R.I.P Peter Fonda : The Trip de Roger Corman (1967)

Peter Fonda nous a quitté hier, 16 Aout 2019. Interprète de plus de cent-dix rôles, il fut l'un des plus célèbres représentants de la contre-culture américaine. Hommage...

Plus âgé de deux années que le culte (mais beaucoup trop surestimé) Easy Rider de Dennis Hooper, The Trip réunit déjà en 1967 ce dernier, aux côtés duquel s'impose dans le premier rôle, l'acteur Peter Fonda, et en tant que scénariste, Jack Nicholson. Forcément à la recherche d’emblèmes représentatifs de leur culture, les hippies ont jeté leur dévolu sur ces deux longs-métrages. Qu'en reste-t-il à notre époque ? En réalité, pas grand chose. A moins d'être assez âgé pour avoir conservé toutes les émotions qui se dégagèrent de la projection du film de Roger Corman lors de sa sortie, on ne peut autrement s'émouvoir du voyage intérieur que va vivre le personnage de Paul Groves qui après son divorce ne trouve plus réellement de sens à son existence.

Alors, lorsqu'il invite chez lui son ami John qui lui propose de vivre une expérience au LSD, Paul s'engouffre dans la brèche pour ne plus en sortir avant la fin des soixante-quinze minutes que dure The Trip. Si l'on a bien à faire à un voyage sous psychotrope hallucinogène, les effets visuels n'ont malheureusement pas conservé l'impact qu'ils durent avoir sur le public d'alors. La majorité des dialogues sont devenus désuets, tout comme les effets visuels à base de lumières stroboscopiques et de reflets kaléidoscopiques.

Le film de Roger Corman demeure cependant un spectacle hallucinogène conservant parfois, mais trop rarement, quelques-unes de ses bonnes idées. Si l'aspect kitsch peut naturellement rebuter les générations nouvelles, il y demeure une vision des effets du LSD particulièrement étonnante. De bonnes idées, il y en a. Si une grande majorité des plans n'ont plus aucun intérêt, quelques passages laissent imaginer l'état de trance dans lequel certains ont dû pouvoir se plonger à l'époque de sa sortie. C'est lors des scènes mélangeant musique rock répétitive et dessins sur imprimant les corps dénudés que le film parvient encore à distiller un ersatz de message que le reste fini malheureusement pas rendre stérile.

Malgré ces quelques trop rares passages, The Trip est une œuvre éminemment ennuyeuse. Presque aussi chiante que Easy Rider. On s'y emmerde prodigieusement. La sauce ne prend plus. Et même le message, cette éloge à la prise de LSD devient futile. Alors que l'on attendait une ode à la vie et à l'amour, The Trip a trop souvent des allures de descente incontrôlée. Si Dennis Hooper porte le confortable costume de « gourou » des stupéfiants, Peter Fonda ressemble à un rat des villes tentant de s'accoutumer au climat des champs. Un contraste finalement pas si saisissant qu'il aurait pu être.

Très impliqués dans le film, Peter Fonda , Jack Nicholson et Dennis Hoppe ont choisi de prendre eux-même du LSD afin d'en ressentir les effets, Roger Corman affirmant devoir en prendre s'il voulait pouvoir réaliser une œuvre sur le sujet. En écrivant le scénario, Jack Nicholson s'est servi de sa propre expérience en tant que consommateur de drogues. Le sujet de The Trip portant en lui une partie du vécu du scénariste et acteur américain. The Trip a peut-être, à une certaine époque, été l'un des flambeaux d'un courant, aujourd'hui, il n'en demeure plus grand chose qu'un film psychédélique quelque peu ringard. Les vrais trips cinématographiques, il faut les chercher du côté de Ken Russell et de son prodigieux Au-Delà du Réel ou du côté de Gaspar Noé et de son tout aussi extraordinaire Enter The Void...

TROMA : Cycle Improbable: Surf Nazis Must Die ! de Peter George (1987)

Des combats épiques, une mise en scène flamboyante autant inspirée par Kubrick que par toute la vague post-nucléaire et post New-York 1997 italienne des années quatre-vingt. De grands acteurs, pour de grands personnages. Charismatiques, viriles, et surtout beaux comme des dieux. D'immense actrices, belles à mourir, aussi talentueuses que les stars d'autrefois. Un scénario béton, écrit à quatre mains, par les plus illustres scénaristes américains. Des décors dignes des plus grands péplums. On pense notamment à Ben Hur, Les Dix Commandements, ou plus près de nous, à La Planète des Singes, Les Dents de la Mer ou Seul sur Mars...

