Le Labyrinthe : La Terre brûlée de Wes Ball (2015) - ★★★★★★★☆☆☆

 

Maintenant que Thomas, Newt et la poignée de survivants qui ont réussi à s'échapper du labyrinthe et à survivre aux attaques des griffeurs sont désormais bien à l'abri de leur nouveau refuge, que peut-on atttendre d'un second volet, d'une suite au brillant Labyrinthe que réalisa une année plus tôt Wes ball. Toujours inspiré de la saga littéraire The Maze Runner de James Dashner, Le Labyrinthe : La Terre brûlée change complètement de décor et convie les spectateurs à un voyage dans des décors post-apocalyptiques les plus saisissants jamais vus sur un écran. Plutôt que de recycler les mêmes idées que dans l'épisode précédent, Wes Ball, qui est toujours aux commandes, apporte avec cette séquelles de nombreuses nouveautés. Absents des radars, les griffeurs sont désormais remplacés par des créatures nettement plus communes du bestiaire fantastique mais néanmoins traitées de manière beaucoup plus convaincantes que dans la majorité des cas. Le Labyrinthe : La Terre brûlée mêle sans gènes ni scrupules science-fiction post-apocalyptique, dystopie, film d'infectés, horreur et épouvante. Pour un résultat tout à fait crédible et parmi ce que l'on a pu voir de mieux. Des attaques zombiesques dignes de 28 jours plus tard et de sa séquelle. Des créatures monstrueuses et véloces tantôt réalisées à l'aide de maquillages, tantôt en images de synthèses. Des décors de désolation, des cités en ruine, un désert à perte de vue, des buildings éventrés, une longue marche sous une écrasante et le risque permanent pour nos héros en fuite d'être rattrapés par le grand méchant de ce second épisode en la personne de Janson qu'interprète l'acteur britanico-irlandais Aidan Gillen...

''je ne suis pas un monstre. Je suis un docteur qui a juré de trouver un vaccin pour l'humanité...''

Changement de décors, donc, pour Le Labyrinthe : La Terre brûlée qui ne cultive de mystère que durant une grosse vingtaine de minutes avant de s'attaquer à l'essentiel du long-métrage : prendre la fuite et pour Thomas et les autres, trouver un groupe de résistants nommé Le Bras Droit que ceux qui en ont entendu parler situent dans les montagnes visibles à l'horizon. Et tout cela en évitant les nombreux pièges comme le manque d'eau, les membres de l'organisation Wicked dont fait partie Janson ou les fondus, ces hommes et ces femmes qui ont été contaminés par la Braise, ce virus particulièrement contaminant qui se transmet d'une simple morsure. Cent-trente minutes de spectacle total, avec de jeunes interprètes et personnages attachants parmi lesquels on retrouve bien évidemment l'acteur Dylan O'Brien dans la peau du héros Thomas, Kaya Scodelario dans celle de Teresa, Thomas Brodie-Sangster dans le rôle de Newt, Ki Hong Lee dans celui de Minho ou le petit nouveau Jacob Lofland qui incarne le personnage de Aris. Un monde forcément plus ouvert que dans le premier épisode mais aussi beaucoup plus inquiétant et dangereux. On y retrouve la solidarité entre nos jeunes personnages mais aussi des individus au comportement nettement plus ambigu. Pourtant, s'il y a une catégorie de spectateurs qui pourra se montrer réticente face à l'adaptation de La terre brûlée de James Dashner par Wes Ball, se sont les fans de la première heure. Ceux du roman. Car en effet, le réalisateur et les scénaristes ont pris de très grandes libertés par rapport à l'ouvrage littéraire. En effet, à titre d'exemples, le portail de téléportation qui doit transporter nos jeunes héros jusqu'à un tunnel rempli de piège à disparu. Tout comme les pièges en question également...

