Taxi Driver de Martin Scorsese (1976) - ★★★★★★★★★★

 

 

Il arrive, parfois, que les astres s'alignent de telle manière qu'un véritable miracle éclose devant nos yeux. Imaginez : un scénario écrit en un peu moins d'une semaine. Et pas par n'importe qui. Pas un petit scribouillard qui voudrait percer dans le cinéma. Non, plutôt un cinéaste en devenir, écrivant ses propres scripts, quand il n'adaptera pas simplement un classique de l'épouvante (Cat people). Retenez bien ce titre : Hardcore. Et retenez également le nom de celui qui en fut l'auteur : Paul Schrader. C'est donc grâce à lui qu'est né Taxi Driver de Martin Scorsese dans la forme qu'on lui connaît. Car avant que ce dernier ne se planque derrière sa caméra pour filmer les turpitudes d'un chauffeur de Taxi dans la moiteur nocturne de New York, les immenses Robert Mulligan (s'il le faut, je n'en retiendrai qu'un : The Other qu'il réalisa en 1972) et Brian De Palma (Phantom of the Paradise forever...!) faillirent lui voler sa place. Paul Schrader eut finalement le dernier mot. Bernard Herrmann, l'auteur de la prodigieuse bande musicale pour cordes de Psychose allait signer pour Martin Scorsese un thème si célèbre que même celles et ceux qui n'ont jamais vu le film connaissent l'air (Taxi Driver - Main title). Le pauvre n'aura malheureusement pas eu le temps de découvrir son œuvre sur grand écran puisqu'il s'éteindra le 24 décembre 1975, soit un peu plus d'un mois avant que ne sorte Taxi Driver sur les écrans américains. Aux effets-spéciaux : Dick Smith. Immense maquilleur, spécialisé dans le vieillissement (Max Von Sydow était âgé de quarante-quatre lors du tournage de L'exorciste de William Friedkin en 1973 alors même qu'à l'écran il en paraissait trente de plus). Ensuite, bien sûr, il y a les interprètes. À commencer par Robert de Niro, qui avant de rencontrer Martin Scorsese se fit la main chez Marcel Carné, Brian De Palma (déjà lui), Roger Corman ou chez Francis Ford Coppola. Des portes d'entrée que l'on pourrait considérer de royales...

À ses côtés, la sublime Jodie Foster. Cette actrice américaine cultivée, intelligente et qui parle mieux notre langue que la plupart de nos compatriotes ! Elle débarque toute menue, toute fraîche sur le tournage de Taxi Driver comme si elle faisait son entrée dans le monde merveilleux du cinéma. C'est oublier un peu vite qu'elle débuta à l'âge de sept ans dans la série télévisée The Doris Day Show en 1969 et qu'avant de rencontrer Martin Scorsese et ses partenaires de Taxi driver, elle enchaîna trente-cinq rôles dans diverses séries, téléfilms et longs-métrages cinéma. Ensuite, qui oserait demander qui est Harvey Keitel ? Acteur dont l'importance est égale à celle de Robert de Niro auquel il se frottera dans l’œuvre de Martin Scorsese. Là encore, retenez son nom et ce film monstrueux que réalisa Abel Ferrara en 1992, Bad Lieutenant. Ah ! Et tant qu'à faire, gardez également en mémoire Joe Spinell et son visage grêlé. Lui et le personnage de Frank Zito qu'il incarna véritablement dans le glauquissime Maniac de William Lustig. Si maintenant vous rejoignez les trois longs-métrages que je vous ai demandé de retenir et que vous y ajoutez celui de Martin Scorsese, nous tenons là le carré d'as du cinéma new-yorkais underground ''grand public''. Ouais, bon, pour être tout à fait honnête, je ne suis pas certains que Hardcore ait été tourné dans les rue de la Grande Pomme. Mais les siennes y ressemblent parfois terriblement). Au pire l'on remplacera ce dernier par un quelconque outsider. Comme le très glauque Combat Shock de Buddy Giovinazzo qui d'ailleurs, sorti chez nous chez l'éditeur Haxan Films au début des années 90 avec cette très sympathique accroche : La version ''sale'' de Taxi Driver. La boucle étant bouclée, passons aux choses sérieuses...

