Los Angeles 2013 de John Carpenter (1996) - ★★★★★☆☆☆☆☆

Quinze ans après avoir signé le classique de la science-fiction dystopico-post-apocalyptique New York 1997, allez savoir pourquoi, John Carpenter prend enfin la décision de concrétiser le scénario écrit par le scénariste américain Coleman Luck en 1985. Mais alors qu'à cette époque le script semble trop léger pour celui qui entre les deux volets réalisera une succession de chefs-d’œuvre plus ou moins horrifiques (parmi lesquels on retrouve The Thing en 1982, Christine en 1983 ou Prince des Ténèbres en 1987), deux événements vont avoir des conséquences sur la suite de sa carrière et John Carpenter prendra finalement la décision de tourner ce qui deviendra en 1996, Los Angeles 2013. Il aura en effet fallu des émeutes en 1992 à Los Angeles et un tremblement de terre pour que le projet soit relancé avec en vedette, un Kurt Russell sur lequel le poids des années ne semble avoir aucune prise. Le film débute par un topo qui nous explique qu'en 2000, un tremblement de terre a eu des conséquences désastreuses sur le continent américain, la ville de Los Angeles se retrouvant ainsi isolée du reste du pays à la suite d'un immense tsunami. Le gouvernement américain décide treize ans plus tard de profiter de la configuration géographique de Los Angeles pour transformer la ville en île-prison. Mais désormais, John Carpenter durcit cette thématique déjà abordée dans New York 1997 en enfermant davantage que les seuls criminels. Désormais, et à titre d'exemple, le seul fait d'être athée suffit pour être arrêté et jeté en prison parmi les prisonniers de droit commun...

Dans cette séquelle, le héros Snake Plissken est une nouvelle fois ''engagé'' (pour ne pas dire contraint) d'aider les autorités afin de récupérer une boite noire à laquelle semble particulièrement tenir le président en place. Exit Lee Van Cleef dans le rôle du responsable de la sécurité de New York désormais remplacé par le tout aussi détestable commandant Malloy incarné par l'acteur Stacy ''Mike Hammer'' Keach. Les fans du premier volet ne seront pas perdus puisque John Carpenter se contente en fait de reprendre les mêmes ingrédients tout en relevant l'exploit de faire moins bien qu'à l'époque. Tout ou presque est similaire à ce que proposait New York 1997 sauf que John Carpenter semble moins investi qu'auparavant. Si le casting fait le boulot, les effets-spéciaux sont dignes des pires séries de science-fiction des années quatre-vingt dix. À tel point que l'on se demande dans quelles mesures le réalisateur n'a pas volontairement donné sa touche kitsch à ce Los Angeles 2013 dont certaines séquences demeurent parfaitement indigestes. À titre d'exemple, le tremblement de terre d'une durée ridicule proposé en début de métrage n'a pas le dixième de l'impact visuel de celui du classique du film catastrophe signé en 1974 par Mark Robson, Earthquake. L'usage d'effets-spéciaux numériques gâche une partie du film tellement l'on a l'impression d'être face à des cinématiques de vieux jeux vidéos du début de l'ère numérique. La séquence du sous-marin demeure d'ailleurs l'une des plus remarquablement bâclée de ce Los Angeles 2013... synthétique !

