Do not Enter de Marc Klasfeld (2026) - ★★★★★☆☆☆☆☆

 

 

Alors qu'il a quasiment consacré l'entièreté de sa carrière à tourner des clips vidéos pour divers artistes musicaux, le réalisateur, scénariste et producteur américain Marc Klasfeld s'est lancé pour la seconde fois dans la mise en scène d'un long-métrage plus de vingt années après avoir réalisé et écrit la comédie satirique The L.A. Riot Spectacular. En 2026, l'auteur de plus de cent-cinquante clips vidéos réalise donc son second projet cinématographique à travers non plus la comédie mais le cinéma d'horreur, d'épouvante et de fantastique avec Do Not Enter. Un film de genre dont il existe d'innombrables copies mais qui toujours et à jamais font le beurre de celles et ceux qui usent d'un indéfectible opportunisme pour se faire de l'argent. Et ce, quoi qu'il en coûte. Surtout lorsqu'il s'agit de prendre les spectateurs pour des imbéciles ou pour des ''patients'' atteints de sénilité, incapables qu'ils semblent être de voir qu'on leur ressort chaque année, la même partition. Faisant preuve ici d'un tout petit brin d'imagination puisque l'intrigue se déroule non plus dans une maison, un appartement ou un manoir hanté mais dans un hôtel qui a fermé ses portes après que l'épouse du directeur ait été assassinée et que le propriétaire des lieux ait lui-même disparu ! Je sais, et ma compagne ne cesse de me le répéter, mais il est interdit de proférer certains mots. Comme de dire qu'un film est une merde. Qu'un album de musique est une merde. Qu'une peinture est une merde. Qu'un ouvrage littéraire est une merde. Qu'une bande-dessinée est une merde. Ou que Jean-Luc Mélenchon est une merde même si concernant ce dernier, l'envie de l'écrire excite mes cellules grises et fait palpiter la pierre qui me sert de cœur... Tout débute ici de la pire des manières. Car après un générique qui attise tout de même la curiosité, la présentation de quatre des protagonistes qui vont évoluer durant le récit est on ne peut plus ratée. Quatre influenceurs, propriétaires d'une chaîne qui n'attire même pas cent spectateurs par vidéo. Et pourtant, Cora (Francesca Reale), Vernon (Shane Paul McGhie) ainsi que Diane (Adeline Rudolph) et son compagnon Rick (Jake Manley) se démènent pour proposer du contenu original et addictif. Mais rien n'y fait. Pas même lorsque de nuit, ils se jettent d'une rame de métro lancée à pleine vitesse lors d'une séquence absolument invraisemblable... Cependant, l'idée leur vient ensuite de s’introduire dans un hôtel désaffecté historiquement chargé...

Des meurtres, des disparitions et un magot paraît-il, astronomique, sur lequel jamais aucun visiteur n'a réussi à mettre la main ! Con comme un balai, Jake rappelle aux autres membres du groupe des Creepers qu'ils forment tous ensemble, l'une des lois qui le régissent : documenter puis disparaître. Mais surtout, le plus important, on ne touche à rien. T'as raison Coco. En gros, si les personnages trouvent le pognon, il leur est conseillé de le laisser à sa place... Tu parles ! Accompagnés d'un cinquième larron du nom de Balenger (Laurence O'Fuarain), Cora, Diane et les autres apprendront bientôt que sa présence au sein de l'hôtel n'est pas le fruit du hasard. Il faut avouer que pour l'instant, Do Not Enter a tout du bon gros navet pour adolescents boutonneux en mal de frissons pour enfants de moins de cinq ans. Les interprètes sont mauvais et le réalisateur semble pour l'instant bien incapable d'instaurer la moindre ambiance malgré des décors qui valent le détour... Fort heureusement débarquent ensuite à l'image trois bons gros connards formant quant à eux un groupe d'individus particulièrement violents. À commencer par JD (Kai Caster) qui au début avait beaucoup de mal à suivre les règles des Creepers avant de rejoindre ses nouveaux amis Mack et Tod (Brennan Keel Cook et Nicholas Hamilton) et dont le second est un fieffé psychopathe. Leur présence relance l'intrigue qui se révèle alors plus mouvementée qu'auparavant. Ajoutant à cela, une créature qui hante les lieux et qu'incarne quant à lui Javier Botet, acteur espagnol atteint du Syndrome de Marfan. Une maladie lui ''octroyant'' des spécificités physiques hors normes qui lui ont ouvert les portes du septième art et notamment celui du cinéma d'horreur puisqu'il devint célèbre en incarnant le rôle de Tristana Medeiros dans la franchise horrifique de Paco Plaza et Jaume Balagueró, [•REC]. Marc Klasfeld tentant d'ailleurs de reproduire la traumatique séquence située au dernier étage de l'immeuble où près de vingt ans en arrière le long-métrage des deux réalisateurs espagnol situait son action, mais sans avoir une once de leur génie. Difficile de noter Do not Enter avec objectivité. Entre certaines séquences véritablement nulles et d'autres qui maintiennent un certain intérêt, le film du cinéaste américain mérite à peine la moyenne. Et encore faut-il savoir à ce titre se montrer bienveillant envers Marc Klasfeld, ses interprètes ou son équipe technique...

