Resident Evil: Vendetta de Takanori Tsujimoto (2017) - ★★★★★★☆☆☆☆

 

 

Cinq ans après le très réussi Resident Evil: Damnation de Makoto Kamiya sur lequel je reviendrai très prochainement, le réalisateur, scénariste, spécialiste des effets visuels et acteur japonais Takanori Tsujimoto mettait en scène le huitième long-métrage de la franchise vidéoludique Resident Evil et le quatrième (si l'on compte l'affreux Biohazard 4D-Executer Kōichi Ōhata de Kōichi Ōhata) à avoir été exclusivement réalisé sous forme de film d'animation. Si en 2012 le volet de Makoto Kamiya fut notamment appréciable grâce à des décors frisant parfois le photo-réalisme, Resident Evil: Vendetta de Takanori Tsujimoto semble faire un léger bond en arrière. Rien à voir fort heureusement avec le très laid Biohazard 4D-Executer qui en 2000 ressemblait davantage à une cinématique produite à l'aide du coprocesseur de décompression MDEC (pour Macroblock Decoder). Pourtant, concernant de Resident Evil: Vendetta, il devient évident que se sortir de la tête qu'il ne s'agit que d'un film d'animation devient rapidement un problème. Le récit s'inscrit chronologiquement entre le sixième opus de la franchise et le dernier en date en terme d'animation, intitulé Resident Evil: Death Island et réalisé par Eiichirō Hasumi en 2023. Dans cette itération datant donc de 2017, le cinéaste, les créateurs de l'histoire originale Tokuro Fujiwara et Shinji Mikami ainsi que le Makoto Fukami et le dialoguiste Joe McClean concoivent une œuvre tournant autour de deux des principaux protagonistes de la franchise, l'agent gouvernemental du DSO (Division of Security Operations) Leon S. Kennedy et le capitaine travaillant au sein du BSAA et ancien forces spéciales de Raccoon City (S.T.A.R.S.) (Bioterrorism Security Assessment Alliance) Chris Redfield, ex employé du département de la police de Raccoon (R.P.D) de la division des forces spéciales (S.P.F). Autre personnage récurrent, Rebecca Chambers. Elle que l'on retrouvera six ans plus tard dans Resident Evil: Death Island est une ancienne membre des S.T.A.R.S désormais professeur d'université et chercheuse à l'Institut Alexander. C'est elle qui dans le contexte de ce quatrième film d'animation de la franchise découvre le vaccin qui permettra de contrer le Virus-A (Animality Virus)...

Un virus combinant deux technologies biologiques existantes connues sous le nom de Virus-T et Las Plagas. Son créateur : Glenn Arias, un ancien agent de la CIA. L'antagoniste du récit qui n'a jamais pardonné au Gouvernement d'avoir causé la mort de son épouse lors d'un attentat et qui désormais, ivre de vengeance, a donc développé ce virus afin de le propager dans toute la ville de New York. Comme dans tout bon ou mauvais Resident Evil, qu'il s'agisse des différentes plateformes vidéoludiques ou des diverses adaptations au cinéma ou à la télévision, Resident Evil: Vendetta compte un certain nombre de créatures. Parmi elles, les éternels zombies, infectés par le Virus-A, mélangé à l'eau potable ou transmis à l'aide d'un gaz. Apparaissent également les fameux Cerberus, des dobermans visibles dès le premier jeu vidéo sorti sur console Playstation en 1996. Puis survient Diego Gomez, le garde du corps de Glenn Arias, un colosse gigantesque à la force surhumaine. Sans parler de Glenn Arias lui-même qui apparaitra lors du dernier acte dans une fusion monstrueuse de type ''Tyran'' avec Diego. Ce que l'on pourrait d'abord reprocher à Resident Evil: Vendetta c'est son scénario on ne peut plus basique.Une histoire de vengeance, un virus se propageant et trois protagonistes essayant de contrecarrer les plans de l'ancien agent de la CIA devenu fou à la mort de sa femme. En découle un récit linéaire, bourrin, empli de fusillades, de courses-poursuites mais aussi d'excellents combats au corps à corps superbement chorégraphiés et dont le style se rapproche très fortement des affrontements du héros de la saga filmique John Wick dont le premier volet vit le jour trois ans plus tôt ! Plus faible que le précédent volet, le long-métrage de Takanori Tsujimoto est sauvé in-extremis par une dernière partie qui dénote outrageusement avec ce qui vient de précéder. De la ville de New York vue de dessus à laquelle les concepteurs d'images de synthèse offrent enfin un caractère photo-réaliste, jusqu'au laboratoire où se termine l'action, Resident Evil: Vendetta échappe de peu au naufrage. Bref, un volet en demi-teinte...

