Potiche de François Ozon (2010) - ★★★★★☆☆☆☆☆

 

 

1997.... Cette année là, un réalisateur allait bouleverser mon opinion sur l'état du cinéma français et conforter l'idée que même dans notre beau pays, il était possible de produire l'équivalent de l’œuvre toute entière du cinéaste américain John Waters. Mon maître à penser, comme le fut en littérature un certain Charles Bukowski. Des Pink Flamingos, des Female Trouble et plus encore des Desperate Living, chez nous, semble-t-il, la chose était inconcevable. Il y eu semble-t-il quelques tentatives underground mais pourtant remarquables (le Mongolitos de Stéphane Ambiel disponible en double programme chez Haxan Films aux côtés du cultissime Hated: GG Allin and the Murder Junkies de Todd Philips) mais rien de véritablement officiel. Jusqu'en 1997, donc, et le moyen-métrage Regarde la mer de François Ozon. Signe avant coureur de ce qui allait jaillir sur les grands écrans l'année suivante sous le titre Sitcom. Une flèche pointant directement vers ces programmes médiocres mais ô combien populaires. Et pourtant, si ce dernier s'était montré d'un cynisme réjouissant, il dénotait déjà une légère baisse de régime en la matière de la part du réalisateur François Ozon. En effet, on y riait sans doute davantage que devant Regarde la mer, mais il n'avait probablement pas la capacité de déranger autant que dans cette aventure d'un peu moins d'une heure détaillant la rencontre entre une touriste anglaise prénommée Sasha et Tatiana (Marina de Van, impressionnante), une jeune marginale apparaissant comme immédiatement menaçante...

Nous sommes fin 2010 lorsque sort sur les écrans français Potiche, le treizième long-métrage du réalisateur français. Et les choses, depuis, ont bien changées. Les vedettes, depuis quelques années déjà, se sont bousculées au portillon du cinéma estampillé '' François Ozon'' ! Ne faisant pas fi de cette règle, Potiche réunit en son sein des noms aussi prestigieux que ceux de Gérard Depardieu, Catherine Deneuve, Fabrice Luchini ou Jérémie Rénier. Aux côtés desquels l'on découvre la présence étonnante de la chanteuse Elodie Frégé. François Ozon aura eu la bonne idée d'attendre sept ans avant de débaucher la gagnante de la troisième saison de l'émission de télé-réalité musicale, Star Academy. Histoire de faire taire avant qu'ils n'ouvrent la bouche ceux qui auraient sans doute prétendu que le cinéaste aurait par ce choix, tenté d'attirer les amateurs de ce genre de shows télévisuels ! S'il n'entretient aucun rapport avec le contexte propre aux Sitcoms des années quatre-vingt dix puisqu'il situe son intrigue deux décennies auparavant, c'est parce que Potiche multiplie les références à cette époque. Pulls à col roulé bordeaux et en acrylique. Foulards soyeux, coupe au bol (Jérémie Rénier, qui deux ans plus tard incarnera Claude François dans Cloclo de Florent-Emilio Siri ressemble déjà à s'y méprendre à l'un des plus populaires chanteurs français des années 60/70), mode vestimentaire, véhicules et fond sonore, tout ou presque renvoie à cette période de vague insouciance que beaucoup n'ont malheureusement pas eu la chance de connaître...

Vu le pedigree de François Ozon, on rêve d'un retour aux sources et pourquoi pas, de dialogues aussi incisifs que ceux des débuts de Bertrand Blier (dont les premiers films cultes, je le précise, datent tous de cette période là). Mais à moins que François Ozon n'ait décidé de montrer que rien n'a vraiment changé depuis ces cinquante dernières années, plonger ses protagonistes dans le courant des années soixante-dix n'a d'intérêt pour lui que de ne citer personne en particulier tout en évoquant la société et le monde politiques tels qu'ils demeurent de nos jours. Quant aux spectateurs, ceux-ci se réjouiront certainement davantage de l'esthétique du long-métrage que des dialogues poussifs dont on ne sait jamais vraiment si François Ozon les a choisi pour leur éventuelle corrélation avec l'époque évoquée. Essentiellement constituée de standards de la variété française (Michèle Torr, Il était une fois, Bee Gees, Jean Ferrat ou Julio Iglesias), la bande musicale à laquelle participe le compositeur Philippe Rombi est typique de cette nouvelle génération de comédies françaises assez creuses qui pullulent depuis la sortie de Potiche. Comme si François Ozon avait posé les bases d'un cinéma fade, dénué d'imagination et de sentiments vrais. Le pire étant d'y voir Fabrice Luchini souvent sous-exploité. Même Bruno Dumont saura prendre le contre-pied de son talent d'orateur en 2016 en sous-exploitant son phrasé dans l'excellent Ma loute. Le treizième long-métrage du réalisateur français donne surtout à se remémorer l'excellente émission Message à caractère informatif de Nicolas et Bruno qui détournait avec talent d'anciens films d'entreprises et qui pour le coup, s'avérait autrement plus drôle. Ennuyeux, dénué (ou presque) du cynisme qui chez François Ozon transpirait par tous les pores par le passé, Potiche est anecdotique. Pour ne pas dire, totalement dispensable...

Écoute voir de Hugo Santiago (1979) - ★★★★★★☆☆☆☆

 

 

