer une certaine cohérence dans le récit de Tetsuo, Kei Fujiwara laisse ses interprètes avancer en roue libre avec plus ou moins de bonheur.

Organ fera sans doute date dans le cinéma underground japonais. Du moins pour ceux qui sont friands de ce genre de performance, car les autres, les non-initiés, risquent de rejeter l'objet en bloc ! Vous êtes prévenus...

Ugolin de Marcel Pagnol (1952) - ★★★★★★★☆☆☆

 

 

Jean de Florette et Manon des sources de Claude Berri resteront sans doute à jamais comme deux des plus admirables adaptations cinématographiques issues de l'univers de l'écrivain et réalisateur français Marcel Pagnol. Il est même probable que l'on se souvienne davantage de ce diptyque datant de 1986 et principalement incarné par Gérard Depardieu, Yves Montand, Daniel Auteuil et Emmanuelle Béart que de l'ouvrage publié vingt-quatre ans auparavant sous le titre L'eau des collines, lui-même inspiré du long-métrage fleuve réalisé dix ans auparavant par Marcel Pagnol sous le titre Manon des sources. Une œuvre de près de quatre heures découpée à l'époque en deux parties (Manon des sources et Ugolin) et qui faisait ''l'impasse'' sur l'épisode consacré au personnage de Jean Cadoret, dit ''Jean de Florette'', pour se consacrer sur la seconde partie. Celle-là même qui mettra donc en scène plus de vingt ans plus tard et sous la houlette de Claude Berri, la vengeance de Manon, sa fille, qui après avoir compris que son père est mort d'épuisement alors que Ugolin et le Papet s'étaient débrouillés pour boucher la seule source d'eau qui aurait permis à Jean de cultiver ses terres et ainsi faire vivre sa famille, a décidé à son tour de boucher celle qui approvisionne depuis plus de cinquante ans le village des Bastides Blanches. Tandis que Manon des sources - Première partie se concluait juste avant que n'intervienne l'ingénieur du génie rural du département venu au mieux, résoudre le manque d'eau et, au pire, expliquer avec des mots très savants aux habitants pourquoi celle-ci manque et quelles sont les chances pour eux de la voir ressurgir un jour, la seconde partie, intitulée Ugolin se concentre sur les moments-clés qui feront en outre trente-quatre ans plus tard de la version de Claude Berri, une œuvre d'une puissance émotionnelle rare. N'ayant découvert Ugolin que sur le tard, soit près de deux ans et demi après Manon des sources - Première partie, j'avais oublié à quel point l'incarnation de Jacqueline Pagnol, l'épouse de l'écrivain et réalisateur, était problématique...

Si le ton théâtral sied majoritairement bien aux personnages de cette version de 1952 et si même Ugolin s'avère beaucoup plus sombre et donc bien moins drôle (malgré quelques séquences humoristiques d'anthologie que l'on doit aux admirables dialogues de Marcel Pagnol) que la première partie, celle-ci confirme rétrospectivement tout le bien que l'on peut objectivement penser s'agissant de l'interprétation d'Emmanuelle Béart qui en 1986 parviendra sans mal à éclipser celle ce Jacqueline Pagnol. Si pourtant l'on se régale toujours autant devant certaines séquences iconiques telles que les explications alambiquées de l'ingénieur du génie rural face à des administrés qui n'y bitent pas grand chose ou lors du très long serment prononcé par le curé (l'acteur Henri Vilbert), il est clair que Ugolin n'est pas toujours à la hauteur de la première partie. Et pourtant, toujours en verve, la plupart des acteurs donnent une véritable leçon d'interprétation. Rellys (lequel incarne le rôle-titre) n'ayant rien à envier à Daniel Auteuil qui trois décennies plus tard prendra sa place. Comparé à la version de Claude Berri dont il est acquis qu'il s'agit d'un chef-d’œuvre au même titre que sa première partie Jean de Florette, Ugolin est traité ici avec parfois tant de frivolité qu'une bonne partie de l'aspect dramatique s'envole malheureusement. Sentiment donc renforcé par l'interprétation d'une Jacqueline Pagnol qui semble totalement aux fraises lors des séquences où elle revient sur le drame qui toucha sa famille. Notons que de nombreuses différences existent entre les versions de 1952 et 1986. Ici, la petite famille Caderet possède un fils plus âgé que Manon. Lequel mourra d'ailleurs selon sa sœur dans de dramatiques circonstances peu de temps avant leur père. Claude Berri ayant plus tard fait le choix de supprimer certains passages du roman, le cinéaste aura cependant su privilégier le drame à la comédie et surtout sublimer l'acte final, lorsque une vieille femme annonce à César (Le Papet) que Manon est sa petite-fille. Et que donc, Jean Cadoret était son fils ! Ugolin n'en demeure pas moins un grand film. Ou plutôt, une seconde partie d'un tout s'étirant sur près de deux-cent quarante minutes non dénuée de quelques défauts en comparaison de la première. La faute donc à une Jacqueline Pagnol qui manque de crédibilité. Une ''erreur de casting'' qui par contre est contrebalancée par des partenaires de très haute volée et des dialogues aux petits oignons...

