Resident Evil: Vendetta de Takanori Tsujimoto (2017) - ★★★★★★☆☆☆☆

 

 

Cinq ans après le très réussi Resident Evil: Damnation de Makoto Kamiya sur lequel je reviendrai très prochainement, le réalisateur, scénariste, spécialiste des effets visuels et acteur japonais Takanori Tsujimoto mettait en scène le huitième long-métrage de la franchise vidéoludique Resident Evil et le quatrième (si l'on compte l'affreux Biohazard 4D-Executer Kōichi Ōhata de Kōichi Ōhata) à avoir été exclusivement réalisé sous forme de film d'animation. Si en 2012 le volet de Makoto Kamiya fut notamment appréciable grâce à des décors frisant parfois le photo-réalisme, Resident Evil: Vendetta de Takanori Tsujimoto semble faire un léger bond en arrière. Rien à voir fort heureusement avec le très laid Biohazard 4D-Executer qui en 2000 ressemblait davantage à une cinématique produite à l'aide du coprocesseur de décompression MDEC (pour Macroblock Decoder). Pourtant, concernant de Resident Evil: Vendetta, il devient évident que se sortir de la tête qu'il ne s'agit que d'un film d'animation devient rapidement un problème. Le récit s'inscrit chronologiquement entre le sixième opus de la franchise et le dernier en date en terme d'animation, intitulé Resident Evil: Death Island et réalisé par Eiichirō Hasumi en 2023. Dans cette itération datant donc de 2017, le cinéaste, les créateurs de l'histoire originale Tokuro Fujiwara et Shinji Mikami ainsi que le Makoto Fukami et le dialoguiste Joe McClean concoivent une œuvre tournant autour de deux des principaux protagonistes de la franchise, l'agent gouvernemental du DSO (Division of Security Operations) Leon S. Kennedy et le capitaine travaillant au sein du BSAA et ancien forces spéciales de Raccoon City (S.T.A.R.S.) (Bioterrorism Security Assessment Alliance) Chris Redfield, ex employé du département de la police de Raccoon (R.P.D) de la division des forces spéciales (S.P.F). Autre personnage récurrent, Rebecca Chambers. Elle que l'on retrouvera six ans plus tard dans Resident Evil: Death Island est une ancienne membre des S.T.A.R.S désormais professeur d'université et chercheuse à l'Institut Alexander. C'est elle qui dans le contexte de ce quatrième film d'animation de la franchise découvre le vaccin qui permettra de contrer le Virus-A (Animality Virus)...

Un virus combinant deux technologies biologiques existantes connues sous le nom de Virus-T et Las Plagas. Son créateur : Glenn Arias, un ancien agent de la CIA. L'antagoniste du récit qui n'a jamais pardonné au Gouvernement d'avoir causé la mort de son épouse lors d'un attentat et qui désormais, ivre de vengeance, a donc développé ce virus afin de le propager dans toute la ville de New York. Comme dans tout bon ou mauvais Resident Evil, qu'il s'agisse des différentes plateformes vidéoludiques ou des diverses adaptations au cinéma ou à la télévision, Resident Evil: Vendetta compte un certain nombre de créatures. Parmi elles, les éternels zombies, infectés par le Virus-A, mélangé à l'eau potable ou transmis à l'aide d'un gaz. Apparaissent également les fameux Cerberus, des dobermans visibles dès le premier jeu vidéo sorti sur console Playstation en 1996. Puis survient Diego Gomez, le garde du corps de Glenn Arias, un colosse gigantesque à la force surhumaine. Sans parler de Glenn Arias lui-même qui apparaitra lors du dernier acte dans une fusion monstrueuse de type ''Tyran'' avec Diego. Ce que l'on pourrait d'abord reprocher à Resident Evil: Vendetta c'est son scénario on ne peut plus basique.Une histoire de vengeance, un virus se propageant et trois protagonistes essayant de contrecarrer les plans de l'ancien agent de la CIA devenu fou à la mort de sa femme. En découle un récit linéaire, bourrin, empli de fusillades, de courses-poursuites mais aussi d'excellents combats au corps à corps superbement chorégraphiés et dont le style se rapproche très fortement des affrontements du héros de la saga filmique John Wick dont le premier volet vit le jour trois ans plus tôt ! Plus faible que le précédent volet, le long-métrage de Takanori Tsujimoto est sauvé in-extremis par une dernière partie qui dénote outrageusement avec ce qui vient de précéder. De la ville de New York vue de dessus à laquelle les concepteurs d'images de synthèse offrent enfin un caractère photo-réaliste, jusqu'au laboratoire où se termine l'action, Resident Evil: Vendetta échappe de peu au naufrage. Bref, un volet en demi-teinte...