Réveillé en sursaut à la suite d'un cauchemar qui s'est immédiatement évaporé au point que j'en ai oublié son contenu, je regarde l'heure et il est 7h06. Je ne sais pas si cet horaire qui a tout de véritablement diabolique (7h06=6h66, soit 666) a un lien avec tout ça ou si c'est après avoir découvert Écoute voir de Hugo Santiago au beau milieu de la nuit que le film a tellement marqué mon esprit qu'en a éclot un très mauvais rêve, mais afin d'exorciser cette peur de l'inconnu qui m'a fait m'éveiller alors que je serais bien resté couché quelques heures de plus, me voilà posté devant mon ordinateur a essayer de savoir ce que je vais bien pouvoir écrire... Car s'il est une chose qui reste certaine, c'est que le réalisateur argentin originaire de Buenos Aires Hugo Santiago dont la mort remontera dans quelques jours à sept ans abordait son art d'une manière si particulière que chaque œuvre pouvait marquer n'importe quel esprit peu habitué à ce genre de cinéma. Un cinéaste parait-il très important dans son pays d'origine ainsi que chez nous et pourtant que je ne découvrais que lors de cette nuit particulièrement pluvieuse... Rien ne pouvait me contraindre davantage d'assister à cet étrange spectacle que le terme ''science-fiction'' que je découvrais quelque part au sujet du film. Terme qui sur la toile disparaît par contre de ce que certains tiennent pour des ''références'' en matière de cinéma. De la science-fiction, sans doute, mais pas de celle que l'on a pour habitude de voir sur petit et grand écran. En moins sombre et donc en moins déprimant, nous pourrions presque d'ailleurs raccorder Écoute voir à l'oppressante série en quatre épisode, Noires sont les galaxies même si, il est vrai, ni le film ni cette série ne partagent la moindre de leur thématique respective. Par contre, les titres de l'un et l'autre ne possèdent-ils pas en commun une certaine part de poésie... ? Lorsque l'on découvre que l'acteur Samy Frey participe au projet, on sait déjà à peu près dans quel genre d'univers nous mettons les pieds. En vedette, l'actrice Catherine Deneuve qui à l'époque a déjà une sacrée carrière derrière elle. Héroïne du paranoïaque, mysandre et claustrophobe Répulsion du franco-polonais Roman Polanski, vedette de Belle de jour et de Tristana de l'espagnol Luis Buñuel, invitée sur les plateaux de tournage de François Truffaut, Marco Ferreri, Jean-Paul Rappeneau, Claude Lelouch ou encore Robert Aldrich, la jeune femme y incarne l'un de ses plus étonnants personnages. Un brin décalé au regard de sa filmographie passée et à venir.

Une détective privée fagotée comme Humphrey Bogart dans Le grand sommeil de Howard Hawks ou comme plus tard, Jack Nicholson dans Chinatown de Roman Polanski ! Dotée d'un prénom épicène qui lui permet sans doute de ne pas toucher à la sensibilité de ses futurs clients de sexe masculin, Claude Alphand reçoit la visite d'Arnaud de Maule qu'interprète donc Samy Frey. Propriétaire d'un château délabré, l'homme fait appel aux services de la détective afin d'enquêter sur les allées et venues d'inconnus qui semblent intéressés par l'édifice. Claude découvre très vite qu'il s'agit de membres d'une secte religieuse qui se fait appeler L'église du Renouveau Final. Une secte dont l'un des membres n'est autre que Chloé, charmante jeune femme incarnée quant à elle par la toute frêle mais déjà très sensuelle Anne Parillaud qui n'est alors âgée que de dix-huit ans. Elle y interprète une jeune femme apparemment sous l'emprise de cette secte qui n'hésite pas à droguer ses membres afin de les maintenir sous son emprise. Claude va donc avoir la charge de la faire sortir de cet univers et ainsi la ramener vers son compagnon qui n'est autre que le propriétaire du château, Arnaud. Sur cette base que d'aucun pourrait naturellement considérer d'on ne peut plus ordinaire, Hugo Santiago construit une œuvre alambiquée à laquelle s'ajoute un phénomène étrange. Une ''musique'' qui semble altérer l'espace-temps et dont, pour le moment, on ne connaît pas la source. Véritable objet filmique non identifié, Écoute voir rejoint la liste peu commune des films français mis en scène sous un angle auquel le public est peu habitué. En 1973, Claude Faraldo avait déjà marqué le cinéma français expérimental d'une pierre blanche avec son Themroc tout en onomatopées et voici qu'à l'aube des années quatre-vingt à venir, la fin des seventies prend la forme de ce drôle de film qui s'amuse à jouer avec les codes du polar noir américain en faisant parfois déambuler Catherine Deneuve dans d'étonnants décors (le pigeonnier). Puis en la mettant en scène dans des combats au corps à corps où son personnage fait preuve de dispositions physiques particulières, dont une propension à la manchette qu'elle exécute à de nombreuses reprises. Résumer Écoute voir en quelques lignes est une tâche véritablement difficile. Comme d'évoquer son potentiel artistique et sa valeur en matière de divertissement. Œuvre d'un autre âge que pas même Quentin Dupieux n'aurait sans doute pu concevoir de nos jours, le long-métrage du réalisateur argentin est une authentique curiosité. Pas vraiment plaisant à tenir jusqu'au bout puisque sa lenteur s'étale sur deux bonnes heures mai suffisamment intrigant pour que l'on se laisse d'abord happer par l'ambiance très étrange que revêt le long-métrage de Hugo Santiago...

 

Le lieu du crime d'André Téchiné (1986) - ★★★★★★☆☆☆☆

 

 

En fouillant dans ma vieille vidéothèque, je suis tombé sur une VHS toute poussiéreuse d'un film que j'avais enregistré il y a fort longtemps mais que je n'avais jamais regardé. Dénichant un ancestral lecteur qui n'avait pas servi depuis des lustres, je l'entendis ronronner au moment de lancer la projection de ce Lieu du crime signé d'André Téchiné en 1986. Un titre particulièrement évocateur qui laisse immédiatement, mais surtout, éventuellement, envisager son contenu. Installant ses personnages dans les départements du Lot-et-Garonne et du Tarn-et-Garonne pour des séquences se déroulant à Castella, Clermont-Soubiran ou encore Moissac, le réalisateur et scénariste français convie quelques vedettes du cinéma hexagonal dont la star Catherine Deneuve à laquelle il offre le rôle d'Aurélie, fille de parents incarnés par Danielle Darrieux et Jean Bousquet mais aussi et surtout, mère de Thomas qu'interprète de son côté le jeune Nicolas Giraudi. Un adolescent turbulent, mythomane et kleptomane à ses heures. Considérant que le titre du long-métrage porte en lui les fruits du thriller et du film policier, on s'étonnera de ne voir en Le lieu du crime que quelques artefacts de ces deux genres puisque André Téchiné semble d'abord être intéressé par le portrait de ces personnages ambigus avec lesquels il paraît entretenir une relation toute particulière. Face à cette famille relativement dysfonctionnelle, entre un grand-père qui fuit les siens en partant le plus souvent possible à la pêche, une grand-mère qui a beau tout faire pour que la cohésion subsiste au sein de sa famille mais sans jamais vraiment y parvenir, une mère et un père séparés et un gamin qui au milieu de toute cela ne peut s'empêcher d'être révolté, Martin va venir brouiller les cartes d'un contexte familial déjà compliqué. Ce dernier, incarné par Wadeck Stanczak déboule aux abords de la demeure campagnarde des Ravenel. Caché dans une grange, Martin voit débarquer Thomas qui ne s'attendait pas à tomber sur un fugitif en cavale. L'homme exige du gamin qu'il lui apporte de l'argent à défaut de quoi Thomas devra s'attendre à des représailles. Quelques temps plus tard, l'adolescent retrouve Martin et lui donne l'argent qu'il a récupéré de son grand-père. Mais Martin n'est pas seul. Son complice, Luc (Jean-Claude Adelin), est nettement moins tendre que lui et décide de se débarrasser de Thomas qu'il juge être un témoin potentiellement gênant. André Téchiné quitte un moment le trio pour retourner voir ce qu'il se passe du côté d'Aurélie, laissant ainsi supposer aux spectateurs que Thomas vient de rendre son dernier souffle.

