Stan et Ollie de John S. Baird (2019) - (note d'Anna et moi) ★★★★★★★★☆☆

Première surprise il y a quelques semaines : la sortie d'un biopic consacré au duo de comiques américains Stan Laurel et Oliver Hardy le 6 mars dernier. J'ai beau être un ours, il m'arrive quand même d'avoir autour de moi des passionnés de cinéma et de me promener sur certains sites et sur plusieurs réseaux sociaux. Cependant, je n'en ai pas entendu parler avant les deux ou trois jours précédant sa sortie sur l'un des neufs écrans du cinéma MEGA CGR de Narbonne. Deuxième surprise : la salle, de taille moyenne mais pouvant sans doute accueillir plus d'une centaine de spectateurs, résonne comme un hall de gare désaffecté au son de notre voix. A part Anna et moi, quatre personnes venues assister au même spectacle, et dont la moyenne d'âge devait tourner aux alentours des soixante ans. Il faut dire qu'à onze heure ce matin du 16 mars, les gamins doivent encore être au lit et la plupart de leurs parents au travail ou déjà devant les fourneaux. Mais tout de même, quel désastre. On nous avait pourtant prévenu qu'il fallait nous dépêcher si nous voulions avoir une chance de découvrir le dernier long-métrage du cinéaste britannique Jon S. Baird, Stan et Ollie. Car devant son insuccès, il risquait d'être déprogrammé...

Encore une surprise (manquant totalement d'objectivité puisque s'agissant d'un sentiment personnel) : lorsque les lumières se sont éteintes et que le film a débuté, je ne sais pas pourquoi, mais je m'attendais bêtement à le découvrir en noir et blanc et en version originale sous-titrée. Peut-être parce que petit, c'est ainsi que je découvrais ce mythique duo dont une grande majorités des jeunes d'aujourd'hui ignoraient sans doute encore l'existence il y a quelques semaines. Surprise encore en constatant que le film ne débutait non pas par la genèse du duo mais prenait place lors de leur déclin, et même un peu plus tard, après qu'ils se fussent séparés puis retrouvés.

Pour un type qui comme moi aurait aimé en apprendre davantage sur ces deux individus avant, pendant et après leur carrière de comiques, j'ai eu peur que Stan et Ollie prenne une tournure bien différente de celle que j'espérais. Pourtant, force est de reconnaître qu'en s'éloignant du biopic classique et parfois ennuyeux, Jon S. Baird a misé sur le bon cheval. Car s'il y a bien un aspect dont l'amateur de cinéma, le fan de musique ou le lecteur assidu se désintéresse généralement, ce sont les conséquences qui finissent généralement par toucher n'importe quel artiste lorsque sa carrière commence à décliner. Stan et Ollie est non seulement l'occasion pour le cinéaste de dévoiler Stan Laurel et Oliver Hardy sous un jour nouveau, mais aussi d'éprouver des sensations inédites, quand jusqu'ici le duo nous avait habitués à rire. Le cinéaste met donc l'accent sur une période de leur existence méconnue, les rendant plus attachants encore qu'ils ne l'étaient lorsque le public assistait à leurs fameuses pitreries sur grand écran ou sur les planches de théâtre. Si John S. Baird assure le spectacle, ses interprètes également. A commencer par Steve Coogan et John C. Reilly dont le rayonnement et le talent éclipse quasiment le reste du casting. En dehors de Shirley Henderson et surtout de Nina Arianda bien entendu qui dans les rôles respectifs de Lucille Hardy et Ida Kitaeva Laurel se révèlent exceptionnelles.

Autre prouesse, cette fois-ci technique : le rendu de l'époque. Situé dans les années 50 (en 1953 pour être plus précis, lors de leur tournée britannique), la reconstitution est superbe. Les décors de John Paul Kelly, les costumes de Guy Speranza et même la partition musicale de Rolfe Kent (dont certains airs vous arracheront des larmes) nous plongent littéralement dans l'Angleterre des années cinquante. Mais plus que tout l'aspect technique pourtant remarquable, c'est bien l'interprétation des époustouflants Steve Coogan et John C. Reilly qui marque les esprits. Le premier incarne un Stan Laurel bluffant, reproduisant les célèbres mimiques de son modèle. Quant à John C. Reilly, si son personnage demande sans doute un peu moins d'apprentissage pour se fondre dans son costume, l'acteur n'en est pas moins extraordinaire. Et que dire de son incroyable maquillage lui permettant d'endosser les kilos supplémentaires d'Oliver Hardy sans pourtant s'astreindre à un quelconque régime ? Si Stan et Ollie nous donne à contempler une période plutôt sombre de l'existence du duo, le cinéaste n'en oublie cependant pas d'y inscrire quelques séquences incroyablement drôles et qui malgré l'âge des gags n'ont pas perdu de leur efficacité. John S. Baird signe aussi et surtout une œuvre d'une grande humanité entre deux hommes qui ont partagé durant un quart de siècle, leur succès, leurs joies et leurs peines. Un petit bijou qui mérite davantage que le mépris dont il semble être victime...