Seul sur Mars... en fait, il est très certainement plus sûr d'imaginer un titre tel que « Seuls dans la Salle », quelques amateurs de péloches miteuse à l'époque de la sortie de ce Surf Nazis Must Die ! au titre pourtant diablement évocateur, étant les seuls capables de tenir devant cette indigence cinématographique. Un bousin qui fort heureusement, n'aura pas réussi à faire du tort à l'industrie dont l'on parle ici et encore moins à la firme Troma Entertainment qui le produisit. Le film de Peter George est une véritable catastrophe en terme de cinéma, et un véritable supplice en terme de réalisation, d'interprétation, et sur la grande majorité de ses aspects. Oubliez donc tous les superlatifs et les comparaisons (pauvre Kubrick, il doit se retourner dans sa tombe) . Surf Nazis Must Die ! est un monstrueux navet. Une expérience cinématographique dont l'on ressort indemne. Heureusement sauvé par un invraisemblable nombre de piqûres de rappel (comprendre par un nombre conséquent de visionnages nanardesques), votre serviteur est dont allé au bout de l'expérience.

Tel un Alex, figé devant une succession d'images atroces, j'ai donc tout mis de mon côté pour que le film estampillé Troma ne finisse pas de m'achever après l'expérience A Nymphoid Barbarian In Dinosaur Hell. Préparé psychologiquement à subir des dégats collatéraux, je peux désormais l'affirmer : je suis prêt à tout encaisser. Peut-être même une nouvelle vision de Raiders of the Living-Dead, c'est dire si Surf Nazis Must Die ! a autant d'effets qu'une séance de chimio. Une œuvre qui peut détruire vos convictions autant qu'elle peut vous aider à poursuivre votre chemin sans encombre au cœur de l'obscure univers du nanar.

Surf Nazis Must Die ! constitue un tout dans le vide, et le « négationnisme intellectuel ». Un film qui, sans un minimum de protection peut vous lobotomiser sans une chance de retour en arrière. C'est bien simple, il ne s'y passe rien. Une bande de nazis, que nous, cul-terreux de la planète France avons eu le bon goût de traduire par nasty (qui en anglais, je le rappelle, veut dire méchants) sème la terreur aux alentours d'une plage. Un quartier général convoité par des bandes rivales et bientôt le théâtre d'un massacre orchestré par une grosse mama « black » venue venger la mort de son enfant tué par l'un des hommes d'Adolf, le chef des NAZIS, hein !

Vous notez la références ? Adolf, oui, mais Eva, également. Et pour enfoncer le clou, Mengele. Le célèbre (et immonde) criminel de guerre qui officiait comme médecin dans le camp de concentration d'Auschwitz durant la Seconde Guerre mondiale. Avec des personnages aux patronymes aussi évocateurs, forcément, Surf Nazis Must Die ! doit être un sacré brûlot. Tu penses... L’œuvre de Peter George accumule les situations grotesques. C'est vulgaire, jamais drôle, excessivement mal interprété, mis en scène à la truelle et parfois totalement débile (faire de ses nazis des surfeurs à tout de même quelque chose d'extraordinairement, et fondamentalement osé, non?). Quant aux prises de vue, aux cadrages, le cinéaste (une dénomination, ici, tout à fait absurde) expérimente, innove, au risque de perdre ses personnages dans les décors. Entre ce plan ou trois « ninjas » se préparent au combat, s'entraînant derrière un décor pour lequel Peter George n'a visiblement pas trouvé de meilleur angle de prise de vue, et la dispute entre deux hommes filmés de si loin que l'on a l'impression que l'image à freezé, on demeure pantois d'admiration devant une telle accumulation de maladresses. Surf Nazis Must Die ! demeure sans doute comme l'une des pires productions Troma. Sans doute faudra-t-il une bonne dose d'alcool et de stupéfiants pour que la grande majorité d'entre nous soit en mesure de le suivre jusqu'au bout. Bon, ben moi, je retourne voir Dirty harry...