Predator: Killer of Killers de Dan Trachtenberg (2025) - ★★★★★★★★☆☆

 

 

Depuis ses débuts en 1987 avec l'excellent Predator signé John McTiernan et notamment interprété par Arnold Schwarzenegger, la franchise s'est étoffée de nombreuses suites et crossovers parmi lesquels certains ne font pas officiellement partie de l'univers. L'on évoquera donc d'une part, l’œuvre originale, suivie de Predator 2 de stephen Hopkins en 1990, Predators de Nimrod Antal en 2010 et du pitoyable The Predator de Shane Black en 2018. L'on inclura d'autre part les deux crossovers Alien vs. Predator et Aliens vs. Predator : Requiem respectivement réalisés par Paul W.S.Anderson et les frères Greg et Collin Strause en 2004 et 2007. S'agissant des faux segments, l'on évoquera notamment le Predator : Dark Age de James Busheet ou le Mashup Rambo VS Predator : First Green Blood du regretté Antonio Maria Da Silva. L'on ajoutera enfin la toute nouvelle génération de longs-métrages initiée voilà trois ans avec Prey de Dan Trachenberg. Premier volet d'une suite de films situant leur action dans l'univers du célèbre chasseur extraterrestre reptilien mais à des époques cette fois-ci radicalement différentes. Dans Prey, le réalisateur évoquait théoriquement la première apparition du Predator sur notre planète, lequel affrontait alors la jeune Naru, membre d'une tribu d'indiens Comanches. L'intrigue situait son action en 1719, mais en 2025, et alors que s'apprête à sortir en novembre prochain le nouveau film en live action de la franchise, Predator : Badlands, Dan Trachenberg démontre avec le film d'animation Predator: Killer of Killers que la venue de ces créatures remonte en fait à beaucoup plus loin. En effet, découpé en quatre chapitre tous situés à des époques différentes, le nouveau longs-métrage de la saga débute en Scandinavie et en 841 de notre ère. Période durant laquelle, la viking Ursa mène une croisade afin de tuer le chef Zoran de la tribu Krivich qui fut responsable de la mort de son père des décennies en arrière. Accompagnée de son fils, ils accèdent à la forteresse où l'ennemi juré d'Ursa et tué par sa progéniture prénommée Anders. S'ensuit un combat entre la viking et un Predator... L'aventure se poursuit près de huit-cent ans plus tard, au temps du Japon Féodal. Bien des années après que les deux jeunes fils d'un seigneur de guerre samouraï se soient affrontés lors d'un duel, Kenji qui fut blessé lors du combat avec son frère et pris ensuite la fuite retrouve Kiyoshi pour se venger. Là encore, après un nouveau duel, les deux frères devenus depuis des hommes vont devoir à leur tour affronter un Predator... Nouveau voyage dans le temps puisque le troisième acte de Predator: Killer of Killers se situe désormais en 1941 en plein océan Atlantique. Alors que la guerre fait rage contre l'Allemagne Nazie, le jeune pilote de l'US Navy Torres ainsi que plusieurs compagnons sont pris en chasse par un étrange vaisseau conduit là encore par un Predator.

