Une pointe d'amour de Maël Piriou (2025) - ★★★★★★★★☆☆

 

 

Pour son premier long-métrage Une pointe d'amour, le réalisateur Maël Piriou adapte pour la seconde fois le script de Philippe De Clercq, Asta Philpot et Mariano Vanhoof après que Geoffrey Enthoven l'ait mis en image en 2011 avec Hasta la Vista. Si les deux films entretiennent effectivement une relation, entre les deux versions, certains personnages et certaines situations ont depuis été modifiés. Désormais, il ne s'agit plus de mettre en scène trois handicapés, mais deux. Et si l'un des trois protagonistes a disparu, il est maintenant remplacé par un ''individu'' dont l'unique ''handicap'' est d'avoir passé ces deux dernières années derrière les barreaux. Pour le reste, Une pointe d'amour demeure relativement fidèle même si certains personnages qui jusqu'à maintenant prenaient une place plus importante dans le film de Geoffrey Enthoven sont devenus des personnages beaucoup plus secondaires (les parents de Benjamin). Concernant le récit, Maël Piriou, Pierre De Clercq et Mariano Vanhoof évacuent les personnages de l'aveugle et du protagoniste atteint d'une tumeur cérébrale en phase terminale tandis que Philip (alors incarné par l'acteur belge Robrecht Vanden Thoren) est désormais remplacé par Benjamin (Quentin Dolmaire, que l'on a pu notamment découvrir dans l'excellente série OVNI(s)), lequel est atteint du même mal. Rejoint à l'image par l'avocate Mélanie (Julia Piaton), celle-ci est non seulement chargée du dossier de Lucas (Grégory Gadebois), un être passablement bougon et dépressif, mais se trouve elle-même dans un fauteuil roulant et est atteinte d'une maladie du cœur dégénérative. Pour le reste, le projet des deux handicapés du récit reste le même : se rendre en Espagne, dans un bordel, afin de permettre à Mélanie et Benjamin de faire l'amour pour la première fois de leur existence... A la lecture d'un tel résumé, il est facile de supposer que l'on est là, face à un drame de pure souche et non pas devant une comédie dramatique mâtinée de Road Trip. Et pourtant, c'est bien ce qu'est Une pointe d'amour...

Un film charmant, drôle et émouvant porté par un trio d'interprètes qui plus que de se moquer des personnages qu'ils incarnent pour en faire les produits d'une comédie française balourde et irrévérencieuse parviennent à rendre touchant chacun d'entre eux. Trimballés à l'arrière d'un van conduit par Lucas, malgré la proposition de Mélanie de traiter de son dossier de justice, Maël Piriou préfère se concentrer autour de cette nouvelle relation qui nouera nos trois héros le temps de ce voyage en Espagne. Jamais racoleur et donc jamais voyeuriste, Une pointe d'amour survole certaines contraintes liées au handicap dont est notamment atteint Benjamin. Jamais démonstratif en la matière, le film l'est en revanche lorsqu'il s'agit d'évoquer les sentiments des uns et des autres. N'étant pas censé heurter la sensibilité des personnes atteintes de handicaps ni même ceux qui craignent un jour qu'on leur annonce que leurs jours sont comptés (Les problèmes de cœur de Mélanie semblent devoir la condamner à une mort certaine à court ou moyen terme), Une pointe d'amour est un jeu de séduction permanent qui fait la part belle entre ce que ressentent les uns et les autres. Et même, lorsque la présence de Séverin (Louis Meignan) témoigne d'une incapacité à se mettre dans la peau de ceux dont il se gausse lourdement, celle de son amie Juliette (Aude Léger) désamorce le malaise qui semblait pourtant devoir s'installer ! Bien que le sujet du handicap ne soit peut-être pas à la portée de tout le monde (qu'il s'agisse d'une partie du public qui pourrait mal appréhender le sujet ou de celui-là même qui entreprend de les mettre en scène), l'écriture, la mise en scène et l'interprétation sont d'une telle finesse que le film ne peut que toucher toutes celles et ceux qui auront la chance de le découvrir. Entre un Grégory Gadebois tout d'abord grincheux, transformé en chauffeur et en infirmier de fortune, un Quentin Dolmaire en amoureux timide et tétraplégique et une Julia Piaton toujours aussi charmante et séduisante malgré son handicap, Une pointe d'amour est une petite merveille de bonheur, de légèreté et d'humanité...