Reste peut-être le récit... ? Bon, tout n'est pas qu'une (peu) scrupuleuse repompe de l'original. Et même si durant une grosse demi-heure Los Angeles 2013 ne fait pas franchement preuve d'originalité, avec le temps, ça s'arrange. Enfin, le terme est légèrement galvaudé. Car concernant la dite originalité, Big J se permet des incartades pas toujours judicieuses. Car à moins d'avoir un sacré sens de l'humour et une propension à accepter tout ce que ce ''Dieu'' de la science-fiction et du fantastique est capable de mettre en boite, le film est ponctué de séquences hautement nanardesques quand d'autres s'avèrent intéressantes (Le chirurgien fou incarné par Bruce Campbell et sa cohorte de timbrés en robe de bure). Telle la scène où Snake Plissken fait du surf en compagnie de Peter ''Pipeline'' Fonda. Où encore la rencontre entre le héros et une Pam Grier/Hershe Las Palmas en mode ''trans''. Deux options s'offrent au spectateur : soit Big J assume et alors il a réussi son coup. Soit il est passé à côté d'un concept qui se voulait plus proche de l'original que d'un quelconque nanar et là, c'est loupé. Mais connaissant le bonhomme et la qualité de sa filmographie, on aura tôt fait de l'imaginer faire un pieds de nez à l'univers hautement nihiliste de New York 1997 pour faire de sa séquelle un reflet beaucoup moins sombre. Des vingt longs-métrages (ciné et télé), Los Angeles 2013 demeure sans doute comme le plus faible d'entre tous. Un échec artistique qu'il parviendra fort heureusement à faire oublier deux ans plus tard avec l'excellent Vampires...

La Chasse Sanglante de Peter Collinson (1974) - ★★★★★★★☆☆☆

Connu pour avoir distribué par l'entremise de la collection ''Les films que vous ne verrez jamais à la télévision'' des films tels que Massacre à la tronçonneuse de Tobe Hooper, Maniac de William Lustig, Zombie de George Romero Inseminoid de Norman J. Warren ou le diptyque de Paul Morrissey Du Sang pour Dracula/Chair pour Frankenstein, René Château y distribua également Open Season (La chasse Sanglante) de l'américain Peter Collinson. Sorti la même année que le classique de Tobe Hooper et ayant lui-même connu des difficultés avec la censure française, le film sera le premier long-métrage hors pornographie à être orné d'un X le condamnant à une sortie dans les salles interdite aux moins de dix-huit ans en août 1982. Un moindre mal si l'on considère qu'avant cela, il fut tout simplement interdit pour incitation à la violence pendant une durée de sept années environs avant de pouvoir enfin éclore dans les salles de cinéma. Les possesseurs de magnétoscopes furent donc dans l'hexagone, les premiers à pouvoir profiter de ce Rape & Revenge tardif dans la chronologie des faits développés dans le récit lui-même. Tardif en effet, puisque l'intrigue ne se dénouera que durant la dernière demi-heure, l'heure précédente étant consacrée aux agissements de trois anciens combattants du Vietnam dont la passion première semble être devenue la chasse à l'homme...

Sans excuser ses personnages ni leur trouver une quelconque raison valable aux agissements dont ils se rendent responsables, Peter Collinson note que leur participation au conflit opposant les États-Unis au Vietnam a pu générer chez eux un traumatisme tel qu'ils en auraient perdu tout bon sens et une grande partie de leur humanité. Ce que semblent froidement étayer les événements, à peine supportables, décrits à la manière de La Traque de Serge Leroy dans lequel la pauvre Mimsy Farmer était de son côté en proie aux agissements d'une bande de chasseurs français, des notables qui la violèrent et finirent par l'assassiner. Le malaise chez Peter Collinson est peut-être encore plus grand que chez le français, du fait de cette nonchalance dont font preuve trois amis de toujours, acquittés il y a longtemps pour un viol qu'ils avaient pourtant bien commis, lesquels semble avoir perdu une partie de leur conscience, de leur morale et de leur humanité sur le champ de bataille. Ken, Greg et Art sont le reflet d'une guerre qui n'a pas fini de les tourmenter. Sue et Martin sont amants et ont le malheur ou la malchance de s'être arrêtés devant la même station-service que les trois anciens soldats. Dès lors, ces derniers vont les suivre, les kidnapper, les humilier, violer la jeune femme puis les libérer afin d'en faire leur proie lors d'une parie de chasse (in)humaine...