Lors du combat, la totalité ou presque de l'escadron est détruit par ce dernier. Une fois ces trois chapitres arrivés à leur terme, le dernier acte réuni les trois valeureux héros qui tous ont survécu aux duels qui les opposèrent aux créatures extraterrestres. Maintenant en état de biostase, ils vont cette fois-ci devoir se battre contre leur ennemi commun, dans une arène située non plus sur notre planète mais sur celle des Predators... Passer du Live Action au film d'animation est toujours une aventure périlleuse. Après avoir signé en 2022 un Prey qui avait su renouer la franchise Predator avec les fans de la première heure, Dan Trachenberg parvient non seulement à signer une oeuvre différente tout en demeurant parmi les meilleures d'entre toutes. Le scénario de Micho Robert Rutare semble très proche de celui qu'écrivirent Alex Litvak et Michael Finch pour le compte de Predators de Nimrod Antal. Réunissant ainsi des protagonistes de bords différents, il accentue en outre la différence entre chacun d'entre eux en exploitant des personnages qui viennent d'époques et de lieux radicalement différents. Si l'animation semble parfois manquer étrangement de fluidité, on ne peut en revanche critiquer l'aspect visuel de l'ensemble. Alors que les chapitres respectivement intitulés The Shield, The Sword et The Bullet se déroulent lors de saisons différentes (l'hiver pour le premier, l'automne pour le second et l'été pour le dernier), il arrive parfois que l'on soit admiratif devant le spectacle qui nous est proposé. Et notamment lors de l'affrontement entre les deux frères Kenji et Kiyoshi. Entre le mode d'infiltration du premier, devenu depuis un Shinobi (terme signifiant se cacher, se dérober) de part ses talents en matière de furtivité, l'affrontement entre les deux frères puis celui qui les oppose au Predator, le cadre est absolument somptueux. À travers des décors d'une confondante poésie, la patine automnale de l'ensemble dénote presque vis à vis de l'esthétique générale du long-métrage. Predator: Killer of Killers est aussi l'occasion de découvrir divers types de créatures dont plusieurs ''modèles'' de Predators dont on pourra tout de même émettre quelques doutes concernant le premier d'entre eux (sorte d'énorme masse bodybuildée dont la tête est bien trop petite au regard du reste du corps!). Les effets-spéciaux numériques sont donc parfois d'une qualité exceptionnelle et se rapprochent notamment du style visuel de la trilogie de jeux vidéos Assassin's Creed Chronicles que les amateurs de la saga vidéoludique connaissent forcément. Bref, si l'on demeure circonspect s'agissant du futur Predator : Badlands s'agissant de la gueule du nouveau Predator qui nous a été récemment présentée, au vu de ce qu'a produit pour l'instant Dan Trachenberg concernant sa participation à l'univers Predator, les fans peuvent d'ors et déjà se sentir en confiance...!

 

Night of The Living Dead ReAnimated de Mike Schneider (2009) - ★★★★☆☆☆☆☆☆

 

 