 

Le fil de Daniel Auteuil (2024) - ★★★★★★★☆☆☆

 

 

À l'origine du dernier long-métrage interprété et réalisé par Daniel Auteuil, un texte écrit par l'avocat Jean-Yves Moyart sous le pseudonyme de Maître Mö, intitulé Au Guet-apens et publié pour la première fois en 2011. Il s'agissait à l'époque d'un récit tournant autour d'une authentique affaire criminelle et judiciaire au centre de laquelle l'avocat fut chargé de défendre un certain Ahmed, alors père de six enfants et accusé d'avoir assassiné son épouse prénommée Geneviève. Depuis, Jean-Yves Moyart est mort d'un cancer en 2021 à l'âge de cinquante-trois ans. Daniel Auteuil lui rend ainsi hommage à travers Le fil, l'adaptation du texte écrit treize ans auparavant. Œuvre dans laquelle l'acteur se met lui-même en scène dans le rôle de l'avocat tandis que Grégory Gadebois enfile le costume de l'accusé dont le nom a bien entendu été modifié. Doux, très proche de ses enfants, Nicolas Milik est un jour arrêté par la police et très rapidement soupçonné d'avoir tué sa femme retrouvée morte dans un terrain vague. Régulièrement prise de boisson, celle-ci a effectivement été retrouvée la gorge tranchée. Son meilleur ami Roger Marton (Gaëtan Roussel) lui non plus n'a pas échappé à la justice puisqu'il est en prison, soupçonné à son tour d'avoir participé au meurtre de l'épouse de Nicolas Milik. Touché par ce dernier, Maître Jean Monier décide de prendre sa défense alors qu'il n'a plus exercé depuis de nombreuses années. Malgré l'avis de sa compagne, l'avocate Annie Debret (l'actrice danoise Sidse Babett Knudsen), Jeam rendosse son apparat d'avocat et va durant trois jours tenter de convaincre le juge, l'avocate générale et les jurés de l'innocence de son client. Vingt-deux ans après avoir incarné le rôle principal du glaçant L'adversaire de Nicole Garcia qui déjà s'inspirait de l'histoire véridique du faux docteur Jean-Claude Romand mais vrai mythomane et assassin de ses deux enfants, de sa femme et de ses deux parents, Daniel Auteuil prend cette fois-ci le parti d'incarner l'homme de loi chargé de défendre l'assassin supposé d'une femme alcoolique.

Le concept du Fil veut que le long-métrage soit en grande partie filmé en vase clos. Le titre du film se réfère à cet indice qui semble indéniablement prouver la culpabilité de l'accusé. Un fil placé sous l'ongle de la victime et qui ne pouvait y être vraisemblablement présent que si l'incriminé se trouvait effectivement sur les lieux du crime. Sobre tout en étant scrupuleusement détaillée, l’œuvre de Daniel Auteuil n'encombre jamais le matériau de base d'événements par trop sensationnels. Tout ici est histoire de vérité, dans un contexte sinon austère, du moins typique d'un procès criminel tel qu'on peut l'imaginer dans la vie réelle. Portant le film à bout de bras puisqu'à défaut, Grégory Gadebois interprète un accusé économe en paroles, l'acteur et réalisateur campe un avocat très convaincant et dont le professionnalisme malgré des années sans avoir pratiqué est capable d'opposer un point de vue crédible face à des éléments qui paraissent inattaquables... Le récit est tendu et le spectateur mène sa propre enquête intérieure, se posant la question de la culpabilité tandis qu'en face de l'avocat et de son client, la délicieuse Alice Belaïdi incarne une avocate générale dure et implacable. Dans le rôle d'Adèle Houri, l'actrice incarne une magistrate tentant de convaincre les jurés de la culpabilité de l'accusé. Alice Belaïdi et Daniel Auteuil s'adonnent alors à un fascinant jeu d'opposition entre accusation et défense. Chacun argumentant de manière convaincante et laissant ainsi planer le doute jusqu'au bout. Les rebondissements ne sont pas rares même s'ils surviennent de manière logique en dehors d'une conclusion qui peut s'avérer être pour certains spectateurs, tout à fait inattendue. Daniel Auteuil signe une réalisation et une interprétation dignes de la sobriété qu'exige la présence d'un public dans l'enceinte d'un tribunal. Notons enfin la présence à l'image de l'actrice Isabelle Candelier dans le rôle de l'implacable juge Violette Mangin ou celle d'Aurore Auteuil, fille de Daniel Auteuil, à laquelle son père offre le rôle d'Audrey Girard, la sœur de la victime...