 

L’Incroyable femme des neiges de Sébastien Betbeder (2026) - ★★★★★★★☆☆☆

 

 

Dix ans après avoir mis en scène Thomas Blanchard et Thomas Scimeca dans Le Voyage au Groenland dans lequel les deux interprètes faisaient le connaissance d'une communauté inuit, le réalisateur et scénariste Sébastien Betbeder retourne côtoyer ce peuple autochtone de l'Arctique et y plonge désormais les personnages incarnés par Blanche Gardin, Philippe Katerine et Bastien Bouillon. Lesquels interprètent respectivement Coline, Basile et Lolo, une sœur et ses deux frères qui n'ont plus communiqué entre eux depuis des années depuis que la jeune femme a fait le choix de partir au Pôle Nord afin de rechercher le Yéti, une créature légendaire issue de divers folklores. L'Incroyable Femme des neiges commence alors que Coline, transite de froid, s'écroule au sol. Le récit opère alors un voyage dans le temps. Un temps effectivement indéfinissable passe et l'on retrouve la jeune femme dans le village natal du Jura où elle vécu sa jeunesse auprès de ses deux frères et de leurs parents. Coline retrouve Basile, lequel travaille dans un restaurant. Lolo, quant à lui, ne débarquera qu'un peu plus tard, lorsque son frère estimera qu'il est tant que la fratrie se réunisse alors que Coline est devenue mutique. Entre temps, celle-ci aura eu l'occasion de revoir Christophe (Laurent Papot), un ancien petit ami qui avait fait le choix de la quitter. Car Coline est une femme instable. Bipolaire. Tandis que sa mort approche, elle et ses deux frères vont partir retrouver la petite communauté inuit qui l'avait accueillie alors qu'elle risquait de perdre la vie quelques années auparavant avant d'être miraculeusement retrouvée par deux hommes de la communauté en question... Notons que pour une fois, Blanche Gardin nous épargne la vulgarité dont elle s'est rapidement faite l'une des ''spécialistes'' lors de ses spectacles pour au contraire approcher son personnage de manière plutôt sobre. De son côté, et bien que le rôle de Basile lui colle relativement bien à la peau, l'exubérance de Philippe Katerine est ici beaucoup moins visible.

Aux côtés de Bastien Bouillon, ils composent une fratrie quelque peu dysfonctionnelle qui s'explique notamment lors d'une périlleuse et vertigineuse randonnée devant mener nos trois protagonistes jusqu'au refuge de leur père décédé. Sans trop être caricaturaux, l'on peut tout de même considérer les personnages comme des ''originaux''. Un terme qui sied d'ailleurs parfaitement au récit, dont la sobriété ainsi qu'une certaine austérité range L'Incroyable Femme des neiges dans une catégorie de longs-métrages qui s'écartent drastiquement du cinéma populaire et grand public. Et même si le titre prétend à l'origine opérer une rencontre ''fabuleuse'' entre notre héroïne féminine et l'un des plus célèbres mythes relatant l'existence d'une créature parfois nommée Bigfoot, Basajaun ou Kaptar, le long-métrage de Sébastien Betbeder est aussi et surtout ancré dans une réalité tragique : la mort annoncée de Coline. L'occasion pour le réalisateur et scénariste français d'évoquer à travers le récit, des coutumes ancestrales inuit qui porteront nos trois protagonistes en un lieu sacré, une porte, un chemin emprunté par nombre d'habitants de la région lorsque la Mort se fait pressante. Une issue abordée de manière d'ailleurs très optimiste puisque même si Sébastien Betbeder évoque l'idée d'un adieu entre la sœur et les deux frères, rien ne semble véritablement inéluctable. Derrière cette idée originale emprunte de mysticisme se cache malgré tout une œuvre qui ne se départit pas d'un certain humour. À travers la personnalité des divers protagonistes, certes, mais également à travers certaines situations. Comme les retrouvailles on ne peut plus extravagantes entre Coline et Sophie Giroud (Clémentine Baert), cette gamine que l'héroïne détestait assez peu cordialement du temps de leur adolescence et qui depuis est mariée avec Christophe, son ancien compagnon ! L'Incroyable Femme des neiges demeure malgré tout une œuvre très particulière, dénuée d'une énergie propre à la comédie. Humour et drame s'imbriquent dans un récit qui fait la part belle à des décors parfois saisissants de beauté et à une communauté inuit que le réalisateur rend très attachante...