Une petite piqûre de rappel s'impose sans doute pour celles et ceux qui ne connaîtraient sans doute pas encore La nuit des morts-vivants de George Romero. Car à moins de n'être pas familier du cinéma en général et de son versant horrifique en particulier, le tout premier long-métrage du réalisateur américain originaire de Pittsburgh fait partie de ces classiques qui n'exigent pas que l'on soit un spécialiste de l'épouvante et de la thématique des zombies, morts-vivants et autres infectés pour en avoir déjà entendu parler. Entouré de bon nombre d'anecdotes, celles-ci n'en sont pas moins tout à fait réelles. Comme l'erreur grossière qui fut faite au moment même où George Romero, lequel désirait apporter des modifications au générique du film, supprima une mention cruciale qui aurait dû lui permettre de conserver les droits d'auteur de son premier long-métrage. Une mention qui n'est heureusement plus obligatoire depuis 1976. Mais La nuit des morts-vivants, c'est aussi et surtout une date puisqu'en 1968 débarqua sur les écrans, le premiers film de zombies...anthropophages ! Le fait est que La nuit des morts-vivants est également le premier volet d'une franchise culte dont George Romero a toujours conservé la maîtrise. De La nuit... jusqu'à Survival of the Dead, son dernier film qu'il réalisa en 2009. Concernant la petite piqûre de rappel promise, les néophytes seront peut-être heureux d'apprendre que l'action de La nuit des morts-vivants se déroule essentiellement dans une maison de campagne apparemment abandonnée mais investie par une poignée de survivants à l'apocalypse zombie. Les hostilités s'ouvrent sur la mort de Johnny, un jeune homme qui en compagnie de sa sœur Barbara venaient se recueillir sur la tombe de leur père avant qu'un étrange individu ne s'en prenne à la jeune femme. S'ensuivit alors une bagarre entre Johnny et l'être décharné à l'issue de laquelle, le frère de Barbara passa de vie à trépas. La jeune femme pris la fuite à bord de sa voiture avant de rejoindre la dite maison abandonnée. Rapidement rejointe par Ben, un afro-américain avec lequel elle allait tenter de siéger en sécurité entre les quatre murs de la bâtisse. Mais dehors, les morts miraculeusement revenus à la vie allaient bientôt s'approcher et s'agglutiner autour de la demeure...

George Romero ayant perdu les droits de son œuvre, quiconque désirait l'exploiter pouvait le faire à sa guise. Le film est d'ailleurs tombé dans le domaine public et n'importe qui peut le visionner, le télécharger, ou l'utiliser comme bon lui semble sans encourir le moindre procès. Entre remake de qualité (l’œuvre éponyme de Tom Savini réalisée en 1990), fausses suites et projets douteux (parmi lesquels on retrouve notamment l'édition Night of the Living Dead: 30th Anniversary Edition réalisée par John A. Russo en 1999) vinrent s'insinuer deux concepts forts similaires distribués sous les titres Night of the animated Dead et Night of The Living Dead ReAnimated. Deux approches qui reprennent le récit original de George A. Romero et John A. Russo dans sa globalité tout en ''révolutionnant'' (les guillemets ont leur importance) le concept puisque le premier est un dessin animé reprenant plan par plan le film de 1968 tandis que le second est un improbable patchwork mêlant des centaines, voire des milliers de planches de dessins, de séquences produites à l'aide de moteurs de jeux vidéos ou de véritables peintures illustrant l’œuvre de George Romero. Si Night of the animated Dead de Jason Axinn n'apportait rien de neuf au sujet tout en étant plus ou moins divertissant à suivre, Night of The Living Dead ReAnimated est un projet collectif bordélique où près de cent-cinquante artistes se sont réunis afin de rendre hommage au film culte du cinéaste américain. Le genre de projet intéressant, voire fascinant, bien qu'en partie inquiétant. Qu'allaient donc nous proposer ces graphistes, ces marionnettistes, ces concepteurs d'images 3D et autres dessinateurs ? Le résultat ne se fait pas attendre bien longtemps puisqu'à l'écran, le projet pique souvent les yeux. On a parfois l'impression que certains se sont contentés d'user de ces algorithmes qui permettent en un clin d’œil de transformer une image en dessin (genre, Photofiltre). C'est bien dommage car à côté d'eux, certains se sont donnés du mal en réalisant de superbes planches, malheureusement en trop petit nombre pour que Night of The Living Dead ReAnimated éveille la passion du cinéphile ! À dire vrai, il n'y a guère que le montage du film qui pourra ''fasciner'' son public. On imagine l'entreprise titanesque qui fut sans doute celle de monter toutes ces planches, ces animations image par image, ces bouts de jeux vidéos, ces peintures, etc... Mais au bout de dix minutes, on a vite fait le tour du concept et ce projet initié par Mike Schneider ne donne envie que d'une une seule chose : redécouvrir le film de George Romero...

