Rocky II : la Revanche de Sylvester Stallone (1979) - ★★★★★★★☆☆☆

 

 

Avant d'évoquer la suite directe de Rocky de John G. Avildsen, j'en profite pour revenir sur deux points que j'avais oublié de rappeler. À commencer par la présence de l'acteur Joe Spinell, inoubliable interprète du film d'horreur de William Lustig Maniac en 1980 et qui dans le premier volet de la saga ainsi que dans le second incarne l'usurier italien Tony Gazzo. Employeur de Rocky Balboa dans le premier Rocky, ce dernier y recouvre des dettes. Bien que jouant de son physique impressionnant afin de faire pression sur les mauvais payeurs, le boxeur est pourtant incapable de faire le moindre mal autour de lui. Ensuite, il serait bien indélicat de passer à côté de la bande musicale composée par l'italo-américain Bill Conti qui avec Rocky premier du nom et surtout le célèbre thème Gonna Fly Now à durablement marqué les esprits, lequel demeure encore aujourd'hui un classique. Si Sylvester Stallone incarne toujours le rôle iconique de Rocky Balboa, l'acteur est aussi désormais derrière la caméra en lieu et place de John G. Avildsen qui deux ans après le premier opus signera de son côté la comédie romantico-musicale Slow Dancing in the Big City. Toujours écrit par Sylvester Stallone lui-même, Rocky II : La Revanche n'est pas le premier long-métrage que l'acteur signe en tant que réalisateur. Avant cela, il mis en scène La taverne de l'enfer en 1978 et signera plus tard Les faucons de la nuit, Rocky III : L’œil du Tigre, Staying Alive ou encore les épisodes quatre et six de la saga et même le volet le plus violent de la franchise Rambo avec John Rambo... Lorsque démarre le second chapitre, le récit revient sur les dernières minutes qui opposèrent Rocky à Apollo Creed, toujours incarné ici par Carl Weathers. Parmi les principaux interprètes l'on retrouve d'ailleurs ceux du premier long-métrage. Et parmi eux, Talia Shire dans le rôle d'Adrian, Burt Young dans celui de Paulie, Burgess Meredith dans la peau de l'entraîneur Mickey et donc Joe Spinell dans celle de Tony Gazzo. L'on connaît bien sûr l'issue du match puisque le champion du monde conserva son titre bien que pour beaucoup, le combat fut remporté par Rocky. Face à la curée, Apollo propose sa revanche à Rocky. Mais ce dernier, qui depuis s'est marié à Adrian et vit désormais confortablement avec elle grâce aux gains qu'il a remporté lors du match, a promis à sa nouvelle femme qu'il arrêtait les combats ! Malheureusement, l'argent n'étant pas inépuisable et sa jeune épouse étant enceinte, cette dernière est contrainte de reprendre son ancien travail d'employée à l'animalerie...

Rocky trouve grâce à son beau-frère Paulie un emploi précaire à l'abattoir. Mais le contexte social étant ce qu'il est et l'entreprise n'étant pas vraiment florissante, une compression du personnel oblige son employeur à renvoyer Rocky au bout de quelques jours seulement. Pendant ce temps, dans les médias, Apollo Creed ne cesse d'humilier son ancien adversaire qui s'est juré de ne plus remonter sur un ring. Dans l'entourage du boxeur, tout le monde se moque de celui que l'on ne nomme plus ''L'étalon italien'' mais ''La poule-mouillée italienne''. Après plusieurs péripéties, Rocky acceptera finalement de remonter sur le ring comme on le devine et comme le laisse de toute manière présager le titre... On ne change pas une équipe et des thématiques qui fonctionnent et pour cette séquelle du mythique Rocky, Sylvester Stallone continue d'opposer l'ego des deux boxeurs. D'un côté l'on a un Rocky demeuré humble, accompagné des mêmes qualités et des mêmes défauts. Désormais marié à Adrian et dilapidant l'argent gagné à travers l'achat d'une voiture, la location d'un appartement et de cadeaux offerts à ses plus proches amis. De l'autre, l'on a un Apollo Creed obnubilé à l'idée d'affronter de nouveau son ancien adversaire afin de prouver définitivement qu'il mérite bien son titre de champion du monde. Le script de Sylvester Stallone joue en outre sur le contraste entre les milieux sociaux des deux hommes à travers l'entraînement de l'un et de l'autre. Rocky s'entraînant dans des conditions rudes et précaires tandis qu'Apollo peut compter sur une formation optimale... La place d'Adrian et plus importante que jamais au sein de la saga. Son personnage crée le lien entre les événements et cette émotion qui déjà était présente dans le premier opus prend une place bien plus importante dans Rocky II : La Revanche. Notamment lorsque celle-ci tombe dans le coma après avoir mis au monde son enfant... Le film est axé sur la célébrité, l'échec et l'envie de réussir. À ce titre, Rocky II : La Revanche peut être vu comme une allégorie. Le combat permanent d'un homme qui chute, puis se relève, puis tombe à nouveau pour enfin atteindre son but. Plus intense encore que le premier combat opposant Rocky et Apollo, le match est aussi et surtout beaucoup plus violent. D'un point de vue technique, cette longue séquence est aussi bien mieux gérée au niveau du cadre, du montage et de la chorégraphie...