 

Marty Supreme de Josh Safdie (2026) - ★★★★★★★★★☆

 

 

Après une carrière en commun longue d'une dizaine d'années qui a vu éclore quelques pépites parmi lesquelles l'on peut citer Good Time en 2017 ainsi que Uncut Gems en 2019, les frères Safdie se sont séparés pour, officiellement, poursuivre chacun de leur côté des carrières de cinéastes bien distinctes. Pourtant, les raisons invoquées semblent bien plus sombres qu'elles n'en n'ont l'air mais nous ne nous attarderons pas ici à leur sujet. En effet, il est sans doute plus préférable d'évoquer le dernier long-métrage réalisé par Josh, l'aîné des deux frères qui après le départ de Benjamin vient de réaliser, écrire et produire (en collaboration avec son principal interprète Timothée Chalamet, Ronald Bronstein, Eli Bush et Anthony Katagas) ce qui sans doute demeurera comme l'un des meilleurs films à avoir vu le jour en cette année 2026 même si celle-ci n'en est pour l'instant qu'à son troisième mois. Après avoir habitué le public à assister à des spectacles relativement sombres notamment à travers les deux exemples cités plus haut, Josh Safdie perpétue un genre dont les frères Joel et Ethan Coen ont longtemps été les portes-étendards. Un mélange entre thriller noir, absurde, drame et dont Blood Simple, Fargo, No Country for old Men ou Burn After Reading demeurent les plus remarquables exemples. Pourtant, ici, nulle trace de l'un et de l'autre à la réalisation ou à l'écriture. En solo, John Safdie assure lui-même la réalisation. Ainsi que l'écriture à laquelle a collaboré le scénariste, acteur, monteur et producteur Ronald Bronstein auquel les frères Safdie offrirent notamment le rôle de Lenny dans Lenny and the Kids il y a dix-sept ans. Derrière un titre qui renvoie à l'appellation des balles de Tennis de Tables oranges dont le personnage central Marty Mauser s'enorgueillit d'être l'inventeur alors même que leur conception provient du fait que les blanches étaient difficilement décelables lorsque des matchs étaient diffusés à la télévision, Marty Supreme décrit avec raison la personnalité excentrique de cet ''anti-héros'' arrogant, opportuniste et très souvent dénué de toute morale lorsqu'il s'agit d'arriver à ses fins...

Un personnage charismatique pourtant dénué de l'ampleur physique que l'on prêterait généralement à ce genre d'individu. Relativement frêle comme l'était celui que l'acteur est censé reproduire à l'image, doté d'une moustache et d'une coiffure qui renvoient à l'époque où chez nous la série télévisée policière Les brigades du Tigre rencontrait un certain succès, on ne peut pas dire que Timothée Chalamet jouisse ici d'un statut d’icône sexuelle. Et pourtant, comme le démontrera par la suite l'évolution de sa relation avec la comédienne Kay Stone (Gwyneth Paltrow), l'homme est si sûr de lui et possède un tel bagout que rien, vraiment rien ne semble pouvoir se mettre en travers de sa route. Pas même la relation qu'il va entretenir avec cette beauté d'âge plus ou moins mûr qui s'amusera souvent de l'attitude de ce jeune homme d'une trentaine d'années son cadet mais avec lequel elle entretiendra une relation charnelle relativement intense. L'auteur de Marty Supreme mêle les genres avec un certain brio. Contrairement à un Edgar Wright qui parfois épuise à force d'être beaucoup trop démonstratif (Baby Driver en 2017, The Running Man en 2025), cette facette du cinéma de Josh Safdie fonctionne par contre à merveille. Sur la base d'un fait parfaitement authentique (le film s'inspire en effet de Marty Reisman, un pongiste qui entre 1958 et 1960 remporta deux fois l'US Open de Tennis de Table), Josh Safdie et son scénaristes ont conçu une œuvre qui dépasse de loin les frontières du Biopic tel qu'il est généralement envisagé sur grand écran pour introduire son arrogant personnage dans un récit qui fait appel à un genre auquel ceux qui connaissent bien l'histoire de l'ancien champion de ''Ping Pong'' aujourd'hui décédé depuis une quinzaine d'années ne s'attendaient certainement pas...

