Sans Toit ni Loi d'Agnès Varda (1985) - ★★★★★★★★☆☆

Il est des personnages dans la vie de tous les jours que l'on n'oublie pas. Dans le septième art aussi d'ailleurs. Sandrine Bonnaire fait partie de ces actrices remarquables qui ont imprimé de leur seule présence bon nombre de longs-métrages. Il n'y a qu'à la contempler dans La Cérémonie de Claude Chabrol ou dans Monsieur Hire de Patrice Leconte pour se rendre compte du potentiel de cette actrice française qui un jour de juin 1982, à l'âge de quinze ans, eut la bonne idée d'accompagner sa sœur Corinne à un casting pour le film de Maurice Pialat, A Nos Amours. Alors que Sandrine n'a pas la prétention de figurer au générique, c'est pourtant elle que le cinéaste prendra dans son film. C'est ainsi que la carrière de l'actrice débute réellement puisque jusqu'à maintenant, elle n'avait fait que de la figuration dans deux autres longs-métrages. Elle remportera d'ailleurs pour sa prestation dans le film de Pialat le César du meilleur espoir féminin. César encore puisque en 1986, et en interprétant le rôle principal du film qui nous intéresse ici, elle remportera cette fois-ci le César de la meilleure actrice.

Oui, il existe des personnages que l'on n'oublie pas, et Mona, de son vrai nom Simone Bergeron est de ceux-ci. Une jeune femme sans attaches, sans toit ni lois donc, ni personne pour lui dicter sa conduite ou la remettre dans le droit chemin. Ça n'est pas que Mona soit une voleuse (elle ne fera rien pour dérober à un compagnon de passage le petit poste de radio sur lequel elle lorgnait pourtant) mais on le sait dès les premières minutes, la jeune femme finira tristement, son corps reposant raide comme un morceau de bois dans un fossé. La cinéaste Agnès Varda remonte le cours de l'histoire de cette vagabonde qui marche sans but précis, fait des rencontres, et laisse surtout derrière elle une curieuse impression. La cinéaste française a choisi de ne juger ni son héroïne, ni celles et ceux qui croisent sa route. Une route semée de quelques embûches. On la verra violée, humiliée, questionnée, rejetée, mais aussi la proie d'une curiosité que l'on aurait pu croire malsaine mais qui en réalité demeure protectrice envers cette jeune femme qui, durant un instant, trouve l'épaule réconfortante d'une platanologue, une certaine Mme Landier, très justement interprétée par l'immense actrice Macha Méril.

Agnès Varda filme son œuvre sans concession au divertissement. Ou si peu. A travers les pseudos-témoignages de tous ceux qui l'ont rencontrée durant les quelques jours qui précèdent sa mort tragique, on n'en apprendra pas beaucoup sur Mona à part qu'elle fut secrétaire avant de tout abandonner. Sur son passé tout comme sur ce qui l'a menée à vivre en marge de la société. Sandrine Bonnaire est habitée par son personnage et n'hésite pas à donner de sa personne lorsqu'il s'agit d'incarner une femme libérée de toutes contingences. Les cheveux sales, un vieux cuir que l'on imagine sentir très mauvais, une tente pour maison et un caractère mêlant insouciance et méfiance. Voilà ce qui caractérise sans doute le mieux cette jeune clocharde dont l'unique but semble être de trouver de quoi manger.Ses petits amis sont comme elle. Des marginaux. Pas forcément à la rue, mais des individus qui inquiètent les ménagères de cinquante ans qui n'osent pas les accueillir sur le pas de leur porte.

Avec Sans Toit ni Loi, la cinéaste Agnès Varda réalise ce qui demeure sans doute chez nous comme LA référence sur les conditions de vie des sans-abris. Qu'elle ait tout abandonné sur un coup de tête ou non, on trouve son héroïne forcément touchante. D'autant plus que l'on devine une certaine douceur sous cette crasse, Sandrine Bonnaire esquissant de temps en temps un joli sourire avant de se renfermer à nouveau. En tout cas, un film qui marque les esprits. Un petit bijou...

Kyma, l'onde mystérieuse de Romain Daudet-Jahan (2026) - ★★★★★☆☆☆☆☆

 

 

La science-fiction sur grand écran, en France, est suffisamment rare pour que l'on s'intéresse aux quelques propositions qui sortent ponctuellement sur grand écran. À vrai dire, l'on est plus proche ici du fantastique même si sous certains aspects le film hésite entre un genre et un autre... Derrière un titre que l'on pourrait confondre avec celui d'une aventure surréaliste et pleine de mystère, Kyma, l'onde mystérieuse de Romain Daudet-Jahan est une plongée au cœur de la campagne française où vivent Tony (Jules Lefebvre) et ses deux seuls véritables amis Zoé (Lucie Loste Berset) et Ousmane (Mamadou Haidara). Le réalisateur et scénariste qui jusque là ne s'était contenté que de tourner une poignée de courts-métrages et un documentaire intitulé Off the Records et consacré à la tournée asiatique du pianiste de jazz italien Giovanni Mirabassi semble ici particulièrement inspiré par le cinéma fantastique américain des années quatre-vingt. Celui de Steven Spielberg, de Joe Dante, de Richard Donner (période Les Goonies) ou de Rob Reiner, auteur du formidable Stand by me adapté de la nouvelle The Body de Stephen King... Le cinéaste réduit ici au maximum son casting puisque en dehors des trois adolescents, du père de Tony (Stéphan Guérin-Tillié)et de sa mère Mylène (Eve Duranceau), une zoologiste québécoise qui n'interviendra que sur le tard pour cause de déplacement sur la terre de ses origines, le Canada, apparaissent à l'image de rares antagonistes dont un Solal interprété par Patrick d’Assumçao qui assume très clairement l'emploi de la violence pour obtenir des aveux de la part d'Emile, qui est donc le père du jeune garçon après qu'il ait été kidnappé... Expliquer pourquoi Kyma, l'onde mystérieuse n'est ni un mauvais film ni une excellente surprise n'est en soi, pas véritablement une gageure. Pas mauvais, non, puisque malgré toute une série d'éléments qui confirment que rien de fondamentalement inédit ne se déroule devant nos yeux, le long-métrage se regarde sans réel déplaisir...

