Holland de Mimi Cave (2025) - ★★★★★☆☆☆☆☆

 

 

Et non, les z'amis. Il ne s'agit pas ici d'évoquer un éventuel biopic consacré au blobfish qui ''dirigea'' notre pays entre le 15 mai 2012 et le 14 mai 2017 mais de parler du dernier long-métrage réalisé par Mimi cave (le sympathique Fresh en 2022), écrit par Andrew Sodroski et mis à disposition des utilisateurs de la plate-forme Amazon Prime Video dès le 27 mars dernier. Holland n'a donc rien à voir avec cet adipeux mollusque aussi vif qu'une méduse échouée sur une plage en plein cagnard que nous avons subit durant cinq longues, très longues, trop longues années. Derrière ce titre aussi sinistre (chez nous) qu'étonnant (s'agissant de sa signification) se cache rien de plus que le nom d'une ville du Michigan aux allures de petites localité où il fait bon vivre. Véritable carte postale (éculée) du Midwest où la violence semble être totalement bannie et où les ancestrales coutumes ressemblent à s'y méprendre à celles de nos Bigoudènes nationales, Holland abrite notamment Nancy Vandergroot, une enseignante, épouse de Fred, mère de Harry et collègue de Dave Delgado qui soupçonne son mari de lui être infidèle. En effet, celui-ci quitte régulièrement le domicile conjugal pour raisons professionnelles jusqu'au jour où Nancy décide de l'appeler à son hôtel. Mais alors que le téléphone sonne dans le vide, la mère de famille pressent que son époux est avec une autre femme. Quelques éléments semblent d'ailleurs, selon Nancy, étayer ses soupçons. Pourquoi, par exemple, Fred (Matthew Macfadyen) utilise-t-il un appareil-photos polaroid plutôt que son téléphone ? Pour ne pas y laisser de preuves de son adultère ? C'est du moins ce que suppose son épouse qui se confie alors à Dave (Gael Garcia Bernal), un immigré d'origine mexicaine victime de racisme de la part de certains habitants de la ville. Bon ! Nous constatons que tout aussi agréable que puisse sembler être l'existence à Holland, les règles imposées par la communauté n'empêchent pas certaines digressions. Holland mêle avec allégresse humour et thriller. Mais un thriller assez particulier puisque ne s'inscrivant apparemment pas dans la recherche d'un magot ou dans l'éventualité d'un acte criminel ou de vengeance. Non, ici il s'agit plus simplement pour une femme de découvrir la vérité sur les agissements extra-conjugaux de son époux. Presque toujours aussi délicieuse à regarder que par le passé (même si, on s'en doute, et malgré ses dénégations, elle nie avoir eu recours à la chirurgie plastique), Nicole Kidman est l'héroïne du récit.

Une épouse et mère de famille touchante, fidèle, amoureuse et douce qui par nécessité va braver toutes ses conventions personnelles afin de mettre à jour ce qu'elle considère déjà comme une tromperie de la part de son époux. Un mari plutôt avenant, d'ailleurs, très proche de leur fils Harry (Jude Hill) mais aussi et surtout très sexuellement auto-centré ! Bref, personne n'est parfait. Pas même Nancy dont le complice Dave Delgado va par la force des choses, devenir son amant. D'emblée, si l'on peut penser à un ersatz du génial Serial Mother de John Waters ou à un sous Blood Simple des frères Ethan et Joel Coen, Holland n'a en réalité absolument rien à voir avec l'un ou l'autre de ces petits bijoux du septième art. Lustré au polish, le scénario est d'une limpidité et d'une absence de prise de risques qui l'adresse tout d'abord aux familles voulant se réunir autour d'un même film avec à la clé, une éducation des néophytes en matière de thriller par la voie la plus douce qui soit ! [Spoil!] Comme il aurait bien entendu été trop simple qu'il ne s'agisse que d'une histoire d'adultère au demeurant plutôt bien menée si l'on sent tient strictement à l'enquête de l'héroïne et de son amant, le récit fait plus tard l'objet d'une révélation beaucoup plus sombre puisque le supposé infidèle sera décrit comme un tueur en série fétichiste (la conservation des cartes d'identité de ses victimes ou cette immense maquette qui reproduit leurs demeures). Malheureusement, et alors que le film prend une toute nouvelle tournure, le sujet du monstre introduit dans la cellule familiale n'est qu'un pétard mouillé. En cause, une dernière partie qui piétine lamentablement lorsque l'impensable surgit dans le foyer de Nancy ! Tant et si bien que le changement approximatif de ton qu'imprime le script ne parvient même pas à se hisser à la hauteur des seules investigations portant sur le prétendu libertinage déviant de l'époux incriminé. Doté de décors rétros qui laissaient présager le meilleur, dans l'esprit de ces œuvres dérangeantes constituées à partir de sources morales plus que fréquentables, le loup de cette bergerie qui regarde ses habitants dans le rétroviseur est des plus fade. Inutile donc d'espérer éprouver d'autres frissons (ceux de la peur) que ceux que l'on peut éventuellement ressentir chaque fois (ou presque) que Nicole Kidman apparaît à l'écran...