Cycle improbable : Shinboru de Hitoshi Matsumoto (2009)

Que peuvent avoir en commun un catcheur qui se prépare à monter sur le ring et un homme affligé d'un quotient intellectuel terriblement bas? Qui ou quoi peut relier ces deux êtres dont les intérêts n'ont apparemment eux non plus aucun rapport? D'un côté, le Mexique. Le catcheur va bientôt rejoindre le ring sur lequel il parviendra ou non à prouver ce que, désespérément, son fils tente de prouver à ses camarades de classe. Que la véritable force est celle de l'esprit. De l'autre, un lieu dont la situation reste floue. Une pièce d'une blancheur immaculée, gardée par une armée d'anges dont seul leur petit sexe dépasse du sol et des murs. Et puis un homme. Vêtu d'un accoutrement aux couleurs aussi chatoyantes que celles d'une tenue d'enfant. Un esprit faible, pur, et encore protégé de la perversion du monde moderne. Après s'être assurés de son éveil, la myriade d'anges s'évapore derrière les murs et ne laissent à cet homme que leur sexe en guise de "buzzer" organique. Des excroissances qui, lorsque l'homme appuie au hasard sur l'une d'elles, donne naissance à des objets aussi divers qu'un banzaï, une jarre, un guerrier massaï ou encore une assiette de tofu. L'une d'elles promet même une issue à cette salle de jeu faussement chaleureuse. Mais l'homme n'est pas encore prêt. Il va lui falloir s'éduquer. Tout seul, il va apprendre à combiner ces drôles de boutons péniens afin de parvenir jusqu'au moment de liberté tant désiré. Pendant ce temps là, notre ami catcheur part vers son destin. Accompagné par sa fille, une bonne sœur qui n'hésite pas à continuellement engueuler les personnes qu'elle croise sur sa route, il arrive au vestiaire, se change, et attend que son retentisse dans la grande salle où les spectateurs s'entassent. Son fils est là. Il est inquiet pour son père. Il espère que le combat se passera bien pour lui.  

 Mais pour cela, faudra-t-il encore que le doux dingue enfermé dans la grande pièce blanche parvienne à apprendre assez pour comprendre pleinement la mécanique des lieux. Car c'est là que se joue véritablement le destin de notre catcheur. Le sien, et peut-être même celui de l'humanité toute entière... 

 Symbol de Hitoshi Matsumoto n'est définitivement pas un film comme les autres. Affublé d'une esthétique minimaliste et séduisante, il porte effectivement en lui toute une série de symboles qu'il serait sans doute vain de capter dès la première projection. Si l’œuvre est différente de tout ce que nous avons pu voir jusqu'à maintenant, il ne faut pas avoir peur de se lancer dans l'aventure. Car même s'il peut arriver que l'on craigne un éventuel ennui devant des scènes dont la paresse peut redouter, c'est au fil de ce jeu de réflexion dont est le principal (et le seul) joueur cet homme que l'on finira par découvrir ce qui se trame véritablement derrière une histoire quelque peu alambiquée. Les plus réticents devront sans doute passer le cap du quart d'heure (voire de la demi-heure) pour saisir enfin le sens de cette fable poétique. L'apprentissage et l'entraînement sont les bases de l'enseignement que devra acquérir cet homme pour que les espoirs mis en lui aient une chance d'aboutir.  

Symbol n'est pas qu'une œuvre philosophique. C'est aussi une comédie diablement amusante. Alors qu'il apprend l'obéissance et la patience durant la scène de repas de tofu, on devine assez nettement le but de ceux qui le guettent d'en haut. Le voir réclamer comme un enfant de la sauce-soja pour accompagner ses tofus et être exaucé seulement après les avoir tous englouti est drôle, assurément. Et que dire de cette scène à rallonge terriblement ludique durant laquelle l'homme fait preuve d'une jugeote acquise durant son apprentissage , et qui le voit réfléchir sur un moyen de passer la porte de sortie avant qu'elle ne se referme sur lui ? Un vrai jeu de réflexion s'engage entre ces vicieux petits anges qui "pètent" devant certains échecs et cet homme convaincu de devoir trouver une issue lui permettant de quitter cette cage dorée dans laquelle il est enfermé depuis bien trop de temps. On aime ou pas le décor épuré des passages qui le mettent en scène et qui tranche avec le quotidien presque banal du catcheur et de sa famille.  