Mais la scène de crime, celle relatée par le titre du film ne va pas s'avérer être celle que l'on croyait. En employant la méthode du flash-back avec beaucoup moins de génie que le voudraient sans doute le cinéaste et ses monteuses Martine Giordano et Suzanne Koch, l'on comprend que Thomas et en vie et que Martin a préféré sacrifier son ami plutôt que d'être le complice d'un infanticide. Si Le lieu du crime semble s'inscrire dans un courant qui fit les grandes heures du cinéma ''chabrolien'', André Téchiné l'aborde davantage sous l'angle du drame que du thriller ou du film policier. L'on n'assiste pas directement au meurtre de Luc et la police, quant à elle, semble être partie aux champignons tant sa présence fait défaut. En arrière-plan, le script pose la question de la responsabilité des parents dans l'éducation de leur enfant et des conséquences qui peuvent découler de leur séparation. Car si le père de Thomas qu'interprète Victor Lanoux fait semble-t-il tout son possible pour veiller à ce que son fils donne le meilleur de lui-même, on sent bien que ce dernier est une véritable cocotte minute qui pour se faire remarquer et ainsi sans doute attirer l'attention de ses parents accumule les conneries. Particulièrement mise en valeur malgré le très caractéristique jeu qui est le sien, Catherine Deneuve, enfin, son personnage, y découvre une nouvelle passion amoureuse entre les bras de Martin. Passion tardive, mais passion tout de même. Avec tous les dangers qu'une telle situation peut contracter, surtout lorsque la petite amie du jeune homme, Alice, vient régler ses comptes avec celui qui vient tout juste de la quitter pour retrouver les bras d'Aurélie. Le lieu du crime est ainsi l'occasion pour l'actrice Claire Nebout de se voir offrir l'un de ses premiers rôles sur grand écran. Elle qui apparaîtra dans Association de malfaiteurs de Claude Zidi en 1987, dans Beaumarchais, l'insolent d’Édouard Molinaro en 1996, dans des dizaines d'autres films et même à la télévision avec, notamment, sa participation à l'excellent feuilleton de l'été Orages d'été de Jean Sagols en 1989. En écorchée vive, son personnage dans Le lieu du crime mettra tout en œuvre pour que son compagnon paie sa trahison avant de terminer de manière terriblement funeste lors d'un récit décidément inhabituel. Critiqué pour son rythme parfois lymphatique, le long-métrage d'André Téchiné est en réalité une assez bonne surprise...

 

La femme aux bottes rouges de Juan Luis Buñuel (1974) - ★★★★★★☆☆☆☆

 

 

Pour son second long-métrage, le fils du réalisateur espagnol Luis Buñuel, Juan Luis, nous revient en cette année 1974 avec La Femme aux bottes rouges. Sept ans après que son père ait mis en scène l'actrice française Catherine Deneuve, c'est maintenant au tour du fiston de lui offrir un rôle tout à fait à la hauteur de son étrangeté. Le charme blond et glaçant est sans doute pour beaucoup dans le choix du cinéaste qui la filme, elle et les autres interprètes, dans un univers en totale adéquation avec la peinture en trompe-l’œil que peindra durant une bonne partie du récit son ami Richard qu'interprète le français Jacques Weber. Surtout, Juan Luis Buñuel s'offre un casting de choix puisque autour de ces deux protagonistes dont le lien qui les unie reste difficile à définir très précisément (sont-ils de simples amis ou sont-ils amants?), le réalisateur espagnol convie notamment lors de cette curieuse aventure, l'espagnol Fernando Rey à l'impressionnante carrière dont plusieurs passages chez Luis Buñuel (Viridiana en 1961, Tristana en 1970, Le Charme discret de la bourgeoisie l'année suivante et Cet obscur objet du désir en 1977). Sont également présents à l'image les italiens Laura Betti et Adalberto Maria Merli. La première fut une fidèle interprète de l'immense Pier Paolo Pasolini pour lequel elle interpréta plusieurs personnages notamment dans Œdipe roi en 1967, Théorème l'année suivante pour lequel elle remporta la Coupe Volpi à la Mostra de Venise cette année là ou encore Les Contes de Canterbury en 1972. Les amateurs de cinéma d'épouvante la reconnaîtront pour l'avoir également découverte dans Une hache pour la lune de miel ou La baie sanglante tous deux respectivement signés du grand Mario Bava en 1970 et 1971. Sans oublier sa participation à quelques longs-métrages hexagonaux à l'image du Gang et de Un papillon sur l'épaule tous deux réalisés par Jacques Deray ou Noyade interdite de Pierre-Granier Deferre en 1987. Mais le visage sans doute le plus marquant du récit est sans doute celui d'Adalberto Maria Merli dont la carrière d'acteur aura finalement été timide puisqu'en cinquante-trois ans, il n'aura tourné que dans une petite cinquantaine de séries, téléfilms et longs-métrages dont le plus remarquable reste sur notre territoire l'excellent Peur sur la ville d'Henri Verneuil. Une œuvre qui en 1975 rendait hommage aux Gialli italiens en mettant en scène notre Jean-Paul Belmondo national aux prises avec un tueur désaxé, misogyne et borgne !