 

Rocky de John G. Avildsen (1976) - ★★★★★★★☆☆☆

 

 

Avec la série de films Rambo le premier volet réalisé par Ted Kotcheff a vu le jour en 1982, Rocky est l'un des deux héros du cinéma américain à avoir rendu mondialement célèbre l'acteur Sylvester Stallone. L'un prenant pour cadre la petite ville forestière de Hope, cité imaginaire servant de premier point de chute à un ancien béret vert venu simplement se restaurer. Mais en chemin, il croisera la route du shérif Will Teasle, lequel refusera la présence de John Rambo et le ramènera à la sortie de la ville. Ce dernier choisissant alors d'ignorer les recommandations du représentant de la loi en se présentant de nouveau en ville. Six ans avant de traiter du retour particulièrement difficile à la vie civile d'un ancien soldat ayant combattu durant la guerre du Vietnam, à l'origine du scénario de Rocky, un combat. Celui qui opposa alors le 24 mars 1975, le champion du monde des poids lourds WBA et WBC Mohamed Ali à Charles Wepner, un autre américain qui contrairement au héros incarné par Sylvester Stallone dans le film a déjà à l'époque une importante carrière de boxeur derrière lui puisqu'elle débuta onze ans en arrière, à l'âge de vingt-cinq ans et qu'il était déjà connu des amateurs de boxe grâce à son surnom de Saigneur de Bayonne dû à ses fréquentes blessures lors des combats. Écrit par Sylvester Stallone lui-même, le script de Rocky n'est pas qu'un scénario bête et méchant conçu sur un coin de table en quelques lignes seulement. Tout comme Rambo après lui, le film de John G. Avildsen, auteur plus tard des trois Karate Kid entre 1984 et 1989 et du cinquième opus de la saga Rocky en 1990, dresse le portrait intimiste et sociologique d'une Amérique à deux facettes. Celle de l'argent, du pouvoir et de la célébrité, comme l'incarne l'acteur afro-américain Carl Weather dans le rôle d'Apollo Creed, qui plus que le champion du monde des poids lourds est surtout une star que les médias s'arrachent. Puis celle de l'américain moyen, vivant dans de pitoyables appartements situés eux-mêmes dans des quartiers relativement pauvres. L'accent est ici majoritairement mis sur cette frange de la société, incarnée non seulement par un Sylvester Stallone/Rocky Balboa qui veut s'en sortir et prouver qu'il n'est pas un bon à rien, mais également par un entourage du même milieu. À commencer par Adrian (Talia Shire), charmante employée d'une animalerie, timide et réservée et dont est amoureux notre boxeur amateur. Vient ensuite Paulie (Burt Young), le frère plus âgé de la jeune femme. Homme issu de la classe ouvrière travaillant dans un abattoir et ayant conservé une certaine rancœur vis à vis d'une existence qu'il considère ratée et qu'il noie dans l'alcool. Le futur succès et la nouvelle popularité de Rocky n'auront d'ailleurs de cesse que de cultiver chez Paulie une certaine agressivité mâtinée de jalousie...

Puis vient enfin le personnage de Mickey (Burgess Meredith), personnage central dans l'existence de son poulain auquel cependant il ne semble pas vraiment croire. En effet, après été entraîné par cet ancien boxeur raté, Rocky se voit mettre à la porte de la salle d'entraînement où il avait pourtant ses habitudes depuis six ans ! Ceux qui ne connaissent pas encore Rocky s'imaginent sans doute que le principal intérêt du long-métrage de John G. Avildsen se situe au niveau du monde de la boxe et du légendaire combat que son héros et Apollo Creed mèneront durant les dix ou quinze dernières minutes du récit mais tout comme Rambo ne sera pas six ans plus tard qu'un film de guerre urbaine entre un seul homme et une armée de soldats et de représentants de la loi, Rocky n'est pas qu'un film sur le sport en général et sur la boxe en particulier. On peut même dire qu'entre le combat final et les quelques séquences filmées dans la salle d'entraînement Mighty Mick’s, celles-ci ne représentent qu'une part congrue du récit. Notons d'ailleurs que si la salle existe réellement, le nom est lui tout à fait imaginaire puisque le lieu utilisé à l'occasion du tournage est le Front Street Gym, une véritable salle de sport ou amateurs et professionnels de la boxe avaient l'habitude de s'entraîner. Concrétisant l'aspect brut et réaliste des lieux et qui d'ailleurs est l'une des marques de fabrique de ce Rocky tourné dans le jus de la ville. Et notamment dans le quartier de Kensington situé dans la partie sud de Philadelphie. Manière de montrer la dureté de la vie pour ses habitants, parmi lesquels Rocky tentera donc de s'extraire à travers l'opportunité de changer d'existence lors du combat qui l'opposera à Apollo Creed. Rocky est donc d'abord un drame. Touchant, émouvant, Sylvester Stallone incarnant l'un de ses plus grands rôles au cinéma. Aux côtés d'interprètes très justes et dont les personnages se révèlent eux-mêmes très touchants. Comme la relation entre le boxeur et la timide employée d'animalerie. Ou les personnages de Paulie et de Mickey. Dans un autre ordre d'idée, nous avons Apollo Creed. Personnalité sûre d'elle et donc arrogante. Son manque de sérieux et de préparation face au combat qui l'attend témoignant d'ailleurs du caractère suffisant de la star de la boxe. On connaît d'ailleurs la suite et l'issue du récit. Car même si Rocky finit par perdre le combat, la légende est bien née. Sur grand écran et dans l'imaginaire des spectateurs... À tel point que cinq autres longs-métrages verront le jour entre 1979 et 2006. Sans compter les trois spin-off qui verront le jour entre 2015 et 2023 sous le titre Creed...