Il faut par contre se mettre une chose en tête : n'avoir vraiment rien de mieux à faire d'autre que de se rendre dans l'une des quelques salles qui le diffusent encore sur grand écran car sinon, ce n'est certainement qu'au bout d'une poignée de minutes que l'on choisira peut-être de quitter les lieux pour trouver une occupation nettement plus passionnante... Sans vouloir marteler le fait qu'avec Kyma, l'onde mystérieuse Romain Daudet-Jahan ne fait que signer un ersatz de comédie fantastique pompant un genre dont les origines se chiffrent en plusieurs dizaines d'années, son petit budget d'à peine un million d'euros lui vaut toutes les excuses du monde. Pas d'effets spectaculaires en dehors de quelques vrombissements et rugissements provenant d'une créature qui par contre vaut probablement le détour puisqu'elle est pour le coup et cette fois-ci, véritablement inédite. L'onde du titre. Aussi mystérieuse que le prétend l'affiche mais qui semble être directement liée aux travaux de recherche du père de Tony. D'où cet intérêt majeur de la part d'une organisation gouvernementale secrète dont fait donc partie Solal mais aussi un certain Major (l'acteur Quentin D’Hainaut) et plusieurs agents. L'armée, une fois de plus représentée sous sa forme la plus sombre, opportuniste et employant des méthodes parfois radicales. L'une des faiblesses de Kyma, l'onde mystérieuse est finalement d'être arrivé des dizaines d'années en retard. Après qu'une horde de cinéastes et de scénaristes aient déjà conçu la totalité des scripts basés sur ce type de projets. N'ayant donc pour lui aucune possibilité de pallier aux faiblesses scénaristiques d'un script écrit par le réalisateur en collaboration avec Émilie Dubois, Romain Daudet-Jahan parvient difficilement à maintenir le cap de l'intérêt pour n'être que le brouillon ''exécuté'' postérieurement des œuvres auxquelles les spectateurs prendront peut-être un malin plaisir à le comparer. Une œuvre, au fond, presque lovecraftienne dans sa conception d'une créature invisible et rétro-futuriste dans son concept d'hommage au cinéma américain de type Teen-Movie cher aux années quatre-vingt...

 

Disforia de Christopher Cartagena González (2025) - ★★★★☆☆☆☆☆☆

 

 

Franchement ? Je ne suis pas peu fier de ne pas avoir partagé le même engouement que la plupart de celles et ceux qui ont découvert Disforia du réalisateur, scénariste et producteur originaire d'Elche en Espagne, Christopher Cartagena González. Par trop effrayé à l'idée de ressembler à ces vagues de mollusques qui se ruent sys-té-ma-ti-que-ment devant les salles de cinéma dès qu'un film de super-héros, de zombies, de fantômes ou comme ici de cinéma de science-fiction dystopique, je ne me voyais pas assumer, le regard empli de tristesse et de honte, le fait d'être contrevenu à certains de mes principes. Lesquels, je l'avoue, se font pourtant régulièrement et tragiquement la malle... Cela fait des mois, si ce n'est des années que je hurle sur tous les toits que l'avenir de l'horreur au cinéma et sur le petit écran est moins organique que psychologique. Et voilà que débarque donc l'inattendu Disforia sur lequel reposait tous les espoirs d'un féru ET de science-fiction dystopique ET d'horreur ''pissecologique'' comme j'aime à le susurrer à l'oreille de ma modeste petite personne ! Cependant, cette psychologie, que l'on espère évoquée avec profondeur et sensibilité n'est qu'un objet de marketing surfait et surtout, relativement mensonger. Comme si l'aspartame avait le goût et la forme d'un morceau de sucre sans en être vraiment ! Tout le monde devrait logiquement s'accorder sur le fait qu'il n'y a rien de véritablement original dans la description d'un couple et de leur jeune fille désirant s'éloigner des grandes villes devenues de véritables souricières depuis que le monde s'est transformé en ce qu'il s'apprête probablement à devenir dans celui que nous connaissons. Pour son premier long-métrage, Christopher Cartagena González s'attaque à l'effondrement de notre société consécutive à une crise économique majeure. Esther (Fariba Sheikhan), Tomás (Eloy Azorin) et leur fille Say (Noah Casas) partent se réfugier dans leur maison de campagne, loin du bruit, de la fureur et de la violence citadine. Une demeure qu'ils ont prévu de vendre afin de quitter l'Espagne pour se rendre en France. Si l'idée d'un récit se déroulant en partie dans notre pays est plutôt séduisante sur le papier, à l'écran, ne croyez sans doute pas retrouver les vertes prairies de l'Hexagone puisque aucun des trois protagonistes n'aura le temps de passer la frontière pour y trouver refuge ! En effet, la petite famille reçoit la visite de Vera (Claudia Salas) avec laquelle Tomás a communiqué à plusieurs reprises sur les réseaux sociaux. Venue théoriquement acheter la demeure, la jeune femme fomente en réalité des projets beaucoup plus sombres que le simple achat d'une maison de campagne...

Découpé en deux parties, Disforia confronte le spectateur en servant un premier acte servant de révélateur aux maux intérieurs qui touchent le couple. Isolés dans leur habitation, le film est tout d'abord un huis-clos dans lequel sont évoqués le suicide, l'instinct maternel et donc l'isolement, rendant l'ensemble, il est vrai, quelque peu inconfortable. Un long moment passé en compagnie d'un couple dont on ne saisit pas toujours ce qui différencie le réel du mensonge. Horreur psychologique ? Oui, certes, mais parfois d'un chiant qui confine définitivement à l'ennui. Jusqu'à ce que débarque comme un cheval au galop ruant dans les brancards, Vera, jeune adepte des réseaux sociaux, tendance ''Dark Web''. Un sujet plutôt rares mais ici parfois central et surtout évoqué à la manière d'un script écrit par la main d'un auteur qui ne connait visiblement pas grand chose en matière de psychologie. Ouais, parce que Disforia, outre le fait que le long-métrage de Christopher Cartagena González se complaise à fourvoyer l'intimité de ses héros à travers une dystopie qui vire au Home Invasion, se joue de toute sobriété pour n'être rien de plus, rien de moins qu'une œuvre bâtarde où l'envahisseuse délivre ''son message'' en un minuscule coup de cuillère à pot ! Question psychologie, on repassera. Aucune tension, aucun suspens concernant ce nouveau personnage qui en l'espace de quelques dizaine de secondes montre son vrai visage. Il faut dire qu'avec ses quatre-vingt minutes, son auteur n'a pas le temps de tergiverser et plonge ses protagonistes dans un bain de violence que ces derniers redoutaient si jamais ils avaient pris la décision de demeurer en ville. Sans aucune finesse et sur un ton d'un classicisme à peine perturbé par le concept de violence filmée en direct à l'attention d'abominables followers en attente des exactions commises par Vera, Disforia s'avère être en fait d'une triste banalité... que l'on conseillera donc à celles et ceux qui demeurent néophytes en matière d'horreur psychologique, de science-fiction dystopique ou de Home Invasion et surtout pas à celles et ceux qui en ont un peu marre qu'on les prenne pour des vaches à lait en leur servant sans cesse la même recette...