Le cinéma n'étant plus ce qu'il était, on n'imagine pas aujourd'hui un tel parterre de célébrités réunies autour d'un film au budget s'élevant à seulement un million et trois-cent mille dollars. Afin que celui-ci n'excède d'ailleurs pas la somme mise dans le panier, Robert de Niro et Martin Scorsese recalculèrent leur salaire à la baisse... On reconnaît déjà d'emblée cette ''gueule'' incroyable que traînera durant toute sa carrière l'acteur ou les longs travelling que Scorsese expérimenta déjà sur un précédant long-métrage bien connu des cinéphiles, Mean Streets trois ans auparavant. Tiens, à propos du bonhomme. Saviez-vous (moi pas en tout cas) qu'il faillit être l'auteur de ce qui devint en 1970 l'un des portraits les plus saisissant (et authentique) de couple de tueurs en série, The Honneymoon Killers de Leonard Castle ? Et ouais. Mais lorsque d'un point de vue artistique l'on n'est pas très en accord avec certaines attentes, c'est la porte de sortie qui se profile à l'horizon. Et pour Martin Scorsese, la chose survint après une semaine de tournage seulement ! Passant à côté du mythe, le bonhomme s'est heureusement très vite rattrapé... Travelling nocturne dans les rues de New-York : '' Y'a toute une faune qui sort la nuit. Putes,chattes en chaleur, enculés, folles,pédés, pourvoyeurs, camés... Le vice et le fric''. En l'espace de deux phrases seulement, le ton est donné. Tout l'esprit du personnage et du monde dans lequel il va désormais évoluer sont ainsi réunis. D'une certaine manière, Travis Bickle (Robert De Niro) allait ouvrir la voie à une longue série de personnages à l'extrémité desquels l'on retrouverait plus de trente ans après le boucher de Carne et Seul contre tous de Gaspar Noé ! Ancien marine, le jeune chauffeur de taxi déclame de longs monologues intérieurs. Pour cet ancien soldat, la guerre n'a pas pris fin et s'inscrit désormais dans les rues d'un New-york aux mains des proxénètes et autres marchands de sexe. Martin Scorsese et Paul Schrader développent un personnage relativement complexe et parfois presque illogique dans son mode de pensée et certains de ses agissements. Crachant son dégoût de la société dans laquelle il vit, le voilà qui se détend dans une salle de cinéma miteuse projetant... un film porno.

Il y a donc un peu du boucher de Noé chez Travis. De grandes et muettes paroles qui ne dépassent tout d'abord pas sa pensée (un état dans lequel demeurera d'ailleurs jusqu'au bout le personnage formidablement incarné par Philippe Nahon dans Seul contre tous). Et pourtant, on le découvre sous son meilleur jour. Cherchant à communiquer avec autrui mais se retrouvant face à un mur. Et même, DES murs... Du moins jusqu'à sa rencontre avec la jolie assistante du candidat à l’élection Charles Palantine, Betsy qu'interprète Cybill Sheperd. Une relation éphémère dont les conséquences seront terribles puisqu'elle sera la première pierre d'un édifice moral et intellectuel qui emportera Travis dans un tourbillon de violence. Bruyant, fourmillant, le New York décrit pas Martin Scorsese est sordide et malfaisant. Les seules notes d'espoir mènent fatalement au désenchantement. Tenant un journal intime, le chauffeur de taxi va se construire une carapace. Un nouveau modèle de ''vertu''. Un justicier du bitume, en somme. Mais pour cela, il lui faut un but. Et ce but sera personnifié par Iris (Jodie Foster), une gamine d'à peine douze ans se prostituant pour le compte du proxénète Sport (Harvey Keitel). La transformation du personnage n'est pas que mentale mais également physique. Travis retrouve le haut kaki qui constitua une partie de son uniforme lors de la guerre du Vietnam, muscle son corps et transforme ses cheveux en crête iroquoise...