Carnage de Roman Polanski (2011) - ★★★★★★★☆☆☆

Trente-cinq ans après le dernier volet de sa trilogie de l'appartement (Le Locataire), le réalisateur franco-polonais enferme à nouveau ses personnages dans un lieu clos avec l'excellent Carnage. Ses obsessions balayées, d'autres immergent de ce récit à l'origine écrit par la femme de lettre française Yasmina Reza, qu'elle a tout d'abord elle-même mis en scène au théâtre sous le titre Le Dieu du Carnage. Le casting intégralement constitué de comédiens français (Isabelle Huppert, André Marcon, Valérie Bonneton et Eric Elmosnino) est remplacé sur grand écran par quatre acteurs anglo-saxons. Roman Polanski imagine son adaptation au cinéma après avoir assisté à l'une des représentations théâtrales de la pièce de Yasmina Reza. C'est en compagnie de l'auteure elle-même, après que l'intéressée ait été approchée par le cinéaste, que Roman Polanski s’attelle à l'écriture du scénario. C'est en 2010, lors de son assignation à résidence en Suisse en raison de problèmes judiciaires que le cinéaste prépare le film à venir. Désormais, l'intrigue ne se situe plus dans l'hexagone mais à New York aux États-Unis. C'est dans l'appartement de Penelope Longstreet et son époux Michael que vont se dérouler les événements. Alors que leur fils à été battu par l'un de ses camarades d'école, les parents de ce dernier sont invités à régler l'affaire avec ceux de la victime, Ethan. Nancy et Alan Cowan s'attendaient sans doute à ne passer que quelques minutes chez les parents du camarade de leur fils Zachary, mais la soirée sera finalement plus longue que prévue. Une soirée qui se transformera en affrontement non seulement entre les deux couples, mais également entre chacun des membres de ces derniers...

Jodie Foster, Kate Winslet, Christoph Waltz et John C. Reilly forment ce quatuor d'acteurs qui durant un peu moins d'une heure vingt vont exploiter tout leur talent d'interprètes dans cette comédie sociale fort jouissive et interrogeant des problèmes relationnels, de société, de comportement, allant même jusqu'à empiéter dans l’intimité respectives des deux couples. On a d'une part le couple formé par Jodie Foster et John C. Reilly. Ils incarnent les Longstreet. Elle, est rigide, procédurière. Lui, est plutôt du genre à arrondir les angles. A éviter les conflits. Face à eux, Kate Winslet et Christoph Waltz. Elle, apparaît d'abord soumise. Recroquevillée derrière un époux qui, lui, du haut de son statut d'avocat, a plutôt l'habitude de mener les débats même si là, il donne surtout l'impression de vouloir fuir le conflit qui, tapit dans l'ombre, n'attend qu'un léger déclic pour enrailler la mécanique.

Car si au début, tout se déroule pour le mieux, l'intérêt de Carnage est de montrer l'individu sous tous ses aspects. Bientôt, le respect que chacun montre aux autres s'efface, et le vrai visage apparaît alors. Roman Polanski profite du cadre exigu d'un appartement pour confronter deux couples ayant une vision toute différente d'une même affaire (celle concernant leurs fils respectifs). Chacun voulant tirer la couverture à soit, il n'est pas rare que les personnages perdent successivement leur sang-froid. Surtout lorsqu'ils doivent faire face à des donneurs de leçon. Si Carnage est extrêmement bien écrit et relativement réjouissant, il peut également arriver que ce jeu de massacre verbeux se révèle inconfortable. Car le film de Roman Polanski met directement le spectateur face à ses propres peurs. On sent très nettement les origines théâtrales du scénario écrit à quatre mains et c'est là qu'entre en jeu le talent de ses interprètes, tous plus savoureux les uns que les autres. Si le film n'est pas aussi irrésistiblement drôle que certaines des meilleures comédies tenant essentiellement sur l'interprétation et la grande profondeur des dialogues (Le Diner de Cons, Le Prénom, Un Air de Famille et Cuisine et Dépendances en sont les meilleurs exemples), Roman Polanski exploite cependant à merveille l'espace et le potentiel de ses interprètes. A noter que dans la version française, les quatre interprètes sont admirablement doublés par Hélène Babu, Irène Jacob, Pascal Bongard et Aurélien Recoing. Un pur régal...