 

Stream de Michael Leavy (2024) - ★★★★★★☆☆☆☆

 

 

S'il y a bien un film dont on n'avait rien de spécial à attendre, c'est Stream du réalisateur, scénariste, producteur et monteur américain Michael Leavy. Produit par la société de production Fuzz on the Lens Productions dont l'équipe se décrit comme une famille de passionnés de cinéma parmi lesquels l'on retrouve l'auteur de Stream mais également son frère Jason Leavy (lequel incarne en outre le rôle du tueur connu ici sous le nom de Joueur numéro 1), le dernier long-métrage en date de l'auteur de nombreux courts-métrages n'a semble-t-il bénéficié que d'une sortie en salle réduite avant d'être proposé sur différentes plateformes de streaming. La trame de l'histoire s'avère relativement étrange, peu commune et dans un sens, plutôt intrigante. En effet, Michael Leavy et son frère Jason ainsi que les scénaristes Robert Privitera et Steven Della Salla nous content les mésaventures de la famille Keenan qui pour ressouder ses liens prend la décision de passer son prochain week-end dans un hôtel du nom de The Pines et dont le gérant est un certain Monsieur Lockwood. Une décision que ne partage pas Taylor (Sydney Malakeh) qui vient tout juste d'être arrêtée par la police pour avoir volé de l'alcool dans un magasin. Avertie par la police que la prochaine fois elle risque la prison, son père Roy (Charles Edwin Powell) la prévient que qui cela se reproduit, il la laissera réfléchir à la situation dans sa cellule. Le jeune Kevin (Wesley Holloway) est par contre quant à lui très impatient de partir en week-end. Surtout lorsqu'il apprend qu'il va pouvoir assister à un spectacle dès le lendemain. Féru de jeux vidéos, le garçon va avoir ici un rôle très important. Contrairement à la mère de famille Elaine (Danielle Harris), laquelle va connaître un triste sort... En effet, aussi inattendu que cela puisse paraître, le séjour va virer au cauchemar pour la plupart des clients de l'hôtel qui ne s'attendaient sûrement pas à être les candidats d'une sorte de jeu de massacre lors duquel chacun allait devoir involontairement mettre sa vie en danger. Doté d'un important réseau de caméras de surveillance, l'hôtel recèle une pièce regroupant de nombreux écrans vidéos permettant à Monsieur Lockwood de voir en temps réel ce qui se déroule dans les différents lieux. Mais ce que l'on découvre ensuite est au delà de notre imagination. En effet, suivi par de très nombreux internautes qui ont lancé des paris sur la vie et la mort de chacun des clients, le gérant de l'hôtel orchestre ce jeu macabre depuis cette pièce... D'une durée étonnamment longue pour un slasher, Stream dépasse les deux heures. Ce qui se ressent malheureusement tout au long de l'aventure. Le film aurait en effet mérité que son auteur resserre quelque peu l'intrigue en évacuant toutes les séquences qui ne servent pas à grand chose...

Des scènes bavardes et inutiles qui ne font que rallonger artificiellement l'intrigue ! Filmé directement en vidéo, le long-métrage de Michael Leavy ne bénéficie pas d'une patte visuelle particulière et s'avère même assez vilain. Fort heureusement, le film possède quelques atouts non négligeables qui permettent de retenir l'attention des amateurs de film d'horreur. À commencer par les plus anciens qui grâce à une partie du casting se verront renvoyés au bon souvenir de ce cinéma de genre dont les années quatre-vingt déployèrent une toile immense d’œuvres dont la qualité encore aujourd'hui incontestable. C'est ainsi que dans le rôle du gérant l'on retrouve tout d'abord l'acteur Jeffrey Combs, surtout connu pour avoir interprété le rôle de Herbert West dans le film gore culte Re-Animator de Stuart Gordon en 1985. Mais Stream s'ouvre d'abord sur une séquence montrant l'enlèvement, la séquestration et le meurtre de la précédente gérante de l'hôtel, Linda Spring. Un personnage incarné par l'actrice Dee Wallace. Habituée aux films d'horreur, les amateurs ont pu notamment la découvrir dans La colline a des yeux de Wes Craven en 1977, Hurlements de Joe Dante en 1981, Cujo de Lewis Teague en 1983 ou encore dans Critters de Stephen Herek (sans oublier son rôle dans le film de science-fiction de Steven Spielberg E.T. L'extraterrestre en 1982), nous ne la verrons que quelques minutes avant qu'elle ne soit assassinée ! Parmi les légendes du cinéma d'horreur et d'épouvante à apparaître à l'image l'on signalera également les présences de Tim Curry, surtout connu chez nous pour avoir interprété le rôle de Grippe-Sou dans l'adaptation télévisuelle du roman It de Stephen King sous le titre Il est revenu en 1990, de Bill Moseley, le Chop-Top de Massacre à la tronçonneuse 2 de Tobe Hooper en 1986 ou encore celle de Tony Todd, légendaire interprète du Candyman dans le film éponyme de Bernard Rose en 1992... En dehors de l'intérêt de redécouvrir quelques-une des icônes du cinéma d'horreur parfois cachées sous une apparence qui ne permet pas de les reconnaître, Stream est surtout recommandable pour ses scènes d'horreur. Des meurtres bien gore, bien crades réalisés à l'aide d'effets-spéciaux de maquillage prosthétique. Si ce n'était sa trop longue durée et son aspect visuel, Stream aurait certainement pu devenir un film culte... Ce qu'il n'est malheureusement pas...

 

Ne nous fâchons pas de Georges Lautner (1966) - ★★★★★★★☆☆☆

 

 

Désormais reconverti dans le commerce de location de bateaux, l'ancien gangster Antoine Beretto (Lino Ventura) reçoit la visite de deux anciens complices (dont l'un est interprété par André Pousse) qui tentent d'échapper à la brigade anti-gang en passant la frontière italienne. Sans argent et ayant besoin de faux papiers, ils demandent à Antoine de les aider à quitter le pays par bateau. Bien qu'il soit rangé des affaires, l'homme finit par accepter de les aider et se rend à Cagnes-sur-mer où vit son ami de longue date Jeff (Michel Constantin) qui décide de lui venir en aide. Première étape de leur périple, retrouver Léonard Michalon (Jean Lefebvre), un escroc qui vit caché et qu'un gangster britannique du nom de McLean (Tommy Duggan) traque depuis qu'il a découvert, photos à l'appui, que ce pleutre individu s'intéresse à son futur projet criminel... Réalisé par Georges Lautner, Ne nous fâchons pas met en scène des interprètes que l'on aura souvent l'habitude de voir l'accompagner dans un certain nombres d’œuvres qu'il signera entre le milieu des années soixante et celui de la décennie suivante. Sans exhaustivité, l'on notera notamment la présence de Lino Ventura et Jean Lefebvre dans Les tontons flingueurs en 1963, le premier dans la fausse suite intitulée Les barbouzes l'année suivante et le second dans Quelques messieurs trop tranquilles en 1973 dans lequel nous retrouverons également André Pousse. Michel Constantin donnera à nouveau la réplique à la sublime Mireille Darc dans La valise en 1973. Quant à Robert Dalban qui incarne ici le tout petit rôle de l'embaumeur, il apparaîtra lui-même dans plusieurs œuvres signées de Georges Lautner, de L’œil du monocle en 1962 jusqu'à Attention, une femme peut en cacher une autre ! en 1983 et dans lequel il incarnera le rôle d'un serveur de restaurant...