À ce propos, selon certains peuples d'amérindiens, porter une telle coiffure permettait d'encourager les troupes durant les affrontements. Un détail qui sans doute ici a son importance et laisse entrevoir l'action que mènera le chauffeur de taxi lors du dernier acte. Un moyen de se donner la force, la motivation et le courage nécessaires pour mener à bien sa mission. Si l'issue du récit laisse augurer une conclusion dramatique et si l'environnement dans lequel vit le héros est éminemment anxiogène, Martin Scorsese traite parfois son sujet avec un certain cynisme. Voire, beaucoup d'humour. Le réalisateur nous immerge en outre dans un espace ouvert mais se rétrécissant à mesure que Travis se replie sur lui-même. Enfermé chez lui ou à ''l'abri'' de son véhicule, il regarde le monde tel qu'il est, tel que veut tout d'abord nous le montrer Martin Scorsese avant qu'un fossé ne se creuse entre le spectateur et le héros. Cette distinction qui permet au public de faire la différence entre le bien et la mal tandis que Travis, lui, n'as plus l'objectivité nécessaire qui lui permettrait encore de séparer le premier du second. Martin Scorsese filme la ville qui l'a vu naître avec passion. Un décor mais aussi et surtout, un personnage à part entière, vecteur d'angoisse,. Cette même appréhension qui jour après jour, année après année enfante des monstres à visage humain...

 

The Silence of the Lambs de Jonathan Demme (1991) - ★★★★★★★★★☆

Alors qu'elle suit une formation au Bureau Fédéral d'Investigation de Quantico en Virginie, la jeune Clarice Starling se voit confier par son supérieur Jack Crawford la délicate mission d'aller interroger le docteur Hannibal Lecter qui pour avoir commis des crimes monstrueux est enfermé dans le quartier de haute sécurité de l’hôpital psychiatrique de Baltimore. Parce que le FBI ne parvient pas à mettre la main sur un tueur en série surnommé Buffalo Bill, Jack Crawford espère que Clarice parviendra à soutirer des informations à Lecter. Lors de l'entretien, la jeune femme est confrontée à un individu d'une intelligence exceptionnelle, charismatique mais aussi et surtout manipulateur. Bien que leur premier échange semble se solder par un échec, l'ancien psychiatre aiguille la jeune stagiaire et la dirige vers un hangar où elle découvre une tête décapitée enfermée dans un bocal qui se révèle être celle de la première victime du tueur que traque le FBI. Mais alors que Clarice persévère dans ses recherches, le tueur frappe de nouveau. En employant une méthode qui jusque là a déjà fait ses preuves, Buffalo Bill enlève la fille d'un sénateur. Clarice n'a que quelques jours pour résoudre l'enquête si elle veut pouvoir sauver la jeune femme des griffes du serial killer...