 

A nous la victoire de John Huston (1981) - ★★★★★★★☆☆☆

 

 

Ce sport que j'exècre, ce ballon rond comme on l'appelle parfois et dont je contourne ironiquement le vrai nom sous le terme très péjoratif de Foutreball, et bien aujourd'hui, voilà la seconde fois que m'est offerte l'opportunité de lui redorer le blason en l'évoquant sous sa véritable appellation : Football ! La première fois, c'était à travers l'excellent Coup de tête de Jean-Jacques Annaud dont le banquet offert par le héros incarné par Patrick Dewaere à un tas de fumiers et d'hypocrites est demeuré dans toutes les mémoires. Et la seconde, désormais, c'est A nous la victoire de John Huston que je la dois. Non pas que le film soit un chef-d’œuvre ni qu'il soit dénué de défauts. Bien au contraire. Car tout ce qui précède le match qui doit en outre permettre à une équipe formée autour d'un certain nombre d'alliés de la seconde guerre mondiale enfermés dans le camp de Gensdorf de jouer contre une équipe allemande s'avère plutôt décevant. Qu'il s'agisse du quotidien des prisonniers, de la furtive rencontre entre le capitaine américain Robert Hatch (Sylvester Stallone) et la résistante Renée (Carole Laure) ou de l'entraînement des joueurs eux-mêmes, John Huston ne semble avoir pas eu le temps de consacrer à toutes ces étapes du récit, le temps nécessaire. Le long-métrage approchant les deux heures, le réalisateur va pourtant consacrer les trois quarts du temps à ces diverses facettes de l'intrigue. Près de quatre-vingt dix minutes qui pourtant ne seront jamais suffisantes dans un contexte où il aurait sans doute été nécessaire d'étayer certains propos. Chaque phase du récit étant traité avec un peu trop de légèreté, on a du mal à croire à l'issue heureuse qu'affichera le coup de sifflet final lors du match. À quoi a-t-on assisté lors de l'entraînement ? À quelques tirs au but, rien d'autre. Renée s'affole, tremble devant les coups que reçoit le capitaine Robert Hatch de la part de l'équipe adverse ? Leurs interprètes respectifs n'auront pourtant partagé jusque là que très peu de séquences en commun. Quant au sort des prisonnier, celui-ci est traité avec un certain dédain. Au point que l'ennemi apparaît sous une forme presque ''angélique'' en comparaison de ce que l'on sait de l'enfer que furent les camps de concentration !

Tout ceci est d'autant plus dommage que A nous la victoire est incarné par un nombre plutôt important de grands acteurs. À commencer par Michael Cain qui dans le rôle du Capitaine (militairement et sportivement parlant) John Colby va accepter la proposition du Major Karl von Steiner consistant en un match opposant soldats allemands et alliés. Un officier de la Wehrmacht de son côté interprété par l'immense acteur suédois Max von Sydow. Parmi les interprètes un peu plus secondaires, le public hexagonal sera sans doute surpris de découvrir les acteurs français Amidou et Jean-François Stévenin dans le rôle des résistants André et Claude ou bien même le Roi du Football, le brésilien Pelé dans ce qu'il a toujours su faire de mieux : taper dans le ballon. Le point d'orgue du long-métrage reste évidemment le match tant attendu entre les deux équipes. Alors que dans les égouts de la ville où se déroule la compétition (Paris), la résistance s'active pour atteindre le vestiaire des alliés qui à l'issue de la première mi-temps ont pour projet de s'évader, ceux-ci encaissent devant un public hétéroclite constitué de supporters français et d'une partie des représentants de l'armée allemande (des soldats armés et accompagnés de chiens occupent les contours du terrain tandis que dans la foule, des officiers de la Wehrmacht assistent au match). L'on tient devant nos yeux ce qui demeurera sans doute comme la plus impressionnante succession de tacles perpétrés ici par l'équipe allemande. L'arbitre étant très visiblement du côté de cette dernière, on ne donne pas cher de la peau de nos alliés. Au coup de sifflet, ceux-ci sont menés 4 à 1. Une fois dans les vestiaires, il est temps de s'échapper par le trou qu'ont pratiqué les résistants durant la première partie du match. Pourtant, convaincus de pouvoir remonter le score et de remporter la victoire, les joueurs décident de retourner sur le terrain. A nous la victoire étant effectivement un pur produit de divertissement, on devine très en avance l'issue du combat ! Que l'on aime la discipline ou non, difficile de ne pas ressentir un certain frisson et une certaine émotion devant la remontée inespérée des alliés ainsi qu'un véritable élan de patriotisme au chant de la Marseillaise...

 

Les faucons de la nuit de Bruce Malmuth (1981) - ★★★★★★☆☆☆☆

 

 

Sur un plan purement occidental, remonter aux origines du cinéma d'action, c'est peut-être et même sans doute faire fi de toute une série de sous-genres qui employèrent des méthodes propres au genre tout en les diluant dans des récits d'aventure, de science-fiction, de thriller et dans bien d'autres thématiques. Si l'on évoque ce courant dans son approche la plus simple et donc la plus pure, il ne faut pas aller chercher bien loin pour en trouver les véritables origines. Débarrassons-nous donc de la première moitié du siècle dernier pour nous concentrer sur la seconde. Celle qui vit émerger toute une série de héros armés jusqu'aux dents, pouvant compter sur leur force physique ou sur l'emploi de méthodes de combat acquises dans la rue ou dans des clubs de sports spécialisés dans les arts-martiaux. Avant que certaines des plus grandes vedettes américaines n'endossent le costumes des plus grands héros du cinéma d'action dans les années quatre-vingt, tel Arnold Schwarzenegger, débarquant comme la nouvelle icône du genre en 1985 avec Commando de Mark L. Lester ou l'année suivante avec Le contrat de John Irvin, suivi de près par l'ancienne vedette du petit écran Bruce Willis qui dès 1988 allait redéfinir le terme de héros de cinéma d'action dans le mythique Piège de cristal, Sylvester Stallone avait déjà jalonné sa carrière de quelques longs-métrages significatifs. Comme Les faucons de la nuit de Bruce Malmuth (celui-ci ayant remplacé au pied levé Gary Nelson après que ce dernier ait semble-t-il été au cœur d'un désaccord avec Sylvester Stallone) dans lequel il incarnait le rôle du sergent Deke DaSilva dans un film policier. Justement, l'un de ces sous-genres exploitant en général à merveille le cinéma d'action. Une donnée primordiale, inaltérable, conceptualisée à travers certaines courses-poursuites et autres fusillades. En bref, le compagnon idéal d'un genre qui autrement aurait le caractère léthargique d'une série aussi poussive et ennuyeuse que pouvaient l'être certains épisodes de Derrick ! Les faucons de la nuit, fidèle traduction du titre original Nighthawks, met donc en scène une star bodybuildée. Un physique presque hors norme qui deviendra la nouvelle référence, laquelle sera même poussée dans ses derniers retranchements avec l'arrivée d'Arnold Schwarzenegger dans le paysage cinématographique mondial peu de temps après. Pourtant, rien ne laisse ici transparaître le physique de culturiste de Sylvester Stallone, flanqué d'une veste de cuir marron, une paire de lunettes posées sur le nez et le visage dévoré par un collier de barbe. Endossant le rôle d'un flic dont l'éthique l'empêche de tuer son prochain, c'est contre son désire de rester dans la division dans laquelle il travaille depuis des années qu'il est chargé d'intégrer une section de la police new-yorkaise dont le temps est consacré à la traque des terroristes.