Quarante-six ans après, Open Season n'a rien perdu de son impact. Le fait même que Peter Fonda, John Philip Law et Richard Lynch incarnent justement ces trois monstres froids accentue le malaise. Ces fameux interprètes, stars du cinéma et de la télévision passent du statut de ''héros'' à celui de monstres sans pitié, sans âme et sans cœur. En s’appesantissant si longtemps sur les actes psychologiquement déstabilisant, Peter Collinson dérange, malmène aussi bien son couple adultère que les spectateurs, témoins/voyeurs d'un asservissement et d'une humiliation abjectes qui trouve l'un de ses points culminants lorsque Martin assiste aux ébats contraints et forcés entre Nancy et Ken. Autre élément déstabilisant : plus encore que l'explication d'un traumatisme liée au conflit vietnamien, c'est peut-être cette injustice qui a bénéficié au trois ''chasseurs'' qui se croient alors au dessus de la loi et revendiquent donc la possibilité de tuer en toute impunité qui dérange davantage. Qu'il est long à venir ce court instant où l'on aimerait croire que la situation va tourner en la faveur des victimes. Mais comme cela arrive dans la majeure partie des cas, leur sort est noué dès le début. Tout juste le spectateur pourra-t-il être comblé lorsque viendra la vengeance tardive et inattendue du père dont la fille fut violée au début du film... Radical, nihiliste, jusqu'auboutiste, difficile de choisir le camp de ces trois hommes tourmentant leurs victimes après l'avoir été eux-mêmes. Open Season demeure une valeur sûre dans le domaine du Rape & Revenge. Une œuvre choc qui ne peut laisser personne insensible...

R.I.P Peter Fonda : The Trip de Roger Corman (1967)

Peter Fonda nous a quitté hier, 16 Aout 2019. Interprète de plus de cent-dix rôles, il fut l'un des plus célèbres représentants de la contre-culture américaine. Hommage...

Plus âgé de deux années que le culte (mais beaucoup trop surestimé) Easy Rider de Dennis Hooper, The Trip réunit déjà en 1967 ce dernier, aux côtés duquel s'impose dans le premier rôle, l'acteur Peter Fonda, et en tant que scénariste, Jack Nicholson. Forcément à la recherche d’emblèmes représentatifs de leur culture, les hippies ont jeté leur dévolu sur ces deux longs-métrages. Qu'en reste-t-il à notre époque ? En réalité, pas grand chose. A moins d'être assez âgé pour avoir conservé toutes les émotions qui se dégagèrent de la projection du film de Roger Corman lors de sa sortie, on ne peut autrement s'émouvoir du voyage intérieur que va vivre le personnage de Paul Groves qui après son divorce ne trouve plus réellement de sens à son existence.

Alors, lorsqu'il invite chez lui son ami John qui lui propose de vivre une expérience au LSD, Paul s'engouffre dans la brèche pour ne plus en sortir avant la fin des soixante-quinze minutes que dure The Trip. Si l'on a bien à faire à un voyage sous psychotrope hallucinogène, les effets visuels n'ont malheureusement pas conservé l'impact qu'ils durent avoir sur le public d'alors. La majorité des dialogues sont devenus désuets, tout comme les effets visuels à base de lumières stroboscopiques et de reflets kaléidoscopiques.

Le film de Roger Corman demeure cependant un spectacle hallucinogène conservant parfois, mais trop rarement, quelques-unes de ses bonnes idées. Si l'aspect kitsch peut naturellement rebuter les générations nouvelles, il y demeure une vision des effets du LSD particulièrement étonnante. De bonnes idées, il y en a. Si une grande majorité des plans n'ont plus aucun intérêt, quelques passages laissent imaginer l'état de trance dans lequel certains ont dû pouvoir se plonger à l'époque de sa sortie. C'est lors des scènes mélangeant musique rock répétitive et dessins sur imprimant les corps dénudés que le film parvient encore à distiller un ersatz de message que le reste fini malheureusement pas rendre stérile.