Très étrange s'avère donc effectivement La Femme aux bottes rouges qui donne sa couleur aux chausses que porte l'héroïne Françoise Leroy (Catherine Deneuve). Une jeune femme blonde qui vit auprès du peintre légèrement excentrique, Richard, lequel est en pleine création d'une toile en trompe-l’œil. Un jour, alors qu'elle est accoudée à un bar, Françoise propose à un inconnu assis à une table de lui montrer quelque chose d'étonnant s'il accepte en contrepartie de lui donner cent francs. Le vieil homme du nom de Perrot (Fernando Rey) s'exécute et la voilà qui apparaît nue sous son manteau. Après cela, la jeune femme se dirige dehors vers un bouquiniste qui très rapidement va être questionné au sujet d'un auteur de romans par un certain Marc (Adalberto Maria Merli), lequel est marié à Sophie (Emma Cohen). Fasciné par la jeune femme, Perrot décide de la suivre et comme elle-même semble désormais attirée par Marc, le vieil homme décide de tout entreprendre pour défaire la curiosité qu'éprouve désormais Catherine pour le jeune homme. Au final, tout ce petit monde est convié dans la luxueuse propriété de Perrot, grand amateur d’œuvres picturales qu'il rachète et détruit après s'être littéralement effondré devant. Le vieil homme et Catherine vont alors se livrer à une partie d'échec, tout ceci sous le regard de Richard, Marc et de la domestique Léonore (Laura Betti). Difficile d'aborder La Femme aux bottes rouges avec toute l'objectivité que cela nécessite. Car outre le récit, déjà très alambiqué et tournant autour de l'art, de la passion amoureuse et, d'une certaine manière, de la sorcellerie, la mise en scène et le montage s'avèrent à ce point libre de toutes contingences que le film semble avoir été réalisé de manière tout à fait improvisée. Et pourtant, cette petite gourmandise ô combien surréaliste se montre plutôt séduisante. La matière créatrice héritée du paternel par son fils Juan Luis Buñuel risque cependant d'en décontenancer un certain nombre. Et ce sera d'ailleurs davantage dans l'imaginaire que sur un plan purement graphique que l'on se fera une opinion de ce très étrange objet du désir pour reprendre l'un des titres de films de Luis Buñuel. Le plus beau plan, celui qui clôt le film, ferait presque regretter que n'ait pas été davantage approfondie l'esthétique surréaliste du long-métrage... Étonnant, voire, déconcertant...

 

Agent trouble de Jean-Pierre Mocky (1987) - ★★★★★★☆☆☆☆

 

 

Commençons par une anecdote qui n'a pas de relation directe avec le film. À voir Catherine Deneuve affublée d'une coiffure qui ne la met pas vraiment physiquement en valeur, je me suis demandé si elle portait une perruque. C'est alors que je me suis rendu sur Google pour y taper Catherine+Deneuve+Perruque. Obtenant ainsi parmi une foule de portraits de l'actrice nantie de diverses coiffures, quelques résultats étonnants. Telle cette foufoune dite ''A la portugaise'' du plus mauvais goût. Aussi pittoresque que puisse paraître la chose, elle rejoint par contre l’œuvre de Jean-Pierre Mocky en ce sens où le réalisateur français signait en 1987 avec Agent trouble, un bien curieux thriller. Le ridicule se penchant sur le moindre petit détail. Cette mèche grise qu'arbore Richard Bohringer, cette coiffure fauve qu'affiche Dominique Lavanant (aggravée par des tenues excentriques), ce bandeau qui enserre le crâne de Tom Novembre... Jean-Pierre Mocky était un bien curieux personnages n'ayant pas la langue dans sa poche. Un univers tout personnel qui malheureusement se dégrada au fil du temps, gangrenant les intrigues même les plus limpides. Pour comprendre et aborder Agent trouble de la manière la plus claire, il faudra sans doute se reporter à ces deux phrases que cite Catherine Deneuve après soixante-quinze minutes de récit : ''J'narrive pas à comprendre exactement les mobiles de ces gens... Ni à expliquer la nécessité pour eux de tuer tous ces innocents...'' Et c'est justement ce que l'on ressent devant cette histoire remarquablement intrigante dans ses premiers instants mais dont l'intérêt se délite au fil du temps. Qu'on le veuille ou non, Jean-Pierre Mocky gâche le matériau d'origine en insufflant à son œuvre cette folie douce dont il est coutumier mais qui n'était sans doute pas nécessaire ici. Lui que l'on aurait aimé voir traiter pour une fois avec un peu plus de sérieux cette adaptation du roman The man who loved zoos de l'écrivain américain Malcom Bosse ne peut donc s'empêcher d'y joindre une partie des freaks qui l'accompagnent généralement dans des situations ubuesques !

Le plus tragique dans toute cette histoire d'une adaptation dont l'effet est malheureusement celui d'un pétard mouillé, est d'observer le potentiel du récit et ce qu'en a fait Jean-Pierre Mocky. De sa manière toute personnelle et maladroite d'énumérer l'intrigue et ses personnages, Agent trouble évoque quelque part l'adaptation du roman de Georges-Jean Arnaud Brûlez-les tous ! réalisée en 1986 par Robert Enrico sous le titre Zone Rouge. Film dans lequel l'actrice Sabine Azéma cherchait à comprendre les raisons entourant la mort de son ex-mari et de celle de plusieurs habitants d'un hameau qui ensuite fut au cœur d'un incendie volontaire. Moins enclin à faire de son œuvre une adaptation riche en rebondissements et en sous-intrigues passionnantes, Jean-Pierre Mocky ouvre cependant les hostilités de la manière la plus séduisante, attirant ainsi le chaland à travers cette vision on ne peut plus fantasmagorique d'un bus arrêté dans un décor enneigé et dont tous les passagers sont prostrés dans une attitude d'inexplicable effroi. À la suite de cette séquence d'ouverture alléchante, le réalisateur introduit Tom Novembre, pittoresque personnage marginal prénommé Victorien qui fera les poches des victimes avant d'aller rendre visite à sa tantine Amanda Weber(Catherine Deneuve) et d'être ensuite recherché, poursuivi et enfin assassiné par l'étrange personnage qu'incarne Richard Bohringer, un certain Alex. Sans le talent particulièrement pointu d'un Claude Chabrol mais avec toujours autant de ferveur et de vigueur, Jean-Pierre Mocky persévère dans la critique des hauts dignitaires, jouant avec les codes du thriller tout en laissant une large place à ces personnages étranges qui toujours ont parcouru sa filmographie. Après la mort de Victorien, sa tante mène l'enquête... un peu trop tardivement comme le constatera le spectateur, beaucoup trop tard pour que le réalisateur parvienne à véritablement déployer l'intrigue et pour que les investigations d'Amanda Weber prennent une tournure véritablement passionnante. Reste alors le plaisir de retrouver Sylvie Joly, Pierre Arditi et les habituels trublions du cinéma ''Mockyéen''. Sans oublier la délicieuse Kristin Scott Thomas quasiment au début de sa carrière (à trois ans et une toute petite poignée de rôle près), jeune, belle, sexy, dans le rôle de la prostituée Julie. Laquelle absorbera sans doute l'attention des spectateurs de sexe masculin lorsqu'elle leur révélera sa brune toison. Une foufoune en chassant une autre, voilà donc une jolie épanadiplose...