À ses côtés, l'on retrouve l'acteur afro-américain Billy Dee Williams qui un an auparavant interpréta le rôle de Lando Calrissian dans Star Wars, épisode V : L'Empire contre-attaque d'Irvin Kershner avant de le rendosser en 1983 dans Le retour du Jedi de Richard Marquand. Dans Les faucons de la nuit, il incarne le personnage du sergent Matthew Fox, ami et collègue de Deke DaSilva. Les deux flics vont ensemble traquer le terroriste Heymar Reinhardt. Lequel est interprété à l'écran par l'acteur néerlandais Rutger Hauer. Son visage angélique ne doit surtout pas nous faire oublier que durant sa carrière il fut capable d'incarner des personnages peu recommandables. À l'image de l'odieux Eric Vonk dans Turks fruit de Paul Verhoeven en 1973 ou du psychopathe John Ryder dans le génial The Hitcher de Robert Harmon en 1986. Dans Les faucons de la nuit, la véritable vedette, c'est peut-être finalement lui. Un antagoniste au charisme aussi monstrueux que les actes qu'il va perpétrer tout au long du récit. Un poseur de bombes implacable, déterminé, capable de tuer une femme sans hésiter pour le bien de la cause qu'il défend. Notons qu'autour de ces trois principaux personnages l'on retrouve l'actrice Lindsay Wagner. Surtout connue pour son rôle dans la série Super Jaimie où elle incarnait le personnage principal, elle joue ici celui de la petite amie de DaSilva, Irene. Nigel Davenport incarne quant à lui le rôle du supérieur hiérarchique de DaSiva et Fox, Peter Hartman, après avoir joué la même année dans Les chariots de feu et trois avant Greystoke, la légende de Tarzan, seigneur des singes tous deux réalisés par Hugh Hudson. Enfin, petit coup de cœur pour Joe Spinell qui interprète le lieutenant Munafo. Une courte présence à l'écran qui rappelle malgré tout que ce visage grêlé du cinéma américain fut celui de l'un des tueurs de fiction parmi les plus marquants du septième art puisqu'un an auparavant il incarna Frank Zito dans le cauchemardesque Maniac de William Lustig. Les faucons de la nuit est plutôt réussi bien que n'étant pas non plus un modèle du genre. Mais l'action se situant à travers différentes situations géographiques (une boite de nuit, le métro new-yorkais, le Metropolitan Museum of Art, un tramway aérien, etc...), on ne s'ennuie pas un seul instant. Le film est aussi l'occasion de retrouver tout le charme des années soixante-dix qui venaient tout juste de laisser la place à la décennie suivante...

 

Rambo VS Predator : First Green Blood d'Antonio Maria Da Silva (2023) - ★★★★★★★☆☆☆

 

La rivalité qui opposa l'américain Sylvester Stallone et son compatriote originaire d'Autriche Arnold Schwarzenegger n'étant pas une légende, on se souvient de ce film dans lequel le second se moquait de la taille des muscles de l'icône américaine du cinéma d'action. Ou de celle de son couteau dans Rambo tandis que le sien s'avérait beaucoup plus imposant dans Predator. L'occasion pour les spectateurs de découvrir une œuvre étonnante écrite et réalisée par Antonio Maria Da Silva dont la principale compétence se situe moins dans la mise en scène et l'élaboration d'un récit que dans son montage. Rambo VS Predator - First Green Blood n'est que l'une des facettes du remarquable travail de son auteur mais ô combien démonstrative d'un talent inné pour tout ce qui touche au Mash-up. Une technique employée en musique qui permet à ses auteurs de notamment mixer les textes d'une chanson à la composition musicale d'une seconde et ainsi de pouvoir en créer une nouvelle. C'est donc sur ce principe que repose Rambo VS Predator - First Green Blood qui au delà de l'histoire et du concept est surtout un brillant exercice de style savamment orchestré par le réalisateur, scénariste et monteur ainsi que par son équipe. Si le titre se réfère logiquement à leurs deux principaux interprètes, il s'agit d'évoquer aussi deux des représentations les plus emblématiques du cinéma d'action des années quatre-vingt. Car derrière le Predator se cache bien évidemment tout d'abord le Major Alan ''Dutch'' Schaefer, qui aidé de son équipe de soldats d'élite vont dans Predator être chargés de faire libérer des otages américains retenus prisonniers au Guatemala par des guérilleros. Si leur action échoue dans les flammes et le sang, l'officier des forces spéciales et ses hommes vont par la suite devoir combattre un ennemi encore plus puissant. Une créature reptilienne venue d'une autre planète pour chasser sur Terre, l'humain ! On sait comment tout cela finissait : si tous les hommes (ou presque) de Dutch perdaient la vie, celui-ci parvenait en revanche à éliminer le Predator avant de prendre place à bord d'un hélicoptère de sauvetage. Pourtant, Rambo VS Predator - First Green Blood semble nous dire le contraire. En effet, après un premier acte lors duquel Antonio Maria Da Silva paraît vouloir en fait nous expliquer que la disparition du peuple Maya fut à leur époque causée par la présence de Predators (le réalisateur s'employant ainsi à manier des extraits du formidable Apocalypto de Mel Gibson), apparaît ensuite à l'image un John Rambo (Sylvester Stallone) vieillissant et peignant une toile.