 

Seoul Station de Yeon Sang-ho (2016)

En 2016, le cinéaste sud-coréen Yeon Sang-ho signe une préquelle à son premier long-métrage tourné en « live », Dernier Train pour Busan. Diplômé en peinture occidentale de la Sangmyung University, il fonde son propre studio d'animation, le studio Dadashow et réalise ensuite deux longs-métrages d'animation. C'est donc après avoir réalisé son premier film en prises de vue réelles et avec de véritables interprètes qu'il revient la même année avec Seoul Station, œuvre narrant les prémices d'une invasion de zombies.

Au cœur de l'intrigue, les destins croisés de Hye-Sun, jeune fille perdue après avoir fugué, ensuite recueillie par un certain Gi-Woong, un individu qui fera d'elle sa fiancée mais qui, pour pouvoir payer son loyer lui demandera à l'occasion de se prostituer. A la recherche de Hye-Sun, son père croisera la route de Gi-Woong qui devant le refus de sa fiancée de se prostituer une fois de plus, l'aura chassée de chez lui.

Seoul Station n'est pas qu'un simple film de zombies mais permet avant toute chose à Yeon Sang-ho d'installer son œuvre au cœur d'une critique sociale et politique engagée. Séoul sert de cadre aux laissés pour compte. En gangrenant une cité qui évite avant tout de mettre au grand jour ses désœuvrés, ceux-ci vont être directement assimilés à la vague grandissante des morts qui reviennent à la vie, bien qu'une partie des victimes soit fort logiquement issue de milieux beaucoup plus aisés que ceux qui vivent adossés aux murs de la capitale sud-coréenne. C'est d'ailleurs l'un de ces sans domicile fixe qui sera la première victime.

Le film retrace donc le destin de deux individus séparés quelques heures plus tôt dans des conditions pas très... catholiques. Deux duos, l'un formé par Hye-Sun et un « misérable », l'autre par Gi-Woong et par celui qui affirme être le père de la jeune femme. La ville entière est assiégée et même les plus grandes structures n'assurent plus leurs fonctions. Les gares sont infestées de zombies, tout comme les hôpitaux.

Yeon Sang-ho décrit une armée inflexible ne faisant aucune différence entre les survivants et ceux qui sont à leurs trousses. Quant aux rapports entre Hye-Sun et Gi-Woong, si l'intrigue passe une couche de fard sur leur condition réelle lorsque les deux personnages tentent de communiquer à travers leur cellulaire, il ne faut pas oublier qu'au départ, la première est une prostituée et le second un individu peu scrupuleux qui voit en elle un moyen de payer son loyer. Comme pour nettoyer sa ville des rébuts de la société, le cinéaste fait de son invasion de zombies, le moyen le plus efficace. Car d'un pessimisme poussé à l'extrême, Seoul Station va même jusqu'à se clore sur un événement tragique fort intense ne laissant aucun de ses personnages indemne.

Outre la charge insufflée à son œuvre, Yeon Sang-ho se permet une relecture du film de zombies qui n'a pas à rougir de la concurrence « live ». Sans même exagérer, on peut l'affirmer bien haut, Seoul Station demeure l'une des plus belles surprises en la matière. Aura-t-il fallut attendre les incartades sérielles (The Walking Dead) ou animées (le film présenté ici) pour que le genre connaisse un sursaut glorifiant un genre qui en plus de quarante-cinq ans (si l'on décide de se servir de La Nuit des Morts-Vivants de George Romero comme référence d'origine) n'a en réalité donné naissance qu'à de très rares chefs-d’œuvre en la matière ? La réponse est sans doute oui. En tout cas, dans le genre très encombré, Seoul Station est du meilleur cru...

Dead Space : Downfall de Chuck Patton (2008)

Alissa Vincent, unique survivante d'une colonie humaine basée sur la planète Aegis 7, située dans le système Cygnus, et dont tous les membres ont été décimés par une nouvelle forme de vie, a eu le temps de laisser un message vidéo d'alerte à l'attention des dirigeants de la compagnie qui les ont envoyés elle et les autres forer la surface de la planète. La jeune femme est en outre persuadée que l'étrange et immense artefact qu'ils ont découvert peu de temps auparavant est responsable du massacre dont a été victime la colonie Deep Space Mining.