Kong: Skull Island de Jordan Vogt-Roberts (2017) - ★★★★★★★☆☆☆

Pour une fois, je vais vous parler d'un blockbuster américain, genre généralement et éminemment méprisé en ces pages. C'est donc avec une certaine insolence que j'aborderai l'objet tout en demeurant d'une impartiale objectivité. La bête se nomme ici Kong : Skull Island et démarre sous les pires et les meilleurs auspices puisque le film se déroulant en l'an de (dis)grâce 1973 et aux abord du conflit vietnamien, on aura droit à la sempiternelle bande-son typée seventies avec tout ce qu'elle comporte de bon pour les vieux briscards et de mauvais pour les petits jeunes sevrés aux infamantes productions musicales actuelles. On a droit à l'immuable développement des forces américaines, l’œuvre profitant ainsi dans un premier temps de l'occasion que lui offre son auteur Jordan Vogt-Roberts de nous offrir l'image d'une toute puissance militaire qui n'hésite pas à déployer une partie infime de ses forces (comprendre une armada d'hélicoptère et un porte-avion flambant neuf). Force guidée par un colonel d'abord déprimé à l'idée de plier bagages et baisant presque les pieds d'un supérieur lui offrant une opportunité, somme toute ridicule au regard du conflit qui l'a retenu jusqu'à maintenant au Vietnam, mais qui désormais peut espérer prolonger l'expérience en terre étrangère.

Une île, la Skull Island du titre, et que l'on traduira fort logiquement chez nous par L’île au Crâne, un vaste territoire demeuré vierge de toute exploitation, de toute colonisation, du moins jusqu'à ce qu'un satellite américain n'en révèle la présence. D'une simple évocation de l'éventuel accaparement des lieux par l'URSS, voilà que deux scientifiques parviennent à convaincre un sénateur de leur offrir non seulement le voyage, mais l'aide également de chercheurs et de soldats. Ces derniers dont le quota d'abrutis n'a malheureusement pas ici été revu à la baisse. Si cette première partie de Kong : Skull Island semble être percluse de clichés, on peut également se demander dans quelles mesures ces références habituelles sont rattachées à une certaines idée de la réalité. Aux commandes d'une armée aux muscles huilés et pesant aussi lourds que sont légers leurs neurones, l'acteur Samuel L. Jackson, obtenant ici le rôle ingrat du lieutenant-colonel Preston Packard et que l'on aurait communément envie de nommer « gros con de service ».

Un beau casting constitué par la présence des charismatiques Tom Hiddleston et John Goodman, ainsi que de la jolie Brie Larson. Si l'on retrouve quelques aspects des œuvres qui l'ont précédé, Kong : Skull Island nous ôte la disgrâce d'une humanité désirant arborer un fier trophée de plusieurs dizaines de mètres de hauteur en l’exportant jusqu'aux États-Unis. Ne serait-ce ce militaire laissant une armée de créatures au look surréaliste (et nommés lézards par le seul peuple d'indigènes vivant sur l'île) dézinguer ses hommes au seul profit d'une vengeance d'homme à singe, Kong : Skull Island aurait pu se voir comme une sorte de carte postale idyllique en terre inhospitalière. Entre Koh Lanta, Jurassic Park, Predator, et les innombrables longs-métrages ayant mis en vedette un certain Godzilla du temps des Ishirô Honda, Jun Fukura et consorts, le film de Jordan Vogt-Roberts est peu avare en terme de visuel puisqu'il propose des décors à couper le souffle que l'on doit à certaines régions du globe telles que l'archipel de Hawaï, et l'Australie. Des décors bluffant, donc, mais également des effets-spéciaux remarquables en images de synthèse.

Le tout auréolé d'un scénario, bien entendu, assez convenu et totalement prévisible, et de quelques scènes, avouons-le, tout à fait grotesque. J'en veux pour preuve les rafales de balles de gros calibres ininterrompues et pourtant inefficaces contre l'une des créatures qui rendra son dernier souffle grâce à l'utilisation d'un... briquet. Mais tout cela n'est pas grave. Que voulez-vous, on est à Hollywood, le monde merveilleux de la magie, des incohérences et des scénarios en mode 'slim' noyés sous une tonne d'effets. Kong : Skull Island remplit ses objectifs : un bon divertissement familial, un point c'est tout...