Mais révélant aussi et surtout qu'à son tour il eu l'occasion lui-même de combattre des Predators près de quarante ans en arrière. Lancé à la recherche de Dutch, John Rambo va donc se lancer à la poursuite de son compatriote dans l'espoir de le retrouver vivant. Opposé à de nombreuses créatures, John va également croiser des personnages inattendus, offrant ainsi l'occasion aux spectateurs de retrouver des protagonistes et des acteurs découverts dans de nombreuses œuvres cinématographiques. Permettant ainsi de redécouvrir notamment des images de Braveheart, des différents opus de la franchise Rambo, de Mowgli, de Legend of the Jungle, d'À la poursuite du diamant vert (pour une séquence plutôt drôle faisant apparaître à l'écran les acteurs Michael Douglas et Kathleen Turner) et dizaines d'autres longs-métrages dont les cinéphiles se délecteront de deviner ou de citer la présence à l'écran. Antonio Maria Da Silva poussant même le concept jusqu'à intégrer l'alter ego parodique de John Rambo en la personne de Sean ''Topper'' Harley vu dans les deux volets de Hot Shots, lequel fut à l'époque incarné par Charlie Sheen. Opposant ainsi les deux hommes dans un combat sans issue. Si les effets-spéciaux conçus par l'équipe du réalisateur ne sont objectivement pas toujours de très grande qualité, le véritable intérêt de Rambo VS Predator - First Green Blood se situe bien entendu au niveau du montage. Le film démontre une connaissance accrue de son auteur pour les films dont il prélève des images afin de créer une toute nouvelle histoire. Contraignant ainsi Antonio Maria Da Silva et son équipe à connaître les œuvres en question sur le bout des doigts. En résulte un long-métrage d'un peu plus de soixante-quinze minutes d'une rigueur relativement bluffante en terme de montage et d'écriture. Les amateurs d'action et de science-fiction peuvent ainsi se délecter d'une œuvre faisant la part belle à un certain nombre de classiques de ces quarante dernières années. Un film qui n'a absolument pas à rougir face aux productions conçues par les professionnels du métier. Son auteur nous offre en outre le privilège de le découvrir en intégralité sur sa chaîne Youtube. De plus, si vous êtes anglophobes, pas d'inquiétude à avoir. Antonio Maria Da Silva a eu l'excellente idée de le proposer en version sous-titrée dans dix-huit langues différentes, dont le français. À découvrir en cliquant sur le lien suivant : Rambo VS Predator - First Green Blood

John Rambo de Sylvester Stallone (2008) - ★★★★★★★☆☆☆

 

 

Avec John Rambo, le réalisateur et acteur Sylvester Stallone crée un monde sous tension extrême, dans lequel son personnage n'a par le passé, jamais semblé aussi iconique. Où la peur règne en maître, où les morts ressemblent à des morts, où chaque pas peut être le dernier et chaque arbre ou chaque rocher peut cacher un danger. Plus qu'un film de guerre, John Rambo est un film d'horreur où les affrontements s'affirment comme des champs de batailles ultra gore et où la morale a été totalement rayée de l'esprit de ses bourreaux ! Beauté et monstruosité s'entrecroisent dans ce qui demeure un monument du cinéma. Une œuvre qui aurait facilement pu clore cette légendaire saga. D'autant plus que le retour à la vie civile demeure parmi les plus beaux et les plus poignants que nous ait servi le septième art depuis bien longtemps...

Notre planète est un territoire de guerre permanent. Dans Rambo, l'ancien béret vert John Rambo affrontait le shérif de la petite ville de Hope, Will Teasle, transformant ainsi une simple envie de se restaurer et de se doucher en une véritable bataille menée au cœur d'une forêt montagneuse des États-Unis. À l'issue de ce premier long-métrage datant de 1982 et réalisé par Ted Kotcheff, l'ancien héros du Vietnam allait rempiler trois ans plus tard dans Rambo 2 : La Mission de George Pan Cosmatos dans lequel on le découvrait tout d'abord purgeant une peine de travaux forcés après le souk qu'il provoqua à Hope trois ans auparavant puis au centre d'un récit orbitant autour d'un groupe de prisonniers américains que Rambo devait alors aller libérer par ses propres moyens contre l'avis d'un certain Murdock (l'acteur Charles Napier). Avec un budget de quarante-quatre millions de dollars, le film en rapporte trois-cent. De quoi motiver la mise en chantier d'un troisième opus qui sortira en 1988, soit trois ans plus tard. Cette fois-ci, l'action se déroulait en Afghanistan où notre valeureux héros allait collaborer avec un groupe de moudjahidines afin de débarrasser le pays des occupants soviétiques. Le troisième volet de la franchise remporte lui aussi un beau succès même s'il s'avère en deçà de celui rencontré par Rambo 2 : La Mission puisque Rambo 3, pour un budget s'élevant à un peu plus de soixante-millions de dollars en rapportera un peu moins de deux-cent millions. Il faudra attendre vingt ans. Deux décennies pour qu'apparaissent sur les écrans du monde entier les quatrième et avant-dernières aventures du plus célèbre guerrier de l'histoire du cinéma. John Rambo n'est pas retourné chez lui et comme lors de l'épisode précédent, nous découvrons qu'il vit en Thaïlande. Mais alors que dans Rambo 3 il s'était installé dans un monastère, dans John Rambo il nous est révélé à travers les nouvelles activités qui lui permettent de survivre dans un milieu particulièrement hostile.