Une ambition dévorante qui poussera Marty ainsi que celle qu'il a engrossé huit mois auparavant (l'actrice Odessa A'Zion dans le rôle de Rachel Mizler) à suivre un chemin pavé d'embûches, mettant à diverses reprises sa vie et celle de la jeune femme en danger. Pourquoi ? Pour atteindre un but, un seul. Rencontrer de nouveau Endo (Koto Kawaguchi), le champion japonais de Tennis de Table qui quelques mois auparavant sortit vainqueur de la finale de l'Open d'Angleterre qui opposa les deux hommes. Persuadé que son adversaire fut avantagé grâce à un nouveau modèle de raquette, Marty n'a plus qu'un seul objectif. Partir au Japon pour les prochains championnats du monde afin de jouer contre Endo et de le battre. Problème : le jeune homme n'a pas l'argent nécessaire qui lui permettrait de prendre l'avion pour le Pays du Soleil Levant... Si Marty Supreme repose sur une mécanique parfaitement huilée, le film profite également d'un casting trois étoiles. À Commencer par Kevin O'Leary, lequel incarne le rôle du richissime homme d'affaire Milton Rockwell sur lequel compte Marty pour réaliser son projet. Tyler Okonma interprète de son côté le chauffeur de taxi et ami/complice d'arnaques Wally. Mais aussi et surtout, le long-métrage de Josh Safdie est l'occasion de redécouvrir l'immense Abel Ferrara dans le rôle d'Ezra Mishkin. Un personnage ambigu, dont les contours sont volontairement mal définis (mafioso ? Bookmaker ?) mais qui sera lui aussi au centre d'un récit touffu, transcendé par un cinéaste qui n'a pas laissé au hasard la moindre petite porte de sortie. Bref, foncez voir Marty Supreme tant qu'il est en salle, vous ne le regretterez pas...

 

Leaving Las Vegas de Mike Figgis (1995) - ★★★★★★★★★★

Ben Sanderson (interprété par Nicolas Cage) a tout perdu. Sa femme l'a quitté emportant avec elle leur progéniture, et il vient tout juste de se faire licencier par la boite de production dans laquelle il travaillait. Alors Ben boit, plus que de mesure. En plein désarroi il n'a plus qu'une seule idée en tête,  avoir recours au suicide. Et comme il passe son temps à écumer les bars, il décide de se noyer dans l'alcool jusqu' à en mourir. Alors pour en finir il décide de tout quitter pour finir ses jours à Las Vegas, cette grande ville où les bars et les salles de jeux sont ouverts vingt quatre heures sur vingt quatre. Avant de partir, il brûle tout ce qui le rattache avec son existence: papiers et souvenirs partent en fumée, comme pour le libérer de tous les biens matériels qui le rattachent à une existence qu'il veut oublier.

Arrivé à Las Vegas, Ben fait la connaissance d'une prostituée prénommée Sera (la superbe Elisabeth Shue) avec laquelle il sympathise très vite. La jeune femme a quitté Los Angeles et fuit un certain Yuri, maquereau violent qui ne tarde pourtant pas à la retrouver. Usant d'un humour noir et sans faille, Ben tente tant bien que mal de cacher son goût immodéré pour l'alcool. 

Plus qu'une simple séance de culbute dans un hôtel minable, la première rencontre entre Sera et Ben est pour eux l'occasion de partager une bonne bouteille et d'en apprendre un peu plus l'un sur l'autre. Plus tard, pressée par Yuri de rapporter davantage d'argent, Sera est humiliée par un homme qui se méprend sur ses intention. Elle part alors à la recherche de Ben qu'elle retrouve assis sur un banc, au milieu d'un boulevard, toujours pris de boisson, livide et délirant plus que jamais, incapable de voir la main que lui tend Sera. Celle-ci retrouve Ben un peu plus tard dans sa chambre d'hôtel miteuse avant de partager avec lui un délicieux repas dans un restaurant. Leur histoire d'amour, débute véritablement à ce moment là, avec toujours en toile de fond, la déchéance volontaire de Ben qui va bientôt s'installer chez Sera...

Nicolas Cage, qu'on le veuille ou non est un acteur formidable. C'est peut-être avec ce film que l'on découvre sa réelle capacité à interpréter un véritable rôle de composition. Habitué aux films d'action musclés, de ceux qui n'exigent aucune réflexion de la part du spectateur, il prouve avec ce film (pour lequel il remporta l'oscar du meilleur acteur) qu'il est capable d'interpréter un rôle difficile et sensible. Et quoi de plus censé que de voir "Leaving Las Vegas" en version originale? Car malgré un doublage en français excellent, on y perd un peu en émotion et en sincérité. Il n'est pas rare de se sentir mal à l'aise devant certaines scènes alors que d'autres émeuvent et prennent à la gorge. Sera, elle, se démène tant bien que mal pour sortir Ben de sa situation alors que la sienne est déjà tellement compliquée, réalisant que l'issue de celui qu'elle aime ne peut être que fatale. Alors elle va l'accompagner jusqu'au bout.......Par amour. 

Elisabeth Shue est formidable dans son rôle de "prostituée-ange gardien" et aurait sans doute mérité au même titre que Nicolas Cage, de remporter un Oscar. Mike Figgis réalise un film tout en finesse et simplicité et tape en plein dans le mille, n'hésitant pas parfois à bousculer le spectateur dans des scènes, qu'elles soient interprétées par Cage ou Shue, qui forcent le respect tant elles sont jouées de façon admirable.

Un film jusqu'au boutiste puisque l'Amour seul n'arrivera pourtant pas à sauver Ben...