 

The Northman de Robert Eggers (2022) - ★★★★★★★★☆☆

 

 

Après The Witch en 2015 et The Lighthouse en 2019, le réalisateur américain Robert Eggers revenait en 2022 avec The Northman, un troisième long-métrage très attendu de la part d'un auteur qui jusque là nous avait régalé de ses univers visuellement et narrativement irréprochables. Alors qu'il s'apprête à nous présenter son Nosferatu qui actuellement est en post-production, le réalisateur, scénariste (aux côtés de Sjón) et producteur signe une œuvre qui une fois encore ne laissera personne indifférent. Et s'il est vrai qu'en terme d'écriture son dernier long-métrage ne fait preuve d'aucune espèce d'originalité, la forme que prend le récit est quant à elle digne de succéder aux deux premières merveilles qu'il mit en scène lors de la décennie précédente. L'on retrouve l'actrice américaine Anya Taylor-Joy à laquelle Robert Eggers offrit son tout premier rôle sur grand écran en 2015 avec The Witch, laquelle fut notamment l'héroïne de l'excellent The Menu de Mark Mylod il y a deux ans et surtout celle de la série Le jeu de la dame de Scott Frank et Allan Scott en 2020. Dans The Northman, elle incarne la slave Olga of the Birch Forest qui aux côtés du héros Amleth incarné par l'acteur suédois Alexander Skarsgard est retenue comme esclave et donc contre sa volonté par un certain Fjölnir (l'acteur Claes Bang), l'oncle même de Amleth qui vingt ans en arrière tua son propre frère après que celui-ci soit tombé dans un guet-apens sous les yeux de son fils. Bien décidé à venger la mort de son père, Amleth sera recueilli par des barbares aux côtés desquels il sèmera la terreur au sein de villages dont il dépouillera la population et fera des plus solides villageois, des esclaves... parmi lesquels le robuste jeune homme finira par se fondre afin de se rapprocher de celui qui tua son père deux décennies en arrière : son oncle Fjölnir. The Northman semble devoir autant emprunter au Conan le barbare de John Milius qu'au Valhalla Rising de Nicolas Winding Refn. Toujours est-il qu'au second, The Northman met une gifle monumentale au regard de l'ennui qu'avait pu susciter l'univers un peu trop léthargique qu'avait offert à son héros le danois tandis que le spectacle offert par Robert Eggers saisi de manière presque permanente. Même lorsqu'il impose sa walkyrie à l'image, osant ainsi une patte kitsch qui au final se fond parfaitement dans le décor. Œuvre à la patine visuelle qui colle parfaitement à la barbarie ambiante d'un univers situé à la fin du dixième siècle, le film sera tourné entre les majestueux décors de l'Islande et ceux de l'Irlande.