Si le personnage a pris de la bouteille, il n'en a pas pour autant perdu de son impressionnante carrure et semble même avoir pris un surcroît de muscles... qu'il bande en cognant comme un sourd sur du métal en fusion. Pour gagner sa vie, il capture des cobras qu'il revend à un charmeur de serpents. John reçoit un jour la visite d'un groupe d'humanitaires qui espère louer ses services afin de rejoindre le village de Klaw Kbe Lo pour venir en aide à ses habitants. Après plusieurs refus mais à force d'insistance, la jeune et jolie Sarah Miller ('actrice Julie Benz) parvient à le convaincre de les aider elle et ses compagnons. Malgré la présence de John aux commandes d'un vieux rafiot, la traversée n'est pas de tout repos. Le petit groupe croise la route de pirates que John est contraint d'abattre contre l'avis d'un certain Michael Burnett (l'acteur Paul Schulze), le médecin qui dirige l'expédition. Malgré ce contretemps, Sarah et les autres arrivent à bon port et la jeune femme et John se font leurs adieux. Malheureusement pour elle et pour les autres membres du groupe, le tyrannique chef d'une organisation militaire birmane connue sous le nom de Tatmadaws et ses hommes vont mettre à feu et à sang le village de Klaw Kbe Lo et kidnapper les membres de l'expédition humanitaire... On devine bien évidemment la suite. John Rambo va reprendre les armes pour la bonne cause et nous offrir un spectacle au delà de nos espérance. Car il faut bien le comprendre, le temps des petites guéguerres farcies d'explosions et de scènes de tortures font partie du passer. Désormais, lorsque la poudre parle, c'est pour laisser derrière elle des montagnes de cadavres déchiquetés, de corps qui s'envolent dans les airs tels des pantins désarticulés. John Rambo est une véritable boucherie au sens propre comme au figuré. Autant dire que celles et ceux qui ne sont pas habitués à ce genre de spectacle vont devoir peut-être penser à se munir de sac à vomi avant de se lancer dans cette aventure qui en outre, bénéficie parfois d'une très belle photographie signée de Glen MacPherson. L'on retrouve évidemment le superbe thème de Jerry Goldsmith, It's A Long Road, tandis que Brian Tyler s'est chargé de composer le reste de la bande musicale.

 

La Course à la mort de l'an 2000 de Paul Bartel (1975) - ★★★★★★☆☆☆☆

 

 

Mettons de côté tout ce qui a été réalisé jusque là et remontons jusque dans les années soixante-dix et quatre-vingt pour y découvrir que les sports furent parfois le théâtre de quelques longs-métrages d'anticipation devenus parfois cultes. La mode des sports extrêmes où la mort rôde sur le chemin des athlètes semble avoir connu un engouement dès l'année 1975 puisqu'au beau milieu des seventies les spectateurs virent éclore quelques pellicules particulièrement gratinées. Rollerball de Norman Jewison, Les gladiateurs de l'an 3000 conjointement réalisé par Allan Arkush , Nicholas Niciphor et Roger Corman et puis, bien évidemment, l'improbable La Course à la mort de l'an 2000 de Paul Bartel. La décennie suivante ne sera pas en reste puisque les États-Unis et la France exploiteront à quelques années d'intervalle, des types de jeux télévisés étonnamment similaires. Outre-atlantique sera réalisé Running Man sous la houlette de Paul Michael Glazer (le célèbre flic brun et frisé de la série Starsky et Hutch) et dans l'hexagone, Le Prix du danger sous celle du réalisateur français Yves Boisset... Mais revenons en 1975 avec La Course à la mort de l'an 2000 de Paul Bartel sorti sur le territoire américain sous le titre Death Race. Une œuvre au contenu invraisemblable. Du moins, de nos jours puisque l'on aurait du mal à imaginer que certains aspects du scénario puissent être mis en pratique alors que la bienséance est désormais de mise. Imaginez donc un long-métrage dans lequel une course de voiture constituée de cinq bolides permettrai aux pilotes d'engranger des points chaque fois qu'il écraseraient un piéton. Pour corser le propos et le rendre encore plus provocateur, femmes, enfants et vieillards rapporteraient beaucoup plus de points que d'écraser des hommes. Et là, vous vous dites : nooooon ! Ils n'oseraient tout de même pas filmer la mort de celles et ceux dont la préservation est moralement prioritaire à celle des individus de sexe masculin ? Et bien si, très chers lecteurs. Et dans le genre, le film de Paul Bartel met la barre très haut. Du moins, pour l'époque puisque les corps s'embrochent sur des piquets, se font rouler dessus et autres joyeusetés. Tout ceci dans la bonne humeur de commentateurs jubilant chaque fois que l'un des pilotes ôte la vie d'un badaud !

Pour son second long-métrage après la comédie horrifique Private Parts signée trois ans auparavant, le réalisateur originaire de New York se paie le luxe d'un casting trois étoiles puisque les deux principaux représentants de cette course à la mort située dans un futur dystopique ne sont rien moins que Sylvester Stallone qui l'année suivante connaîtra un succès mondial en incarnant le plus célèbre boxeur de l'histoire du cinéma ainsi que David Carradine qui entre 1972 et cette année 1975 fut la vedette de la série Kung-Fu. Et s'il en demeure certains qui se posent la question qui de la boxe ou de cet art martial l'emporte, la réponse se trouve justement dans La Course à la mort de l'an 2000 puisque les deux hommes s'y affronteront. Bon, il est vrai que de parler de Kung-fu est un brin exagéré puisque l'un et l'autre des deux hommes useront tout d'abord de leurs poings mais face à Kwai Chang Caine dit ''Petit Scarabée'', Rocky Balboa ne fera pas le poids et se retrouvera au tapis. Preuve aussi qu'une musculature développée n'est pas le signe d'une supériorité physique. Mais passons. C'était il y a plus de trente ans et dans mon souvenir, le long-métrage de Paul Bartel était demeuré comme une œuvre parfaitement jouissive. Non pas que de voir d'innocentes victimes était réjouissant (quoique!) mais par sa folie, son énergie (le film est en effet essentiellement constituée de séquences mettant en scène les bolides) et certains détails proprement hallucinants (le véhicule arborant une croix gammée, l'engouement du public, les infirmières volant dans les airs au contact des pare-chocs etc...), le film se montrait particulièrement créatif et provocateur. Mais ça, c'était il y a bien longtemps. Car si le message moral (car message il y a) laissé derrière lui évoque les dérives de notre société et des prises de conscience qui au final s'avéreront justes, le scénario est plutôt faiblard...