Il est sans doute vain de revenir sur The Silence of the Lambs (Le Silence des Agneaux) de Jonathan Demme puisque tout a déjà été dit sur le sujet. Mais lorsque l'on est cinéphile et amateur de criminologie, il devient difficile de passer à côté de ce monument en feignant de l'ignorer. Adaptation du roman culte et éponyme de Thomas Harris, The Silence of the Lambs est de ces films qui ont popularisé sur grand écran le mythe du grand méchant loup. Et l'on ne parle pas ici de ce personnage de conte notamment rencontré chez les frères Grimm ou chez Ésope mais de ces individus qui prennent une certaine forme de plaisir à tuer leurs semblables avec une régularité, une détermination et des rites qui en font des êtres absolument terrifiants tout en provoquant chez le commun des mortels, une véritable fascination. Cela, Thomas Harris l'avait sans doute bien compris à l'époque de l'écriture du roman en 1988 et après lui, le réalisateur Jonathan Demme qui débuta ''presque'' (mais pas tout à fait) sa carrière de réalisateur à la télévision en réalisant l'épisode Meurtre à la Carte de l'excellente série policière Columbo en 1978. Il est avant toute chose important de préciser que le long-métrage est l'adaptation d'une séquelle littéraire puisque The Silence of the Lambs est la suite de Dragon Rouge écrit lui-même par Thomas Harris en 1981 et adapté lui aussi une première fois en 1986 par le réalisateur Michael Mann à travers le chef-d’œuvre et sans aucun doute, meilleur épisode non officiel de la saga, Manhunter. Une œuvre incroyablement glaçante dont on retiendra moins l'interprétation de Brian Cox dans le rôle du docteur Hannibal Lecktor (!!!) que celles de William L. Petersen dans celui de l'agent William Graham et de Tom Noonan dans celui, inquiétant, du tueur Francis Dollarhyde...

Jonathan Demme confie le rôle de Clarice Starling à l'épatante Jodie Foster dont le talent n'est plus à vendre, laquelle incarne avec subtilité, la fragilité d'une jeune stagiaire hantée par un passé douloureux mêlé à la volonté d'en découdre avec cette affaire qui la touche personnellement (toutes les victimes sont effectivement des femmes) et qui est essentiellement constitué d'individus de sexe masculin (voir le machisme dont font preuve un certain nombre de représentants mâles lors de l'autopsie à venir sur l'une des victimes de Buffalo Bill). Face à elle, l'immense acteur et comédien britannique Anthony Hopkins qui a l'époque est beaucoup plus prolifique sur la scène du théâtre que sur grand écran. Du moins jusqu'à ce que soit révélée au monde entier son incroyable aura. Celle qu'il dégage dans le rôle de Hannibal Lecter. Intelligent, sournois, pervers... L'un des plus remarquables personnages qu'aient enfanté la littérature et le cinéma. Troisième personnage important, bien évidemment, c'est celui qu'incarne l'acteur Ted Levine qui, ironiquement ou non, incarnera la décennie suivante le capitaine Leland Stottlemeyer de la mythique série Monk. Mais d'ici là, il incarne à son tour, un Jame Gumb surnommé Buffalo Bill terrifiant. Modèle du tueur en série comme le relèguent les médias. D'ailleurs, ses agissements ne sont pas à l'origine le simple fruit d'une réflexion de la part de Thomas Harris mais bien de la combinaison de plusieurs célèbres tueurs en série ayant réellement défrayé la chronique américaine au siècle dernier...

Concernant la ''méthode'' employée par le tueur évoquée plus haut et qui consiste à mettre en confiance ses futures victimes avant de les enlever, elle renvoie directement à celle qu'utilisait le célèbre Theodore Robert Cowell plus connu sous le nom de Ted Bundy. En effet, celui qui commit de nombreux meurtres sur des femmes entre 1972 et 1978 usa d'un stratagème particulièrement efficace consistant à se faire aider par de jeunes et jolies femmes lors du chargement de matériel dans son véhicule alors qu'il portait un faux plâtre a l'un de ses bras. Autre célèbre meurtrier, sans doute moins prolifique mais dont les actes furent sans doute encore plus dérangeants, Edward Theodore Gein, dit Ed Gein, et qui dans les années cinquante se rendit coupable, entre autre, de deux meurtres avant que les autorités ne trouvent chez lui, les preuves d'actes contre-nature absolument monstrueux. À l’écran, Ted Levine crée un personnage à la sexualité ambiguë et dont les racines de l'acte homicide ne sont pas clairement établies.