 

Les chèvres de Fred Cavayé (2024) - ★★★★★☆☆☆☆☆

 

 

Drôle de carrière que celle du réalisateur français Fred Cavayé qui après avoir réalisé les thrillers Pour elle en 2008, A bout portant en 2010 et Mea Culpa en 2014 a complètement changé de registre pour se lancer dès 2016 dans la comédie avec Radin ! dans lequel il allait pour la première fois avoir l'occasion de diriger Dany Boon et deux ans plus tard avec Le jeu, remake mi-figue, mi-raisin du formidable Perfetti Sconosciuti du réalisateur italien Paolo Genovese. En quinquagénaire parfaitement assumé, j'eus le reflex pourtant désespéré de croire que son tout dernier long-métrage était une sorte de remake de La chèvre de Francis Veber. Démultipliant le concept en le passant au tamis du pluriel, remplaçant Pierre Richard et Gérard Depardieu par Dany Boon et Jérôme Commandeur, mais non, rien de tout cela. Bien que, oui, Fred Cavayé et ses scénaristes Sarah Kaminsky, Nicolas Slomka et Matthieu Rumani aient eu l'idée de reprendre la fameuse séquence du héros qui s'enfonçait inexorablement dans des sables mouvants... ici remplacés par une mare boueuse, et même fangeuse dirons nous, représentation éclairée d'une époque où la crasse dominait sans doute le cadre visuel et l'hygiène de ses habitants. Ici, l'on exprime moins le rejet de ces mauvaises haleines qu'exhalent les bouches d'erres dotés de dentitions gravement détériorées (particularité physique à laquelle échappe heureusement l'actrice Claire Chust qui interprète le rôle de la bergère Camille) par la parole qu'à travers quelques expression faciales de dégoût. Nous sommes au milieu du dix-septième siècle et un homme d'âge mûr alité nous conte le récit d'un procès qui eu lieu une quarantaine d'années auparavant. Opposant l'arrogant Maître Valvert (Jérôme Commandeur) à Maître Pompignac (Dany Boon) dont le palmarès des procès dont il eu la charge d'assurer la défense des accusés ne se solde jusqu'à ce jour que par des défaites, ce dernier est contacté par la jeune bergère Camille dont la chèvre est accusée d'avoir causé la mort du Maréchal de France Grégoire Hubert de Colombe. Si le concept paraît tout à fait farfelu, il faut savoir qu'au Moyen-âge il n'était pas rare que des animaux soient jugés, procès à l'issue desquels ils étaient ensuite condamnés à la potence !

À la décharge du dernier long-métrage de Fred Cavayé nous louerons la très belle reconstitution de l'époque, pas très éloignée de celle des Visiteurs de Jean-Marie Poiré, le film ayant été en partie tourné au cœur de la somptueuse cité de Plantagenêt également connue sous le nom de Vieux Mans, lequel est situé dans le Grand Ouest français. Pour un budget de dix-neuf millions d'euros, un gros travail a donc été effectué concernant le cadre, le site ayant été orné de vieilles charrues ou la place centrale ayant été recouverte d'une épaisse couche de terre boueuse afin de bien rendre compte de l'aspect que pouvait avoir le terrain à l'époque. Les costumes de Marie-Laure Lasson collent à merveille à cette impression de crasse permanente qui contraste avec cette bourgeoisie décadente ici décrite à travers le personnage de Maître Valvert et ses perruques mauves. En arrière-plan du procès s'inscrit également au sein de l'intrigue une guerre intestine entre les habitants du village et ceux qui au-delà de la rivière qui marque la frontière entre la France et la Savoie ne sont pas les bienvenus. Les Savoisiens, terme de nos jours prôné par les indépendantistes savoyards mais qui à l'époque différenciait les petites gens des nantis en accolant le terme à la grande bourgeoisie. Sorti de ce contexte, Les chèvres demeure malgré tout de piètre qualité. Au sens strict du terme qui voudrait que cette comédie nous arrache un quota minimum de rires, le constat est sans appel : à part deux ou trois sourires involontaires uniquement provoqués par des zygomatiques incontrôlables, le film est en terme de situations comiques relativement puéril. Nos personnages s'agitent à défaut de posséder des dialogues à la hauteur. Quelques micro-séquences laissent espérer un regain d'intérêt mais au fond, Les chèvres est tout simplement raté. L'on retiendra donc davantage les décors, les costumes, mais aussi l'incroyable gueule qu'affiche la plupart des seconds rôles et figurants. Pour le reste, le dernier film de Fred Cavayé et trop long et surtout piètrement écrit...