Bien que l'intrigue de Ne nous fâchons pas prenne pour cadre le milieu des gangsters du milieu des années soixante, Georges Lautner et ses scénariste Jean Marsan, Marcel Jullian et Michel Audiard choisissent de traîter le sujet sur le ton de la comédie. Ironisant dès le départ et à travers le seul titre du long-métrage sur la situation des personnages puisque l'on constatera très rapidement que le calme que certains d'entre eux tentent de s'imposer ne tient qu'à un fil. D'ailleurs, en ancien gangster sanguin, Lino Ventura administrera son comptant de baffes en direction d'un Jean Lefebvre/Léonard Michalon trouillard et manipulateur. Si dans la forme Georges Lautner impose un ton léger et humoristique, cet aspect du long-métrage est surtout renforcé par les dialogues de Michel Audiard avec lequel il collabora sur de nombreux films au titre desquels on peut citer, toujours et encore, Les tontons flingueurs, mais également Le pacha avec Jean Gabin en 1968, On aura tout vu en 1976, Mort d'un pourri avec Alain Delon en 1977 ou encore Le guignolo en 1980 et le superbe Le professionnel un an plus tard avec Jean-Paul Belmondo. Comédie policière à haute teneur en excentricité, Ne nous fâchons pas vaut bien bien évidemment pour le jeu toujours aussi remarquable de ses interprètes, ici tout en fausse sobriété, désabusés par la somme de situations qu'ils auront à vivre et supporter durant plus d'une heure trente. Un quartet de protagonistes confrontés à un riche homme d'affaire anglais entouré par une ribambelle de complices tous vêtus comme de jeunes étudiants britanniques des années soixante. Pour celles et ceux qui connaissent et apprécient le groupe de métal australo-britannique AC/DC, l'ombre de ce qui deviendra une dizaine d'années plus tard comme l'une des plus grandes icônes du genre en la personne d'Angus Young plâne au dessus de ces dizaines de ''clones'' pourtant créés bien avant lui ! Mais son excentricité, Ne nous fâchons pas la délivre également à travers la bande musicale du pianiste, compositeur et arrangeur musical originaire de Mouvaux dans le Nord, Bernard Gérard. Ayant longtemps collaboré avec le chanteur Pierre Perret, c'est surtout son emploi de premier assistant aux côtés du mythique François de Roubaix qui se ressent ici dans ses différentes compositions. Ne nous fâchons pas est une excellente comédie. Sans doute pas la meilleure de son auteur, mais retrouver Lino, Michel, Jean et bien évidemment la délicieuse Mireille qui interprète ici le rôle de l'ancienne compagne de Léonard Michalon, Eglantine, est un plaisir sans cesse renouvelé...

 

Horror House on Highway 5 de Richard Casey (1985) - ★★★☆☆☆☆☆☆☆

 

 

Bon, heu, alors, hum.... Comment démarrer cette critique sans heurter la sensibilité des rares fans de ce film plus qu'étonnant qui jouit d'un statut d’œuvre véritablement culte dans son pays d'origine ? Une fascination sans doute impossible à expliquer chez nous lorsque de l'autre côté de l'Atlantique l'on supprime une série pour défaut d'audimat quand bien même fut-elle d'une exceptionnelle qualité. Le chiffre, le chiffre, toujours le chiffre, au détriment du puissant intérêt qu'une œuvre peut engendrer chez une partie du public. Bien que Horror House on Highway 5 n'appartienne de toute évidence pas à la catégorie des blockbusters ni des chefs-d’œuvre du cinéma hollywoodien dont les auteurs se revendiquent pourtant ''prétentieusement'' être d'origine, le premier long-métrage du parfait inconnu qu'est chez nous Richard Casey dont la carrière se résume à une poignée de clips musicaux et trois longs-métrages (dont un Horror House on Highway 6 en 2014) est on ne peut plus étrange. Curieux, dans sa manière de s'inviter sans y avoir été convié dans le grand tourbillon du cinéma fantastique et d'épouvante lorsqu'il convoque le personnage du Docteur Mabuse créé par l'écrivain luxembourgeois Norbert Jacques et adapté pour la première fois par le cinéaste allemand Fritz Lang en 1922 avec Doktor Mabuse, der Spieler en ne modifiant son patronyme que d'une seule lettre ajoutée (un R entre le A et le B). Ou lorsque en cette année 1985, il s'amuse des codes du slasher, du survival et du shocker estampillé ''années soixante-dix'' en pillant certaines des idées les plus folles de classiques de l'horreur tels que La colline a des yeux de Wes Craven ou Massacre à la tronçonneuse de Tobe Hooper. Avançant son concept avec le peu de prudence requise mais au contraire avec une prétention et une vigueur qui n'appartiennent qu'à ceux qui ''osent'' malgré de faibles moyens budgétaires...

Sur un ton humoristico-horrifique, Richard Casey met en scène les étudiants Louise Kingsley (Susan Leslie), Sally Smith (Irene Cagen) et le fumeur de haschisch Michael Simpson (Michael Castagnolia) qui sur demande de leur professeur d'histoire acceptent de se rendre dans une région isolée de Californie afin de se renseigner au sujet de Frederick Bartholomew, un ancien scientifique allemand lié au développement des fusées V-2 durant la Seconde Guerre Mondiale. Là-bas, Sally fait la connaissance d'un certain Dr. Marbuse (Phil Therrien) qui pourrait lui apporter de précieuses informations concernant l'homme en question. Pendant ce temps là, ses deux camarades de classe vont se retrouver piégés dans une zone géographique ou sévit un tueur en série dont le visage est caché derrière un masque de l'ancien président des Etats-Unis, Richard Nixon ! L'une des caractéristiques principales de Horror House on Highway 5 qui pour certains possède un certain attrait propre au bordel généralisé qui règne au sein du récit est justement cette absence de réelle continuité scénaristique. Le chaos est presque total et le jeu confondant d'amateurisme de tous les interprètes finissent de donner au long-métrage de Richard Casey une aura que l'on ne rencontre généralement même pas dans les pires séries Z ! S'il est probable que de part son ambiance ''inédite'' et son approche sans commune mesure avec les deux classiques cités plus haut puisse séduire dans un premier temps le public, malheureusement, Horror House on Highway 5 est si mauvais que l'on finit davantage par subir le spectacle plutôt que de le savourer. Et pourtant, ce mélange entre slasher, satanisme, évocation des heures les plus sombres de l'histoire mondiale, occultisme ou présence de parasites cérébraux avait de quoi contenter les fans absolus de cinéma d'horreur. Malheureusement, fauché comme les blés, joué par des acteurs qui n'en sont pas réellement et mis en scène à grands coups de pelles, le film de Richard Casey n'est en réalité perceptible dans son originalité qu'à travers son invraisemblable bande sonore notamment composée par Suzanne McDermott et Kraig Grady. Un collage sonore, parfois bruitiste mais aussi musical, hétéroclite et très probablement enregistré dans le garage d'un lotissement abritant des américains de classe moyenne, la bande musicale donne à l'ensemble une étrange nature d’œuvre brute et psychédélique. Mais pour le reste, mon dieu ce que Horror House on Highway 5 peut être mauvais...