Autant dire que le spectateur en prend plein les yeux.... mais aussi les oreilles à travers la partition musicale de Robin Carola et de Sebastian Gainsborough puisque entre tambours tribaux et chants incantatoires, l'ambiance y est souvent hypnotique, mystique, voire hallucinatoire. Car outre cette histoire de vengeance au fond assez simpliste, Robert Eggers dépeint des tableaux fantastiques au sens propre comme au sens figuré. Rencontres avec une sorcière prédisant le destin du héros, visions d'une walkyrie chevauchant une monture jusqu'aux portes du Valhalla, arbre gigantesques dont les extrémités figurent des rois tombés au combat, duel en plein cœur d'un volcan en activité, le réalisateur qui depuis plus de dix ans a abandonné son activité d'architecte et de décorateur n'en a pas pour autant oublié d'offrir à son œuvre un style visuel époustouflant. Convoquant parmi ses principaux interprètes l'actrice Nicole Kidman il relance en outre une intrigue déjà inscrite dans le marbre mais qui laisse tout de même la place à quelques bonnes surprises. Totalement hanté par un Alexander Skarsgård habité par son personnage, les combats sont féroces, sanglants, brutaux. L'imagerie nordique est plutôt bien reproduite est s'avère d'ailleurs revendiquée par le réalisateur lui-même qui semble s'être inspiré d'une série de sagas entourant un prince vengeur qu'avait déjà emprunté le britannique William Shakespeare pour son Hamlet auquel, bien entendu, se réfère le prénom du héros de The Northman. Bref, le troisième long-métrage de Robert Eggers confirme s'il le fallait tout le bien que l'on pense de son cinéma. Ambitieux, minutieux, visuellement unique. Autant dire que c'est avec une impatience non feinte que l'on attend sa vision du Nosferatu de Friedrich Wilhelm Murnau pour lequel il convie Lily-Rose Depp, Bill Skarsgård mais aussi le génial Willem Dafoe auquel il avait confié l'un des deux rôles principaux de The Lighthouse. Lequel avait notamment incarné le double rôle de Max Schreck et du comte Orlok dans L'Ombre du vampire de E. Elias Merhige, lequel s'était en 2000 intéressé au tournage de Nosferatu, eine Symphonie des Grauens de F. W. Murnau...

 

Dogville de Lars Von Trier (2003) - ★★★★★★★★☆☆

Je n'apprendrai rien à personne en évoquant le fait que le cinéma du réalisateur danois Lars Von Trier n'a rien de commun avec tout ce que le public à l'habitude de découvrir sur grand écran. Chacun de ses treize longs-métrages, de Element of Crime en 1984 jusqu'au dernier en date, The House that Jack Built en 2018 est une expérience à part entière. Septième film et premier volet d'une trilogie qui s'est poursuivie en 2005 avec Manderlay et dont on attend toujours la conclusion, Dogville reste sans doute à ce jour comme l'une des œuvres les plus profondes du danois. Un long-métrage qui, s'il ne reproduit par tout à fait les préceptes du Dogme 95 cofondé aux côtés de Thomas Vinterberg en 1995, en récupère certaines fonctions et semble même aboutir à une épure encore plus significative du fait que le décor servant de cadre au récit ne soit constitué que de quelques éléments éparses. Quand bien même il faudra quelques minutes, et peut-être un peu plus que cela pour s'habituer à Dogville dans sa forme, le choix de Lars Von Trier de minimiser l'emploi de décors permet au contraire de maximiser l'impact de certaines situations.

Et pour comprendre, il faut sans doute d'abord se pencher sur l'histoire... Celle de Grace qui un soir débarque dans la toute petite ville de Dogville où vit à peine plus d'une trentaine d'habitants. Parmi lesquels on retrouve immédiatement après le prologue, le fils du médecin, Tom Edison, qui sans doute troublé par la beauté de la jeune femme décide spontanément de lui venir en aide. Car on comprend alors qu'elle est en fuite et tente d'échapper à des gangsters dont le grand patron est connu sous le nom de Monsieur Mulligan. Réunis à l'église, tous les villageois apprennent l'existence de Grace et des dangers qu'elle encoure. Certains hésitent à l'accepter parmi eux de peur d'en subir les conséquences. Pourtant, Tom les convainc tous d'approuver la présence de Grace pour les deux semaines à venir. Et si jamais ne serait-ce que l'un d'eux décide qu'elle doit quitter Dogville, alors la jeune femme devra plier bagages...