 

Coupez ! de Michel Hazanavicius (2022) - ★★★★★★★★☆☆

 

 

Projeté en ouverture du 75ème festival de Cannes, le dernier long-métrage de Michel Hazanavicius est-il le nouveau signe ''pas très avant-coureur'' de la lente décrépitude que connaît l'événement depuis un certain nombre d'années ? Transformant la chose en revue de presse où se bousculent Volodimir Zelenski, ce valeureux président ukrainien qui ne veut surtout pas capituler face à l'envahisseur russe, ainsi que ce virus que l'on nomme ''Culture Woke'', c'est donc une œuvre apparemment toute petite qui ouvre le bal. L'impression que le festival de Cannes est désormais ouvert à tout et n'importe quoi ? Au fond, quelle importance ? Qui se soucie vraiment encore de l'événement, des films qui y sont projetés et des résultats annoncés moins de deux semaines après son lancement ? Coupez ! est cet étrange objet qui ne doit faire parler de lui que parce qu'il ose s'aventurer sur les terres japonaises et notamment d'un certain Kamera o tomeru na ! réalisé et monté par le cinéaste japonais Shin'ichirō Ueda en 2017. Et non parce qu'il s'impose, tout aussi minuscule que puisse sembler paraître le projet, comme l'une des curiosités de ce festival de Cannes cuvée 2022. Reprenant le concept de son homologue venant tout droit du pays du Soleil-Levant, Coupez ! est davantage que la série Z à laquelle sa première demi-heure renvoie le nouveau long-métrage du réalisateur français Michel Hazanavicius. Ce long plan-séquence qui fait l'objet d'un rejet massif de la part de celles et ceux qui sans doute, n'étaient probablement pas suffisamment préparés à ce type de spectacle. Car si le cinéma trash s'avère comme une seconde nature pour certains cinéastes japonais et une partie non négligeable du public, en France, mieux vaut avoir étudié ce concept avant de se rendre dans une salle de cinéma pour y découvrir Coupez !

Et encore... Connaître sur le bout des doigts ses classiques ne vaut pas comme un remède efficace à cent pour cent puisque apparemment, on peut être convaincu de l'utilité d'une telle pratique mêlant avec allégresse tripailles et irrévérence tout en étant curieusement allergique au film de Michel Hazanavicius. De cette fâcheuse habitude qui pousse on ne sait pourquoi, certains à juger d'une œuvre bien avant de l'avoir découverte. Si Kamera o tomeru na ! bénéficie d'un statut d’œuvre culte (mérité ou pas, là n'est pas la question), en comparaison, Coupez ! ne démérite absolument pas face à son concurrent direct. Bien au contraire car si l'on pouvait craindre que sa durée nuise au concept de film vaguement trash généralement compacté en une heure et demi tout au plus, les raisons expliquant cette rallonge portant la durée de cette version hexagonale à cent-dix minutes s'explique par des choix narratifs qui ont tous leur justification. Moins bordélique qu'il n'en a l'air, Coupez ! et une mise en abîme du cinéma. Le concept du film dans le film ne transpire pas uniquement qu'à travers ce tournage qui d'emblée part en vrille et expose un cinéaste et ses interprètes assaillis par d'authentiques zombies lors du tournage. Outre cette première demi-heure foutraque mais néanmoins filmée en un unique plan-séquence, le véritable potentiel de Coupez ! réside dans le récit qui au bout de trente minutes prendra la relève. Un long flash-back revenant sur le projet bien avant que la caméra du réalisateur (Romain Duris dans le rôle de Rémi) se mette à tourner. Michel hazanavicius s'emploie à décrire la personnalité de chacun. De l'arrogance de son unique star (l'acteur franco-britannique Finnegan Oldfield dans le rôle de Raphaël), le réalisateur se pliant à toutes ses exigences, à la gérance de tout ce qui concerne l'écriture, l'interprétation et la mise en place de ses actrices et acteurs.