On apprécie également la folle montée en puissance de la fin du film (que l'on gardera secrète pour n'en dévoiler aucun secret), d'un point de vue visuel, et qui rappellera (vaguement) l'extraordinaire beauté de la fin de l'excellent The Fountain de David Aronovski.  

Symbol est donc un film stupéfiant (dans tous les sens du terme), visuellement irréprochable (effets-spéciaux numériques minimalistes mais néanmoins remarquables) et doté d'idées fameuses. A voir pour découvrir. A revoir pour en saisir toutes les subtilités.

Cycle improbable: Themroc de Claude Faraldo (1973)

Themroc, peintre en bâtiment, est le témoin un jour d'un flirt entre son patron et sa secrétaire. Découvert par son supérieur, il se prend une fenêtre au visage et se retrouve maculé de sang. Viré du chantier manu militari par des gardiens de sécurité, l'ouvrier se réfugie dans l'appartement qu'il partage avec sa mère et sa sœur et s'y cloître. Là, il commence à tout détruire, à commencer par le mur donnant directement sur la cour intérieure de l'immeuble. Tout en se donnant en spectacle devant les regards curieux de ses voisins, il attire également la police qui malgré les moyens qu'elle emploie n'arrive toujours pas à se saisir de Themroc.

Sa voisine d'en face, séduite par la tournure que prennent les événements décide d'en faire autant. Armée d'une masse, elle détruit à son tour le mur de la façade et se débarrasse tout comme Themroc de tout ce qu'elle possède en le jetant par le trou béant. Bientôt, c'est tout le voisinage qui semble mué d'une même volonté de toute détruire et d'abandonner tous ses biens...

L'ancien livreur Claude Faraldo, après avoir abandonné son métier, décide d'être réalisateur de films. Il fera d'ailleurs à plusieurs reprises, de ses héros, des livreurs. Cette fois-ci, il s'agit d'un peintre en bâtiment, témoin d'un début d'adultère qui va se révolter contre la société. A commencer par le refus de s'exprimer normalement. Il va en effet se mettre à rugir, crier, gémir, tandis que ses concitoyens, eux, s'exprimeront dans un langage totalement improvisé qui ressemble en réalité davantage à toute une série d'onomatopées et de phrases incompréhensibles.

Themroc, qui dans sa grande liberté d'expression et sa manière d'aborder la société d'alors, est une œuvre profondément anarchique et révolutionnaire. Claude Faraldo adapte sa propre pièce de théâtre «Doux Mais Troglodytes» et engage entre autre pour l'occasion les membres du café de la gare, Romain Bouteille, Coluche, Patrick Dewaere, Miou-Miou et Henri Guybet. A leurs côtés, c'est Michel Piccoli qui endosse le rôle de Themroc.

Bien que le film soit ancré dans une réalité sociale, il a emporté le prix spécial du jury au Festival international du film fantastique d'Avoriaz en 1973. Michel Piccoli remporta quant à lui le prix d'interprétation masculine à ce même festival.

On y retrouve la symbolique des événements de Mai 68, les murs formés de briques et tout ce que contient l'appartement de Themroc et les siens constituant, une fois jetés par le large trou pratiqué à l'aide d'une masse, les fameuses barricades les séparant des autorités chargées de les maîtriser. Le cinéaste nous révèle un monde ou tout semble automatisé. Des transports en commun (dont un métro voyant passer d'immenses vagues d'hommes et de femmes tendant vers un seul et même but), jusqu'au pointage en règle à l'usine. Themroc, le personnage, va jusqu'à même refuser toute forme de matérialisme en se débarrassant du moindre meuble, jusqu'au plus petit objet qu'il possède. Allant même jusqu'à se dénuder et pousser son prochain à faire de même (Patricke Dewaere tentant (sur ordre) de reboucher le trou dans le mur.