 

Terrible Jungle de Hugo Benamozig et David Caviglioli (2020) - ★★★★★★☆☆☆☆

 

 

L'anthropologue Elliot De Bellabre a tout quitté pour étudier les Otopis, un peuple d'Amazonie que peu d'hommes (voire pas du tout) ont eu la chance de rencontrer. Accompagné dans la brousse par Humbolt et Yaguati qui cherchent en réalité lui dérober son argent dès que l'occasion se présentera, Elliot a non seulement quitté son pays pour rencontrer les Otopis mais également pour échapper à son encombrante mère Chantal, elle-même célèbre anthropologue qui, n'ayant pas de nouvelles de son fils, décide de partir à sa recherche. Dès son arrivée dans la région où vivent les indigènes, elle entre en contact avec le Lieutenant-Colonel François-Yves Raspaillès qu'elle espère convaincre de l'aider à retrouver Elliot. Pendant ce temps, ce dernier est parvenu à croiser la route d'Albertine (!?!), la cheffe des Otopis. En suivant la jeune femme jusqu'au village des siens, Elliot découvre une tribu dont le mode de vie est loin de celui qu'il avait imaginé...

Il y a plusieurs manières d'envisager Terrible Jungle réalisé et écrit en duo parHugo Benamozig et David Caviglioli. Sachant qu'il n'a que peu de rapport avec l'univers d'un Kad Merad, d'un Dany Boon ou d'un Gad Elmaleh. Ou si peu. Ici, on est plus proche du loufoque univers de Family Business, cette excellente série proposées par le service de vidéos en ligne Netflix. Le principal atout de cette comédie burlesque est évidemment la présence de Catherine Deneuve qui après une longue carrière d'actrice ayant joué à peu dans tous les genres peut aujourd'hui se permettre d'apparaître dans une œuvre comme celle-ci sans avoir l'air ridicule. Le casting est en général plutôt séduisant puisque auprès de Catherine Deneuve, on retrouve dans le rôle principal l'acteur Vincent Dedienne. Dans celui d'Albertine la cheffe des Otopis, on retrouve une Alice Belaïdi pas forcément à son avantage. Dans le rôle du chimiste, le chanteur et acteur Esteban, mais surtout Jonathan Cohen dans celui du Lieutenant-Colonel de la Gendarmerie française, François-Yves Raspaillès. LE boulet du film. LA caricature...

Concernant le récit, imaginez une sorte de Amazonia, la Jungle Blanche sans cannibales et sans femmes à poil décapitées. Hugo Benamozig et David Caviglioli en auraient conservé le cadre et ses trafiquants de drogue tout en injectant à l'histoire, une bonne grosse dose de gags plus ou moins hilarants. Catherine Deneuve ne se dépareillant pas de son stoïcisme, c'est donc à Vincent Dedienne et Jonathan Cohen qu'est confiée la lourde tâche de faire rire. Pas facile lorsque les répliques sont aussi inégales. Heureusement que certaines d'entre elles font mouche. Terrible Jungle se moque d'à peu près tous les sujets qu'il aborde, et c'est tant mieux puisque l'on n'est pas venu entendre ses auteurs sermonner ses personnages sur telle ou telle attitude à adopter envers la drogue ou plus généralement, l'exploitation des indigènes d'Amazonie. On rapprochera d'une certaine manière le film de Hugo Benamozig et David Caviglioli de l'univers totalement décalé de Quentin Dupieux mais en moins ''autiste'' malgré tout. Terrible Jungle peu également s'envisager comme un ersatz des comédies signées par Benoît Delépine et Gustave Kervern comme si ces derniers avaient pour une fois décidé d'abandonner le bitume pour s'aventurer dans l'épaisse forêt amazonienne. En résulte une comédie déglinguée, plus ou moins fine, relativement bien écrite et interprétée par de généreux interprètes.

 

Fête de Famille de Cédric Kahn -2019) - ★★★★★★★★☆☆

Les réunions familiales ou entre amis sur grand écran, on sait généralement comment cela commence et comment cela se termine. La plupart des longs-métrages distillent les éclats de rire du début à la fin grace à des dialogues finement écrits. On s'aime, on se déteste, on rit, on pleure, mais dans la plupart des cas, tout ça finit dans une certaine bonne humeur. On pense notamment à Un Air de Famille de Cédric Klapisch ou Cuisine et Dépendances de Philippe Muyl. Et puis, il y a quelques exemples plus rares de comédies qui prennent une direction tout à fait différente. Le genre à ne ménager ni leurs personnages ni les spectateurs. Exemple: le glaçant Préjudice du réalisateur et scénariste BELGE Antoine Cuypers. Oui, comme si la Belgique était une fois encore moins frileuse que la France à prendre des chemins de traverse et diriger la Comédie vers un humour beaucoup moins confortable. Bien plus noir comme on a l'habitude de nommer le genre lorsqu'il se penche sur des sujets plus délicats tels que la mort, la maladie, les histoires de famille, etc...

Il ne faut cependant pas croire que dans notre hexagone, ne subsistent que les comédies légères de Dany Boon (Bienvenue chez les Ch'tis), Kad Merad (Brillantissime, la daube signée en 2018 par Michèle Laroque) Christian Clavier (Qu'est-ce qu'on a fait au Bon Dieu et sa suite réalisées toutes deux par Philippe de Chauveron) ou Frank Dubosc (Camping 1, 2, 3, la trilogie ringarde de Fabien Onteniente, également auteur du nullissime All Inclusive). Non, certains auteurs savent mettre des mots sur... les maux, et le faire avec style ainsi qu'avec un sens certain de la mise en scène. Comme chez Antoine Cuypers, l'acteur français Cédric Kahn, lequel a le bon gout de s'offrir l'un des principaux rôles de son tout dernier long-métrage en tant que réalisateur Fête de Famille, signe une comédie qui au fil du récit s'assombrit à tel point que l'on oublie presque les sourires du début pour ne retenir que la noirceur du propos...