''Ca pue, ça pue le vrai vomi''

''Mais non, c'est du faux qui pue pour de vrai...''

Le regard que porte Michel Hazanavicius sur son réalisateur s'avère parfois miraculeux. Un individu conscient des difficultés auxquelles il va devoir faire face et des concessions qu'il devra également parfois accorder. Le réalisateur, le vrai, filme son acteur sous des angles qui permettent au film de lui offrir ce ton ''documentaire'' qui en de rares occasions prend le relais d'une histoire aussi burlesque qu'invraisemblable ! Michel Hazanavicius n'en oublie pas pour autant certains des corps de métiers parmi les plus importants liés au cinéma, maquilleurs, cameraman (ici, en vue subjective), bruiteur et compositeur (Jean-Pascal Zadi dans le rôle de Fatih) et bien entendu, acteurs. Doté d'une troisième partie, le film observe le tournage sous un angle différent et révèle des situations sous un jour nouveau. Par rapport à l’œuvre de Shin'ichirō Ueda, celle de Michel Hazanavicius apporte un peu de sang frais et démontre surtout que derrière ses allures de film (faussement) fauché, Coupez ! bénéficie d'une authentique écriture. Maintenant, le débat reste ouvert. Qui de Shin'ichirō Ueda ou de Michel Hazanavicius a signé la meilleure version ? C'est à chacun de se faire sa propre opinion. La mienne est déjà faite. Et puis, découvrir Grégory Gadebois en zombie ou Romain Duris en cinéaste hystérique valent vraiment le détour...

 

Délicieux d'Eric Besnard (2021) - ★★★★★★★★☆☆

 

 

Co-écrit en compagnie du réalisateur et scénariste Nicolas Boukhrief, "Délicieux" d'Éric Besnard est une œuvre consacrée à l'art de la table et à la création du tout premier restaurant à l'aube de la révolution française. Cependant, l'auteur de la purge "600 kilos d'or pur" en 2010 ou du sympathique "L'Esprit de famille" il y a deux ans prend des libertés avec le fait historique en inventant de toutes pièces ses personnages. Le chef cuisinier Pierre Manceron qui travaille dans les cuisines du Duc de Chamfort (l'acteur Benjamin Lavernhe) est un pur produit de l'imagination de ses auteurs. Admirablement interprété par Gregory Gadebois, il est accompagné à l'écran par l'actrice Isabelle Carré dans le rôle de l'apprentie Louise et par Lorenzo Lefebvre qui incarne quant à lui le personnage de Benjamin, le fils de Pierre. Écœuré par le comportement méprisant des invités du Duc de Chamfort lors d'un repas et ayant refusé de s'excuser auprès d'eux pour leur avoir servi un met à base de pommes de terre, Pierre et son fils son renvoyés des cuisines du château et repartent vivre dans la demeure qui fut celle du père du chef cuisinier désormais disparu. Là-bas, le père et le fils y retrouvent une vieille connaissance en la personne de Jacob (Christian Bouillette que l'on retrouve avec beaucoup de plaisir) et vont bientôt recevoir la visite de Louise qui rêve d'apprendre le métier aux côtés de Pierre dont la réputation n'est plus à faire...