La bonne étoile de Pascal Elbé (2025) - ★★★★★★★★☆☆

 

 

La seconde guerre mondiale ayant fait l'objet de nombreuses adaptations cinématographiques, il n'est pas étonnant que certains réalisateurs et scénaristes aient pris le parti de l'évoquer sous l'angle de la comédie. Allant chez nous de l'extrême ''franchouillardise'' avec Le Führer en folie de Philippe Clair en 1974 en passant par la comédie populaire avec Papy fait de la résistance de Jean-Marie Poiré et la trilogie de La 7ème compagnie de Robert Lamoureux et même jusqu'à ce que l'on aurait pu considérer à l'époque de sa sortie comme un ''Blockbuster'', La grande vadrouille, malgré un budget minime dépassant à peine les deux millions deux-cent mille euros pour une œuvre qui attira au moment de sa sortie et uniquement sur le territoire hexagonal, plus de dix-sept millions de spectateurs... Écrit et réalisé par Pascal Elbé, La bonne étoile est son quatrième long-métrage en tant que réalisateur, il est surtout connu pour sa carrière d'acteur, ce qui ne l'a donc pas empêché de débuter son métier de cinéaste dès 2010 avec Tête de turc. Suivront en 2015 Je compte sur vous et en 2020 On est fait pour s'entendre. Originaire d'une famille juive d'Algérie, le sujet central de La bonne étoile éclaire sous un jour qui n'est malheureusement pas tout neuf le cas du juif en France. comme en témoignent certains événements récents ou comme Pascal Elbé, lequel constate que depuis la fin de la guerre rien n'a vraiment changé. Les préjugés perdurent et il n'est pas certain que La bonne étoile permette ou pousse les esprits réfractaires à changer d'opinion s'agissant de la communauté juive. Et pourtant... Relativement mal perçu par une partie des critiques qui n'ont peut-être pas réellement saisi de ce que voulait témoigner à son public Pascal Elbé, La bonne étoile est un petit bijou qui gagne en force et en intérêt au fil de l'intrigue. Après des débuts hésitants dont quelques passages pourtant forts drôles réunis dans une bande-annonce qui laissait présager une pure comédie débarrassée de toute forme de dramaturgie, le dernier film écrit et réalisé par Pascal Elbé est en fait beaucoup plus profond qu'il n'y paraît. Et ce, même s'il convie dans le rôle de Jean Chevalin, un Benoît Poelvoorde qui comme souvent oscille entre drôlerie et infortune. Tout commence pourtant par une idée absurde : soldat de l'armée française, Jean Chevalin déserte au bout d'une journée seulement. Et alors que d'autres qui comme lui ont lâchement abandonné leur poste en s'enfuyant avant d'être retrouvés puis condamnés au peloton d'exécution, l'homme entend faire passer son épouse Paulette (Audrey Lamy), leur fils Marcel (Louis Lagorce Douce-Doussière) et lui pour une famille juive.

Afin, ensuite, de se mettre à l'abri chez Madeleine (Zabou Breitman), une Comtesse qui a pour habitude d'abriter des familles pourchassées par l'armée allemande... Pleutre, Jean va pourtant bien malgré lui se retrouver embrigadé dans la résistance et devenir cet homme courageux qui jusqu'à maintenant lui faisait défaut... En chemin, il rencontrera Sam Goldstein (Pascal Elbé lui-même) qui par sa faute a été séparé de son fils Salomon (Camille Sagols)... Quand la France se met à la comédie dramatique plutôt qu'à la comédie ''tout court'', il n'est pas rare d'être agréablement surpris. Car sous ses atours de parodie dont l'essentiel tourne autour de la poltronnerie du personnages incarné par Benoît Poelvoorde, c'est l'attitude même des français lors de l'invasion de notre pays par l'Allemagne nazie qui intéresse ici Pascal Elbé. Traduisant la Collaboration à travers quelques individus manifestement plus enclins à traverser la guerre en se positionnant autrement que du côté de l'envahisseur que de celui de leurs propres concitoyens, La bonne étoile décrit les agissements de ceux qui assurèrent leurs arrières en s'associant à la police politique du Troisième Reich connue sous le nom de Gestapo ou les bassesses notamment fomentées ici par une horrible bonne femme dénonçant une famille juive qu'elle côtoie pourtant depuis des années. Mais surtout, La bonne étoile pousse un homme à côtoyer ceux-là mêmes qu'il était prédisposé à voir comme le veulent les clichés, jusqu'à prendre son courage à deux mains afin de reconquérir le cœur de son épouse. Parfois drôle même si l'on ne rigole pas à gorge déployée, mais aussi très émouvant (l'on remerciera d'ailleurs le duo de musiciens Romain Allender et Valentin Couineau pour certaines de leurs compositions), La bonne étoile se range finalement du côté du meilleur de la ''comédie de guerre à la française''. Bien loin de ce que laissait présager la bande-annonce... et c'est tant mieux !