Malgré ces quelques trop rares passages, The Trip est une œuvre éminemment ennuyeuse. Presque aussi chiante que Easy Rider. On s'y emmerde prodigieusement. La sauce ne prend plus. Et même le message, cette éloge à la prise de LSD devient futile. Alors que l'on attendait une ode à la vie et à l'amour, The Trip a trop souvent des allures de descente incontrôlée. Si Dennis Hooper porte le confortable costume de « gourou » des stupéfiants, Peter Fonda ressemble à un rat des villes tentant de s'accoutumer au climat des champs. Un contraste finalement pas si saisissant qu'il aurait pu être.

Très impliqués dans le film, Peter Fonda , Jack Nicholson et Dennis Hoppe ont choisi de prendre eux-même du LSD afin d'en ressentir les effets, Roger Corman affirmant devoir en prendre s'il voulait pouvoir réaliser une œuvre sur le sujet. En écrivant le scénario, Jack Nicholson s'est servi de sa propre expérience en tant que consommateur de drogues. Le sujet de The Trip portant en lui une partie du vécu du scénariste et acteur américain. The Trip a peut-être, à une certaine époque, été l'un des flambeaux d'un courant, aujourd'hui, il n'en demeure plus grand chose qu'un film psychédélique quelque peu ringard. Les vrais trips cinématographiques, il faut les chercher du côté de Ken Russell et de son prodigieux Au-Delà du Réel ou du côté de Gaspar Noé et de son tout aussi extraordinaire Enter The Void...

Sélection de 3 films à voir, à revoir... ou à éviter (11)

Plus c'est long, plus c'est bon paraît-il. Mais cela, bien évidemment, dépend aussi de certaines conditions. Heureusement, les dix-sept minutes qui manquaient à la version proposée en 1986 d'un Aliens, le Retour déjà fort intéressant vinrent combler les attentes des fans lors de l'édition d'un laser disc en 1992, une version Director'sCut du classique de James Cameron. Moins oppressant que l'original de Ridley Scott mais proposant une relecture du mythe en mode 'film de guerre', le second épisode de la saga Alien est parfois considéré comme le meilleur d'entre eux. Un avis pas forcément objectif et à traiter au cas par cas. L'un des principaux défauts de James Cameron demeure dans cette fâcheuse habitude qu'à le cinéaste de caractériser certains de ses personnages de manière outrancière (le Schwarzenegger de Terminator 2 en est un bon exemple), voire grandiloquente, ne les voyant jamais 'grandit'. Caricaturaux, et dans une majorité des cas, particulièrement agaçants, les militaires présentés ici n'ont plus rien à voir avec les personnages créés par Ridley Scott. La maturité a laissé place à une bande de gamins armés jusqu'aux dents, jouant des coudes, posant fièrement devant la caméra, sans jamais livrer le moindre message brillant par son intelligence. Mais de toute manière, quand on pense que les militaires sont incapables de différencier une souris d'un hamster, le spectateur peut déjà se poser des questions sur leurs hypothétiques chances de survivre aux péripéties qu'ils vont connaître à la surface de la planète LV-4-26. Dans cette version longue, beaucoup de scènes absentes dans la version de 1986 si l'on tient compte du fait que le film passe alors de cent-trente sept à cent cinquante-quatre minutes. L'une des plus marquantes d'entre elle demeure la longue séquence durant laquelle la famille de la jeune Newt est décimée lors d'une sortie sur LV-4-26, planète d'origine des aliens. Une scène intéressante, certes, mais qui dans le contexte de la version proposée en premier lieu pouvait demeurer invisible. Car sa présence, qui pourra plus ou moins être appréciée, ôte tout effet de surprise quant à la découverte de la gamine un peu plus tard dans le récit. D'autant plus que la disparition de ses parents se fond dans celle des colons installés sur l'austère planète, foyer de milliers d’œufs aperçus dans le premier volet de la saga. Il était donc fort judicieux de la couper, ce passage se révélant fort inutile dans la compréhension des événements, et son absence permettant de conserver une certaine part de mystère entourant le silence radio des colons ne répondant plus aux appels effectués par la station orbitale Gateway... Des scènes complétant cette version Director'sCut, Aliens, le Retour en contient plus d'une quinzaine. Le long-métrage ne perd heureusement pas de son dynamisme en cours de route et permet d'assister à un spectacle encore plus dense. Une version indispensable pour tout fan de l’œuvre originale...