Si les papilles des spectateurs ne peuvent malheureusement pas être sollicitées autrement qu'à travers l'idée des saveurs que peuvent transmettre les divers plats servis durant le récit, il est en revanche d'autres sens que le goût que "Délicieux" parvient à titiller. L'ouïe tout d'abord, grâce à la très belle partition musicale que l'on doit au compositeur Christophe Julien, fidèle du réalisateur depuis de nombreuses années, également proche collaborateur d'Albert Dupontel... En cuisinier hors pair, Gregory Gadebois illustre ces artistes de la grande cuisine rigoriste mais au fond, sensibles dans l'âme. Lorenzo Lefebvre est une véritable découverte. Bien qu'étant en léger retrait vis à vis des deux principaux interprètes, le jeune acteur fait preuve d'un talent dans l'exécution de son texte qui force l'admiration. Isabelle Carré reste fidèle à l'image que les spectateurs ont d'elle depuis ses débuts de carrière d'actrice: talentueuse... Bien que se déroulant dans des décors somptueux, parfois fastes ou plus modestes, "Délicieux" délivre un message relativement cynique de l'aristocratie vis à vis des petites gens auxquels elle laisse bien volontiers ces mets préparés à base de produits poussant sous terre. L'introduction est à l'image de cette distance que prent la haute bourgeoisie qui après avoir complimenté le chef pour sa cuisine "se doivent" de lui rappeler qu'il n'est malgré tout qu'un représentant du peuple à leur service. Si le propos reste difficile à avaler (un comble pour une œuvre sur le thème de la cuisine), son exécution n'en est pas moins fort réjouissante, le tableau nous présentant une aristocratie exubérante, voire même décadente...

A propos de tableaux justement... L'œuvre d'Éric Besnard est de ces œuvres dont la beauté participe de son attrait. On reste souvent bouche bée devant ces "œuvres picturales" qui ne cessent de nous en mettre plein la vue. L'un de ces sens qui justement, et encore une fois, se soustrait au palais pour nous offrir des tableaux d'une beauté renversante. Pour cela, le réalisateur a su s'entourer de très grands spécialistes en la matière. À commencer par le directeur de la photographie Jean-Marie Dreujou, du décorateur Bertrand Seitz et de la costumière Madeline Fontaine. Chaque plan est l'occasion de scruter chaque recoin au point que nous titille l'envie de faire d'incessants arrêts sur image. Clair-obscur, éclairage à la bougie (on sent ici l'influence de Kubrick), étalonnage des couleurs, profondeur de champ, chaque objet et personnage étant placé à l'image de manière très précise, le tout constitue une succession de tableaux d'une beauté renversante qui ne remet cependant pas l'attrait du récit au second plan. A noter également la présence de Guillaume de Tonquédec dans le rôle de l'intendant du Duc de Chamfort...

 

J'accuse de Roman Polanski (2019) - ★★★★★★★★★☆

 

 

Alors que le film fut l'objet de controverses tandis que son réalisateur Roman Polanski affirmait d'emblée qu'il faisait écho à sa propre histoire, et compte-tenu du contexte dans lequel l'avant dernier long-métrage de l'auteur du Pianiste, du Locataire ou de Rosemary's Baby fut comparé par le cinéaste franco-polonais lui-même aux soucis de justice dont il demeurait encore la cible (le 8 mars 2020, plus de cent-dix avocates profitèrent de la Journée internationale des droits de la femme pour rappeler les accusations dont il était l'objet), J'accuse aurait pu très facilement souffrir de la polémique. Mais une fois que l'on s'accorde le droit de mettre de côté toute cette histoire personnelle, si sordide qu'elle puisse être, véritable ou non, étayée par des preuves ou par de simples ouï-dire, l’œuvre, elle, n'en est pas moins l'une des plus brillantes démonstrations de l'un des plus grands réalisateurs de sa génération. L'affaire concernant le capitaine Alfred Dreyfus est non seulement devenue à l'époque une affaire d'état mettant en cause, trahison supposée, erreur judiciaire, antisémitisme (l'officier incriminé étant de confession juive comme le martèle régulièrement Roman Polanski dans le film) et fourvoiement de la part des autorités militaires, incapables elles-même de reconnaître leurs torts. À moins que vienne justement s'intercaler cette suspicion d'antisémitisme dont est victime dans J'accuse, l'officier de l'Armée Française. D'un point de vue strictement cinématographique, l'avant dernier film de Roman Polanski n'est pas loin d'aller rejoindre l'éblouissant Le Pianiste réalisé voilà déjà vingt ans en arrière, au panthéon des chefs-d’œuvre du cinéaste. La photographie de Pawel Edelman saute immédiatement aux yeux et donne à l'ensemble un caractère visuel fait de suie. Celle-là même qui semble couvrir la quasi-totalité des locaux du 2ème Bureau dans lesquels est ensuite introduit en tant que nouveau responsable le commandant Marie-Georges Picquart qui à cette occasion est promu au grade de Lieutenant-colonel...

