Kill Bill : Volume 1 de Quentin Tarantino (2003) - ★★★★★★★★☆☆

 

 

Je voudrais tout d'abord remercier mon grand ami Joël pour avoir su me convaincre de me lancer dans la projection de Kill Bill : Volume 1 de Quentin Tarantino. Si tu me lis, saches que je t'en serai éternellement reconnaissant. Et pourtant, c'était pas gagné, je vous le dis. Dans mon top dix des cinéastes les plus ennuyeux, les plus surcotés, l'américain tient une place de choix ! Le genre de bonhomme dont le style, souvent, m'exaspère. Au point que je ne suis que très rarement parvenu à aller au bout des quelques films que je me suis laissé convaincre de regarder. Reservoir Dogs ? Sympa, sans doute, vu que je n'en ai gardé aucun souvenir ou presque. Pulp Fiction ? Stoppé net lors de la scène de danse. Boulevard de la mort ? Très en deçà du Planète terreur de Robert Rodriguez avec lequel il partagea en 2007 l'affiche du double programme intitulé Grindhouse. Django Unchained ? Pas tenu plus de vingt minutes. Quant à Inglourious Basterds, Les Huit Salopards et Once Upon a Time… in Hollywood, je ne me suis même pas donné la peine de les regarder............. Oui, je sais, j'en ai oublié un : Jackie Brown, seul à trouver grâce à mes yeux jusque là. S'il n'est pas certain que Kill Bill : Volume 1 me réconcilie avec le cinéma de Quentin Tarantino et que je ne me sens pas encore près à reprendre sa filmographie depuis le début, je dois avouer que l'expérience fut extrêmement gratifiante. Surtout en ce vendredi 9 mars 2024 pluvieux, venteux, nuageux et glacial. Le genre de long-métrage qui réchauffe le cœur et l'âme à défaut des orteils ou de toute autre frileuse extrémité ! Surtout, et comme la légende entourant son auteur le veut, Kill Bill : Volume 1 est un vrai film de cinéphile, réalisé par un cinéphile pour les cinéphiles. Et même plus loin puisque les cinéphages eux-mêmes s'y retrouveront. De quoi faire revivre la mémoire cinématographique de chacun, avec ses propres références. Les miennes ? Baby Cart : Le Sabre de la vengeance de Kenji Misumi et ses suites ou la pantagruélique franchise initiée en 1962 par ce même réalisateur japonais, La Légende de Zatoïchi : Le Masseur aveugle. D'une certaine manière, Kill Bill : Volume 1 fait le pont entre le cinéma d'hier et celui qui allait devenir le cinéma de demain mais qui depuis est déjà derrière nous.

Brassant de nombreuses inspirations dont un large pan du cinéma d'action et d'arts-martiaux nippon des années 60 et 70 (si le sabre renvoie forcément aux deux franchises évoquées juste au dessus, la tenue que porte lors de la dernière partie Uma Thurman ici présente dans le rôle de Beatrix Kiddo/Black Mamba rappelle très clairement celle de Bruce Lee dans Le jeu de la mort réalisé en 1978) et reposant sur un concept on ne peut plus simple (une histoire de vengeance), Quentin Tarantino s'autorise toutes les folies. Qu'il s'agisse à proprement parler de la mise en scène, le bonhomme filme en couleur, en noir et blanc et intègre même quelques séquences animées comme lors de la formidable scène revenant sur le passé dramatique de O-Ren Ishii/Cottonmouth qu'interprète l'actrice sino-américaine Lucy Liu. Champs/Contre-champs, Plongées et Contre-plongées, Split-Screen (assez discret, il est vrai), Quentin Tarantino nous gratifie d'une mise en scène absolument remarquable permettant ainsi de transformer un script tout ce qu'il y a de plus commun en un film d'action et d'arts-martiaux auquel un certains nombres de longs-métrages et de cinéastes devront beaucoup. Parmi ses héritiers, on peut citer la franchise John Wick de Chad Stahelski ou la série de films Kingsman de Matthew Vaughn. Si les séquences d'arts-martiaux ne se comptent pas par dizaines, elles sont riches, longues et chorégraphiées avec suffisamment de brio pour contenter les amateurs. Des combats qui frisent d'ailleurs parfois le burlesque, surtout lorsque têtes, bras et jambes volent dans les airs en laissant derrière eux des geysers de sang qui n'effraieront cependant même pas les plus fragiles de l'estomac. Notons également la superbe bande originale. Autre passion de Quentin Tarantino qui s'en donne à cœur joie en sélectionnant une playlist des plus hétéroclites. Quelques vieux standards américains, de la musique typée western ou quelques airs mexicains interprétés à la trompette ! Bref, Kill Bill : Volume 1, c'est du grand spectacle absolument jouissif, souvent invraisemblable tout en conservant un certain sens du sérieux. Un film tout simplement culte auquel donna une suite son auteur dès l'année suivante sous le titre Kill Bill : Volume 2...