The Silence of the Lambs est un modèle de construction et de mise en scène. Porté par une musique composée par Howard Shore (le compositeur attitré de David Cronenberg), le film est non seulement un excellent thriller policier, mais explore efficacement des sous-genres tels que l'épouvante et l'horreur. Si l’œuvre de Jonathan Demme n'est jamais aussi glaçante que celle de Michael Mann, le spectateur est tout de même confronté à une œuvre absolument remarquable, formidablement interprétée. Le succès aidant, Thomas Harris écrira les troisième et quatrième volets consacrés à la tétralogie Hannibal Lecter en 1999 (Hannibal) et 2006 (Hannibal Rising). Quant au cinéma, il se penchera à nouveau sur ce passionnant personnage à travers plusieurs adaptations. Ridley Scott adaptera Hannibal en 2001 avec un long-métrage éponyme tandis qu'en 2002, Brett Ratner offrira aux cinéphiles, une deuxième adaptation du premier roman Dragon Rouge. Quant à Peter Webber, il réalisera en 2007 le film Hannibal Lecter : Les Origines du mal adapté du quatrième roman de la tétralogie. Enfin, la télévision elle-même s'intéressera au mythe puisqu'en 2013 sera produite la série Hannibal dans laquelle l'acteur danois Mads Mikkelsen interprétera le célèbre psychiatre...

Sommersby de Jon Amiel (1993) - ★★★★★★★☆☆☆

Ça n'est pas du chauvinisme que d'affirmer que Sommersby, le remake américain du Retour de Martin Guerre lui est infiniment inférieur. Comme ça ne l'est pas davantage que de dire que Gérard Depardieu, Nathalie Baye ou Roger Planchon sont beaucoup plus convaincants dans leur interprétation respective que Richard Gere, Jodie Foster ou William Windom. Avoir changé de siècle, les noms des personnages et la plupart des situations ne font cependant pas du long-métrage de Jon Amiel un anachronisme repoussant, mais sa mise en scène est inversement aussi peu engageante que celle de Daniel Vigne peut se glorifier d'avoir su rendre l'atmosphère campagnarde et austère du seizième siècle. Si l'on pouvait craindre qu'à l'époque ou Richard Gere possédait suffisamment de charme pour prétendre pouvoir se montrer arrogant sur les plateaux de télévision qu'il ne transforme son personnage en séducteur hautain et manipulateur, force est de reconnaître qu'il sait ici se montrer professionnel et tenir son rôle avec justesse. En réadaptant le fameux cas de Martin Guerre, un authentique usurpateur d'identité ayant vécu au seizième siècle pour y mourir exécuté par pendaison, Jon Amiel change non seulement d'époque mais également de situation géographique puisque l'intrigue ne se déroule plus entre 1556 et 1560 dans le petit village ariégeois d'Artigat mais aux États-Unis alors que la Guerre de Sécession vient de prendre fin...

C'est à ce moment très précis que réapparaît un certain Jack Sommersby dans la petite ville de Vine Hill alors que tous les villageois pensaient qu'il avait péri lors du conflit opposant les États-Unis d'Amérique aux États confédérés d'Amérique. Alors qu'il retrouve ses amis, ses proches, mais aussi et surtout son épouse Laurel, très rapidement, certains petits détails laissent à penser que Jack ne serait peut-être pas celui que l'on pense. Cependant, la vie reprend normalement son cours, Jack proposant même aux habitants de Vine Hill de financer un projet visant à cultiver le tabac. Malheureusement pour lui et pour Laurel qui vient de lui donner un second enfant six ans après sa disparition, la justice le rattrape. En effet, accusé d'avoir tué un homme, il est emmené en ville par les autorités qui s'apprêtent alors à le juger pour meurtre. Jack Risque d'y perdre la vie, à moins que son avocat parvienne à prouver qu'il n'est pas celui qu'il prétend être...