Alors que l'affaire judiciaire concernant l'officier Dreyfus a déjà été jugée (l'homme sera déchu de ses titres militaires, se voyant ainsi humilié, déporté puis détenu sur l'Île du Diable en Guyane), J'accuse se concentre moins son récit sur la victime d'une machination et d'une erreur de justice (Louis Garrel dans le rôle d'Alfred Dreyfus) que sur le courage d'un homme (en l'occurrence, Marie-Georges Picquart qu'interprète à l'écran l'impeccable Jean Dujardin) qui a tout entreprit pour que la vérité éclate. Au risque de mettre en péril sa propre existence et son statut d'officier de l'Armée française. Visuellement remarquable, la reconstitution bénéficie des impressionnants talents de la costumière Pascaline Chavanne, de la direction artistique de Jean Rabasse et de la musique d'Alexandre Desplat. Surtout, le film s'inspire du roman An Officer and a Spy de Robert Harris que l'écrivain adapte alors lui-même aux côtés de Roman Polanski. On pourra ergoter sur le fait que l'intrigue soit à elle seule le terreau fertile d'un récit passionnant et qu'il ne fallut pas grande imagination pour développer une telle histoire. Avoir de la matière est une chose. Mais être capable de la mettre en images en est une autre. Entre espionnage, trahison, procédures militaires et judiciaires, enquête ou délits d'opinion, le film démantèle avec brio toute la machinerie qui s'est construite autour d'un personnage dont l'unique erreur semble être ses origines juives. Mais Roman Polanski ne s'arrête pas là puisque bien avant que la justice devienne la quasi exclusivité des médias et des réseaux sociaux, sa victime est d'emblée reconnue par le peuple comme coupable !

Face à Jean Dujardin et la lourde responsabilité d'incarner celui qui deviendra membre de la Ligue des droits de l'homme à la fin du dix-neuvième siècle et en 1906, Ministre de la guerre, Roman Polanski impose quelques figures remarquables du cinéma français. À commencer par Emmanuelle Seigner (qui interprète le rôle de Pauline Monnier, la maîtresse de Marie-Georges Picquart), fidèle épouse du franco-polonais malgré les multiple et rudes épreuves rencontrées par le cinéaste, celle-ci débute sa carrière en 1984 dans L'année des Méduses de Christopher Frank avant d'apparaître tout au long de sa filmographie dans diverses œuvres de son mari (parmi lesquelles, elle incarnera la troublante Mimi dans Lune de fiel en 1922). Grégory Gadebois (Délicieux d'Éric Besnard, en 2021) incarne le commandant Hubert Henry, véritable traître qui savait l'innocence de Dreyfus et qui garda secrète la culpabilité de son ami Ferdinand Walsin Esterhazy). Viennent ensuite des seconds rôles qui valent à l'écran au moins autant que les principaux intéressés. Au hasard, Wladimir Yordanoff, Melvil Poupaud (excellent Didier Mathure dans la série télévisée OVNI(s)), Mathieu Amalric en graphologue, Laurent Stocker dans le rôle du Georges-Gabriel de Pellieux, Vincent Perez dans celui de Maître Louis Leblois, un ami de longue date de Marie-Georges Picquart ou encore Denis Podalydès en avocat de la défense lors du procès de Dreyfus et André Marcon dans la peau d'Emile Zola, celui-là même qui fut à l'origine de l'article ''J'accuse'' adressé au président de la République Française de l'époque et qui donne son nom au titre du film. Un véritable catalogue où sont réunis de formidables interprètes incarnant autant de célèbres personnages. Plus qu'un long-métrage tiré d'un fait-divers judiciaire parmi les plus célèbres qu'ait connu notre pays, Roman Polanski met en scène un véritable thriller dans lequel le personnage interprété par Jean Dujardin s'impose comme une figure Agatha Christienne. J'accuse n'est peut-être pas le plus grand film de son auteur mais le spectateur gardera à l'esprit que le nonagénaire en a encore sous la botte. C'est donc avec fébrilité que l'on attendra la sortie de son prochain film intitulé The Palace...