Tout débuta lorsque la colonie découvrit un monolithe aux immenses pouvoirs, capable de communiquer avec l'espèce humaine. De fervents adorateurs de l'artefact faisant partie de la religion des unitologues fondée par un certain Michael Altman eurent bien l'intention de le ramener sur Terre. Mais alors que d'étranges secousses se firent sentir, hommes et femmes commencèrent à ressentir d'étranges sentiments de ferveur envers une voix intérieure leur commandant de s'en rapprocher. Petit à petit, certains d'entre eux connurent d'horribles mutations, les transformant en monstres particulièrement véloces dont la principale préoccupation fut de décimer leurs semblables, les humains. Alors que le créatures furent de plus en plus nombreuses et les survivants se raréfiant, Alissa Vincent, aidée de soldats et d'un unitologues tentèrent le tout pour le tout pour sauver ce qu'il restait d'équipage. Mais en vain...

Dead Space, pour tous les amoureux des jeux vidéos Survival Horror demeurera sans doute comme l'un des meilleurs souvenirs du genre. Développé par Visceral Games et édité par Electronic Arts, ce TPS (Third person shooter) futy comparable au très effrayant Silent Hill tout en étant transposé cette fois-ci dans l'espace. Si Dead Space : Downfall n'a pas les qualités requises pour nous fraire dresser les poils ou les cheveux, ça n'est pas tant pour ses défauts mais pour deux raisons essentielles demeurant les points noirs de ce film d'animation horrifique réalisé par Chuck Patton.

Mais avant de revenir sur ces deux aspects de l'oeuvre, il ne faut pas oublier qu'une grande majorité des adaptations cinématographiques de jeux vidéos s'est révélée une grossière erreur. C'est peut-être pour cette raison qu'il ne faudra sans doute pas trop dénigrer Dead Space : Downfall qui reste encore tout à fait plaisant à regarder. Et même si le film mélange les techniques de prise de vue image par image (la persistance rétinienne permettant de visionner confortablement une succession de 24 images par seconde) et des CGI, les effets visuels demeurent relativement réussis. A part sans doute les visages des protagonistes dont les dessins se révèlent particulièrement ratés.

Pour en revenir aux deux points essentiels évoqués plus haut, disons que si Dead Space : Downfall n'est pas aussi effroyable et immersif que l'était la trilogie des jeux vidéos, c'est d'une, parce que l'histoire ne nous conte plus les errances d'un seul individu dans un univers presque aussi sombre et macabre que celui du chef-d’œuvre de Ridley Scott, Alien, Le Huitième Passager, mais bien une colonie toute entière (l'isolement ne s'y fait donc pas aussi marquant), et de deux parce que désormais, vous n'êtes plus le héros et ne commandez plus les agissements de ce dit individu. Alors que tout est déjà inscrit sur la route des personnages du film, le jeu vidéo permettait au joueur lui-même, de manière toute relative, de choisir sa route et son destin en le guidant à la manette ou au clavier-souris. Toujours est-il que Dead Space : Downfall est un bon petit film de science-fiction et d'épouvante nanti d'une bonne dose de scènes gores. Une suite est sortie trois ans plus tard, soit en 2011, et signée cette fois-ci par Mike Disa. Il n'est d'ailleurs pas impossible qu'une critique lui soit consacrée très bientôt sur Cinémart...