Plus fou encore dans sa vision de l'anarchie, Claude Faraldo n'impose plus aucune sorte de règle de bienséance. Et parce que reclus chez lui, Themroc ne peux plus compter que sur lui, les limites imposées par la lois explosent. Inceste et cannibalisme deviennent les normes, l'image de ce flic cuit, puis embroché avant d'être dévoré signifiant sans doute l'abolition de toute forme d'autorité... Dire que Themroc est une œuvre à part serait un euphémisme. Il s'agit d'une œuvre totalement libérée de toutes formes de contingences intellectuelles. Une œuvre folle, outrancière, sauvage et mythique...

TROMA : Cycle improbable: Bloodsucking Freaks de Joel M. Reed (1973)

Maître Sardu dirige un théâtre qui a la particularité de montrer de jeunes femmes dénudées se faire torturer jusqu'à ce que la mort s'ensuive. Assisté du nain Ralphus qui kidnappe pour son maître les victimes de sa folie, il sème le trouble parmi les spectateurs venus assister au macabre spectacle. Mais si certains d'entre eux doutent de ce qu'ils voient, la réalité est pourtant bien là : les jeunes femmes meurent réellement, victimes des sévices particulièrement barbares des deux hommes. Un critique de la presse écrite va cependant remettre en question les actes perpétrés par Sardu et Ralphus. Ces derniers vont alors le kidnapper et lui prouver qu'ils n'usent d'aucun artifices...

Bloodsucking Freaks, c'est une longue histoire qui remonte aux années quatre-vingt, à l'époque ou le magazine Mad Movies était l'une des deux ou trois plus grandes références en matières de cinéma fantastique (avec L’écran Fantastique et Starfix). Un petit article dans un numéro (lequel ? Je ne m'en souviens plus), et une curiosité (oserais-je dire, une fascination) pour ce film datant de 1976 que le magazine mettait en valeur à travers de croustillantes images. Et puis, plus rien. Jusqu'en 1993, année durant laquelle une petite maison d'édition qui très vite va devenir culte auprès des amateurs de films « trash » va sortir toute une série d’œuvres indisponibles jusqu'à maintenant sur notre territoire : Haxan Films. Et parmi eux, un certain Incredible Torture Show qui se révélera en fin de compte n'être que ce fameux Bloodsucking Freaks retitré pour l'occasion. Sa sortie fit l'effet d'une bombe. Dont l'onde de choc n'eut en fait d'impact que sur moi.

Forcément inspiré du Grand Guignol, Bloodsucking Freaks est une œuvre déroutante. Dont le souvenir ému des premières images ne collaient finalement plus à l'idée que je m'en faisait alors en le découvrant sur un vieux magnétoscope et un minuscule téléviseur. Pourtant, ce film de Joel M. Reed a tout du film culte, de son titre d'abord, jusqu'à même son moyen de financement (pour échapper au fisc, un particulier se débarrassa d'une forte somme d'argent pour produire le film). Après l'avoir redécouvert aujourd'hui, vingt-trois ans plus tard, je me demande encore ce que j'ai pu y trouver de passionnant... Si en 1993 je suis demeuré incapable d'avoir un avis objectif (toute sortie de la maison HAXAN était forcément indispensable), aujourd'hui, il faut reconnaître que Bloodsucking Freaks est un assez mauvais film. Une série Z en réalité. De petits moyens que pas même l'imagination de son auteur n'est parvenue à camoufler.

Pourtant, Joel M. Reed a des idées. Lui qui tente ici de condenser en à peine une heure trente tout le mauvais goût qu'il a à l'esprit, le visuel du film est tellement... pauvre et triste à voir que le spectacle se révèle finalement très ennuyeux. Humour noir, scènes gore et supplices ne suffisent plus. On ne sait plus vraiment s'il s'agit d'un film ou d'une pièce de théâtre entièrement filmée derrière un voile noir persistant, mais la pauvreté des décors est au diapason du reste. Le nain Luis de Jesus, qui campe ici l'assistant de Sardu est assez mauvais. Comme la plupart des interprètes d'ailleurs, majoritairement issus du théâtre lorsqu'ils ne sont pas purement et simplement des amateurs.

Les producteurs eurent l'ingénieuse idée d'inviter l'association féministe Women Against Pornography afin que le film bénéficie de publicités, mais le résultat fut contraire à leurs attentes : le film fut en effet retiré de l'affiche. Ce n'est que quelques années plus tard que la célèbre société de production TROMA récupéra les droits et diffusa le film tout en faisant croire qu'il s'agissait d'une version allégée expurgée des scènes les plus explicites.