Le second long-métrage abordé ici n'aura sans doute pas bénéficié d'un budget aussi important que celui de James Cameron, toujours est-il qu'il n'en demeure pour autant, pas moins intéressant à découvrir. Œuvre signée Jack Starrett auquel l'un des rédacteurs du numéro 14 du fanzine Vidéotopsie rendit un hommage imposant, Race with the Devil est une sympathique petite pellicule, poussiéreuse à souhait et renvoyant au meilleur du cinéma bis des année soixante-dix. C'est vrai qu'en découvrant l’œuvre de Jack Starrett, y plane sur les cendres d'un générique de fin surgissant de manière plutôt abrupte et inattendue, ce parfum tenace qui donne envie de reprendre certaines idées afin de se les réapproprier. Connu chez nous sous le titre Course Contre l'Enfer, le long-métrage semble avoir inspiré tout un pan du septième art. Du moins, m'a-t-il immédiatement évoqué quelques saillies cinématographiques et télévisuelles. Bien avant leur heure, le film de Jack Starrett m'a fait pensé à un mix entre La Colline a des yeux de Wes Craven (la caravane, les décors naturel arides, les adeptes d'une secte sanguinaire prenant le relais des anthropophages) et l'épisode Sorcellerie de la toujours excellente série Starsky et Hutch et réalisé par Nicholas Sgarro. Sauf que, ben oui, l'auteur de Race with the Devil a eu l'idée quelques années avant les autres.

Petit film mais grandes vedettes puisque Race with the Devil accueille tout de même en son sein les acteurs Peter Fonda et Warren Oates, ainsi que les actrices Loretta Switt et Lara Parker qui à cette occasion incarneront leurs épouses. Un quatuor formant deux couples qui en plein mois de janvier décident de prendre le large en s'accordant quelques froides vacances dans le trou du cul du monde. Destination : Amarillo, ville américaine du nord du Texas, et sur la route de laquelle nos quatre personnages vont connaître quelques soucis lorsque passablement ivres, les deux mâles en questions vont êtres les témoins d'un sabbat nocturne particulièrement sordide puisque débouchant sur le meurtre d'une des disciple d'un groupuscule satanique. Le scénario ne s'embarrasse jamais d'une écriture complexe. Jack Starrett sait exactement où il veut emmener les spectateurs. Sur les routes d'une Amérique qui semble avoir abandonné sa foi en Dieu pour se retourner vers le Diable. Sur un scénario de Wes Bishop et Lee Frost, le cinéaste (qui fait ici une jolie apparition dans la peau d'un pompiste) installe une ambiance particulièrement anxiogène. Quels que soient les individus croisés sur leur chemin (indigènes, touristes et autorités), tous ont l'air d'avoir en commun d'appartenir à cette même secte qui va durant presque quatre vingt-dix minutes, pourrir l'existence de nos paisibles vacanciers. La paranoïa finit par s'installer et le moindre regard peut être perçu comme une menace. En cela, Race with the Devil est une totale réussite. Bien que le film démarre assez mollement, l'action prend finalement le relais assez rapidement et l'on ne s'ennuie alors, pas un instant. Bien interprété, malicieux dans sa manière d'optimiser l'angoisse relative au dépaysement, l’œuvre de Jack Starrett ménage un suspens régulier et dresse un portrait de l'Amérique et de ses ploucs assez saisissant. Race with the Devil, c'est deux couples d'amis contre 'le reste du monde'. Une excellente série B...