 

Transmutation (Demonwarp) d'Emmett Alston (1988) - ★★★★★☆☆☆☆☆

 

 

Amateurs de scénarii perchés, bienvenue à vous. Acteur prolifique durant plus de quatre décennies, George Kennedy est surtout resté célèbre en incarnant le rôle du Capitaine Ed Hocken dans la trilogie The Nacked Gun sortie chez nous sous le titre Y a-t-il un flic... (pour sauver la reine en 1988, le président en 1991 et Hollywood en 1994) mais également celui de Joe Patroni dans les cinq volets de la saga Airport entre 1970 et 1979 ! Étant passé en outre par à peu près tous les genres, on a pu notamment le découvrir dans un certain nombre de films d'horreur, d'épouvante et de fantastique parmi lesquels, Le Bateau de la mort d'Alvin Rakoff, Creepshow 2 de Michael Gornick, M.N.I. mutants non identifiés de Thierry Notz ou bien le nanar culte Le Clandestin de Greydon Clark, lequel donna également naissance à l'excellente petite production de science-fiction horrifique Terreur Extraterrestre en 1980. S'agissant de Transmutation d'Emmett Alston (auteur en outre de American Ninja en 1985 ou de Force of the Ninja en 1993), le long-métrage se rapproche d'ailleurs qualitativement de ce dernier et moins des deux précédents tant ce film qui mêle à peu près tout ce que l'on est en droit d'attendre en terme d'horreur et de fantastique. Voire même de science-fiction. Un peu comme si l'on avait demandé à Christophe Izard, l'inventeur de la recette du Gloubi-boulga, d'écrire un scénario à partir de toutes les idées les plus folles qu'il aurait eu en tête à ce moment là ! Tout commence par la chute de ce qui semble être une météorite en pleine campagne.Un ''bolide'' qui ressemble d'ailleurs davantage à un gros œuf qu'à un caillou venu des tréfonds de l'univers. S'ensuit l'attaque dans une vieille bicoque d'un homme d'âge mûr (George Kennedy dans le rôle de Bill Crafton) et de sa fille Julie (Jill Marin), laquelle est assassinée par une grosse bête poilue aux allures de Bigfoot tandis que son paternel s'évanouit avant d'avoir pu venir à son secours ! Quelques jours passent et débarquent alors cinq jeunes adultes du type de ceux que l'on voit généralement se faire zigouiller dans les slashers. Ils vont s'installer chez le père de l'un d'entre eux. Le propriétaire de la demeure, celle-là même que Bill Crafton avait loué avant d'être attaqué par l'infâme créature, n'a plus donné signe de vie depuis quelques temps. C'est donc non seulement dans l'intention de passer quelques jours en bonne compagnie (Michelle Bauer et Shannon Kennedy Sullivan, la propre fille de George Kennedy, incarnant respectivement les deux seules femmes du groupe, Betsy et Tara) mais aussi pour l'un des garçons, l'occasion d'investiguer sur la disparition de son père que le groupe se réunit en ces lieux malgré la peu flatteuse réputation que connaît la région...