Ken le survivant, le film (Hokuto no Ken) de Tetsuo Hara (1986) - ★★★★★★★☆☆☆

 

 

À l'origine fut le manga du genre shōnen (type de bande dessinée d'origine japonaise mettant en grande partie en scène des adolescents) Hokuto no Ken, œuvre dont est à l'origine l'auteur de bande dessinées Tetsuo Hara qui entre 1983 et 1988 produira quelque deux-cent quarante-cinq chapitres qui ensuite seront réunis sous diverses compilations au nombre de vingt-sept connues au Japon sous le nom de tankōbon. Une collection qui verra également le jour dans notre pays grâce à l'une des plus célèbres maisons d'édition généralistes françaises située à Paris, J'ai Lu. Un an seulement après que le manga ait vu le jour dans son propre pays, Hokuto no Ken est adapté sous forme d'anime (film d'animation typiquement japonais connu également sous le nom de japanimation) formé de deux séries constituant un tout comprenant cent-cinquante deux épisodes. Tout comme le manga, l'anime apparaîtra lui aussi dans l'hexagone avec la diffusion sur la première chaîne nationale française TF1 de la première série dès octobre 1988. L'anime ne sera non pas diffusé sous son titre d'origine mais sous celui de Ken le survivant (alors que l'original signifie en réalité Hokuto a raison) et sera au centre d'une polémique. En effet, la série ayant été diffusée durant le programme de la jeunesse Le Club Dorothée, les excès gore dont elle fait preuve s'avéraient en effet peu en accord avec une partie du jeune public qui alors, n'avait pas encore atteint l'adolescence. Si aujourd'hui le phénomène de censure auquel durent faire face l'émission, le programme et la chaîne à l'époque peut faire sourire, tel n'était pas le cas dans les années quatre-vingt puisque la diffusion de Ken le survivant sera interrompue après celle du quatre-vingt quatrième épisode. L'explication de sa diffusion lors d'une émission consacrée à la jeunesse provenant du fait que les responsables de la programmation rachetaient à l'époque des productions japonaises par catalogues entiers, considérant ainsi que Hokuto no Ken devait tout comme les autres programmes n'être qu'un anime à l'attention du jeune public...

En 1986 sort au Japon une première adaptation du la série sous forme d'anime long-format d'une durée avoisinant les cent-cinq minutes intitulée chez nous Ken le survivant, le film. Alors que dans la série, le héros Kenshiro (réduit au nom de Ken) traversait des plaines désertiques à la suite d'un holocauste nucléaire, croisant ainsi des légions d'ennemis, véritables brutes épaisses dignes des bandits croisés par Max Rockatansky dans la franchise cinématographique culte de George Miller, Mad Max. Le manga de Tetsuo Hara et son adaptation au long-format par Tetsuo Hara (auteur entre autres de nombreux épisodes de séries télévisées dont Yattâman en 1978, Ulysse 31 en 1981 ou encore Gigi l'année suivante) sont d'ailleurs très clairement des hommages appuyés au film culte d'origine sorti sur les écran à la fin de la décennie précédente en Australie (son pays d'origine) et partout ailleurs dans le monde. Dans Ken le survivant, le film, notre héros d'abord déchu de son titre par un ennemi qui lui volera sa fiancée pour en faire sienne, portant sur le torse les stigmates d'un combat qu'il a perdu, revient pour se venger et délivrer sa fiancée. Il croisera en chemin deux enfants qu'il prendra sous son aile, ainsi que Shin, corrompu par l'un des deux frères de Kien de l'école Hokuto Shinken et Raoh (renommé chez nous Raoul!), l'ennemi ultime de ce long-métrage qui tout comme la série se déroule dans un monde dévasté où plus une herbe ni aucune autre plante ne pousse. Terrain de jeu aride pour des cohortes de brutes qui ont la violence dans la peau, Ken est heureusement là pour venir en aide à des villageois démunis. S'ensuivent alors des combats extrêmement violents (ceux-là même qui provoquèrent en France un véritable tollé) lors desquels les corps implosent, explosent, les membres arrachés, les yeux exorbités, des gerbes de sang s'extirpant des profondes blessures infligées par les mains expertes de notre héros mais aussi parmi des ennemis parfois hauts comme des immeubles d'un ou deux étages. Moins outrancière que dans l'anime, la violence ici dépasse cependant de loin ce que proposaient à l'époque ce genre de programmes. Quasiment à la hauteur des séries dont le film s'inspire beaucoup, style visuel et violence incluses, Ken le survivant, le film mérite donc lui aussi le titre d'oeuvre culte. Un indispensable pour tous les fans de la série...