Du charme austère et pittoresque de la France profonde des années 1550 l'on passe directement à celles de 1865, dans un petit village qui risque de très fortement décevoir les spectateurs qui furent subjugués par la splendeur de la reconstitution du décorateur Alain Nègre pour l’œuvre de Daniel Vigne. En comparaison, la petit ville de Vine Hill paraît bien vide et minimaliste. Le réalisateur américain choisit quant à lui d'organiser d'importantes modifications par rapport au scénario original ou même plus simplement par rapport au fait divers. Outre le lieu et le temps, le personnage incarné par la star américaine Richard Gere est très sensiblement différent de celui formidablement interprété par notre Gérard Depardieu national. D'un côté, nous avons Jack, qui plus que le simple usurpateur d'identité venu littéralement voler ceux qu'il a d'abord trompés qu'incarnait Gérard Depardieu s'avère être un individu à la recherche d'un toit, d'une vie de famille et d'un amour. En ce sens, le Jack Sommersby de Jon Amiel est plus ''fin'' et sensible que Martin Guerre de Daniel Vigne qui s'avère au final n'être qu'un escroc attiré par l’appât du gain. Concernant Jodie Foster, l'actrice américaine incarne une Laurel proche de Bertrande de Rois, l'épouse de Martin Guerre. Peut-être un peu moins sensible mais en tout cas, tout aussi ambiguë dans sa relation avec son ''époux''. Si Jon Amiel joue sur le questionnement qui entoure ce personnage dont on ne sait jamais vraiment avant la fin si elle sait en son fort intérieur que Jack n'est pas celui qu'elle épousa des années en arrière, il est dommage que le cinéaste n'ait pas choisi de laisser le spectateur sur cette interrogation.

D'autant plus qu'interviennent des événements qui changent radicalement la donne en comparaison de l’œuvre de Daniel Vigne. Chez Jon Amiel, le procès entourant l'affaire Jack Sommersby n'est plus simplement celle d'une usurpation d'identité mais met en péril l'existence même du personnage qui risque sa vie lors d'un procès l'accusant d'avoir commis un meurtre. Absent du film américain, l’incroyable twist dans lequel intervenait l'excellent acteur français Bernard-Pierre Donnadieu dans Le Retour de Martin Guerre laisse la place à un échange entre Jack, enfermé dans sa cellule et attendant son exécution, et Laurel. Au fond, Sommersby n'est pas un mauvais film. Il possède d'ailleurs certaines qualités qui le démarquent de l'original (la seconde partie, lors du procès) s'avère beaucoup plus intéressante que la première). Mais lorsque l'on connaît Le Retour de Martin Guerre, il devient délicat de passer à la version américaine sans penser que l’œuvre de Jon Amiel y a perdu beaucoup de sa puissance évocatrice. À découvrir si, et seulement si, vous ne connaissez par encore le chef-d’œuvre de Daniel Vigne...

Carnage de Roman Polanski (2011) - ★★★★★★★☆☆☆

Trente-cinq ans après le dernier volet de sa trilogie de l'appartement (Le Locataire), le réalisateur franco-polonais enferme à nouveau ses personnages dans un lieu clos avec l'excellent Carnage. Ses obsessions balayées, d'autres immergent de ce récit à l'origine écrit par la femme de lettre française Yasmina Reza, qu'elle a tout d'abord elle-même mis en scène au théâtre sous le titre Le Dieu du Carnage. Le casting intégralement constitué de comédiens français (Isabelle Huppert, André Marcon, Valérie Bonneton et Eric Elmosnino) est remplacé sur grand écran par quatre acteurs anglo-saxons. Roman Polanski imagine son adaptation au cinéma après avoir assisté à l'une des représentations théâtrales de la pièce de Yasmina Reza. C'est en compagnie de l'auteure elle-même, après que l'intéressée ait été approchée par le cinéaste, que Roman Polanski s’attelle à l'écriture du scénario. C'est en 2010, lors de son assignation à résidence en Suisse en raison de problèmes judiciaires que le cinéaste prépare le film à venir. Désormais, l'intrigue ne se situe plus dans l'hexagone mais à New York aux États-Unis. C'est dans l'appartement de Penelope Longstreet et son époux Michael que vont se dérouler les événements. Alors que leur fils à été battu par l'un de ses camarades d'école, les parents de ce dernier sont invités à régler l'affaire avec ceux de la victime, Ethan. Nancy et Alan Cowan s'attendaient sans doute à ne passer que quelques minutes chez les parents du camarade de leur fils Zachary, mais la soirée sera finalement plus longue que prévue. Une soirée qui se transformera en affrontement non seulement entre les deux couples, mais également entre chacun des membres de ces derniers...