 

Omega Syndrome de Joseph Manduke (1986) - ★★★★☆☆☆☆☆☆

 

 

Allez, on va parler d'un ''anecdotique'' nanar qui a vu le jour en 1986, soit la même année que Le maître de guerre de Clint Eastwood, Highlander de Russel Mulcahy, Top Gun de Tony Scott ou encore Aliens, le retour de James Cameron. Quel rapport entre ces quelques exemples et Omega Syndrome du producteur, scénariste et réalisateur américain Joseph Manduke ? Aucun, bien évidemment. Si ce n'est qu'en terme d'action, les spectateurs auront eu le privilège cette année là de se tourner davantage vers ces quelques ''classiques'' du septième art plutôt que du côté de cette œuvre hypothétiquement insignifiante pour celles et ceux qui ne se rangent pas du côté de ce genre tant apprécié des amateurs de longs-métrages de troisième, voire, de quatrième catégorie. Et pourtant, au vu du casting, si peu grandiose fut-il, nous pouvions être en droit d'attendre un produit d'une qualité nettement supérieure. Ken Wahl, notamment connu pour avoir joué dans Les Seigneurs de Philip Kaufman mais resté surtout célèbre pour avoir incarné le rôle principal de Vincent Terranova dans la série policière Un flic dans la mafia interprète ici celui de Jack Corbett, un ancien soldat du Vietnam dont la fille (incarnée par Nicole Eggert) est enlevée par deux membres d'un groupuscule néo-nazi.. Chacun d'entre eux portant sur l'avant-bras un signe distinctif représentant le signe Omega (d'où le titre, mais cela, vous l'avez déjà compris). Vraiment pas de bol pour cet ancien vétéran dont l'épouse est morte voilà des années, dont la fille vit désormais avec son grand-père et dont il n'a accès qu'un week-end par mois. Autant dire que Corbett est très remonté (information à prendre avec des pincettes vue la mollesse avec laquelle il réagit!) contre cette bande de suprémacistes blancs dont l'une des têtes ''pensantes'' est Yo-Yo. Un type violent, psychotique et interprété par l'acteur Xander Berkeley qui plus tard apparaîtra dans Terminator 2 : Le Jugement dernier de James Cameron ou Candyman de Bernard Rose mais également dans de nombreuses séries télévisées. Afin de l'épauler dans ses recherches, Corbett fait appel à son ancien compagnon d'arme Phil Horton qu'incarne de son côté l'acteur George DiCenzo (Rencontres du troisième type de Steven Spielberg, La Neuvième Configuration de WilliamPeter Blatty, Retour vers le futur de Robert Zemeckis). Notons ensuite la présence à l'image de l'acteur Doug McClure qui en France s'est fait surtout connaître avec les séries Echec et Mat et Le virginien dans le courant des années soixante...

Omega Syndrome débute par le meurtre raciste d'un homme de couleur et de sa compagne alors qu'ils se baladaient tranquillement dans les rues de Los Angeles. Un crime brutal, abjecte, gratuit, qui laisse présager un film extrêmement violent. Et donc, une histoire de vengeance implacable. On pense tout d'abord au Commando de Mark L. Lester qui un an plus tôt mettait en scène Arnold Schwarzenegger et dans lequel celui-ci incarnait l'ancien soldat des commandos d'élite de la Delta Force John Matrix lancé à la poursuite des ravisseurs de sa très charmante jeune fille jouée par la délicieuse Alyssa Milano. Pourtant, rien de comparable entre ce petit classique de l'action et le film de Joseph Manduke. Lequel cumule tant de tares que les lister mériterait presque un ouvrage complet et entièrement dévolu à sa conception ! D'un classicisme à toutes épreuves puisque reprenant le concept de l'ancien soldat qui reprend les armes face à une autorité inefficace, Omega Syndrome est d'une déprimante pesanteur. Non pas que le film soit sombre, désespéré ou quoi que ce soit qui définisse l’œuvre comme un parangon de noirceur mais la mise en scène et l'interprétation sont telles que l'ennui s'installe presque immédiatement. La promesse d'une action trépidante n'étant pas assurée par la direction d'acteurs du réalisateur ni par le jeu des différents interprètes, le film s'enfonce dans un marasme souvent pénible à supporter. Reste alors un espoir. Celui, le seul, auquel ont généralement accès les spectateurs hexagonaux. Et en effet, à ce titre, le doublage est encore ici pour ce genre de long-métrage relativement médiocre, l'un des rares attraits. Il semble en effet qu'en France, l'intérêt pour cette petite production américaine ait été si faible qu'en post-synchronisation le nombre de doubleurs n'ait pas dépassé le mirobolant chiffre de deux ! D'ailleurs, faites vous-même l'expérience. Lancez le film, fermez les yeux et devinez qui parle. Parce qu'entre les deux anciens G.Is, les flics, les néo-nazis, le journaliste et ''tutti quanti'', il est souvent impossible de noter la moindre différence d'intonation. Preuve que pas plus de deux ou trois doubleurs français furent à la manœuvre. Rendant ainsi l'ensemble imbuvable. Fort heureusement, l'on a parfois droit à quelques répliques sorties d'un univers parallèle qui forcent le spectateur à tenir jusqu'au terme du récit. Sinon, rien de neuf à l'horizon...

 

Futur immédiat de Graham Baker (1991) - ★★★★★★★☆☆☆

 

 

Le 23 mars 1988 sortait sur les écrans français l'excellent Hidden de Jack Sholder. Un long-métrage alliant intelligemment science-fiction, action, humour et ajoutant à cela, une authentique touche d'émotion. Résultat : entre autres récompenses, le film se vit octroyer le Grand Prix du Festival international du film fantastique d'Avoriaz la même année. Toujours en 1988 sort sur ces mêmes écrans français, Futur immédiat (ou Alien Nation dans sa langue d'origine) de Graham Baker. Un réalisateur ''quasiment'' inconnu à l'époque puisqu'après avoir débuté sur petit écran, il entamera sa carrière dans les salles obscures avec le troisième volet de la trilogie The Omen connu chez nous sous le titre La malédiction finale (un quatrième opus verra le jour à la télévision sous le titre La Malédiction 4 : L'Éveil en 1991). On peut donc considérer qu'il baigne déjà à l'époque dans un imaginaire fantastique, d'autant plus que six ans plus tard il sera, parmi nombres d'autres cinéastes, au générique de la série Amazing Stories notamment produite entre 1985 et 1987 par Steven Spielberg (un long-métrage éponyme basé sur trois des épisodes de la série verra d'ailleurs le jour au cinéma en 1987). L'année suivant sa participation, le voilà qui revient sur grand écran avec une œuvre de science-fiction qui tout comme celle de Jack Sholder introduit la science-fiction dans un contexte d'enquête policière. Les similitudes sont nombreuses entre les deux longs-métrages même si au fond, l'une et l'autre paraissent parfaitement distinctes. Futur immédiat n'introduit pas la notion d'invasion mais plutôt celle d'une intégration aussi difficile que celle qu'ont notamment connu ou continuent de connaître les immigrés originaires d'Italie, de Chine ou du Mexique. Ici, la majeure partie des aliens visibles à l'écran ne sont pas hostiles et vivent à la mesure de l'espèce humaine. Des créatures si bien intégrées que certaines font elles aussi commerce de leur corps, tiennent de petites échoppes ou comme principalement évoqué ici ont pour objectif de développer une organisation axée sur le trafic d'une drogue propre à la civilisation extraterrestre.