 

Une nuit en enfer (From Dusk till Dawn) de Robert Rodriguez (1996) - ★★★★★★★★☆☆

 

 

Habitué des films cultes, auteur de El Mariachi, de ses suites Desperado et Once Upon a Time in Mexico, de la tétralogie Spy Kids, de Sin City, du diptyque Machete (que l'on désespère toujours de voir devenir une trilogie) ou de Planet Terror et de The Faculty, le réalisateur, scénariste, producteur et musicien mexicano-américain Robert Rodriguez signe en 1995 From Dusk till Dawn connu chez nous sous le titre Une nuit en enfer. Un long-métrage constitué de deux parties parfaitement distinctes. Dans la première, qui s'inscrit dans les genres thriller et action, nous faisons la connaissance de Seth Gecko et de son psychopathe de frère Richie. Deux truands qui ont les flics de tout le pays aux trousses. Leur objectif est de se rendre jusqu'au Titty Twister, un bar situé au Mexique et exclusivement réservé aux routiers afin de prendre contact avec un certain Carlos (l'acteur Cheech Marin connu pour le duo de comiques Cheech & Chong qu'il forma aux côtés de Tommy Chong dès 1971). Pour cela, ils doivent passer la frontière des États-Unis. C'est en prenant en otage l'ancien pasteur Jacob Fuller et ses deux enfants à bord de leur camping-car que les deux hommes y parviendront. À leur arrivée au Ttty Twister, le ton change radicalement puisque Une nuit en enfer se mue en film fantastique et d'horreur gore. En effet, coincés dans le bar, les cinq protagonistes vont devoir combattre une armée de vampires assoiffés de sang ! Heureusement pour eux, ils ne seront pas seuls. Ils pourront notamment compter sur Sex Machine, un biker doté d'un flingue en lieu et place de ses attributs sexuels ainsi qu'un certain Frost. Le long-métrage de Robert Rodriguez est un pur régal non seulement pour les amateurs de cinéma d'horreur et d'action mais aussi et surtout pour les amoureux de cinéma bis qui y dénicheront toute une série d'hommages au septième art le plus populaire qui soit. À commencer par la présence à l'image de Fred Williamson, l'un des artistes majeurs de la Blaxploitation dans le courant des années soixante-dix qui se tourna ensuite vers le cinéma européen et enchaîna quelques films devenus cultes auprès d'une certaine catégorie de spectateurs tels que