Jodie Foster, Kate Winslet, Christoph Waltz et John C. Reilly forment ce quatuor d'acteurs qui durant un peu moins d'une heure vingt vont exploiter tout leur talent d'interprètes dans cette comédie sociale fort jouissive et interrogeant des problèmes relationnels, de société, de comportement, allant même jusqu'à empiéter dans l’intimité respectives des deux couples. On a d'une part le couple formé par Jodie Foster et John C. Reilly. Ils incarnent les Longstreet. Elle, est rigide, procédurière. Lui, est plutôt du genre à arrondir les angles. A éviter les conflits. Face à eux, Kate Winslet et Christoph Waltz. Elle, apparaît d'abord soumise. Recroquevillée derrière un époux qui, lui, du haut de son statut d'avocat, a plutôt l'habitude de mener les débats même si là, il donne surtout l'impression de vouloir fuir le conflit qui, tapit dans l'ombre, n'attend qu'un léger déclic pour enrailler la mécanique.

Car si au début, tout se déroule pour le mieux, l'intérêt de Carnage est de montrer l'individu sous tous ses aspects. Bientôt, le respect que chacun montre aux autres s'efface, et le vrai visage apparaît alors. Roman Polanski profite du cadre exigu d'un appartement pour confronter deux couples ayant une vision toute différente d'une même affaire (celle concernant leurs fils respectifs). Chacun voulant tirer la couverture à soit, il n'est pas rare que les personnages perdent successivement leur sang-froid. Surtout lorsqu'ils doivent faire face à des donneurs de leçon. Si Carnage est extrêmement bien écrit et relativement réjouissant, il peut également arriver que ce jeu de massacre verbeux se révèle inconfortable. Car le film de Roman Polanski met directement le spectateur face à ses propres peurs. On sent très nettement les origines théâtrales du scénario écrit à quatre mains et c'est là qu'entre en jeu le talent de ses interprètes, tous plus savoureux les uns que les autres. Si le film n'est pas aussi irrésistiblement drôle que certaines des meilleures comédies tenant essentiellement sur l'interprétation et la grande profondeur des dialogues (Le Diner de Cons, Le Prénom, Un Air de Famille et Cuisine et Dépendances en sont les meilleurs exemples), Roman Polanski exploite cependant à merveille l'espace et le potentiel de ses interprètes. A noter que dans la version française, les quatre interprètes sont admirablement doublés par Hélène Babu, Irène Jacob, Pascal Bongard et Aurélien Recoing. Un pur régal...

Elysium de Neill Blomkamp (2013)

La Terre est devenue en 2154 une planète surpeuplée et entièrement vidée de ses ressources naturelles. N'y survivent que les plus modestes représentants de l'espèce humaine, ceux qui n'ont pas les moyens ni l'autorisation de vivre sur la station spatiale Elysium. Un paradis artificiel exclusivement réservé aux plus riches et surveillé de très près par la secrétaire de la défense Delacourt. Une femme autoritaire qui n'hésite pas à avoir recourt à la violence et qui choisit de mettre un terme de manière radicale et définitive à toute tentative d'intrusion de la part de ceux qui survivent sur Terre.