Le réalisateur opte pour une évasion plus classique mais néanmoins efficace. La balle rouillée qui est censée toucher plus tard Thomas à l'épaule disparaît également et remet en question toute une partie du récit qui en découle. Des différences qui ne pourront émouvoir que les lecteurs du roman auquel réalisateur et scénaristes apportent une lecture différente, voire irrespectueuse, mais qui à l'écran n'aura aucun impacts sur ceux qui ne se sont pas encore plongé dans la lecture de La terre brûlée. On retrouve avec plaisir parmi les interprètes l'actrice Lili Taylor (The Addiction d'Abel ferrara, Pecker de John Waters) dans le rôle de la résistante Mary Cooper. Trahissant le roman original, Wes Ball accouche d'un remarquable long-métrage, mélange de plusieurs influences qui touchera grands et petits, visuellement magnifique, dotés d'effets-spéciaux grandiose et réalistes et de séquences d'action parfois anxiogènes. La promesse d'un troisième opus riche en émotions. Mais pour cela, les fans de la franchise cinématographique devront alors attendre trois ans jusqu'en 2018 pour voir leur rêve enfin concrétisé...

 

Eli de Ciarán Foy (2019) - ★★★★★★☆☆☆☆

Eli commence comme une version de l'Amérique profonde de Dans la Brume de Daniel Roby, puis se poursuit comme à peu près n'importe quel film de fantôme japonais ou espagnol avant de finir comme un ersatz de L'Exorciste et sa plâtrée de succédanés. Un mélange des genres qui ne manque ni de charme, mais malheureusement aussi, ni d'incohérences. Et dans le genre, justement, le réalisateur irlandais Ciarán Foy ainsi que les scénaristes David Chirchirillo, Ian B. Goldberg et Richard Naing s'y sont mis à plusieurs pour nous pondre quelques révélations proprement invraisemblables. Mais avant de revenir sur ces erreurs de script plutôt vilaines, parlons d'abord du sujet. Le jeune Eli, qui donne son (pré)nom au titre du dernier long-métrage de l'irlandais, auteur de deux autres films et de plusieurs courts-métrages, est un tout jeune adolescent qui souffre depuis quelques années d'une très faible défense immunitaire qui l'empêche de vivre comme n'importe quel garçon de son âge. Sacrifiant tout ce qu'ils possèdent, ses parents Rose et Paul l'emmènent dans un institut dont la directrice et médecin Isabella Horn leur a certifié pouvoir guérir leur enfant du mal qui l'empêche de respirer l'air ambiant sous peine d'être victime de symptômes respiratoire et épidermiques très graves. Très rapidement, et alors que le traitement a déjà commencé, Eli reçoit la visite de la jeune Haley. Une habitante du village voisin. Mais aussi et surtout celle de fantômes qui inquiètent l'adolescent mais que ses parents et le docteur Horn mettent sur le compte du stress et du traitement lourd qu'il est contraint de supporter. Pourtant, en investiguant dans les murs de l'édifice, Eli va s'apercevoir que ce qu'il prenait pour un danger est peut-être l'avertissement d'un phénomène beaucoup plus important et lié au traitement que lui fait subir le docteur Horn...

On l'aura compris, Eli se situe donc dans l'une de ces grandes demeures de style gothique qui fleurissent dans ce genre de production. Ici, l'édifice est de surcroît nimbé d'une brume permanente qui renforce l'impression d'isolement. Un peu à la manière de Silent Hill, toutes proportions gardées. L'une des bonnes choses que le cinéastes et les spécialistes en matière d'effets-spéciaux ont plutôt bien mené se situe lors des différentes apparitions fantomatiques qui vont de l'apparition subite d'un ectoplasme au beau milieu d'un couloir, jusqu'au ''transport'' du héros par des entités visibles uniquement à travers les reflets que produisent fenêtres, miroirs et sols lustrés. Malgré son jeune âge, l'acteur Charlie Shotwell parvient assez confortablement à faire passer l'angoisse de son personnage. Quant à ses parents, on a droit à une Kelly Reilly douce et très attachée à son enfant tandis que Max Martini incarne lui, un père froid et quelque peu distant. Quant au docteur Isabella Horn, c'est l'actrice Lili Taylor que l'on a pu notamment découvrir en 1995 dans le dérangeant The Addiction d'Abel Ferrara qui l'interprète.