L'histoire est pourtant ce qu'il y a de plus classique. Aujourd'hui est une journée spéciale pour Andréa, cette septuagénaire qui pour fêter son anniversaire a réuni toute sa famille. Toute ou presque puisqu'il en manque une: sa fille Claire qui vit depuis trois ans aux Etats-Unis. Pourtant, le rêve d'Andréa se réalise puisque Claire refait justement surface ce jour là. C'est donc en compagnie de ses frères Vincent et Romain, de leur conjointe respective, des deux fils du premier mais également de la fille de Claire, Emma et de son petit ami Julien et bien sûr de son époux Jean qu'Andréa espère fêter son anniversaire. Malheureusement rien ne va se dérouler comme prévu. Alors qu'Emma et ses deux petits cousins préparent une pièce de théâtre à l'attention de leur grand-mère, alors que Romain tente de retenir sa fiancée Rosita qui ne se sent pas à sa place dans ce contexte qui peu peu à peu va se déliter et alors que Romain met la dernière patte aux préparatifs de l'anniversaire de sa mère, Claire annonce son intention d'ouvrir un gîte en Espagne avec une amie. Mais pour cela, elle a besoin de deux-cent mille euros. Une somme qu'elle a bien l'intention de récupérer de l'hypothétique vente de la maison familiale. Ce qui n'est pas au goût de tout le monde...

Cédric Kahn met en place ce qui n'aurait pu être qu'un vaudeville dans lequel s'enchaînent les quiproquos et les disputes entre membres d'une même famille sauf qu'il choisit une vue de la famille proche de la vision d'Antoine Cuypers. A tel point que Fête de Famille paraît comme une adaptation francisée d'une comédie dramatique belge particulièrement noire. Si Catherine Deneuve se pose en matriarche dépositaire d'un calme presque religieux, l'interprétation démentielle de l'extraordinaire Emmanuelle Bercot balaye absolument tout sur son passage. En admirateur et en fin connaisseur du métier d'acteur, Cédric Kahn dirige ses interprètes avec une précision et une maturité exceptionnelles. A travers Fête de Famille le réalisateur et acteur étudie les comportements d'une famille où tout ou partie semble avoir été sacrifié au mensonge. Si l'on s'amuse d'abord de certains traits de caractère (Vincent Macaigne est irresistible en vidéaste amateur irrésponsable), très rapidement, le ton change lorsque débarque le personnage de Claire. Sanguine, instable, bipolaire, Emmanuelle Bercot l'incarne avec une touchante justesse et une force telle qu'elle parvient à nous indisposer. Dans le paysage humoristique français, Fête de Famille figure presque comme une exception. En tout cas, une franche réussite, admirablement interprétée et mise en scène. Un film à voir, absolument...

Mes Stars et Moi de Laeticia Colombani -2008) - ★★★★★☆☆☆☆☆

Pour son deuxième long-métrage, la réalisatrice française Laeticia Colombani passe du thriller À la Folie... Pas du Tout à la comédie. Alors que son troisième film tarde à voir le jour (la sortie de La Tresse était à l'origine prévue pour l'année dernière et aucune date n'a encore été arrêtée). Mes Stars et Moi met en scène un Kad Merad particulièrement populaire depuis le début de ce siècle. Alignant un grand nombre de films dont pas mal de comédies familiales, l’œuvre de Laeticia Colombani ne déroge donc pas à la règle, ni même à celle des comédies légères, si légères qu'elles finissent par tomber très rapidement dans l'oubli. Il n'empêche qu'avec son casting constitué de vedettes du cinéma français, on pouvait s'attendre à un scénario s'alignant sur les présences de Catherine Deneuve et Emmanuelle Béart. Pourtant, Mes Stars et Moi s'avère malgré les promesses de son synopsis, d'une affolante platitude. On ne reviendra pas sur le jeu monolithique auquel nous a toujours habitué un Kad Merad toujours plus à l'aise dans la comédie que dans le sentiment pour se raccrocher au script, particulièrement accrocheur.

L'histoire de Robert Pelage, qui pour se rapprocher de ses actrices fétiches a accepté un emploi d'agent d'entretien dans une agence artistique. Fasciné par Solange Duvivier (Catherine Deneuve), Isabelle Séréna (Emmanuelle Béart) et la toute jeune Violette Duval (Mélanie Bernier), Robert s'incruste dans leur loge, chez leur agent Dominique Bhé (Dominique Besnehard), manipule leur entourage, et surtout harcèle ses actrices préférées. Pénétrant un jour dans le bureau de l'agent de Solange Duvivier et Isabelle Séréna, il ajoute sur son bureau une photo de Violette Duval, la protégée d'un agent qui gère relativement mal de sa carrière. Séduit par la photo de la jeune actrice, Dominique Bhé décide de lui proposer un rôle dans un film en préparation, réunissant ainsi les trois actrices sur le même plateau de tournage. Malheureusement, celles-ci se rendent rapidement compte que les soucis qu'elles rencontrent depuis peu sont l’œuvre de Robert. Notamment responsable des soucis que rencontre Isabelle Séréna avec son compagnon Bruno, un rugbyman, les trois actrices décident de se venger en s'attaquant directement à la source de leurs problèmes...

Débutant sous les meilleurs augures, Mes Stars et Moi n'est malheureusement pas la comédie telle que le spectateur aurait pu l'imaginer. Rarement drôle et assez mou, le film déroule son intrigue sans sursauts humoristiques et le spectateur a tendance à s'ennuyer. Pourtant, l'idée d'un trio d'actrices charmantes décidées à en découvre avec leur fan numéro un s'avère à l'image, assez fade. De même, lorsque la réalisatrice choisit d'entrer dans l'intimité d'un homme quitté par une épouse et une fille fatiguées des exactions de l'époux et du père, Laeticia Colombani s'y prend relativement mal et l'émotion est aux abonnés absents. Trop léger et caricatural, Mes Stars et Moi passe en coup de vent sans laisser la moindre trace. Au final, le spectateur se retrouve devant une comédie française comme il en pleut depuis trop d'années en France. À éviter sous peine de s'endormir...

Fréquence Meurtre d'Élisabeth Rappeneau (1988) - ★★★★★☆☆☆☆☆

Vingt-trois ans après avoir été pourchassée par ses mauvais démons dans le traumatisant Répulsion de Roman Polanski, Catherine Deneuve incarne le personnage de Jeanne Quester, une psychiatre travaillant de jour et animatrice de l'émission radiophonique Nuit de Chine sur Skyrock (bravo pour la pub) traquée par un malade. Une femme forte ? Oui, enfin, si on veut. Car après des années d'expérience, Jeanne, qui accueille chaque soirs les appels téléphoniques d'hommes et de femmes intellectuellement en perdition reçoit celui d'un certain Paul qui peu à peu s'insinue dans l'existence de la psychiatre. Non seulement en tenant des propos qui semblent avoir un rapport avec le passé trouble de Jeanne, mais également en laissant des indices macabres chez elle ainsi que plusieurs cadavres. Plus la tension monte, et plus Jeanne éprouve des difficultés à assurer sa présence à la radio ainsi que sur le terrain. Aidée par son frère Frank qui la confie à la surveillance de l'inspecteur Simon Lieberman, la jeune femme explore toutes les hypothèses afin de découvrir celui ou celle qui la harcèle...