D'abord filmé en plongée comme le plan d'une résidence en construction, Dogville est au départ assez complexe à définir dans son infrastructure. Car à part quelques fenêtres ici et là et un tracé au sol qui délimite chaque édifice, le spectateur est invité à imaginer les façades de l'église, des habitations, ou même des vieilles mines laissées à l'abandon. Heureusement, l'espace est suffisamment restreint pour que l'on n'ait pas à retenir l'emplacement de dizaines de foyers et d'édifices commerciaux. Officiellement ou non, il se dégage de cette méthode assez particulière qui fait de Dogville une œuvre expérimentale à la frontière entre théâtre et cinéma, un sentiment d'oppression qui peu à peu fini par devenir permanent. Comme si le personnage central interprété par la magnifique et bouleversante Nicole Kidman était épié et jugé en permanence pour ses actes par les habitants qui l'on accueillie un peu plus tôt. Mais alors que l’œuvre de Lars von Trier s'ouvre et se prolonge tout d'abord sur un acte d'une grande humanité consistant en l'acceptation d'une étrangère malgré les dangers, le vice s'installe au fil du temps dans les foyers pour prendre un caractère monstrueux.

Cette monstruosité qui caractérise l'homme lorsqu'il se forme autour d'une masse populaire vindicative et qu'il sent le danger poindre le bout du nez. Bien que Dogville repose sur un scénario original écrit par le réalisateur lui-même, une étrange relation se noue entre son œuvre et celle plus ancienne de Clint Eastwood. Un certain Homme des Hautes Plaines, western crépusculaire et fantastique (du moins dans sa version originale) dans lequel l'acteur et réalisateur décrivait une ville et ses habitants corrompus par la cupidité, la jalousie, la couardise et la lâcheté...Un casting trois étoiles... Car aux côtés de la sublime australo-américaine Nicole Kidman, l'y rejoignent le suédois Stellan Skarsgård, l'américaine Lauren Bacall, le franco-américain Jean-Marc Barr, ou encore les américains James Caan et Ben Gazzara, John Hurt étant quant à lui dans la version originale, chargé de la lourde tâche de narrer ce récit en un prologue suivi de neuf chapitres. Si dans un premier temps la forme désoriente, c'est dans la qualité de la mise en scène, de l'interprétation mais aussi de l'ajout de la superbe partition musicale empruntée au compositeur et violoniste italien Antonio Vivaldi que le spectateur trouvera un point d'appui auquel se raccrocher et ainsi finalement vivre ce film-fleuve de presque trois heures dans des conditions presque optimales.

Bien que Dogville paraisse complexe, l'idée d'y avoir adjoint la voix de John Hurt permet de clarifier le propos. Car ainsi, tout semble plus simple à comprendre. Et d'abord, l'agencement de cette petite ville souvent plongée dans les ténèbres, dont les édifices sont représentés par d'épaisses lignes blanches et certains éléments par des symboles ou des mots. À titre d'exemple, si l'on entendra bien aboyer le seul chien de Dogville, il est représenté par le mot ''Dog''. Comme l'on apprendra par cette même méthode où se situent par exemple le garage de Ben, la maison de Jeremiah ou encore celle de Thom Edison. Lieu unique, le décor de Dogville est situé en Suède, à Trollhättan, et les personnages ne le quitteront jamais. Même lorsque avec un certain sens du génie, Lars Von Trier cachera son héroïne entre les caisses de pommes chargées à l'arrière du camion de Ben. Cruel, Dogville est un conte allégorique que le public américain a eu du mal à avaler en découvrant ce qui semblait être une virulente critique de sa société. On pourrait y voir également une certaine forme de novélisation de la mythique série Le Prisonnier créée par George Markstein et Patrick McGoohan au milieu des années soixante. Grace n'est-elle pas en effet le pendant féminin de l'agent secret connu sous le nom de Numéro 6, accueillie qu'elle est par des habitants tout d'abord bienveillants avant de comprendre au fil du temps qu'elle est elle-même prisonnière de leur moindre désir et de leur impitoyable comportement envers elle ? En 2003, le réalisateur danois signait sans doute l'un de ses plus grands films. Dogville est une expérience douloureuse, inconfortable, étonnante et profonde à la fois. Habité par des interprètes remarquables auxquels on peut notamment ajouter l'acteur slovéno-américain Željko Ivanek qui incarne merveilleusement bien le personnage de Ben ou l'américaine Patricia Clarkson qui interprète l'odieuse Vera, le film demeure une expérience inédite à laquelle on pense encore longtemps après la fin de la projection...