Futur immédiat est donc une allégorie du monde dans lequel nous vivons et dont la seule fantaisie paraît être la présence sur Terre d'une espèce humanoïde dont l'intelligence est comparable à celle des humains. Seule différence, un crâne légèrement sur-développé et pourvu de tâches à la manière de certains fauves. Ici, les antagonistes ne sont pas d'origine humaine mais d'origine extraterrestre. Et bien que certains de leurs représentants semblent parfaitement intégrés à notre société comme William Harcourt (l'acteur Terence Stamp), d'autres ont choisi la voie du crime. Après qu'une fusillade ait causé la mort de son coéquipier, le sergent Matthew Sykes se porte volontaire afin d'enquêter sur une autre affaire aux côtés de Sam Francisco (Mandy Patinkin), premier extraterrestre à avoir obtenu une promotion au sein de la police de Los Angeles. L'objectif du long-métrage semble être de reproduire le concept du Buddy Movie, genre dans lequel deux individus aux caractères généralement opposés font équipe, tout en intégrant une légère touche de science-fiction dans un contexte pourtant relativement commun. Bien que d'une certaine manière le long-métrage se rapproche de celui de Jack Sholder, l’œuvre de Graham Baker n'atteint malgré tout pas le niveau du film qui fut célébré comme écrit plus haut à travers le prix qu'il reçu à l'époque lors du plus célèbre festival du film fantastiques des années quatre-vingt. Ce qui n'empêchera pas Futur immédiat d'obtenir lcelui du meilleur film de science-fiction aux Saturn Awards de Los Angeles deux ans après sa sortie sur le territoire américain. Concernant les effets-spéciaux, l'équipe en charge de créer les maquillages des extraterrestres fut l'entreprise Stan Winston Studios du nom de l'un des plus fameux créateurs de maquillages fantastiques et d'animatronique à l'époque. Sans être bluffants puisqu'assez minimalistes, ceux-ci donnent cependant une image assez précise de ce à quoi pourraient ressembler des créatures intelligentes venues d'ailleurs de type humanoïde. Concernant le récit lui-même, le scénario de Rockne S. O'Bannon repose sur une structure narrative des plus commune. Reste que le film demeure intéressant grâce à la présence à l'écran d'un James Caan xénophobe, du moins envers la population extraterrestre, mais comme la coutume le veut dans ce genre de long-métrage, sa relation d'abord tendue avec Sam Francisco donnera lieu à un rapprochement bienheureux. Plusieurs suites verront le jour entre 1989 et 1997. Classique mais sympathique...

 

The Challenge (A armes égales) de John Frankenheimer (1982) - ★★★★★★☆☆☆☆

 

 

Qui n'a pas connu au tout début des années quatre-vingt l'excellente série américano-japonaise de James Clavell Shogun n'était probablement pas né ou n'avait pas la télévision à tube cathodique ! Pour les autres, l'été 1983 fut l'occasion de découvrir chez nous l'un des plus célèbres acteurs du Pays du Soleil Levant en la personne de Toshirō Mifune. Tournant avec les plus grands, d'Akira Kurosawa jusqu'à Ishirō Honda, avant de collaborer outre-atlantique et en dehors de son pays avec John Boorman, Terence Young, Jerry London, Steven Spielberg ou comme ici John Frankenheimer, l'acteur japonais fut donc l'une des deux grandes stars de la série diffusée à partir du 9 juillet 1983 sur TF1. À ses côtés, l'acteur américain Richard Chamberlain qui nous a quitté en mars dernier. La rencontre entre un occidental et la culture japonaise du dix-septième siècle... Mais pourquoi évoquer précisément cette série plutôt qu'une autre ? Pour une raison simple. Ce qui connaissent bien Shogun seront étonnés de constater que les scénaristes de The Challenge (A armes égales) Richard Maxwell, John Sayles et Marc Norman semblent s'être fortement inspirés de la création de James Clavell pour concevoir leur récit. Cinéaste prolifique au cinéma et à la télévision, John Frankenheimer signait en cette année 1982 une œuvre mineure dans sa carrière et pourtant si proche du récit que les téléspectateurs n'auront pu savourer chez nous qu'avec trois ans de retard (la série Shogun datant en réalité de 1980). La coïncidence devenant alors improbable lorsque l'on constate la participation de Toshirō Mifune au projet. Nulle trace par contre de Richard Chamberlain puisqu'à sa place l'on retrouve l'acteur Scott Glenn dans le rôle de Rick Murphy. Un américain payé grassement pour faire passer un sabre d'une très grande valeur des États-Unis au Japon. L'époque elle aussi a changé puisque l'intrigue ne se déroule plus en 1600 mais à notre époque. Après un court passage dans le Japon de 1945 où lors d'une cérémonie de remise de katanas l'on assiste à la mort involontaire d'un jeune garçon, le récit se poursuit aux États-Unis, dans une salle de boxe où l'on retrouve donc Rick en plein entraînement. Débarquent alors une femme et un homme en fauteuil roulant tous deux venus du Japon pour parler à l'adversaire de Rick mais au final, ce couple d'étrangers va choisir de s'en remettre à Rick auquel ils proposent la somme de cinq-cent dollars journaliers pour transporter à bord d'un avion à destination de leur pays, le précieux sabre qu'ils lui confieront...

Histoire de vengeance, de traditions ancestrales, de spiritualité, de coutumes typiquement japonaises et d'apprentissage, The Challenge avait tout pour plaire aux fans de Shogun. Mais là où James Clavell parvenait à allier le charisme de son acteur américain à celui de son principal interprète japonais dans un Japon historique fascinant, la vision de John Frankenheimer reste on ne peut plus étriquée. Là est toute la différence entre une mini-série constituée de dix épisodes et qui a tout loisir d'étendre son sujet, quand le long-métrage de l'américain n'a lui qu'un peu moins de deux heures pour faire avaler au spectateur la pilule de l'occidental débarqué de son Los Angeles natal pour un transfert de katana et qui au contact du très respectable chef de clan Toru Yoshida (qui donc est incarné par Toshirō Mifune) va apprendre à se battre au sabre et au bâton comme aux temps anciens des samouraïs. Évidemment, l'on a droit au charme très discret de l'actrice Donna Kei Benz américano-japonaise Donna Kei Benz, laquelle incarne la fille de Toru, Akiko. Atsuo Nakamura interprète quant à lui l'oncle de la jeune femme et donc le frère de Toru. Le véritable nœud du problème qui oppose les deux hommes est ce fameux sabre dont l'un et l'autre affirment être l'unique propriétaire. S'opposent alors deux types de comportement. Si Toru emploie des méthodes de combat ancestrales, Hideo préfère les armes à feu. La relation entre Rick et Toru est relativement touchante. Mais si l'acteur japonais qui incarne ce dernier n'a semble-t-il jamais été aussi charismatique que dans cette posture de chef de clan, Sctt Glenn débarque à l'image le crâne surmonté d'une affreuse coupe au bol qui le fait davantage ressembler à Kwai Chang Caine interprété par David Carradine dans la série Kung-fu qu'au personnage de John Blackthorne qu'incarnait Richard Chamberlain dans Shogun. Évidemment beaucoup moins fin que cette dernière, The Challenge est un curieux mélange entre la philosophie véhiculée par la série et le cinéma d'action dans son expression la plus élémentaire. Notons enfin que la bande originale est signée de Jerry Goldsmith...