Premier long-métrage d’Élisabeth Rappeneau, sœur du réalisateur Jean-Paul Rappeneau, Fréquence Meurtre est le résultat d'un scénario que la réalisatrice a écrit en compagnie de Jacques Audiard d'après le roman de l'écrivain américain Stuart M. Kaminsky, When the Dark Man Calls sorti en 1983. Un premier essai dans le domaine du thriller assez pathétique dans son déroulement. Partant d'un postulat somme toute intéressant faisant évoluer son principal personnage dans le milieu de la radio, le long-métrage d’Élisabeth Rappeneau souffre de longueurs trop fréquentes et de trop rares séquences réellement prenantes pour que Fréquence Meurtre puisse être aussi digne qu'un Mort un Dimanche de Pluie réalisé par Joël Santoni sorti deux ans auparavant. Les deux films cultivent une même approche, mêlant thriller et épouvante. Mais alors que l’œuvre de Joël Santoni avait su digérer les deux genres pour n'en faire plus qu'un et livrer l'un des plus grands polars français des années quatre-vingt (et même de toutes les époques), Élisabeth Rappeneau manque le coche. Et ce ne sont certainement pas les quelques visuels chocs (les parents de Jeanne enfant découverts dans leur chambre, baignant dans leur propre sang) qui inverseront la donne.

Belle à mourir, Catherine Deneuve incarne une psychiatre dont l'un des principaux intérêts est de demeurer d'une fragilité peu commune avec les héroïnes américaines. A fleur de peau, capable de verser dans le registre de la peur viscérale, l'actrice est notamment accompagnée à l'écran par André Dussolier dans le rôle de Frank, Martin Lamotte dans celui de Simon Lieberman, ou encore le très regretté Étienne Chicot (disparu le 7 août dernier à Paris), lequel interprétait déjà le personnage de Christian dans Mort un Dimanche de Pluie. Si Fréquence Meurtre n'est pas totalement raté, il laisse une désagréable impression d'inachevé. Non pas dans sa conclusion, mais dans la caractérisation de ses personnages que le manque de profondeur suffisante laisse les spectateurs indifférents. Comme dans tout bon film du genre, on s'attend à ce que le coupable fasse partie de l'entourage. C'est donc avec une certaine indifférence que l'on accueillera la conclusion quelque peu grotesque (il faut entendre le harceleur s'exprimer avec la même voix que celle entendue à la radio) éclairant l'intrigue lors d'un climax final assez tristement tourné. Reste la beauté de la Star et un casting étonnant. Un premier long-métrage pas vraiment concluant...

Arrêts sur Images: Deneuve-Polanski-Répulsion

Roman Polanski et Catherine Deneuve sur le tournage de Répulsion en 1965. Le cinéaste face à son actrice. Filmé à travers le miroir, Polanski reflète l'obsession qu'incarnera à l'écran l'acteur écossais John Fraser...

Yvonne Furneau, Catherine Deneuve et au milieu, l'acteur britannique Ian Hendry. Lui aussi reflètera la peur pathologique et le dégout qu'éprouvera la jeune Carole envers la gente masculine. D'autant plus qu'en débarquant dans l'existence de sa sœur Hélène, et par conséquent dans la sienne puisqu'elles vivent dans le même appartement, Michael sera l'un des éléments déclencheurs du drame à venir...

Le jeune et beau Colin (John Fraser) sait-il combien Carole déteste tous ceux qu'il représente? Non. son acharnement à la séduire, à lui téléphoner, à tenter de la suivre jusque chez elle aura des conséquences terribles...

Roman Polanski dirigeant Catherine Deneuve et John Fraser sur le tournage de Répulsion.

Une scène durant laquelle, de retour chez elle, Carole est accostée par l'un des ouvriers prenant son déjeuner. Entre le 'petit ami' Colin qui la harcèle, plus tard le propriétaire, et l'individu assis en arrière-plan sur la photo ci-dessus, la jeune femme semble avoir de quoi se faire du soucis concernant les hommes...

Roman Polanski dirige ici Catherine Deneuve, qui lors d'une scène assez spectaculaire va blesser une cliente à laquelle elle prodiguait des soins de manucure. Premier contact avec le sang que la jeune femme, bientôt, versera dans des proportions beaucoup plus importantes... 

Peut-être l'un des derniers réels moments d'intimité de Carole avant que sa pathologie ne prenne définitivement le dessus...

Abandonnée par sa soeur partie en vacances avec son compagnon Michael, la jeune manucure, enfermée seule dans l'appartement et finissant par ne plus se rendre au travail, développe peu à peu son obsession due à son aversion envers les hommes. Même si de menus détails viennent vérifier l'état de névrose de la jeune femme, la présence du propriétaire de l'appartement (incarné par l'acteur britannique Patrick Wymark) venu récupérer le loyer ne va faire qu'envenimer les choses. Ici, Roman Polanski filme la scène durant laquelle le propriétaire, après avoir fait preuve d'un peu trop d'initiatives envers Carole, est tué par la jeune femme à l'aide d'un rasoir dit 'coupe-choux'...

Autre victime de Carole: Colin. Beaucoup plus innocent que le propriétaire, il est sur le point de se voir administrer un sort aussi peu enviable. En face, la locataire de l'appartement limitrophe à celui des sœurs Ledoux sera l'un des éléments déclencheurs du meurtre dont sera victime le jeune homme. En effet, témoin de la curiosité de la vieille dame, Colin se précipitera pour fermer la porte, laissant ainsi le champ libre à Carole de le frapper par derrière à l'aide d'une très lourde sculpture. A noter que Roman Polanski accompagne le geste de la jeune femme à l'aide de la caméra, renforçant ainsi le poids terrible de chaque coup porté au crâne du transit amoureux...

Ici, l'une des scènes les plus saisissantes. Après avoir imaginé être violée dans son lit par un agresseur invisible (une scène que Roman Polanski réadaptera quelques années plus tard pour l'étouffant Le Locataire) un peu plus tôt dans le film, Carole est agressée par des bras sortant littéralement des murs de l'appartement. Plaquée contre un mur comme cette photo ne le montre pas, la jeune femme y laisse même une empreinte physique. Le mur prenant alors l'apparence d'une peau humaine que l'on comparera forcément à celle d'un homme. L'appartement devient donc lui-même une entité masculine, la jeune femme n'ayant plus que le meurtre dans lequel se réfugier...