The Beguiled de Sofia Coppola (2017) - ★★★★☆☆☆☆☆☆

Les Proies, 2017. A aucun moment de ma courte existence je ne m'étais imaginé qu'un jour je verrais (subirais ?) le remake d'un si grand moment de cinéma. Quand un cinéaste touche au génie, à la perfection, comme ce fut le cas en 1971 avec The Beguiled de Don Siegel avec Clint Eastwood. Jamais dans ma petite vie de passionné du septième art je n'aurai conçu l'idée de l'aborder. Pourtant, après avoir subit les affres d'une gastro-entérite particulièrement violente tout en essayant de faire abstraction du bruit que font les ouvrier au bas de l'immeuble et dont l'intensité me laisse à penser qu'ils détruisent petit à petit la résidence où je vis, il a bien fallut que je me fasse une raison : Sofia Coppola, dont je n'ai jamais rien vu et dont la paternité et l'engouement d'une certaine presse ont fini de me convaincre de fuire son cinéma sans faire le moindre bruit, a osé ! The Beguiled version 2017 sera donc ma première incursion dans l'univers de la quadragénaire. Ou plutôt celui dont elle osa s'emparer pour faire sien, avec ou pas de respect et de la dignité, pour l’œuvre de l'auteur de Invasion of the Body Snatchers, premier long-métrage me venant à l'esprit.

Ce qu'il faut garder en tête, c'est que si la version de 1971 est bien celle d'une vision livrée par un homme, celle de 2017 est définitivement l’œuvre d'une femme. Les deux points de vue d'un même récit étant traités de manière fort différente, la seconde, n'en déplaise aux démagogues de tous poils, s'inscrit dans une forme d'aseptisation de très mauvais goût. Pour commencer, et au risque de provoquer un horrifiant malentendu, nous noterons l'absence du personnage incarné en 1971 par l'actrice noire Mae Mercer. Hallie, la servante "black", dont la présence coïncidait avec le recensement américain de 1860 et faisant état de quatre millions d'esclave dans le pays. Faut-il y voir désormais l'hypocrisie d'un monde voulant se racheter une conduite en effaçant certaines de ses erreurs passées ? Paranoïa ou constat avisé ? D'autres faits semblent étayer l'hypothèse selon laquelle Sofia Coppola aura voulu atténuer les aspects les plus dérangeants de l’œuvre originale en omettant de les inclure dans la sienne. Nous passons ainsi de l’œuvre gonflée aux testostérones au long-métrage de jeune pucelle ne prenant aucun risque avec le bien pensant américain. Nicole Kidman a beau être une très belle femme et une bonne actrice, la pauvre ne fait pas le poids face à une Geraldine Page ayant davantage de « bouteille » qu'elle.

Une Geraldine Page dont le personnage incarnait une certaine forme de perversité incestueuse envers un frère disparu, une facette de sa personnalité que Sofia Coppola a choisi, en 2017, de simplement éliminer. Le caractère dérangeant du personnage ayant été purement et simplement dégagé de l'intrigue, The Beguiled version 2017 n'est plus qu'un vague mélodrame romantique un brin déviant en costumes d'époque qui n'entreprend rien de bien courageux si ce n'est d'investir des terres cultivées longtemps avant par un artisan autrement plus talentueux. Il n'y aura guère que les jeunes jouvencelles intimement affolées par la présence de Colin Farrell au générique pour trouver matière à s'extasier devant cette navrante représentation du machisme qui, là encore, est tristement célébré. L'une des forces qui caractérisait également l’œuvre de Don Siegel et qui semble avoir été volontairement atténuée ici demeure dans l'apparente normalité de la plupart des pensionnaires tandis qu'en 1971, la plupart des jeunes femmes n'avaient finalement pas d'autre préoccupations que de s'accaparer l'intention de leur premier 'visiteur' mâle.