Le Tour de France: Les Triplettes De Belleville de Sylvain Chomet (2002)

En pleine campagne française, Madame Souza, vieille femme d'origine portugaise élève seule son petit-fils, Champion, depuis la disparition de ses parents. L'enfant s'ennuie terriblement dans ce paysage morne. Il n'a pas d'amis et n'a rien à faire d'autre que suivre les émissions de télévision que regarde sa grand-mère. Un soir, ils assistent tous les deux à la retransmission d'un spectacle donné par les Triplettes de Belleville. A la suite du programme, un pianiste joue un air qui semble attirer l'attention de Champion. Madame Souza s'empresse donc d'aller dépoussiérer son piano et de jouer pour son petit-fils mais Champion fuit devant l'ampleur des dégâts. Sa grand-mère lui offre alors un chien qu'il prénomme Bruno. Mais rien n'y fait, le garçon s'ennuie toujours autant. Elle lui fait cadeau d'un train électrique. Il y joue un temps, puis finit par s'en lasser.

C'est en faisant le ménage dans la chambre de Champion que sa grand-mère tombe sur un cahier rempli de photos de cyclistes découpées dans les journaux. Alors qu'il rentre de l'école, l'enfant trouve une bicyclette toute neuve qu'il se dépêche d'enfourcher...

L'automne passe. L'hiver lui aussi. Puis ce sont les années qui défilent. La campagne environnante a laissé la place à une ville aux maisons serrées les unes contre les autres. Pire ! Juste devant la chambre de Champion a "poussé" un pont sur lequel de très nombreux trains passent.

Aujourd'hui, Champion est un jeune homme très mince hormis ses cuisses et ses mollets, particulièrement musclés. Il s’entraîne avec sa grand-mère pour le Tour de France. Bruno fait d'étranges rêves et est devenu une énorme boule de poils qui passe son temps à gueuler contre les trains qui passent devant la maison. Madame Souza prend soin de son champion. Entraînement, massage, tout y passe. Lorsque la première étape du Tour de France démarre, tout se déroule relativement bien pour le jeune homme. Sauf qu'un type louche entièrement vêtu de noir jette des clous sur la route juste après que le dernier concurrent soit passé. Derrière, l'un des pneus de la voiture-balais dirigée par Madame Souza crève, Champion échappant alors à la vue de sa grand-mère...

Mis en images par le cinéaste Sylvain Chomet, Les Triplettes De Belleville est un film d'animation au style graphique bien particulier. Démarrant sous l'aspect d'une vieille bobine, le spectacle des Triplettes est honoré par les présences animées de Joséphine Baker, Fred Astaire et Charles Trenet. Du noir et blanc, des lignes verticales et de la poussière dues à l'usure, et surtout une bande-son rétro qui colle parfaitement au contenu. Puis la couleur arrive, toujours dans un style qui diffère de ce que l'on a désormais l'habitude de voir au cinéma. La physionomie des personnages et des décors tranche avec cette fameuse Belleville du titre dont on ne découvre rien avant la tragédie qui va toucher Champion et sa grand-mère. Une cité gargantuesque où sont érigés des buildings monstrueux.

Le royaume de la malbouffe gardée par une copie de la Statue de la Liberté obèse. Sylvain Chomet rend également hommage à l'une de nos plus célèbres accordéoniste : Yvette Horner (ici caricaturée et renommée en Roberte Rivette). Quelques références à Jacques Tati sont à noter (Un extrait du film Jour de France est diffusé sur le petit poste de télévision des Triplettes, et la girouette placée au sommet de la maison de Madame Souza rappelle fortement le facteur du même film).

Les Triplettes De Belleville possède un nombre de qualités indéniables, ce que n'ont pas oublié de préciser certains festival en lui accordant plusieurs prix (l’Étoile d'Or du film 2004 remise par l’Académie de la presse du cinéma français, le Prix Génie 2005 décerné par l'académie canadienne du cinéma et de la télévision et le César de la meilleure musique écrite pour un film en 2004 ), ou en le nominant plusieurs fois ( aux Césars dans les rubriques meilleur film, meilleur premier film ainsi qu'aux Oscars dans les sections Meilleure chanson originale, meilleur film d'animation). Le graphisme (mêlant animation et images réelles), la musique, et surtout l'histoire attachante de ce "couple" attachant et de ces trois stars du music-hall vieillissantes finissent de convaincre sur la réelle valeur de ces Triplettes De Belleville...