Mick Taylor is back !!! Le plus grand tueur en série de fiction d'Australie, lui-même inspiré des méfaits du meurtrier Bradley John Murdoch, coupable d'avoir tenté d'assassiner le couple de touristes britanniques formé par Peter Falconio et Joanne Lee (cette dernière ayant survécu), revenait en 2015, soit dix ans après le premier Wolf Creek. Cette suite, sobrement intitulée Wolf Creek 2 n'a absolument rien à envier à son prédécesseur. Démarrant sur les chapeaux de roues lors d'une introduction 'Mad Maxienne', l'acteur australien John Jarratt cabotine toujours autant, pour le bonheur d'un public qui aura droit à un met de choix de plus de cent minutes. Dans le décor aride du désert australien où les touristes et les indigènes se comptent sur les doigts d'une seule main, débarquent deux jeunes allemands en vadrouille aux abord du cratère de Wolfe Creek situé en plein cœur du parc national de l'État d'Australie-Occidentale. Ils boivent, ils fument de l'herbe, baisent sous la tente... bref, le parfait cliché que l'on offre à une jeunesse provenant habituellement d'Amérique. Mais que Katarina Schmidt et Rutger Enqvist soient d'origine germanique n'y change rien. Le seul fait que ces touristes étrangers foulent le sol du pays natal de Mick Taylor suffit à ce dernier pour entrer dans une rage folle et les dessouder de la plus belle et plus violente façon. Égorgement, têtes explosées, décapitations, doigts tranchés à la meuleuse et éviscérations sont au programme d'un films couillu aux effets-spéciaux remarquablement réussis.

L'acteur John Jarratt qui sous les traits de Mick Taylor incarne pour la seconde fois le tueur en série est impeccable. Cynique, misogyne, raciste, et prenant un plaisir malsain à torturer moralement ses victimes en leur faisant miroiter l'espoir de les relâcher ou en leur décrivant de quelle atroce manière elles vont passer de vie à trépas, Taylor paraîtrait presque sympathique aux yeux des téléspectateurs à force d'user d'un humour féroce et d'arborer aussi fréquemment son inquiétant sourire. Pour ce second volet, on a droit à un spectacle se diversifiant davantage que par le passé. Outre la séance de torture prenant des allures de jeu sanglant entre Mick Taylor et sa dernière victime, Paul Hammersmith (l'acteur australien Ryan Corr), à la manière d'un Hostel, le cinéaste Greg McLean, déjà auteur du premier volet, s'offre sa version du Duel de Steven Spielberg et va même jusqu'à évoquer certains aspects du western à travers la poursuite à cheval ou les coups de fouets. Wolf Creek 2 est hautement divertissant, gratiné en matière d'effets gore, amusant, parfois angoissant, et l'on ne s'y ennuie pas un seul instant. On pourra même se ranger du côté du monstre lorsqu'en préambule, deux flics ripoux l'humilient sans réelle justification, avant d'être eux-même les premières victimes de cet anti-héros éminemment charismatique. A noter qu'un troisième épisode à été confirmé par Greg McLean en fin d'année dernière. Reste à espérer que le projet soit maintenu et qu'il nous parvienne dans les plus brefs délais...

John Carpenter's Escape from L.A. de John Carpenter (1996) - ★★★★★★★☆☆☆

1981 : New York 1997. 1996 : John Carpenter's Escape from L.A.. Entre les deux longs-métrages, quinze années. Quinze ans à mûrir un concept qui n'aura finalement pas changé. Deux films d'anticipation décrivant deux univers semblables. Deux cités-prisons peuplées d'autochtones se battant pour leur survie. Et à la tête desquelles des barbares charismatiques organisent des spectacles sanguinaires comme au temps de la Rome antique. Bienvenue chez John Carpenter. L'artisan de la série B. Bienvenue à Snake Plissken, sur lequel le temps n'a pas de prise. L'homme au bandeau noir est de retour., troquant son vieux costume contre un uniforme entièrement noir et furtif. C'est un peu la même histoire qui recommence. Le virus a remplacé la bombe. Le président n'est plus désormais celui qui tombe entre les griffes des malfrats mais celui qui organise une mission dont le sujet est la récupération d'une boite noire renfermant les commandes de satellites militaires diffusant des impulsions électromagnétiques. Seul l'acteur Kurt Russell revient dans cette nouvelle mission. Stacy Keach remplace Lee Van Cleef. Cliff Robertson remplace Donald Pleasance. Ernest Borgnine est relayé par Steve Buscemi. Quand à Adrienne Barbeau, son personnage est abandonné au profit de celui qu'incarne l'ancienne égérie de la blaxploitation Pam Grier.