Faux slasher mais vrai nanar, le tueur n'y est pas un alter ego des célèbres Jason Voorhees et Michael Myers mais bien ce qui semble être un grand singe. Lequel va de nouveau débarquer dans la maison de Clem (le propriétaire incarné par Joe Praml) pour s'en prendre au groupe et faire deux victimes parmi les garçons (et tant qu'à faire, les plus cons des trois). Tentant de survivre aux assauts répétés de la bête, les deux filles ainsi que Jack (David Michael O'Neill), le fils du propriétaire (vous suivez?), vont rapidement quitter la maison pour s'enfoncer dans la campagne environnante et faire plusieurs rencontres jusqu'à découvrir une grotte dans laquelle s'est retranchée le... ''primate''... ! Si Transmutation (connu sur le territoire américain sous le titre Demonwarp) démarre assez bien, le reste du long-métrage est d'une toute autre teneur. Répétitif à souhait mais doté de quelques effets gore prosthétiques plus ou moins aboutis, le film est souvent très lent et donc relativement ennuyeux. Du moins, jusqu'à son dernier acte. Celui-là même qui situe son action à l'intérieur de la grotte. Là, Emmet Alston et les scénaristes Jim Bertges et Bruce Akiyama s'en donnent à cœur joie. Sur la base d'une histoire créée par John Carl Buechler (oui, oui, on parle bien là du réalisateur de Troll en 1986, de Cellar Dweller en 1987, de Vendredi 13, chapitre VII : Un nouveau défi en 1988 ou de Ghoulies III en 1991), Transmutation part totalement en vrille. À commencer par cette ''comète'' qui comme nous le découvrons alors est en réalité un vaisseau spatial venu s'écraser à la surface de notre planète. Tandis que l'on découvre rapidement que le ''singe'' qui attaquait jusque là toute personne croisant sa route n'est en réalité que le père de Jack génétiquement retourné à l'état sauvage, un groupe de... ''zombies'' contrôlés par une force maléfique (en fait, l'extraterrestre échoué à bord du dit vaisseau) répare l'engin pour un départ prévu prochainement. Bon, on ne va pas détailler ce qui suit lors de cette dernière partie totalement barge et nanardesque mais elle vaut à elle seule son pesant d'or. Pas étonnant alors que Transmutation soit considéré par certain comme un authentique film culte malgré ses nombreux défauts. À voir pour se faire une idée très précise du bousin... !

 

The Gates de Stephen Hall (2023) - ★★★★★★☆☆☆☆

 

 

Le retour parmi les vivants de dangereux criminels ayant été condamnés et exécutés à la chaise électrique n'est pas nouveau dans l'impitoyable univers du cinéma puisque deux films d'horreur au moins ont évoqué ce sujet dans les années quatre-vingt. Et ce, coup sur coup, avec Prison de Renny Harlin en 1988 et Shocker de Wes Craven l'année suivante. L'on pourrait également citer le cinquième épisode de la troisième saison de la série de science-fiction culte X-Files intitulé The List (La liste) et dans lequel Mulder et Scully enquêtaient voilà plus de trente ans sur une série de meurtres commis par l'ancien détenu Napoleon ''Neech'' Manley, exécuté lui aussi à la chaise électrique après avoir promis de revenir d'entre les morts afin de se venger de cinq individus qui le malmenèrent en prison... Habitué des films d'horreur, après avoir réalisé toute une série de courts-métrages ainsi qu'un long en 2018 sous le titre Night Shift, le réalisateur et scénariste américain Stephen Hall est réapparu en 2023 avec The Gates. Un film que l'on pourrait dire ''d'époque'' puisque interprété en costumes et intégrant sa poignée de personnages à la fin du dix-neuvième siècle. Aux alentours des années 1890, le tueur en série William Colcott est arrêté, jugé, enfermé puis condamné à la chaise électrique. Une expérience qui n'a pas vraiment l'air de le ''froisser'' puisqu'il semble au contraire plutôt serein... Et pour cause, celui-ci va revenir hanter la prison en prenant notamment possession de l'épouse du directeur de la prison et en poussant tout d'abord deux prisonniers condamnés à mort au suicide... Sobrement traduit chez nous sous le titre Les portes, le dernier long-métrage de Stephen Hall mêle avec un certain brio film historique, épouvante, horreur et fantastique sous-tendant l'idée selon laquelle deux de ses personnages seraient à l'origine d'une machine capable d'enregistrer les voix de fantômes captées à travers des ondes si minces que celles-ci ne sont pas perceptibles par l'oreille humaine. The Gates évoquant d'ailleurs très rapidement le Phénomène de Voix Électroniques (ou PVE) cher aux nombreux chasseurs de fantômes qui pullulent depuis un certain nombre d'années sur les réseaux sociaux et dont Guss DX (pseudonyme sous lequel se cache Guillaume Durieux) est l'un des plus fameux représentants hexagonaux...