 

Kyua de Kiyoshi Kurosawa (1997) - ★★★★★★★☆☆☆

 

 

Cinéaste japonais très prolifique, le réalisateur, scénariste, acteur, directeur de la photographie et monteur Kiyoshi Kurosawa signait en 1997 le très étrange Kyua qui dans notre langue signifie guérir mais qui pour les besoins de sa distribution à l'internationale a été traduit sous le titre de Cure. Alors que certains s'escriment à faire le Bien, d'autres penchent du côté du Mal. C'est ainsi que l'on peut voir le personnage de Kunio Mamiya, incarné à l'écran par l'acteur Masato Hagiwara, acteur présent à plus de cent-cinquante reprises au cinéma et à la télévision japonaise et qui dans le cas de ce très énigmatique personnage qu'il interprète ici dispose d'une attitude ambivalente, trouble et indécise. Face à lui, l'inspecteur Kenichi Takabe qu'interprète de son côté Kōji Yakusho. Rompu à son métier de flic, il va à travers cette difficile enquête menée autour d'une série de meurtres rencontrer l'un de ses plus dangereux adversaires. La logique croisant la route du ''paranormal'' dans une œuvre très inconfortable, suivant deux ans plus tard le même chemin qu'un certain thriller psychologique américain brillamment orchestré par le réalisateur David Fincher, Se7en ! Au Pays du Soleil Levant, Kiyoshi Kurosawa ne traite cependant pas des sept péchés capitaux comme le fit deux ans auparavant son ''rival'' outre-atlantique mais du Mesmérisme, du nom de son fondateur, le médecin originaire du Grand-Duché de Bade, Franz Anton Mesmer. Reposant sur la théorie du magnétisme animal, le Mesmérisme se veut être selon celui-ci la capacité de guérir tout individu grâce à l'emploi d'un fluide magnétique influençant chaque être sur cette planète. De cette conception très particulière de mener à la guérison en brisant les obstacles qui empêchent la libre circulation du dit fluide magnétique, Kiyoshi Kurosawa développe l'idée d'une telle intervention à des fins beaucoup moins bienveillantes que ne le laisse supposer le procédé. Une manière, peut-être, pour le cinéaste, d'effectuer de manière très personnelle une critique très amère d'une pratique qui une fois mise entre de mauvaises mains peut donner lieu à de dangereuses dérives. Mais plus qu'une étude scientifico-psychologique portant principalement sur cette doctrine qui fit notamment des émules au dix-huitième siècle puisque la reine Marie-Antoinette s'y intéressa, Kiyoshi Kurosawa intègre le concept au cœur d'un thriller moite, sombre, dans lequel une série de meurtres particulièrement épouvantables sont commis non pas par un seul homme, mais par plusieurs...

En effet, chaque assassinat n'est relié que grâce à certains stigmates portés par les victimes. Une ''signature'' qui unit les meurtres les uns aux autres. Des égorgements en forme de X, toutes les victimes décédant ainsi rapidement par hémorragie massive ! L'un des aspects les plus curieux de toute cette affaire est que les tueurs étaient bien avant de devenir des assassins, des individus n'ayant jamais eu affaire avec la justice. Loin d'être un film grand public cherchant à systématiquement ''divertir'' son public, Kyua pénètre l'âme en profondeur, à travers un rythme parfois tellement lascif qu'il finit par engourdir l'esprit. Détournant ainsi le spectateur de son objectif principal consistant à suivre une banale histoire de meurtres en série suivie d'une enquête policière. On ne sait alors plus trop sur quel tableau mise le cinéaste japonais. Horreur ? Thriller ? Surnaturel ? Sans doute un peu des trois, entremêlés, liés par la volonté d'une approche psychologique jamais rébarbative même si parfois la lenteur du récit peut s'avérer agaçante... Avec sa personnalité si particulière, le personnage de Kunio Mamiya rejoint ainsi certains grands noms du cinéma mondial. Tel justement le John Doe de Se7en ou le Akira Yamada de l'incroyable Limbo, chef-d’œuvre signé du réalisateur hongkongais Soi Cheang en 2021. Visuellement, Kyua n'a rien à se reprocher vis à vis de la concurrence, décrivant un monde parfois déshumanisé mais aussi très réaliste et dans lequel Kiyoshi Kurosawa filme froidement et avec distanciation certains crimes (comme celui de l'agent devant l'entrée du commissariat). Ici, pas de mystère quant à l'identité réelle du responsable de ce que l'on pourrait évoquer comme étant une forme d'épidémie de meurtres commis par procuration ! Tout au plus le réalisateur conserve-t-il durant un temps le mystère quant à la méthode employée pour pousser d'innocentes personnes à commettre l'irréparable. Reste que Kyua demeure une œuvre pénétrante qui ne comblera pourtant pas toutes les attentes de certains amateurs de thrillers noirs ou d'autres attirés par les divertissements pour grand public en raison de son rythme parfois lymphatique et d'un climat qui ne convie jamais vraiment à la réjouissance...