Certains auraient-ils constaté le puéril résultat d'une œuvre dont l'existence n'apporte rien de neuf ? Toujours est-il que The Beguiled version 2017 aurait, depuis, changé de statut pour n'être plus le remake de l'oeuvre datant de 1971, mais simplement une nouvelle adaptation du roman original Les Proies, de l'écrivain Thomas P. Cullinan. Un moyen simple et pas forcément habile pour éviter toute comparaison avec le chef-d’œuvre indétrônable de Don Siegel... Encore un remake inutile...

Stoker de Park Chan-wook (2012) - ★★★★★★★☆☆☆

Une mère, sa fille et l'oncle de cette dernière. Stoker tourne autour de ces trois personnages. L'auteur du remarquable Old Boy nous revient en très grande forme. Une œuvre empoisonnée, glaçante, dérangeante, et dont la symbolique présence d'une araignée définit assez justement les contours d'une œuvre que n'auraient sans doute pas renié Brian de Palma et son mentor Alfred Hitchcock. L'acteur Wenttworth Miller en a écrit le scénario, inspiré par L'Ombre d'Un Doute du célèbre cinéaste britannique, auteur de Psychose ou des Oiseaux. Le film de Park Chan-wook fait preuve d'une maturité qu'on lui connaissait déjà à travers ses œuvres précédentes tout en abordant son sujet avec une immense retenue et un sens de l'esthétique qui éclate à chaque plan.Alors que l'auteur du scénario original paraît avoir été également inspiré par le Dracula de Bram Stocker (le titre du film semblant être ainsi un clin d’œil au roman de celui-ci), il est décidé que la donnée vampirique du sujet sera abandonnée. D'ailleurs, en la matière, le cinéaste Park Chan-wook semble avoir tout exprimé avec son précédent Thirst, ceci est mon sang, tourné quatre ans auparavant.

Pour sa première incartade hors des frontières de sa Corée du sud natale, le réalisateur d'un Je suis un Cyborg plutôt anecdotique dans sa riche carrière convoque pour l'occasion l'actrice australienne d'origine polonaise Mia Wasikowska, l'acteur britannique Matthew Goode, ainsi que la toujours aussi resplendissante australo-américaine Nicole Kidman.

Le déroulement de l'intrigue pourra paraître anecdotique au regard de certains travaux de son auteur (Old Boy qui sert ici toujours de référence ultime), c'est du côté du travail visuel remarquable que certains se pencheront. La direction artistique de Thérèse DePrez, les décors de Wing Lee et la photographie de Chung Chung-hoon titillent les rétines à la mesure du récit qui lui, nous picote la colonne vertébrale. Et ce grâce au jeu délicieux de son trio.

On sent bien que dans cette famille quelque chose cloche. Entre la curieuse éducation d'une gamine par son père qui l'emmène chasser, paraît-il, pour lui faire plaisir, une mère qui ne se souvient pas avoir jamais brossé les cheveux de sa fille, cette dernière ne supportant pas le moindre contact physique, et souffre-douleur de ses camarades, ainsi que cet oncle qui débarque le jour des funérailles de son frère, lequel qui de son vivant n'en avait jamais évoqué l'existence auprès des siens.

Park Chan-wook nous trouble l'esprit. Et même à ce petit jeu qui consiste à deviner avant la fin les tenants et aboutissants de cette histoire familiale envoûtante, il faudra attendre un moment avant de savoir qui mène véritablement la barque. Est-ce l'oncle dont on sait très vite qu'il est capable du pire pour parvenir à ses fins ? Est-ce la mère qui trop brusquement se tourne vers son beau-frère alors même que son défunt mari vient d'être fraîchement enterré ? Ou bien la jeune India est-elle une proie un peu trop facile pour que l'évidence soit la seule conclusion possible ?

Si l'auteur des bandes-originales des premiers longs-métrage de Darren Aronofsky, Clint Mansell, est bien l'auteur des compositions de Stoker, le nom de Philipp Glass fut un temps évoqué au poste de compositeur du film. Pourtant, malgré le choix définitif, deux œuvres spécialement composées pour le long-métrage de Park Chan-wook ont été finalement incluses, dont la magnifique pièce inédite Duet que l'on peut entendre lorsque les personnages d'India et Charly jouent ensemble du piano.

Stoker est un très beau film, troublant, esthétiquement bluffant. Ses principaux acteurs offrent de surcroît une généreuse interprétation...