D'un constat simple qui veut qu'une paire d'enquêteurs paranormaux, un médium, plusieurs gardiens de prison, le directeur ainsi qu'un prêtre acceptent de s'enfermer afin d'empêcher une entité maléfique de s'échapper des murs de l'établissement, Stephen Hall transforme un simple film d'épouvante en huis-clos fantastico-horrifique dans lequel s'opposent tout d'abord des points de vue divergents. Car l'arrivée au centre de l'intrigue d'Emma Wicks et de son oncle Frederick Ladbroke signe les soubressauts de nouvelles techniques d'investigation face à une méthode de médiumnité beaucoup plus classique employée par un certain Lucian Abberton (l'acteur Michael Yare). Tandis qu'Emma est incarnée par l'actrice Elena Delia, le rôle de son oncle a été confié à l'acteur John Rhys-Davies, célèbre pour avoir notamment interprété le rôle de Sallah dans la saga Indiana Jones de Steven Spielberg, celui du Nain Gimli dans la franchise Le seigneur des anneaux ou encore le professeur Maximilien Arturo dans la série de science-fiction Sliders... Mixant les films cités au départ de cette critique avec des œuvres aussi diverses que L'exorciste de William Friedkin et la cohorte de film d'horreur très inspirés par ce classique de l'épouvante, The Gates rejoint donc la très longues liste des œuvres convoquant la présence d'un esprit maléfique dans un récit plutôt linéaire et minimaliste. Le cadre et le rythme accentuant le sentiment de sobriété qui se dégage de la mise en scène, de l'interprétation et des effets visuels et spéciaux même si ces derniers accentuent l'aspect horrifique des événements durant la dernière partie de l'aventure. Évoqué sous le prisme d'une entité invisible mais bien présente, l'esprit démoniaque de William Colcott réapparaît sous les traits d'une femme qui va s'en prendre aux protagonistes. Une apparition qui malheureusement frise le ridicule à défaut d'être capable de véhiculer le moindre sentiment d'effroi chez le spectateur. Malgré une reconstitution historique qui se cantonne aux quatre murs de la prison et des costumes qui font illusion, The Gates se regarde comme une petite gourmandise sans prétentions particulières. Une petite production horrifique dont on devine ou l'on imagine que le budget ne fut pas mirobolant. Bref, sympa, sans plus...

 

Delirio Caldo de Renato Polselli (1972) - ★★★★★★★☆☆☆

 

 