Voire même souvent inexistant. À contrario, il est amusant de redécouvrir aujourd'hui La Course à la mort de l'an 2000 puisque d'une certaine manière, la pratique consistant à écraser et tuer de pauvres innocent fait désormais partie de notre quotidien. Là où les motos ont remplacé les bolides lors de rodéos urbains et là où la presse a remplacé les show télévisés et les arènes de plein air, le prix à remporter n'est évidemment pas le même. C'est qu'il faut garder un minimum de morale, tout de même. Du moins, jusqu'au jour où de tels crimes ne seront punis que par quelques réprimandes (hein ? Quoi ? C'est déjà le cas ? Ou ? En France ? Merde alors !!!) et non plus par de la prison ! De nos jours, redécouvrir le film de Paul Bartel aura sans doute très légèrement moins d'effets que de se goinfrer de mousse au chocolat pour se retrouver au final avec une bonne grosse crise de foie. Pas déplaisant à revoir mais plutôt (et surtout) très décevant. Le film a beau être culte, il faut surtout l'avoir connu à l'époque de sa sortie ou du moins dans la décennie qui suivit sa projection en salle car de nos jours, la folie s'étant emparée des hommes, peu seront les spectateurs qui feront la grimace devant le propos du film. Si d'un côté La Course à la mort de l'an 2000 semble être à proprement parler visionnaire, il a en revanche assez mal vieilli. Par le passé, un monument provocateur mais aujourd'hui, un objet passablement désuet...

 

Rambo : Last Blood d'Adrian Grunberg (2019) - ★★★★★★☆☆☆☆

Franchement ! Que peut-on attendre aujourd'hui d'un film comme Rambo 5 à part un énième film se déroulant au Vietnam (Rambo 2 : la Mission de George Pan Cosmatos en 1985), en Afghanistan (Rambo 3 de Peter MacDonald en 1988), en Birmanie (John Rambo de Sylvester Stallone en 2008) ou dans un tout autre pays en proie à la guerre ? Alors qu'il y a un peu plus de dix ans Sylvester Stallone, l'acteur, le réalisateur et scénariste, inventait le film de ''guorre'' (John Rambo dépassant allégrement tout ce que le cinéma de guerre avait pu proposer jusque là en matière d'horreur), il était inimaginable qu'il puisse repousser les limites de la barbarie avec un nouveau chapitre. Et pourtant, alors que le quatrième volet de la saga se clôturait de manière très émouvante sur le célèbre et magnifique thème It's A Long Road composé par Jerry Goldsmith, voilà que onze ans plus tard débarque à nouveau l'un des personnages de cinéma les plus iconiques. Vu l'âge de son interprète, on aurait presque logiquement pu s'attendre à découvrir Rambo en maison de retraite et se déplaçant en déambulateur et pourtant...

Rambo : Last Blood sonne comme une promesse. D'abord à travers son titre. Lequel semble désormais promettre une fin définitive à cette immense saga débutée de manière admirable trente-sept ans plus tôt avec le meilleur d'entre tous, Rambo de Ted Kotcheff. Ce cinquième volet tente également de prouver s'il en était besoin, que même loin de n'importe quelle forêt d'extrême ou du Moyen-Orient, John Rambo demeure encore capable de soubresauts artistiques. Alors bien sûr, on pourra toujours relativiser sur l'utilité d'une nouvelle séquelle qui sort totalement des sentiers battus et rabattus puisque l'action se déroule désormais sur le continent américain (ce qui d'ailleurs, était déjà le cas du premier Rambo), mais de jungle, il s'agit encore une fois pour notre héros de traverser. Désormais, elle est urbaine et pourtant, pas moins dangereuse et oppressante que les précédentes. L'épaisseur de la végétation a laissé cette fois-ci la place aux ruelles mal famées des quartiers mexicains dont ont le monopole trafiquants de drogues et proxénètes.

Le dernier long-métrage mettant en scène John Rambo aurait tout aussi bien pu porter n'importe quel autre titre et Sylvester Stallone aurait pu y être l'incarnation de n'importe quel autre personnage. Car en effet, à part ce traumatisme de la guerre qui continue à le hanter et le pousse notamment à creuser des galeries souterraines sous sa propriété afin de prévenir une éventuelle attaque ennemie, Rambo, le personnage, est désormais plus proche d'un Bryan Mills (Liam Neeson dans Taken de Pierre Morel) que du légendaire béret vert. A tel point que certaines séquences (dont la recherche de sa fille Gabrielle dans le bâtiment renfermant les prostituées) miment carrément le film de Pierre Morel. Ce qui en devient presque gênant. Mais Sylvester Stallone n'ayant sans doute pas la souplesse de Liam Neeson et Rambo ne possédant pas les mêmes techniques de combat que Bryan Mills, la comparaison s'arrêtera au scénario. Ici, l'acteur/réalisateur inverse certaines valeurs. Si dans Taken le but ultime était de retrouver la fille du héros, dans Rambo : Last Blood, cette étape survient aux deux tiers du film et le reste n'est alors plus qu'une histoire de vengeance.