 

Sweet Savior de Robert L. Roberts (1971) - ★★★☆☆☆☆☆☆☆

 

 

Ce genre de cas, en général, se règle en trois coups de cuillère à pot ! En clair, c'est de la merde ! Mais à la vérité, rien n'est jamais aussi simple et réduire à cette seule expression le contenu de cette curieuse petite production nous provenant du fin fond de l'Amérique des années soixante-dix et née sur les cendres d'une culture hippie à l'origine de certains débordements bien qu'étant née sur un principe de non-violence serait sans doute réducteur. Par comparaison, Sweet Savior (ou The Love-Thrill Murders) de Robert L. Roberts s'aligne à peu près sur le même concept que le ''mythique'' et le beauoup trop surévalué Last House on Dead End Street de Roger Wakins qui fit tant parler de lui et resta tant de temps un mystère pour nous, pauvre cinéphiles en manque de sensations fortes, que la projection tant attendue de l'objet en question pu avoir de fortes et négatives répercussions, mêlées d'un fort ressentiment. N'étant connu quant à lui que par un cercle que l'on devinait jusque là plutôt restreint, Sweet Savior est donc fait du même bois. L'on est en effet plus proche du sapin ou de l'épicéa que du bois d'agar. En cause, pour commencer, un budget que l'on devine minuscule et qui transpire à chaque plan. Une sueur exsudée à travers une interprétation et une mise en scène si pauvre que le film de Robert L. Roberts rejoint la pléthore de nudies qui dans les années précédant sa production firent florès sur le marché underground américain. Des micro-budgets sans inspiration, privilégiant les plans longs, lents, chiants, de femmes apparemment dénuées de toute vertu et dirigées nues par des cinéastes libidineux affamés de billets verts ! Le cas de Sweet Savior étant donc un peu plus particulier, le film suit le gourou Moon (l'acteur Troy Donahue), supposément charismatique (ce sera ici aux spectateurs d'évaluer l'aura du personnage), à la tête d'une petite communauté d'hommes et de femmes prêts à tout entreprendre pour un seul regard de leur mentor. Sexe, drogue et contre-culture américaine sont au cœur d'un récit dénué de presque toute ligne directrice en matière d'écriture et de mise en scène. Car l'un des principaux soucis est ici que Robert L. Roberts (dont il s'agit du second des quatre longs-métrages qu'il réalisa entre 1968 et 1976) lâche sa poignée d'actrices et d'acteurs non professionnels lors de situations répétitives où la fesse légère et la consommation de LSD sont les rares ''atouts'' de son œuvre...

Une communauté qui rejette la bourgeoisie, vis en vase clos, pourrait reposer sur des valeurs saines mais qui s'avère en réalité le miroir d'une société qui fut notamment le théâtre le 9 août 1969 d'un massacre bien connu des criminologues en herbe et des spécialistes de la question puisque certains adeptes de la secte de Charles Manson du nom de Charles Watson, Patricia Krenwinkel, et Susan Atkins pénétrèrent la demeure du cinéaste Roman Polanski pur y assassiner son épouse Sharon Tate ainsi que plusieurs de leurs amis... Sweet Savior se veut donc être semble-t-il l'adaptation de ce sordide fait-divers qui marqua l'Amérique de la fin des années soixante. Mais alors que le projet peut s'avérer un tant soit peu intéressant pour quiconque s'intéresse au sujet, se farcir les quatre-vingt douze minutes que dure le long-métrage devient rapidement pénible, pour ne pas dire carrément un calvaire. Bien moins violent que ne le laissait présager le sujet et monstrueusement redondant en matière de sexe, avec des séquences à rallonge qui peuvent même démoraliser parmi les plus libidineux d'entre nous, le film de Robert L. Roberts est d'un intérêt plus que discutable. Son sujet, ce ''script'' qu'il a conjointement écrit aux côtés de Willie Gilbert est d'une abyssale platitude. Les personnages ont tous plus ou moins l'air de se faire chier et leurs interprètes respectifs de se demander ce qu'ils font là, à faire semblant de planer dans des hautes sphères, sans but et sous les ordres d'un gourou finalement très quelconque, à soliloquer pour ne rien dire (ce qui, il est vrai, reste tout de même un comble) et à baiser sous une musique psychédélique assourdissante. Mais la cerise sur la gâteau n'est une fois de plus servie qu'au bénéfice des spectateurs français grâce ou à cause d'un doublage absolument catastrophique. Le plus ''drôle'' demeurant sans doute l'un de ces échanges pris au hasard, lorsque deux protagonistes féminines se parlent au téléphone. Il ne faudra pas plus d'une poignée de secondes pour se rendre compte que les deux personnages sont doublés chez nous par la même personne ! Bref, Sweet Savior est un très mauvais film, mou, ennuyeux, jamais spectaculaire et certainement pas ''bandant'' pour ceux qui voudraient devant ses scènes de nus, en retirer un quelconque plaisir solitaire...

 

Ils ne verront jamais le jour : A Topiary de Shane Carruth

 

 

Auteur des très complexes œuvres de hard science-fiction Primer en 2004 et Upstream Color en 2013, le réalisateur, scénariste, monteur, producteur et acteur américain Shane Carruth avait prévu de tourner entre ces deux longs-métrages un projet particulièrement ambitieux. Intitulé A Topiary et initialement produit par Steven Soderberg et David Fincher, le film fut finalement rangé dans les cartons faute de financement suffisant. Les deux cinéastes/producteurs ne parvenant pas à réunir la somme de quatorze millions de dollars prévue pour donner forme à ce que Shane Carruth considère désormais comme ce qui a ''gâché toute son existence''. Il est aussi probable que le projet ait donné des sueurs aux financiers, témoins d'une ambition et d'une étrangeté du point de vue de l'intrigue qui aurait sans doute refroidi une grande partie du public. Il faut dire qu'avec Primer, le réalisateur avait démontré son absence de compromis, visant ainsi un auditoire féru de science-fiction adulte tellement rigoriste en matière de complexité qu'il abandonnait sur le bord de la route une partie même des amateurs de S-F ! Une œuvre telle alambiquée qu'elle pouvait faire ressentir un profond ennui mêlé d'un certain rejet face à tant d'arrogance... Une voie dans laquelle Shane Carruth persévéra neuf ans plus tard et à laquelle n'échappa pourtant pas vraiment A Topiary qui cependant ne vit et ne verra probablement jamais le jour...