The Lobster de Yórgos Lánthimos (2015)

David est célibataire. Et parce qu'il n'a pas d'épouse ni de compagne, il est arrêté puis emmené à l'Hôtel, un établissement dans lequel sont regroupés les individus n'ayant pas de partenaire. Suivant un rituel, lui et les autres doivent régulièrement se rendre dans une forêt afin d'y chasser ceux qui comme eux sont condamnés à finir transformés en l'animal de leur choix si passé le délai de quarante cinq jours, ils n'ont pas mis la main sur l'âme sœur. Se chassant mutuellement, ils doivent rapporter les corps endormis de ceux qu'ils seront parvenus à capturer à l'aide d'un fusil hypodermique, un trophée étant égal à une rallonge d'un jour.

Afin de se sortir de cette situation délicate, David trompe une jeune femme insensible et froide en lui faisant croire qu'ils sont faits l'un pour l'autre. Mais celle-ci découvrant le pot au roses, David n'a plus qu'une seule solution : fuir l'établissement et se rendre dans la forêt où sont regroupés les membres d'une organisation formée par des Solitaires. Contrairement à ce qui régit l'Hôtel, ici, les sentiments sont mal venus. Si jamais deux des membres des Solitaires sont découverts en train de flirter, un châtiment exemplaire leur est infligé. Mais alors que David esr plutôt bien accueilli par le groupe, il fait la connaissance d'une jeune femme qui comme lui, est atteinte de myopie. Malgré les interdits, une idylle naît entre eux...

Film originaire de Grèce, de Grande-Bretagne, des Pays-Bas, d'Irlande, de France et des États-Unis, The Lobster (en français, Le Homard), n'est pas réellement une œuvre de science-fiction comme annoncée dans la presse mais plus précisément un film d'anticipation se déroulant dans un futur proche, imaginaire et dystopique. En effet, le cinéaste et dramaturge grec Yórgos Lánthimos et le scénariste Efthimis Filippou n'ont pas créé ici un univers utopique, mais plutôt son contraire. Un monde sinistre régit par des lois particulières et aseptisées où les rapports amoureux sont tolérés sous certaines conditions. 

 

Parfois absurde, souvent amusant, quelquefois cru (certains dialogues gratinés semblent s'être échappés d'obscures productions pornographiques), assez sombre dans son ensemble, The Lobster est une petite merveille d'humour noir qui n'a pas laissé le jury du festival de Cannes de 2015 indifférent puisqu'il a remporté le Prix du Jury ainsi que différentes récompenses en Europe et à été plusieurs fois nominé. Tourné dans le comté de Kerry en Irlande, le film de Yórgos Lánthimos propose des décors forestiers stupéfiants de beauté. Entre les exercices dont sont témoins les Solitaires enfermés dans l'Hôtel, les épreuves qui leur sont imposées et le cachet particulier des bois, refuge des rebelles, le contraste n'est pas aussi saisissant qu'on aurait pu l'imaginer. Déjà, le cinéaste grec impose à ses personnages, quel que soit le camp qu'ils ont choisi, des règles strictes qui n'ont en fait aucun mérite comparées à celles de leurs opposants tant les contraintes sont lourdes : la transformation en animal d'un côté, et la condamnation par le « Baiser Rouge » de l'autre (dont les détails nous sont révélés dans le courant du récit). De plus, l'aspect kitsch des pratiques imposées par les partisans du « vivre en harmonie conjugale» se prolongent d'une manière pourtant fort différente à travers les peintures vivantes que représentent ces cartes postales délavées que sont les plans filmés de cette forêt située aux abords d'un lac.

The Lobster apparaît parfois si grotesque (dans le bon sens du terme) que l'on a bien du mal à croire qu'un jour l'homme pourrait arriver à un tel point d'aseptisation. Mais lorsque l'on voit vers quelle direction tend notre monde, on finit par se poser des questions. Il s'agit en réalité d'une allégorie, d'une réflexion sur notre monde, notre mode de vie et sur les tendances à l'individualisme qui font la vie dure à l'altruisme en général. D'un côté, une certaine forme d'isolationnisme non politique, et de l'autre, un mode de restriction émotionnelle qui rappelle parfois l'angoissant récit du très paranoïaque L'Invasion des profanateurs de Philip Kaufman dans lequel les héros sont contraints de n'exprimer aucune émotion et de se fondre dans la masse sans cesse grandissante des envahisseurs,  sous peine d'être confondus.

The Lobster, c'est aussi une belle brochette d'actrices et d'acteurs tels que Colin Farell, Rachel Weisz, Ben Whishaw, Léa Sédoux, John C. Reilly ou encore Olivia Colman (l'excellente série britannique Broadchurch). A voir absolument...