 

Jiko Bukken: Zoku Kowai Madori de Hideo Nakata (2025) - ★★★★★★★☆☆☆

 

 

Cinq années après le sympathique mais néanmoins dispensable Jiko Bukken: Kowai Madori, le cinéaste japonais Hideo Nakata revenait en 2025 avec une suite intitulée Jiko Bukken: Zoku Kowai Madori et reposant sur le même principe. Digérant tout un pan de la J-Horror, cette séquelle qui n'en est pas vraiment une même si là encore le script met le héros en situation de confrontation avec des phénomènes paranormaux, repose sur un concept connu sous le nom de Propriétés Stigmatisées. Comprendre qu'une demeure, qu'il s'agisse d'un appartement, d'une maison ou d'un lieu tel qu'une auberge ou un hôtel peut perdre de sa valeur dès lors qu'il confronte propriétaires et locataires à des événements plus ou moins inquiétants directement liés à l'histoire des lieux... Considérant que tout comme le précédent volet Jiko Bukken: Zoku Kowai Madori se base sur des faits authentiques et non sur la simple imagination de son auteur, Hideo Nakata signe avec cette suite une œuvre qui dépasse de très loin les rares qualités que possédait déjà Jiko Bukken: Kowai Madori. Un retour aux sources pour l'auteur d'une pléiade de long-métrages horrifico-fantastique prenant sans doute leur source dans le folklore japonais et précisément à travers le terme Yōkai qui au Pays du Soleil Levant désigne tout ce qui a trait à des phénomènes paranormaux de type spectres, fantômes, ectoplasmes et autres joyeusetés du genre. Parmi les grandes œuvres du cinéaste japonais, le séminal volet de la franchise Ringu et sa suite en 1998 et 1999 ou ce qui demeure sans doute le plus remarquable joyau de la J-Horror avec Honogurai Mizu no Soko Kara, sorti à l'internationale sous le titre Dark Water, et dont la puissance résonne encore davantage comme une œuvre prémonitoire lorsque l'on compare le script de Hideo Nakata et des scénaristes Yoshihiro Nakamura et Ken'ichi Suzuki à l'un des faits-divers les plus troublants ayant pourtant eu lieu onze ans après la sortie du film : L'Affaire Elisa Lam, dont le corps fut retrouvé noyé dans l'un des réservoirs d'eau de l'hôtel Cecil situé à Los Angeles le 19 février 2013. Mais revenons à Jiko Bukken: Zoku Kowai Madori dans lequel le jeune ouvrier en métallurgie Yahiro Kuwata (Shota Watanabe) rêve de faire de la télé. C'est sur les conseils de son supérieur hiérarchique qu'il part pour Tokyo retrouver un certain Fujiyoshi (Kôtarô Yoshida) qui l'aiguille alors vers une émission pour laquelle le jeune homme devra accepter de vivre dans diverses demeures ayant été le théâtre de phénomènes étranges...

Là où Jiko Bukken: Zoku Kowai Madori ressemble à son aîné mais diffère de la majorité des films d'horreur japonais mettant en scène des créatures fantomatiques, c'est dans son découpage. Sans pour autant arborer réellement les atours du film à sketches, le long-métrage de Hideo Nakata est découpé en plusieurs chapitres numérotés et se distinguant par le plan et le nom des différents lieux qu'investira notre jeune héros. Surtout, le cinéaste en profite pour développer toute une série de contextes allant du petit studio en passant par l'auberge et jusqu'à la colocation. De quoi isoler Yahiro dans certaines conditions tout en lui opposant des colocataires dans d'autres circonstances. Allant même jusqu'à réunir autour de lui une équipe de télévision lors de la séquence se déroulant dans une auberge vidée de clients bien trop impressionnables... Si avec Jiko Bukken: Zoku Kowai Madori ne retrouve pas la fibre angoissante et le génie de ses premières proposition en matière de J-Horror, ce dernier renoue malgré tout avec le charme de ces productions horrifiques qui ne perdent que rarement l'exotisme qui leur est propre. Mais à trop vouloir répéter Ad Nauseam le même principe comme son compatriote Takashi Shimizu, le résultat ne peut être que mitigé. Et à moins de n'avoir jamais connu le grand frisson devant Ringu, Dark Water ou encore Janghwa, Hongryeon du coréen Kim Jee-woon, la peur se fera malheureusement rare... Et pourtant, oui, pourtant, le film fonctionne à merveille lorsqu'il s'agit d'évoquer les différentes manières d'aborder les phénomènes. D'autant plus que le scénario n'oublie pas d'inclure un peu de féminité en la personne de Karin (Miku Hatta), un petit bout de femme fort charmante rencontrée sur une plage par Yahiro lors du tournage d'une publicité. S'installera alors une complicité entre les deux protagonistes, cachant en outre un renversement de situation aussi inattendu qu'émouvant. Bref, Hideo Nakata revenait l'année dernière en très grande forme avec ses premières amours. Espérons que cela sera également le cas pour Takashi Shimizu dont on attend toujours ses deux prochains projets qui demeurent encore malheureusement à l'état de pré-production, The Graveyard Apartment et Kuchi ni Kansuru Anketo...