Max est l'un de ces hommes qui vécurent longtemps de larcins et qui se sont reconvertis après avoir passé plusieurs années en prison. Il travaille désormais pour une entreprise dirigée par John Carlyle. Son usine emploie plusieurs centaines d'hommes attachés à la fabrications de machines robotisées dont la fonction première sera de maintenir l'ordre sur Terre ainsi que sur Elysium. Alors qu'il est en train d'effectuer sa tâche, Max est très grièvement irradié lors d'une manipulation particulièrement dangereuse. Examiné par un robot-médecin, il se sait condamné à une mort certaine. Il ne lui reste donc plus que cinq jours à vivre. Autant de jours qu'il va employer afin d'aller sur Elysium sur laquelle une technologie très avancée permet de guérir toutes les maladies. Accompagné de son plus fidèle ami Julio, il reprend contact avec Spider, un ancien complice, et seul homme à pouvoir lui permettre d'aller la-haut. Le seul hic, c'est que ce dernier a très mal encaissé le fait d'avoir été lâché par Max. Mais sachant celui-ci condamné, Spider lui propose un marché qu'aucun de ses hommes de main n'a osé accepter de remplir. Le seul qui permettra alors à Max d'aller sur Elysium et d'espérer pouvoir survivre à la mort qui l'attend...

Action, anticipation et science-fiction, tel est le panel de genres qui se télescopent dans Elysium, le film de Neill Blomkamp, sorti cette année. Deuxième long-métrage et deuxième œuvre à s'ancrer dans un réalisme qui parvient à véhiculer des idées qui encore aujourd'hui ne peuvent être le fruit que de l'esprit fertiles des scénaristes (ici, Blomkamp), le film est principalement interprété par l'excellent Matt Damlon qui exploite au maximum son charisme et la sympathie qu'il dégage avec un naturel déconcertant. Plongé dans un monde où la dictature est seule à régner sur Terre, il est confronté à une étonnante et très froide Jodie Foster qui campe avec l'immense talent qu'on lui connait le rôle de l'implacable secrétaire de la défense Delacourt.

Effets-spéciaux irréprochables et casting impeccables servent un scénario efficace mêlant une anticipation habile à une forte dose d'action, laquelle parvient à se fondre dans cette œuvre de science-fiction convaincante tant elle semble être proche de ce qui pourrait nous attendre dans les prochaines décennies. Elysium, c'est aussi un casting de gueules irrésistibles : Wagner Moura dans le rôle de Spider, Sharlto Copley dans celui du très "frappé" Kruger, et William Fichtner dans celui de l'horripilant John Carlyle.

Elysium brasse un certain nombres d'idées qu'il n'est nul besoin de "seulement" imaginer puisqu'elles sont aux portes du monde dans lequel nous vivons actuellement. La dictature du plus riche face au déshérité y est exploitée jusqu'à la démesure à travers le "visage" idyllique de cette base spatiale où chaque détail y semble avoir été pensé. Les pelouse sont parfaitement entretenues, les façades sont d'un blanc immaculé, et surtout, une armée entière est dévouée au maintien de l'ordre de cette citadelle à l’écœurante perfection. Face à cet artificiel paradis, il y a ceux qui vivent en bas, sur ce qui demeurait par le passé comme la seule référence en matière d'abri. Là, tout y est d'une crasse visible à des kilomètres. Les silhouettes y sont voûtées, les visages noircis par la sueur et le sable qui s'incruste jusque dans les maisons. La loi qui y règne a le visage du fascisme et n'y est plus toléré le moindre écart de conduite ou de langage. Le rêve de cette humanité démunie est de pouvoir un jour mettre le pied sur Elysium. Cet espoir qui pour les habitants de cette dernière est en revanche un cauchemar.

Matt Damon devient un héros malgré lui. Le seul individu sur les épaules duquel repose tous les espoirs de l'humanité. Le film de Neill Blomkamp ne lésine pas sur les effets-spéciaux et sur les cascades. Certains effets visuels comme la caméra embarquée dans le dos de l'acteur apportent un indéniable plus à certains moments-clés de l'histoire. On en prend plein les yeux et autant dans les oreilles. Elysium est donc un excellent film de science-fiction, peut-être l'un des tout meilleur de l'année. En tout cas, bien au dessus du décevant dernier volet de la saga Star Trek et du très ennuyeux Oblivion...