Connu chez nous sous le titre Au-delà du désir mais aussi sous celui beaucoup plus délirant et opportuniste de Sexe en délire, Delirio Caldo du réalisateur, scénariste et producteur italien Renato Polselli revêt davantage les atours du Giallo que du drame ou de la comédie érotiques que laissent transparaître ses deux ''traductions'' françaises. Et pourtant, de nudité il est bien question ici, dans cette œuvre étrange, parfois étouffante, souvent fiévreuse et assurément morbide. Partant d'un postulat que partagent énormément de Gialli puisque le script de Renato Polselli tourne autour d'une série de meurtres que la police a bien du mal à résoudre. Et ce, alors même que l'inspecteur Edwards (Raul Lovecchio sous le pseudonyme de Raoul) peut compter sur l'aide et le soutien du psychologue Herbet Lyutak qu'interprète l'acteur américano-hongrois Mickey Hargitay. Le film s'ouvrant pratiquement sur le meurtre de la septième victime annoncée d'un tueur en série qui sévit maintenant depuis un an, Renato Polselli filme l'acteur principal dans une situation qui ne laisse aucun doute quant à la responsabilité de son personnage. Notons que l'assassinat en question est tourné dans des conditions relativement singulières puisque après avoir proposé à une jeune femme de l'amener en voiture jusqu'à un rendez-vous, la véritable personnalité psychotique du docteur Herbet Lyutak s'exprime lors d'une séquence de poursuite qui les amènera lui et sa victime jusqu'au lit d'une rivière où la jeune femme sera alors assassinée par étranglement et par noyade. Une séquence étonnement longue, dérangeante, où le regard halluciné de Mickey Hargitay fonctionne à plein régime et sème le trouble chez le spectateur. Si Delirio Caldo convie ce dernier à suivre les exactions d'un homme sexuellement frustré qui à défaut de pouvoir satisfaire sa femme toujours vierge se rabat sur des inconnues qu'il tue afin de prémunir celle-ci de toute pulsion meurtrière, le script est aussi et surtout construit non pas seulement autour de ce seul personnage masculin mais aussi et surtout autour du couple que l'acteur forme aux côtés de l'actrice italienne Rita Calderoni qui incarne donc à l'écran l'épouse de Herbet Lyutak, Marzia. Une femme profondément amoureuse, incapable de vivre sans l'homme qu'elle aime. À tel point que des révélations finales viendront enfin expliquer certains détails qui durant le récit apparaîtront comme étant totalement incohérents...

Lorsque Valéry Giscard d'Estaing est élu Président de la République Française le 27 mai 1974, c'est le signe en France d'un relâchement des contrôles moraux plutôt stricts que connaît jusque là notre pays, lequel passe ainsi par davantage de libéralisme, ce qui a pour conséquence sur les plans d'ordre sexuels et culturels et s'agissant à proprement parler de Delirio Caldo (comme pour d'autres avant et après lui), l'avantage de pouvoir enfin sortir dans les salles de cinéma hexagonales après avoir été totalement interdit et classé X pour pornographie (le film sortant en outre sur support VHS sous le titre explicite et pourtant très proche de l'original, Délire ardent !). plus que n'importe quel Giallo, le film du cinéaste italien est une véritable plongée dans la psyché d'un couple sexuellement frustré mais tellement amoureux que l'usage de pratiques déviantes finit par cultiver leur passion commune. D'un côté l'on a donc un homme refusant presque tout contact avec sa femme de peur de la tuer et de l'autre, une épouse capable d'accepter qu'il l'étrangle lorsque les pulsions semblent irrépressibles. En mêlant sexe et violence dans un contexte où la frontière entre réalité, rêves et fantasmes devient de plus en plus mince, Renato Polselli signe une œuvre moite, inconfortable, où le sexe pourtant en abondance agit comme un inhibiteur de libido. Derrière la bande originale somme toute classique de Gianfranco Reverberi est libéré un flot intarissable de gémissements féminins sensuels et organiques qui agissent comme autant de curseurs sur la folie des uns et des autres. Celle-là même qu'exprime cette cacophonie terminale ouvrant de vertigineuses perspectives dont la solution, un peu floue il est vrai, viendra enfin apporter une solution à l'énigme entourant l'identité du tueur réel... Bref, Delirio Caldo reste une œuvre à part, moins sulfureuse que ne laissent présager sans ancienne interdiction en salle ainsi que celle aux moins de dix-huit ans. Un long-métrage que d'aucun pourrait juger de ''malade'' mais qui pourtant sonne comme un mirage essentiel du cinéma européen du début des années soixante-dix, avec son cortèges de qualités mais aussi de défauts...