 

Le Jeu de Fred Cavayé (2018) - ★★★★★★☆☆☆☆

Après avoir vu l'admirable Perfetti Sconosciuti écrit et réalisé par le cinéaste italien Paolo Genovese, il paraissait logique de se pencher sur le remake français mis en scène par Fred Cavayé cette année. Un cinéaste qui depuis 2016 est passé du thriller à la comédie avec, tout d'abord, Radin !, puis en 2018, son tout dernier long-métrage, Le Jeu. Dont le scénario écrit par ses soins est donc inspiré de celui de Paolo Genovese, Filippo Bologna, Paolo Costella, Paola Mammini et Rolando Ravello. Bérénice Bejo, Stéphane de Groodt, Vincent Elbaz, Suzanne Clément, Roschdy Zem, Doria Tilier et Grégory Gadebois prennent le relais de l'impérial casting italien. Résultat, le film de Fred Cavayé est une grosse déception pour celui qui connaît déjà l’œuvre de Paolo Genovese. C'est sans finesse aucune que le cinéaste français choisit de dresser le portrait de sept amis qui lors d'un dîner acceptent de jouer à un jeu stupide : le téléphone portable de chaque convive est déposé au milieu de la table et chacun doit lire chaque sms, mail ou faire écouter chaque message vocal qu'il reçoit à ses amis. Si tout se passe d'abord sous les meilleurs augures, peu à peu la soirée va déraper.

L'histoire étant identique à celle de Perfetti Sconosciuti, il est malheureusement possible que le jugement soit légèrement altéré. Dur de passer derrière un long-métrage italien qui a su allier humour et émotion alors que son adaptation française manque cruellement de l'un et de l'autre. En effet, alors que les bons mots fusent régulièrement au pays de la Dolce Vita et que l'émotion y est poignante, l’œuvre de Fred Cavayé demeure étonnamment stérile en la matière. J'avoue ne pas avoir ri une seule fois. Tout juste esquissé un timide sourire à une seule occasion. Voir coup sur coup un film et son remake revêt quelque chose d'handicapant. Le souvenir trop récent d'avoir vécu un vrai grand moment de cinéma contrecarré par la vision d'un remake bas de gamme, plutôt mal écrit malgré l'implication d'interprètes que l'on a connu plus amusants ailleurs.

Certaines des séquences les plus fortes de l’œuvre originales sont ici bâclées. Ou simplement ignorées. C'est malheureux à dire mais tout bon comédien qu'il soit, Stéphane de Groodt ne possède pas le charisme de Marco Giallini et les moments clés que vit son personnage et celle qui incarne son épouse à l'écran (Bérénice Bejo) sont désastreusement plates. Toute l'intime magie du duo incarné par Marco Giallini et Kasia Smutniak est désormais évacuée d'un simple revers de la main par un duo français qui manque cruellement de crédibilité. La faute à une écriture beaucoup moins « pensée » que celle du long-métrage de Paolo Genovese. Beaucoup moins fin, le trait y est largement plus grossier et le spectateur se retrouve devant une comédie française sans véritable saveur qui du point de vue de l'écriture, ne renoue jamais avec les pointures que sont par exemple Un Air de Famille, Cuisine et Dépendances, Le Dîner de Con ou Le Prénom. Fred Cavayé dénigre le rythme apaisé que son prédécesseur avait injecté à une œuvre pourtant parcourue de moments chocs et livre en pâture des interprètes jouant parfois sur le mode de l'hystérie. Non pas que Suzanne Clément soit mauvaise, bien au contraire, mais le personnage de Charlotte qu'elle incarne devient assez rapidement irritante. Au même titre que Vincent Elbaz, très moyen, et qui ne semble pas toujours concentré sur son jeu. S'en tire avec les honneurs le toujours impeccable Roschdy Zem même si là encore, Fred Cavayé manque le coche en ne lui offrant pas un rôle à la hauteur de celui que se vit offrir Valerio Mastandrea dans Perfetti Sconosciuti. Il y a donc deux manières d'aborder Le Jeu. Soit l'on ne connaît pas l’œuvre dont le film de Fred Cavayé s'inspire, et alors, si l'on n'est pas trop regardant sur l'écriture, le film passera pour une excellente comédie française bien qu'un très large cran en dessous des quelques exemples cités au dessus, soit l'on connaît l’œuvre de Paolo Genovese. Et alors, on devrait logiquement vivre une expérience assez désagréable. Comme de revoir le même film amputé de tout ce qui en faisait le sel... Une déception...