 

Seoul Station de Yeon Sang-ho (2016)

En 2016, le cinéaste sud-coréen Yeon Sang-ho signe une préquelle à son premier long-métrage tourné en « live », Dernier Train pour Busan. Diplômé en peinture occidentale de la Sangmyung University, il fonde son propre studio d'animation, le studio Dadashow et réalise ensuite deux longs-métrages d'animation. C'est donc après avoir réalisé son premier film en prises de vue réelles et avec de véritables interprètes qu'il revient la même année avec Seoul Station, œuvre narrant les prémices d'une invasion de zombies.

Au cœur de l'intrigue, les destins croisés de Hye-Sun, jeune fille perdue après avoir fugué, ensuite recueillie par un certain Gi-Woong, un individu qui fera d'elle sa fiancée mais qui, pour pouvoir payer son loyer lui demandera à l'occasion de se prostituer. A la recherche de Hye-Sun, son père croisera la route de Gi-Woong qui devant le refus de sa fiancée de se prostituer une fois de plus, l'aura chassée de chez lui.

Seoul Station n'est pas qu'un simple film de zombies mais permet avant toute chose à Yeon Sang-ho d'installer son œuvre au cœur d'une critique sociale et politique engagée. Séoul sert de cadre aux laissés pour compte. En gangrenant une cité qui évite avant tout de mettre au grand jour ses désœuvrés, ceux-ci vont être directement assimilés à la vague grandissante des morts qui reviennent à la vie, bien qu'une partie des victimes soit fort logiquement issue de milieux beaucoup plus aisés que ceux qui vivent adossés aux murs de la capitale sud-coréenne. C'est d'ailleurs l'un de ces sans domicile fixe qui sera la première victime.

Le film retrace donc le destin de deux individus séparés quelques heures plus tôt dans des conditions pas très... catholiques. Deux duos, l'un formé par Hye-Sun et un « misérable », l'autre par Gi-Woong et par celui qui affirme être le père de la jeune femme. La ville entière est assiégée et même les plus grandes structures n'assurent plus leurs fonctions. Les gares sont infestées de zombies, tout comme les hôpitaux.

Yeon Sang-ho décrit une armée inflexible ne faisant aucune différence entre les survivants et ceux qui sont à leurs trousses. Quant aux rapports entre Hye-Sun et Gi-Woong, si l'intrigue passe une couche de fard sur leur condition réelle lorsque les deux personnages tentent de communiquer à travers leur cellulaire, il ne faut pas oublier qu'au départ, la première est une prostituée et le second un individu peu scrupuleux qui voit en elle un moyen de payer son loyer. Comme pour nettoyer sa ville des rébuts de la société, le cinéaste fait de son invasion de zombies, le moyen le plus efficace. Car d'un pessimisme poussé à l'extrême, Seoul Station va même jusqu'à se clore sur un événement tragique fort intense ne laissant aucun de ses personnages indemne.

Outre la charge insufflée à son œuvre, Yeon Sang-ho se permet une relecture du film de zombies qui n'a pas à rougir de la concurrence « live ». Sans même exagérer, on peut l'affirmer bien haut, Seoul Station demeure l'une des plus belles surprises en la matière. Aura-t-il fallut attendre les incartades sérielles (The Walking Dead) ou animées (le film présenté ici) pour que le genre connaisse un sursaut glorifiant un genre qui en plus de quarante-cinq ans (si l'on décide de se servir de La Nuit des Morts-Vivants de George Romero comme référence d'origine) n'a en réalité donné naissance qu'à de très rares chefs-d’œuvre en la matière ? La réponse est sans doute oui. En tout cas, dans le genre très encombré, Seoul Station est du meilleur cru...