Contre toute attente, les événements vont prendre une tournure inattendue et qui s'extraie du tout venant en matière de fantômes au cinéma. Si la conclusion menant à la solution pourra paraître quelque peu grotesque (du moins, l'ai-je ressentie ainsi), elle n'est cependant rien en comparaison de l'ignominie de certains échanges verbaux qui laissent supposer que les scénaristes n'ont par relu attentivement leur script. À titre d'exemple le plus flagrant, on peut citer la séquence durant laquelle la mère de famille s'inquiète des propos qu'ont échangé son époux et le docteur Horn et sa réaction face à la réponse de celui-ci. Une séquence anodine qui devient tout bonnement incohérente lorsque l'on apprend que finalement, la mère elle-même était au courant des réelles intentions de son couple et de celui du docteur Horn. On appréciera tout de même les jeux d'ombres et de reflets, l'impeccable interprétation, le joli cadre austère, ainsi que la mise en scène même si elle s'avère des plus classique...

To the Bone de Marti Noxon (2017) - ★★★★★★★☆☆☆

Un film sur l'anorexie. Le sujet n'est pas nouveau et à déjà été porté plus de quinze fois au cinéma sous différentes manières, mais le dernier en date, To the Bone, fait sans doute partie des meilleurs. C'est sans doute celui qui concentre également toutes les données nécessaires afin de connaître mieux cette maladie dont la seule évocation demeure malgré tout, assez incommodante. Réalisé par une femme dont il s'agit ici du tout premier long-métrage, la cinéaste Marti Noxon évite les écueils attendus dans ce genre de production. Jamais larmoyant, et donnant encore moins dans le voyeurisme, To the Bone est une œuvre profonde, émouvante, et admirablement interprétée. On tente d'y déceler l'élément déclencheur de la maladie. La famille, éclatée. Le père, toujours absent. La mère, à des années-lumières de là. Une vie partagée avec une demi-sœur et une belle mère. On croit comprendre très vite les raisons du mal qui touche la jeune et jolie Ellen. Mais c'est sans compter sur la force irrépressible qui l'empêche de se nourrir. Comme une dépendance. La même que celle qui lie l’héroïnomane et son sachet de poudre , ou le coureur de fond pris de sueurs abondantes dès lors qu'on ne lui accorde pas la plage de liberté nécessaire à son entraînement.

Keanu Reeves est le Docteur William Beckham. L'homme auquel va être confié Ellen. Une charge lourde. Une responsabilité hors norme puisqu'à l'amour de la vie, la jeune femme de vingt ans lui préfère l'abstinence. Plutôt que de simplement s’appesantir sur le sort de son héroïne, l'américaine Marti Noxon préfère conjuguer drame et humour. Ses vedettes ne sont pas que des victimes d'un terrible fléau que la Mort rêve d'emporter mais également des jeunes filles et des jeunes hommes aussi attachants que peuvent l'être nos proches. Pas de quoi fuir donc, à la vision de ces corps décharnés dont seul celui de l'héroïne sera véritablement exposé comme preuve de la déchéance physique dont sont victimes les anorexiques.

La jeune Lily Collins porte à bout de bras le film, aidée en cela par une brochette d'interprètes impeccables, dont un Alex Sharp dans le rôle de Luc soufflant à l'héroïne de la nouvelle locataire un message d'espoir absolument nécessaire pour que ne meure pas dans l’œuf et dans cette maison où se réunissent les patients du Docteur William Beckham, la trame conduisant à laisser entrevoir une ouverture vers la guérison. Un drame donc, mais comme écrit plus haut, une comédie également. Et même si l'humour n'étouffe pas tout à fait le poignant message véhiculé par la réalisatrice et par ses comédien(ne)s, il est un bien nécessaire lui aussi. Il désamorce tout ce que l'on aurait pu redouter, les discrets changements de ton désamorçant ainsi, et avec élégance, les quelques douloureux passages de To the Bone. On retrouve également au générique, l'actrice Lili Taylor, loin des thématiques plus sombres et fantastiques (The Addiction d'Abel Ferrara) ou de l'humour trash du Pecker de John Waters. A voir ne serait-ce que pour se convaincre que l'anorexie ne mérite pas d'être encore considérée comme un tabou, mais juste pour ce qu'elle est : une affection dont on peut guérir ses malades...

The Addiction de Abel Ferrara (1995) - ★★★★★★★★★★

Kathleen Conklin est un soir, victime d'une agression. Mordue à la gorge par une inconnue, la jeune étudiante en philosophie commence à développer une véritable obsession pour le sang. Le soir venu, elle arpente les rues de New-York à la recherche de proies qu'elle vide de leur sang...