 

The Bayou de Taneli Mustonen et Brad Watson (2025) - ★★★★☆☆☆☆☆☆

 

 

Ça débute comme un film sur le narco-trafic, se poursuit comme un ersatz de la série Lost avant de lorgner du côté du Survival à tendance '' Agression Animale''. Autant le dire tout de suite, c' est de la merde. Et donc, totalement indispensable. Parce mauvais ou pas, n'importe quel film mérite en réalité d'être découvert. Si mauvais soit-il. Si indigents soient la mise en scène ou l'interprétation. Aucune grande star au générique mais un petit groupe d'acteurs qui nous feraient presque regretter le temps où des requins avaient la capacité de voler dans le ciel dans l'objectif de s'en prendre notamment à l'un des protagonistes de la série culte américaine, Beverly Hills 90210. D'ailleurs, si vous avez le courage de lire ce post jusqu'au bout, je vous réserve une petite surprise qui n'a rien à voir avec le 1er Avril qui se profile lointainement à l'horizon. Bon, pour être tout à fait franc, j'ai bien cru que nous tenions avec The Bayou, la perle rare. Un début prometteur. Ô pas cette séquence d'ouverture présentant des trafiquants de drogue ou celle exhibant de jeunes adultes typiques du cinéma visant le jeune public pré et post-adolescent mais bien la suivante. Un décor et une ambiance présentant un cadre proche des plus grands Survival du vingtième siècle. Genre Massacre à la tronçonneuse ou Délivrance. Mais bon, faut pas rêver puisque tout tourne en eau de boudin dès qu'un groupe de passagers d'un avion de tourisme se retrouve échoué dans le bayou du titre. Lequel n'est accessoirement pas celui que l'on pouvait espérer puisque le long-métrage de Taneli Mustonen et Brad Watson a sans doute pour des raisons financières été majoritairement tourné aux Philippines ! Marquée par la mort de son frère lors du braquage d'une épicerie, la jeune diplômée en médecine Kyle (Athena Strates) part en avion en compagnie de plusieurs amis afin de disperser ses cendres. Mais en plein vol, une avarie contraint le pilote à atterrir en urgence. L'avion s'écrase alors en plein bayou, là où des dizaines d'alligators affamés attendent la moindre opportunité pour s'attaquer aux survivants du crash... Simple, efficace, le script d'Ashley Holberry et de Gavin Cosmo Mehrtens ne cherche pas à noyer le spectateur dans une pseudo-analyse comportementale des personnages même si certains d'entre eux se détachent sensiblement du groupe...

The Bayou n'étant évidemment pas d'une grande originalité ni d'une subtilité exemplaire, l'on a droit au connard en costard, chemise ouvert et téléphone portable rivé à l'oreille. Faisant fi des recommandations des autres passagers qui lui conseillent d'éteindre son appareil... En bref, le Gros Con dans toute sa splendeur. Lequel est dans le genre, très rapidement rejoint par l'une des ''amies'' de l'héroïne. Une certaine Malika qu'interprète l'actrice Elisha Applebaum et que l'on espère voir crever à petit feu, goulûment avalée par l'un des sauriens qui rôdent dans des paysages qui à défaut d'être représentatifs de l'image que l'on se fait des bayous de la Louisiane possèdent le charme typique des luxuriantes forêts philippines. Un point positif à mettre au crédit d'un film très basique dans son déroulement. Crispant non pas en raison des risques perpétuels qu'encourent les personnages à s'aventurer à l'extérieur de la cabane où ils se sont précédemment réfugiés mais bien à cause de deux ou trois parasites de l'espèce humaine dont la vie, dans ce genre de récit, ne tient fort heureusement qu'à un fil ! Le genre étant ce qu'il est, plusieurs influences sautent aux yeux. Et notamment l'excellent Rogue que l'australien Greg McLean réalisa voilà près de vingt ans en arrière et qui pour le coup était vraiment angoissant ! Si j'abuse évidemment en affirmant que The Bayou est une merde puisqu'il vaut bien toute une palanquée d'autres films portant sur le même sujet, son absence d'innovations, de caractérisation et la pauvreté du script liée à une mise en scène et une interprétation académiques en font une œuvre tout à fait dispensable. Concernant la surprise que je vous réservais, pour ceux qui ne le sauraient pas encore, après une absence de sept années, la franchise Sharknado va bientôt ressurgir sur nos écrans à travers une préquelle intitulée Sharknado Origins qui comme son titre l'indique devrait revenir sur les origines du mal... Notons que le film n'en étant qu'à sa phase de pré-production, prévoir une date précise de sortie serait risqué. En attendant d'en savoir davantage, il vous est clairement conseillé de revoir les anciens opus plutôt que ce The Bayou qui demeure selon moi, sans intérêt...