Cycle improbable: J'Irai Comme un Cheval Fou de Fernando Arrabal (1973)

Après la déception consécutive à la vision de Viva la Muerte, c'est avec une assez grande appréhension que j'ai choisi pour ce second article consacré au Cycle Improbable, le deuxième long-métrage de Fernando Arrabal. Non par masochisme mais parce que je ne voulais surtout pas rester sur une impression définitive : celle de penser que le cinéma de l'espagnol était bien trop surévalué.

J'Irai Comme un Cheval Fou est donc le second film de Fernando Arrabal. S'il n'a pas abandonné l'idée de produire des œuvres à l'aspect surréaliste, il semble avoir cependant apporté davantage de soin à celui-ci. Fando a laissé la place à Aden. Et s'il est ici question d'un personnage bien différent, un homme vivant dans une cité qui n'a plus rien à voir avec le village espagnol du petit enfant, celui dont le parcours initiatique nous est conté désormais ne peut lui non plus, compter sur la présence du père. Témoin d'un acte sexuel qui l'a traumatisé étant enfant, Aden s'est réfugié dans un monde de fantasmes morbides. Victimes de crises d’épilepsie ponctuelles, il finit par tuer celle qu'il considère comme responsable de ses maux : sa mère.

Fuyant la justice des hommes, il se réfugie dans le désert et fait une rencontre inattendue. Celle de Marvel, un tout petit individu vivant en ermite, s’abreuvant du lait de sa chèvre et se nourrissant de sable. Marvel possède une capacité qu'il ne partage avec aucun autre homme sur Terre : il communique avec les animaux, les éléments, et tout ce qui existe sur notre planète. Pour Aden, c'est une révélation. Fasciné par ce petit homme savant, il lui propose de l'accompagner afin de découvrir la civilisation qui selon lui, assure le bonheur des hommes. Mais très vite, Marvel va déchanter face à cet univers bruyant et pollué, à mille lieues du havre de paix qu'est le désert...

L'homme se complaît dans le confort qu'il s'est établi peu à peu depuis des générations. L'eau courante, l'électricité, le chauffage. Un toit en dur, des magasins où acheter de la nourriture, ou des vêtements. Des voitures pour aller plus vite. Mais aussi, une atmosphère viciée, le vacarme assourdissant de milliers de moteurs. Un monde dans lequel l'on prône avant tout l'individualisme. Tout ce qui oppose l'univers du personnage de Marvel interprété par Hachemi Marzouk. Ce sculpteur et décorateur qui s'occupa des décors de Viva la Muerte se voit donc offrir par Fernando Arrabal le rôle de ce sage qui apprendra à son nouvel ami, les rudiments d'une existence sans paillettes et de partage. Il sera le révélateur des maux de ce matricide qui finira entièrement dévoré par les soins de Marvel, ce dernier revenant ainsi à la vie, fusionnant à tout jamais avec cet être sans âge mais que l'on suppose être vieux de plusieurs milliers d'années (le sac renfermant les rognures d'ongles annuelles en témoignant).

Si Viva la Muerte ne m'avait absolument pas convaincu, J'Irai Comme un Cheval Fou, lui, mérite effectivement l'engouement et la vénération dont il fait l'objet. La mise en scène de Fernando Arrabal est pour une fois maîtrisée. Beaucoup moins transgressif (et donc bien moins gratuit), le film est davantage marquant. Le réalisateur met en parallèle deux modes de vie diamétralement opposés, et c'est à chacun ensuite de se faire une opinion. L'espagno en profite pour faire la critique féroce de la religion et des rapports mère-enfant avec lesquels il semble toujours avoir un souci. J'Irai Comme un Cheval Fou est une œuvre belle, complexe, surréaliste et poétique. On y retrouve une fois de plus une bande-son hétéroclite faite de chants tribaux africains, de musique sacrée et de comptines pour enfants...

Cycle improbable: Viva la Muerte de Fernando Arrabal (1971)

Pour la 600ème parution, démarrage d'un nouveau cycle dont les articles n'apparaitront pas forcément à la suite les uns des autres. Cela dépendra de ma prédisposition à regarder ces œuvres que je ne parviens pas à me convaincre de cantonner à des genres habituellement aisés à identifier...