John Carpenter nous soumet des individus aussi étranges et antipathiques que par le passé. Grier en transsexuel. Buscemi en homme de main veule. Robertson en nihiliste... Utopia, fille du président des États-Unis d'Amérique arbore le visage fier et prétentieux de la jeunesse américaine dorée à qui tout réussi mais qui se sent investie d'une mission. Acoquinée à un ersatz d'Ernesto Rafael Guevara (incarné par l'acteur George Corraface), dit le « Che », elle n'est rien de plus, rien de moins qu'une fille à papa friquée en pleine crise post-adolescente. La fille à baffes. De ces pouffes qui avant l'heure auraient passé leur temps devant de débiles émission de télé-réalité si l'occasion leur avait été donnée. Noir c'est noir dirons-nous. Oui, sans doute, mais pas tant que cela. Moins qu'en 1981 où l'anticipation vue à travers les yeux de Carpenter ne nous paraissait peut-être pas encore aussi proche de la réalité.

Séparée du reste du continent, Los Angeles regroupe tout ce que génère de criminels l'Amérique. Une Amérique, loin d'être irréprochable puisqu'à sa tête se trouve un président qui fait écho à celui pour lequel les américains ont voté dernièrement. Un dictateur capable de sacrifier sa propre fille sur la chaise électrique pour briller aux yeux de ses concitoyens. Une Amérique propre, accumulant les interdits. Fumer vous condamne à l'île-prison à vie. La vision de John Carpenter semblera sans doute un peu poussive mais à l'allure où vont les choses, nous fonçons droit dans le mur. Le cinéaste fait le constat d'une hypocrisie galopante. Son pays en prend pour son grade. Carpenter fusille du regard les institutions. L'armée ressemble à une milice et exécute les ordres d'un président psychopathe. Les médias se font voyeurs et pourvoient les citoyens de ce si beau et fier pays d'images violentes. Une nourriture sanguinolente dont se repaissent des américains prônant le retour à certaines valeurs.

Ce monde là, John Carpenter le vomit tant et si bien qu'à plusieurs reprises, on comprend que Los Angeles, malgré ses décors sinistrés de carton-pâte et de mate-painting, est considéré par ses habitants comme un lieu méritant qu'on y demeure. Un monde sans interdits. Sans barrières. Un lieu de liberté.

Sous pas mal d'aspects, John Carpenter's Escape from L.A. ressemble à s'y méprendre à New York 1997. Peut-être un peu moins austère et pessimiste dans la forme, le spectacle est en tout cas au rendez-vous. On aurait pu craindre une suite sans saveur, ce que laisse d'ailleurs entrevoir les premières minutes, mais on est ensuite très vite rassurés. Et puis, il demeure cet immense plaisir de retrouver Kurt « Snake Plissken » Russel dans l'un de ses rôles les plus populaires. Quelques scènes inédites surnagent au milieu d'un scénario reprenant les grandes lignes de l’œuvre séminale (Plissken envoyé en terre hostile, l'arène, les différentes tribus, etc...). On appréciera d'autant plus ces nouveautés que certaines ont vraiment de la gueule. Comme cette étonnante plongée dans une communauté de « ratés de la chirurgie esthétique » dirigée par un chirurgien de Bervely Hills sous les traits duquel se cache un certain... Bruce Campbell. Egalement au générique, l'acteur Peter Fonda dans le rôle d'un surfer un peu... givré.  John Carpenter's Escape from L.A. demeure une belle réussite. 

A quand le retour de Snake... ?