Selon certaines sources, le long-métrage aurait duré environ deux-heures et trente minutes. Ce qui n'est désormais ni un exploit ni une épreuve insurmontable si l'on jette un œil à cette longue liste de grosses productions qui de nos jours s'alignent aisément sur cette durée. Le problème semble en outre provenir d'un autre aspect du projet. Car si le concept de A Topiary semblait ambitieux, sa forme, elle, pose des questions quant à l'approche d'un cinéaste axant davantage son intrigue autour des événements que sur la caractérisation des personnages. Tout ceci en nous balançant bien évidemment un flot ininterrompu d'informations alambiquées, à l'image de ses deux autres films ! Le problème avec Shane Carruth, qui peut être également vu de manière beaucoup plus optimiste comme une forme d'imaginaire hautement débridée, est justement cette inextinguible source d'inspiration, cette audace scénaristique et cette soif de mettre en images tant d'idées plus ou moins ''saugrenues'' et incompréhensibles par le commun des mortels qui firent sans doute hésiter les producteurs à mettre autant de billes dans un tel projet..

A l'origine, le concept de A Topiary dont on ignore quels devaient être les interprètes devait tourner autour du personnage d'Acre Stowe. Un géomètre de trente ans totalement obsédé par des figures géométriques en forme d'étoiles visibles à divers endroits de notre planète. Une fascination partagée par d'autres individus qu'il aurait été amené à rencontrer. Transporté en leur compagnie jusqu'aux confins du monde, l'odyssée du héros l'aurait mené à observer un engin dont l'importance aurait été révélée durant la conclusion de la première partie du script. Auraient alors dû intervenir ensuite des adolescents passionnés de technologies avancées, comme les révéla notamment le cinéma de science-fiction des années quatre-vingt. Des gamins manipulant l'objet en question, révélant ainsi ses étonnantes propriétés et son rapport direct avec une civilisation dite extraterrestre. Sur la base de ces quelques données scénaristiques, l'on aurait pu être en droit d'espérer que Shane Carruth se soit calmé en terme de complexité tout en demeurant toujours ambitieux. Un sujet fascinant dont on regrette qu'au final il n'ait pas été concrétisé. Cinéaste rare puisque en plus de vingt ans de carrière il n'aura finalement signé que deux longs-métrages et un épisode de la série télévisée Breakthrough en 2017, on peut toujours espérer que Shane Carruth reprenne un jour la route des studios de cinéma pour se placer derrière la caméra après près de dix années de silence . Et si rien ne vient confirmer qu'il retournera un jour à la réalisation, peut-être son hypothétique retour sera-t-il marqué par la volonté de reprendre les rênes de ce projet abandonné depuis plus de dix ans...

 

Ils ne verront jamais le jour : Bioshock de Gore Verbinski

 

 

Chaque amateur ou presque de jeux vidéos à la première personne a sans doute bien connu la série de trois jeux Bioshock développée par le studio 2K Boston/2K Australia dans lequel le joueur prenait place dans un univers situé dans les années 1960. À bord d'un avion, le personnage qu'il incarnait s'écrasait en pleine mer avant de rejoindre une cité sous-marine du nom de Rapture conçue par le milliardaire excentrique et mégalomane Andrew Ryan à l'issue de la Seconde Guerre Mondiale. Le joueur évoluait dans un monde englouti rétro-futuriste et devait notamment survivre aux attaques incessantes de créatures bio-mécaniques du nom de Protecteurs chargées de protéger les Petites Sœurs, des fillettes génétiquement modifiées, mais aussi de celles de nombreux Chrosômes, des habitants de Rapture eux-mêmes génétiquement modifiés... Comme bon nombre de jeux vidéos avant lui, Bioshock a fait l'objet d'un projet cinématographique qui n'a cependant jamais vu le jour. À l'origine, le film ne devait pas simplement s'inspirer de la version vidéoludique du scénario mais devait scrupuleusement suivre la trame du premier des trois volets sorti sur différentes plateformes en 2007. Confiée par le studio de production et de distribution cinématographique Universal Pictures au réalisateur, scénariste et producteur américain Gore Verbinski, auteur en 2002 du remake américain de The Ring, de trois volets de la franchise Pirates des caraïbes ou encore de A Cure for Life en 2017, la mise en chantier de Bioshock rencontra très rapidement des difficultés d'ordre financier. Trop coûteux selon certains et risquant en outre d'obtenir une classification ''Interdit aux moins de 17 ans'' pour raison de violence aux Etats-Unis ! Les studios Universal ne voulant pas prendre de risques, Gore Verbinski quitte alors le projet avant que le réalisateur espagnol Juan Carlos Fresnadillo ne soit envisagé pour le remplacer... Il est d'autant plus malheureux que le projet soit abandonné que Gore Verbinski avait eu l'intention de fidèlement retranscrire l'univers du jeu en se refusant de mettre simplement en scène un blockbuster d'action bourrin. Selon la vision du cinéaste américain, l'adaptation devait respecter chacune des étapes du jeu vidéo...

À commencer par le crash en mer de Jack, le héros, qui ensuite se retranchait vers Rapture. Gore Verbinski envisageait alors de construire un monde immense, crédible, à l'architecture ''Art Déco'', avec ses appartements, ses commerces, ses stations de bathysphères, ses tunnels sous-marins et bien évidemment, ses nombreuses vitres donnant directement sur l'océan. Après l'émerveillement, le spectateur aurait alors dû remarquer que quelques chose n'allait pas dans ce monde visuellement extraordinaire. Le réalisateur avait ensuite l'intention de créer le malaise chez le spectateur. Mettant ainsi en scène la ''faune'' propre à Rapture, en restant donc fidèle au principe de la version vidéoludique. Gore Verbinski nous apprenait ensuite que l'une des phases les plus ambitieuses et fascinantes de son projet se référait au projet mégalomaniaque d'Andrew Ryan. Un monde utopique qui progressivement virait au cauchemar. Expliquant les raisons de l'effondrement de ce monde extraordinaire... S'agissant du casting, Gore Verbinski envisagea l'acteur Eddie Redmayne dans le rôle de Jack. Chose amusante, Jamie Dornan fut lui-même auditionné alors qu'il vivait en colocation avec Eddie Redmayne. Si Bioshock n'a jamais vu le jour, il existe cependant des ''Concept-Arts'' qui donnent une idée plus ou moins précise du projet qu'avait en tête Gore Verbinski. Des visuels de l'univers de Rapture comme des dessins des différents antagonistes du récit. Le film aurait probablement coûté entre cent-soixante et deux-cent millions de dollars. Une sommé astronomique qui refroidit donc la Universal qui n'était pas prête à prendre le risque de financer une œuvre qui risquait la classification ''Rated R'' correspondant à une interdiction aux moins de 17 ans, ce qui aurait drastiquement réduit le nombre de spectateurs en salle au sujet de l'adaptation d'un jeu vidéo dont on peut supposer que le plus grand nombre de joueurs ne dépassait sans doute pas cet âge là ! S'agissant de l'éventualité de mettre au poste de réalisateur Juan Carlos Fresnadillo, le créateur du jeu Ken Levine mis le holà après n'avoir pas été convaincu par la nouvelle direction prise par le cinéaste espagnol... Le projet fut donc finalement abandonné...