Les guerrier du Bronx de l'italien Enzo G. Castellari ou Vigilante de William Lustig qui ne fut autre que le réalisateur du cultissime et très glauque Maniac. Sex Machine est quant à lui interprété par le maquilleur Tom Savini, grand spécialiste des effets-spéciaux gore qui travailla notamment sur Maniac, justement, ainsi que sur Zombie, Creepshow et Le jour des morts-vivants tout trois signés de George Romero ou encore sur les slashers The Prowler et Vendredi 13 : Chapitre final signés en 1981 et 1984 par Joseph Zito. L'on retrouve également au générique, Harvey Keitel dans le rôle de Jacob Fuller quatre ans après sa phénoménale performance dans le traumatisant Bad Lieutenant d'Abel Ferrara, l'adorable Juliette Lewis qui à l'époque enchaîne les succès (Kalifornia de Dominic Sena, Tueurs nés d'Oliver Stone ou Strange Days de Kathryn Bigelow). La vedette de Une nuit en enfer, si tant est que l'acteur se détache réellement de ses partenaires, demeure George Clooney qui depuis la série Urgences a prouvé qu'il était capable de tout jouer (on l'a notamment découvert à plusieurs reprises chez les frères Joel et Ethan Coen). Écrit par le réalisateur Quentin Tarantino qui adapte ici une histoire de Robert Kurtzman, Robert Rodriguez lui offre le rôle de Richie Gecko, véritable allumé qui tire souvent sans raisons sur tout ce qui bouge. Le réalisateur attache une grande importance à la bande-son et c'est la raison pour laquelle le film est en permanence noyé de saturations électriques propres au rock. L'on trouve parmi les interprètes, le célèbre groupe ZZ Top ainsi que Stevie Ray Vaughan, Tito and Tarantula (groupe qui apparaît à l'image sur la scène musicale du bar) ou encore The Mavericks. Au départ, Quentin Tarantino devait réaliser lui-même Une nuit en enfer. Mais préférant se concentrer sur son rôle, la mise en scène échoue entre les mains de son ami Robert Rodriguez après que d'autres noms de réalisateurs aient été envisagés. Ce dernier réalise un hybride parfaitement assumé, survolté, bruitiste et parfois très gore dont le défaut majeur reste cependant la conception des effets-spéciaux numériques qui sonnent véritablement faux. Contrairement aux maquillages qui eux sont plutôt convaincants ! Robert Rodriguez signe avec Une nuit en enfer un authentique classique du cinéma fantastique et horrifique, porté par des interprètes qui n'ont pas peur de se salir les mains et accessoirement leur réputation. Un bon gros délire inusable, à voir et à revoir à de multiples reprises...

 

Sukiyaki uesutan Jango de Takashi Miike (2007) - ★★★★★★★★☆☆

Le western est un genre aussi vieux que le cinéma puisque quelques années près l'apparition du cinématographe, au tout début du vingtième siècle, plusieurs cinéastes se sont penchés dessus à travers des longs-métrages qui à l'époque étaient encore muets. Au beau milieu de ce même siècle, le genre connaît son apogée avec des acteurs tels que John Wayne et Gary Cooper, deux des plus grandes figues d'un western épique laissant une large place à l'Ouest Américain, profitant des superbes décors offerts par le site naturel Monument Valley situé à la frontière séparant l'Utah de l'Arizona. Le western ne pouvant définitivement demeurer lettre morte en Europe, c'est sans aucun doute en Italie qu'il faut se rendre afin d'y découvrir les fameux Westerns Spaghettis dont certains auteurs se nomment Giuseppe Colizzi, Ferdinando Baldi, Lucio Fulci, Sergio Corbucci, mais dont le plus célèbre demeure pour le grand public le cinéaste Sergio Leone qui avec des classiques tels que Le Bon, la Brute et le Truand, Pour une Poignée de Dollars ou encore Il Était une Fois dans l'Ouest a véritablement donné ses lettres de noblesses à cette excroissance transalpine. L'Espagne elle aussi s'y attélera jusqu'à récemment, le cinéaste Alex de la Iglesia avec son film-hommage au genre, 800 Balas réalisé en 2002. Aux États-Unis, l'acteur américain rentre avec dans ses valises l'expérience acquise auprès de Sergio Leone, puis interprète pour d'autres cinéastes américains et réalise lui-même quelques classiques du genre spaghettis dont l'extraordinaire L'Homme des Hautes Plaines en 1973, que certains considèrent comme faisant partie d'un autre sous-groupe du western, dit, le Western Crépusculaire, au même titre que Pendez-les Haut et Court de Ted Post, La Horde Sauvage de Sam Penckinpah, ou Impitoyable que réalisa une fois encore Clint Eastwood en 1992 et qui signa le retour flamboyant du western « tout court » sur grand écran. On connaît la suite...