Au regard des opus précédents, Rambo : Last Blood s'avère finalement inutile et profite surtout de la légende qui entoure son personnage pour faire un peu plus de blé. Plus film d'action que de guerre et peut-être moins excessif en matière de gore (quoique) mais tout aussi brutal que l'épisode précédent, Sylvester Stallone en confie cette fois-ci la réalisation à Adrian Grunberg qui fut notamment premier assistant réalisateur sur l'incroyable Apocalypto que réalisa Mel Gibson en 2006. Le visage buriné, façonné par des décennie d'interprétation, Sylvester Stallone arbore durant un dernier quart-d'heure d'une violence outrée, le faciès d'un bogeyman plus flippant que la majeure partie des plus célèbres d'entre eux. Vue la légèreté du scénario, ce qu'attend alors forcément le spectateur, c'est ce moment de pure jouissance qui montre un Rambo massacrant à tour de bras les membres du cartel mexicain. Et à ce titre, on peut dire que le film lui en offre pour son argent question violence. Au mieux, Rambo : Last Blood est donc un sympathique film d'action. Au pire, sans doute le moins intéressant des cinq volets et une conclusion en demi-teinte...

First Blood de Ted Kotcheff (1982) - ★★★★★★★★☆☆

Pour le Béret vert américain ancien combattant du Vietnam John James H. Rambo, c'est une journée de merde qui commence. D'abord, il apprend que le dernier de ses compagnons d'arme est mort d'un cancer six mois plus tôt. Ensuite, voilà qu'il est refoulé jusqu'aux portes de Hope, petite ville tranquille dirigée par le shérif Will Teasle qui lui refuse la possibilité de se restaurer. La pluie se met alors à tomber et Rambo décide d'aller à l'encontre du shérif et de revenir à Hope. Mauvaise idée : alors que dix minutes plus tôt démarraient les aventures de ce tout premier volet d'une saga qui en comptera cinq, l'ancien combattant incarné par Sylvester Stallone est plongé au fin fond d'une montagne, poursuivi par le shérif et ses hommes. En seulement dix minutes, pas une de plus, le réalisateur canadien d'origine bulgare Ted Kotcheff (Wake in fright en 1971, Uncommon Valor en 1983) a posé les bases de tout ce qui fait le sel et l'intérêt de First Blood sorti chez nous sous le titre Rambo. Adaptation du roman éponyme de l'écrivain canadien David Morell, Rambo constitue non seulement l'un des plus formidables films d'action et de ''guerre'' des années quatre-vingt, mais également l'une des critiques les plus acerbes sur le traitement des anciens combattants ayant fait la guerre au Vietnam...

Si pour la ménagère de plus de cinquante ans la seule évocation du titre résonne sans doute comme un film bourrin, testostéroné à outrance, et sans une once de profondeur, le scénario écrit à six mains par Michael Kozoll, William Sackheim et Sylvester Stallone et la mise en scène plus subtile qu'il n'y paraît de Ted Kotcheff prouvent le contraire. Bien entendu, il est inutile d'espérer voir beaucoup d'autres choses que l'affrontement entre un shérif retord et un ancien béret vert rompu au combat. C'est ce que demande le public, et tant mieux, puisqu'il sera servi. Ce qui n'empêche pas ce premier volet de la franchise d'aborder le saisissant contraste qui existe entre le héros et l'antagoniste. Le héros demeurant bien évidemment le personnage incarné par Sylvester Stallone et pour lequel, le spectateur ne pourra s'empêcher de prendre fait et cause. Les rôles sont donc ici inversés puisque le méchant du film demeure bien le shérif Will Teasle. Ce gentil shérif, ''bonhomme'' envers ses concitoyens mais absolument détestable envers Rambo. Un personnage ambigu, donc, admirablement interprété par le colossal Brian Dennehy.

Rambo est un vrai film de guerre. Et même si les personnages n'y croisent aucune rizière ni aucun camp de prisonniers, il s'agit bien d'un affrontement. Un homme seul face à des dizaines. L'armée et les autorités et face à elles comme seul espoir et seule alternative : le soutien du Colonel Samuel Trautman. Celui qui forma durant trois ans au Vietnam l'homme qu'est devenu Rambo, est qui est incarné ici par l'acteur américain Richard Crenna.

Décors multiples. Entre la petite localité de Hope, une montagne recouverte de sapins, et une mine inondée, Rambo évolue et révèle sa nature profonde d'ancien béret vert ayant connu les pires horreurs au Vietnam. Capable de survivre en milieu hostile, on le découvre confectionnant des pièges à l'attention des hommes qui le traquent, capable de s'orienter, de chasser le sanglier... Et pour rendre encore plus crédible son personnage, Sylvester Stallone n'hésite pas à donner de sa personne en mettant sa vie en danger. Car croyez-le ou non, mais il effectua lui-même la cascade qui consistait pour Rambo à sauter d'une falaise, des sapins devant réduire sa chute. Résultat : trois côtes cassées.

Composé par le célèbre Jerry Goldsmith, le score oscille entre l'épique et l'émotion. Entre les différentes scènes de poursuite et d'affrontements et le superbe thème qui ouvre le long-métrage. Film d'action obligé, Rambo se termine sur un véritable florilège d'explosions lors d'une séquence que l'on pourra apprécier à différents niveaux que l'on soit davantage attaché à la critique sociale ou à l'actionner qu'est en grande partie le film de Ted Kotcheff. Rambo, c'est également des répliques cultes inoubliables : ''Je ne viens pas sauver Rambo de la police, je viens sauver la police de Rambo !'', ''En ville, tu fais la loi. Ici, c’est moi. Alors fais pas chier. Fais pas chier ou je te ferai une guerre comme t’en as jamais vue.'', ''Si vous lancez vos hommes, n’oubliez pas une chose [...] Réservez-leur une place à la morgue.'' ou encore, ''Un homme qui a appris à ignorer toutes les souffrances, à ignorer le temps, à vivre sur le terrain, à manger des choses qui feraient vomir un bouc!''.

Il y a ceux qui firent connaissance avec l'acteur Sylvester Stallone à travers Rocky. D'autres grâce à Rambo. Que l'on ait découvert ce dernier au moment de sa sortie sur grand écran, en VHS ou lors d'un passage à la télévision, l'expérience fut à coup sûr aussi forte pour chacun(e) d'entre nous. Un film à voir, à revoir, encore et encore...