L'une des scènes les plus épouvantables de Répulsion, prouvant qu'une œuvre dramatique peut avoir autant d'effet qu'un simple film d'horreur. Le noir et blanc accentuant l'impact de la scène...

Antéchronologie en noir et blanc - Répulsion (1965)

Petit cycle consacré aux trois longs-métrages en noir et blanc que le cinéaste franco-polonais Roman Polanski tourna entre 1962 et 1966. Et comme l'indique l'intitulé, la chronologie ne sera par conséquent pas respectée. En réalité, il ne s'agit pas non plus d'une antéchronologie puisque Le Couteau dans l'Eau, Répulsion et Cul-de-Sac seront traités dans le désordre. C'est ainsi donc que le cycle débutera par Répulsion, qui dans la chronologie des événements se situe en deuxième position. Pourquoi celui-ci plutôt que l'un des deux autres ? Pour une raison simple : depuis sa découverte il y a environ une trentaine d'années, ce film me hante. Comme me hantera sans doute à tout jamais Le Locataire que son auteur signa onze plus tard.

Il y a, dans Répulsion, un peu de moi. De celui que j'étais et que j'espère ne plus jamais redevenir. Tout comme le personnage de Carol Ledoux, interprété par l'actrice française Catherine Deneuve, j'ai connu les affres de la paranoïa, ce trou béant dont on a l'impression que l'on ne parviendra jamais à s'extraire. Dans une moindre mesure, fort heureusement. Pas de cadavre plongé dans la baignoire, ni même de propriétaire retrouvé derrière le canapé, le visage lacéré à coups de rasoir à main. En cherchant bien, vous trouverez sur Cinémart, un article déjà consacré à Répulsion. Mais après l'avoir relu, j'ai bien senti qu'il lui manquait un peu de profondeur et de maturité et qu'il me faudrait m'y replonger.

L'attirance pour ce film vient sans doute également de vieux souvenirs qui eux, n'ont rien à voir avec une quelconque névrose. De ces très vieux immeubles, j'ai conservé un souvenir ému. Des marches d'escaliers en bois qui craquent sous la semelle, aux fenêtres donnant directement sur les toits en ardoise grise de Paris. L'intrigue de Répulsion se situe, elle, à Londres, en Angleterre. On y croise la silhouette fragile de la jeune et jolie blonde Carol, installée avec sa sœur dans l'un de ces vieux immeubles, face à un monastère où vivent de joyeuses bonnes sœurs. Des nonnes éveillant parfois la curiosité de Carol en faisant sonner la cloche juchée au sommet de leur tour ou en jouant à la balle au prisonnier.

Mais tout commence d'abord par ce gros plan dans l’œil de Carol. Toute la folie, toutes les obsessions semblent y être projetées. Et lorsque la caméra dé-zoome et enclenche un travelling arrière, on en a la confirmation. Son esprit est déjà ailleurs, mais on ne devine pas encore ce qui la harcèle. Si la jeune femme parvient encore à vivre autrement qu'enfermée dans l'appartement qu'elle partage avec Hélène Yvonne Furneaux), c'est peut-être parce que son métier lui « facilite » l'existence. Manucure, elle a la chance de ne croiser que des femmes, à une époque où les hommes n'ont pas encore cette curieuse habitude de venir se faire épiler les jambes. Eux, travaillent dehors, SUR un chantier et SOUS un soleil caniculaire. Et lorsqu'ils prennent leur pose, leur vient l'envie de « brancher » Carol, qui passe justement devant eux à ce moment-là de la journée. Sous leurs sarcasmes, Carol reste muette, distante, comme si elle suspectait qu'on allait s'en prendre à elle.

Un sourire de façade, qui s'efface aussi rapidement qu'il est apparu sur ses lèvres. Carol face à Colin (l'acteur John Fraser). L'amoureux transit. Mais l'est-elle de son côté ? Pas vraiment. Pas du tout. Au bord même du dégoût, de l’écœurement. A en faire des cauchemars nocturnes récurrents. Carol s'invente un rendez-vous le soir même, pour éluder l'invitation de Colin, forcément déçu. Et puis, c'est le retour à l'appartement. Cet exigu petit logement qui la protège du monde extérieur. Mais plus pour très longtemps. Car Hélène a un petit ami. Il s'appelle Michael (Ian Hendry) et il est encombrant. Enfermé dans la salle de bain lorsque Carol veut s'y rendre, il laisse partout traîner les marques de sa présence. Carol cède au désir de le voir partir. Mais Hélène, elle, n'accède pas à la demande de sa soeur. Jusqu'au jour où le couple va prendre quelques vacances et laisser Carol, seule dans l'appartement. Seule avec un lapin, seule avec ses peurs...

Roman Polanski élude de manière remarquable des mystères insondables. Cette fissure, dans le mur... Carol est-elle seule à la voir ou Hélène est-elle consciente de sa présence ? C'est par un truchement plutôt malin (l'arrivée de Michael au moment même où Carol parle de la fissure à sa sœur) qu'il interdit à ses personnages de nous donner la réponse à cette question que l'on se pose pourtant forcément. Mystères, mais aussi « symboles », comme ce lapin qui aurait dû finir dans le four mais qui désormais servira d'échelle de valeur dans la dégradation psychologique de notre héroïne. Si la peur de l'homme est l'un des sujets centraux de Répulsion, Roman Polanski développe cette hantise à travers des procédés qu'il réutilisera plus tard comme l'invasion domestique avec Le Locataire. Durant ces périodes de forte activité délirante, la jeune femme perçoit le viol comme aboutissement aux agressions fantasmagoriques dont elle est victime.

Psychologiquement, Répulsion parvient à ses fins. Le film est aussi troublant à voir que les visions que Carol doit supporter. Par petites touches, la folie s'installe, ne laissant plus guère de place à cette minuscule part de raison qui semblait encore faire surface chez elle au début. Dans un superbe noir et blanc, Polanski condamne Carol à être enfermée à jamais, la jeune femme se cloîtrant elle-même après le meurtre sordide de Colin. La simplicité apparente de la mise en scène dissimule en réalité une quantité de plans appuyant le thème abordé de la folie. Catherine Deneuve incarne parfaitement Carol, l'appartement demeurant à lui seul un personnage dont l'existence se révèle fondamentale. Et si rien ne nous est vraiment révélé sur les origines du trouble, on peut très facilement fantasmer sur la toute dernière image du film. Silencieuse mais terriblement convaincante...