Sans doute moins connus du grand public, l'Union Soviétique fut à l'origine du sous-genre Ostern, ou Western Rouge avec notamment Jo Limonade du tchécoslovaque Oldrich Lipsky en 1964, Le Soleil blanc du désert du soviétique et biélorusse Vladimir Yakovlevitch Motyl, ou encore L'Homme du boulevard des Capucines de l'ukrainienne Alla Sourikova en 1987, ainsi que le Japon, auquel le genre demeure assez peu rattaché puisqu'en dehors de quelques co-productions (américano-germano-japonaise avec Dead Man de Jim Jarmusch et américano-japonaise avec Mort ou Vif de Sam Raimi, tous les deux sortis la même année en 1995), et ce malgré quelques brillantes sources d'inspiration ayant elles-mêmes élevé le genre outre-Atlantique (Les Sept Mercenaires de John Sturges ayant été grandement inspiré par Les Sept Samouraïs d'Akira Kurosawa et Pour une Poignée de Dollars de Sergio Leone l'ayant été par Le Garde du Corps, lui-même également réalisé par ce même cinéaste japonais), eouvres japonaises étant davantage ancrées dans la mythologie des Samouraïs.

Un oubli que tentera d'effacer le cinéaste japonais multi-facettes Takashi Miike en 2007 avec, si je ne me trompe pas (mais n'hésitez pas à me le faire savoir dans le cas contraire), le seul véritable exemple de Western Takoyakis (terme inventé par mes soins, veuillez m'en excuser). Forcément meilleur film dans sa catégorie puisque unique représentant, Sukiyaki uesutan Jango. pourra selon l'humeur du spectateur, être également considéré comme le moins bon. Logique ! S'il demeure une certitude qu'il sera peu aisé de défaire, c'est l'hommage rendu de la part de Takashi Miike, auteur de plus d'une centaine de longs-métrage en trente ans, au western... spaghetti. Celui-ci, et aucun autre. Surtout pas celui de Cooper, de Wayne ou de Ford. L'entame, d'ailleurs, permet de s'en rendre compte très rapidement avec son décor de carton-pâte théâtrale signifiant ses origines asiatiques (Un soleil couchant énorme figurant aux côtés du Mont Fuji). Mais que les réfractaires au théâtre Nô se rassurent dès à présent. Après un préambule mettant en scène un Quentin Tarantino sous forme d'hommage plus que de véritable personnage à part entière, les choses sérieuses commencent dans un décor réel d'une beauté crasse qui siéra forcément aux amateurs de westerns spaghettis en général, et au classique de Sergio Leone Pour une Poignée de Dollars en particulier. Takashi Miike transpose deux de ses domaines de prédilection (Yakuza-eiga et Chanbara) et surtout, permet à sa nation la réappropriation d'une idée originale datant de 1954 et œuvre des scénaristes Akira Kurosawa, Shinobu Hashimoto et Hideo Oguni.

Car effectivement, Sukiyaki uesutan Jango n'est rien moins que le remake, du remake des Sept Samouraïs d'Akira Kurosawa. Le cinéaste japonais y réinvente le sous-genre à la sauce teriyaki. Quoique le côté sucré de la chose ait été remplacé par le goût cuivré du sang. Celui que versent des dizaines de figurants, les uns à la solde des blancs (Genjis), les autres à celle des rouges (heike). Deux clans rivaux s'opposant depuis des années, le premier à la tête duquel trône Yoshitsune (l'acteur Yusuke Iseya), le second durement dirigé par Kiyomori (Koichi Sato). Au milieu des deux, un pistolero sans nom (incarné par Hideaki Ito quarante-trois ans après Clint Eastwood), la légendaire pistolero « Bloody Ruriko Benten », et un gamin rendu muet après la tragique disparition de son père. Western oblige, Takashi Miike demande à ses personnages de remiser leur sabre au second plan, les préférant voir faire parler la poudre. Si le spectacle est très souvent jouissif, on regrette qu'il n'ait pas davantage soutenu cet aspect exotique, surtout que lors des rarissimes démonstration du savoir-faire de certains interprètes en matière de maniement d'arme blanche, l'aspect cérémonieux de la chose pousse l'envie d'en contempler davantage.

Takashi Miike opte pour une western spaghetti relativement violent même si on l'a connu plus radical encore. Comme à son habitude, il oppose des individus solitaires ou des regroupements très restreints face à des hordes de soldats dirigés par des personnages hyper-charismatiques. Gros grain, couleurs délavées, village de far west déserté par la plupart de ses villageois, shérif poltron, décor terminant sous un épais manteau de neige, et duel final... Takashi Miike remet les choses dans leur contexte et produit avec Sukiyaki uesutan Jango, l'un des meilleurs westerns de ces trente ou quarante dernières années. On rêve de l'y voir refaire un tour dans les années à venir...