Le voilà donc ce premier long-métrage du poète, romancier, essayiste, dramaturge et cinéaste espagnol Fernando Arrabal. En partie autobiographique et adapté du roman Baal Babylone qu'il a écrit de ses propres mains, Viva La Muerte dénonce le fascisme et la religion catholique au temps de la guerre d'Espagne. Tout comme son père en fut la victime, celui de son héros, le jeune Fando, est lui aussi dénoncé, enfermé, torturé pour avoir osé prôner l'antifascisme. Un « rouge » comme on dénommait ceux qui comme lui faisaient partie des républicains espagnols et des partisans et défenseurs de la République.

L'aura qui entoure ce premier effort de Fernando Arrabal, vieil ami d'Alejandro Jodorowsky, lui-même scénariste de bandes-dessinées, cinéaste, acteur, mime, romancier, essayiste et poète, et de l'illustrateur, dessinateur, peintre, écrivain, poète, metteur en scène, chansonnier, acteur et cinéaste français Roland Topor (mes doigts reprennent leur souffle), et avec lesquels il créa l'anti-mouvement actionniste Panique, peut se comprendre. Surtout si l'on se replonge à l'époque de sa sortie, en 1971. Le Salo de Pasolini n'est pas encore sur les écrans, tout comme La Grande Bouffe de Ferreri. Quand aux acteurs du Themroc de Claude Faraldo, on ne les entendra grogner que deux ans plus tard en 1973 et ceux du Sweet Movie de Dusan Makavejev ne se complairont dans le vomi, la pisse et la merde qu'en 1974. Autant de films (parmi d'autres) qui provoquèrent chacun à leur manière autant de rejet que de fascination.

Qu'en reste-t-il désormais, à une époque où Internet permet l'éclatement des frontières entre bon et mauvais goût ? Ou tout peut-être visible d'un simple clic et sans qu'aucune instance ne veille à la bonne intégrité morale de nos chères petites têtes blondes ? En réalité, j'ose le dire, pas grand chose. Fernando Arrabal, derrière la légitimité qui semble être la sienne, n'est rien de plus qu'un gamin qui s'amuse d'un peu de sable pour construire un château qui se casse la gueule presque à chaque plan. Si son comparse Alejandro Jodorowsky peu s'enorgueillir d'avoir enfanté des œuvres authentiquement stupéfiantes (de beauté, de magie, de surréalisme), Arrabal maîtrise peut-être son sujet, mais pas le matériel qu'il a entre les mains. On pourra dire ce que l'on veut, que son film est beau (ouais, la berceuse, le générique constitué de dessins surréalistes, œuvre de Roland Topor, mais à part ça?), qu'il est choquant (jouer à découper un scarabée à l'aide d'un cutter, arracher la tête d'un lézard à coups de dents, ou égorger quelques moutons et même un bœuf, ça ne fait pas forcément du bon cinéma), d'autres savent faire mais avec un surplus de style.

Celui d'Arrabal est triste, monté comme l'on passe de vieux documents super 8 sur le mur d'un salon entièrement peint en blanc. Viva La Muerte est-il choquant ? Oui et non. Fantasmagoriquement productif son personnage ? Oui et non. En fait, on a bien saisi une partie du spectacle que veut nous faire bouffer le cinéaste. Cet enfant, c'est lui. Dénué de père, forcément ça rime, foutent le camp les repères. La morale elle aussi. Reste la mère. Aimée, mais également haïe. Fantasmée. Inceste ? Oui et non. Pipi-caca-vomi-sang-orgie-mort. Petite ovation, tout de même, pour le jeune Mahdi Chaouch qui a eu le courage d'endurer les caprices du cinéaste. Une belle performance de sa part. 

Viva la Muerte !

Rappelons-nous que ce cri de ralliement fut créé par le militaire espagnol José Millán-Astray. Une page d'histoire que certains considéreront comme mise en lumière par Arrabal. Cet article consacré à Viva La Muerte manque totalement d'objectivité. Nous sommes en 2016, pas en 1971. La désillusion est immense. Mais alors, que vaudra donc la suite, J'Irai Comme un Cheval Fou... ?