C'est ainsi que démarre ce onzième long-métrage du cinéaste américain Abel ferrara, peut-être le dernier grand film d'un cinéaste qui n'a eu de cesse de filmer les bas-fonds de sa ville natale, ainsi que ceux de l'âme humaine. De son premier « shock » Driller Killer (son second long-métrage en fait puisque Ferrara débuta sa carrière dans le porno avec Nine Lives of a Wet Pussy en 1976 sous le pseudonyme Jimmi Biy L.), en passant par Fear City, MS.45, et jusqu'à son chef-d’œuvre Bad Lieutenant, il décrit la violence quotidienne de quartiers aux mains des dealers, des gangsters, des prostituées et des flics corrompus.

The Addiction est sa seconde incartade dans le domaine du fantastique après le décevant remake de L'Invasion des Profanateurs de Sépultures, Body Snatcher. En fait de film fantastique, le sujet s'articule surtout autour d'un mal qui à cette époque, et depuis des années déjà, à fait de part le monde, des millions de victimes : le SIDA. Et à travers lui, le phénomène de transmission. Mais pas seulement puisque à travers cette histoire peu banale qui emprunte au mythe du vampire tel qu'on le conçoit dans sa plus « noble » expression, il s'agit surtout de remettre au goût du jour le sujet en lui imposant une unité de lieu et de temps contemporains. Une ville de New-York crasseuse dont les rues sont le repaire des maquereaux, des prostituées et des voyous en tous genres. Les quartiers du Bronx sont mis à contribution et Abel Ferrara fait tout pour donner une image négative, dangereuse d'une ville qu'il connaît bien puisqu'il y est né.

The Addiction reflète également un autre mal qui touche bon nombre d'individus puisqu'au delà de la maladie (le sujet est bien traité sous cette forme), il évoque la dépendance liée aux drogues. Le personnage de Kathleen Conklin étant sous l'emprise de cette attirance pour le sang qu'il lui faut à tout prix trouver pour pouvoir satisfaire son besoin en hémoglobine. Sa rencontre avec le personnage de Peina (l'acteur Christopher Walken) appuyant davantage encore le propos à travers l'imagerie liée à la tentative de désintoxication. Le film d'Abel Ferrara demeure loin de l'imagerie poétique du vampirisme. Son œuvre est crépusculaire (l'incroyable scène d'agression, les deux interprètes féminines étant plongées dans un clair-obscur saisissant), morbide, urbaine et réaliste. En assumant la filiation entre la maladie de son personnage et le SIDA, le cinéaste américain crée un malaise certain. En filmant son œuvre en noir et blanc, il appuie l'aspect esthétique et vicié du sang qui déborde des lèvres de son héroïne.

Une Lily Taylor presque insignifiante qui peu à peu, se saisit d'une force morale inquiétante tout en conservant un aspect maladif des plus effrayant. Abel Ferrara réutilise certains codes du vampirisme tout en les remettant au goût du jour. Le vampire des années quatre-vingt dix n'est plus aussi sensible au soleil que par le passé. S'il lui est difficile de s'y plonger totalement (il se doit de protéger ses yeux à l'aide d'une paire de lunette de soleil), il ne risque plus de prendre feu. Quant aux miroirs, ils continuent à refléter l'image de ces derniers, sauf qu'il devient difficile de les y déceler puisque ces créatures nocturnes préfèrent les recouvrir d'un linge pour ne plus s'y voir reflétés. The Addiction contient en outre un contenu philosophique, théologique (Ferrara ne peut envisager aucun de ses films sans aborder ne serait-ce qu'un instant le sujet de Dieu) et intellectuel, ainsi que de nombreuses références à Nietzsche, Feuerbach ou encore Descartes. La musique de Joe Delia apporte un plus indéniable, tout comme l'imagerie nazie projetée à longueur de bobine comme sujet d'une obsession. Le scénariste Nicholas Saint John offre une fois de plus à son cinéaste fétiche un sujet en or qu'Abel Ferrara aura réussi à sublimer. L'un des meilleurs films de vampires de toute l'histoire du septième art...