Kanashimi no Beradona (Belladonna) de Eiichi Yamamoto (1973)

Attention: ne m'y connaissant absolument pas du tout en matière d'animation japonaise, les spécialistes du genre risquent de trouver ça et là quelques absurdités de ma part. Je m'en excuse par avance...

Belladonna s'ouvre sur une expérience douloureuse, la première d'une longue série, mais peut-être aussi la plus marquante. Celle qui exprime grâce aux dessins du réalisateur et scénariste japonais Eiichi Yamamoto, la souffrance d'un viol. La déchirure qui au sens propre est transfigurée par une entaille partant du pubis de la victime et remonte jusqu'à la base de la tête, tout cela dans un flot immense d'hémoglobine. La victime, c'est Jeanne, plus jolie jeune femme de son village et promise à Jean. Son bourreau ? Le seigneur des lieux. Alors même que leur est refusé le mariage, les deux amants sont chassés du village. Jean délaisse peu à peu Jeanne qui se laisse séduire par le Diable lui-même. Pactisant avec le démon, la jeune femme éprise de vengeance veut faire payer à tous ce qu'elle a subit.

Peu à peu, des rumeurs circulent au village. Jeanne serait devenue Belladonna, une sorcière très puissante...

Belladonna est d'abord le fruit d'un désir. Celui du médecin (???), dessinateur et producteur de mangas Osamu Tezuka qui voulu à la toute fin des années soixante, produire les premiers films d'animation japonais érotiques. L'oeuvre de Eiichi Yamamoto est le dernier volet d'une trilogie qui fut précédé des Milles et une Nuits en 1969 et de Kureopatora en 1970. Tout deux ayant été réalisés par Osamu Tezuka qui laissa donc à un autre la possibilité de clore la trilogie. L'échec commercial au niveau international signa la fin du procédé Animerama que créa lui-même Osamu Tezuka et qui engloba ces seuls trois longs-métrages d'animation réservés aux adultes.

Belladonna est une expérience visuelle unique adaptant l’œuvre de Jules Michelet, La Sorcière. Un spectacle haut en couleur utilisant tout un panel de techniques de dessin telles que l'aquarelle, l'estampe ou encore l'emaki qui permet à Eiichi Yamamoto d'utiliser un système de narration horizontale, l'équivalent des travellings horizontaux chers au cinéma.

Pour trouver un équivalent « live », il faudra sans doute aller chercher du côté de certains esthètes tels que Wong Kar-wai, Tran Anh Hung, ou plus prêt de nous, Ken Russell et sa vision survoltée du satanisme (Les Diables).

Le film de Eiichi Yamamoto est une œuvre poétique, à l'humeur changeante, passant de traits grossiers, à des visages parfois d'une grande beauté (celui de son héroïne). Du noir et blanc aux couleurs pastels ou criardes. Un feu d'artifice qui joue sur la différence des plans. Le cinéaste argumente parfois en juxtaposant des visages immenses au cœur d'une foule peinte en gris.

L'oppression des villageois face à un seigneur impitoyable. Des plans fixes auxquels succèdent des travellings lents et majestueux. D'autres encore exhibent des fumerolles inquiétantes avalant tout sur leur passage en modifiant notre perception des décors présentés. Belladonna offre des plans incroyables de démesure. Telle cette scène ou Jeanne copule avec le Diable. Un phallus aux proportions gargantuesques pulsant sous les coups de boutoir. Des flashs stroboscopiques et une accumulation d'images se superposant démontrant l'incroyable travail de son auteur. Une musique psychédélique accentuant encore davantage le sentiment de vivre un trip hallucinatoire. Et des scènes d'orgie ponctuées de visions cauchemardesques.

Jusqu'à cette fin tragique qui renvoie justement au « futur » chef-d’œuvre de Ken Russell. Belladonna est lui-même un chef-d’œuvre. Malheureusement méconnu du grand public mais qui heureusement, a connu une seconde jeunesse quarante-trois ans après sa naissance grâce à une sortie en version restaurée en juin dernier. Un film inoubliable que ceux qui auront l'occasion de le découvrir ne seront pas prêts d'oublier...