The Northman de Robert Eggers (2022) - ★★★★★★★★☆☆

 

 

Après The Witch en 2015 et The Lighthouse en 2019, le réalisateur américain Robert Eggers revenait en 2022 avec The Northman, un troisième long-métrage très attendu de la part d'un auteur qui jusque là nous avait régalé de ses univers visuellement et narrativement irréprochables. Alors qu'il s'apprête à nous présenter son Nosferatu qui actuellement est en post-production, le réalisateur, scénariste (aux côtés de Sjón) et producteur signe une œuvre qui une fois encore ne laissera personne indifférent. Et s'il est vrai qu'en terme d'écriture son dernier long-métrage ne fait preuve d'aucune espèce d'originalité, la forme que prend le récit est quant à elle digne de succéder aux deux premières merveilles qu'il mit en scène lors de la décennie précédente. L'on retrouve l'actrice américaine Anya Taylor-Joy à laquelle Robert Eggers offrit son tout premier rôle sur grand écran en 2015 avec The Witch, laquelle fut notamment l'héroïne de l'excellent The Menu de Mark Mylod il y a deux ans et surtout celle de la série Le jeu de la dame de Scott Frank et Allan Scott en 2020. Dans The Northman, elle incarne la slave Olga of the Birch Forest qui aux côtés du héros Amleth incarné par l'acteur suédois Alexander Skarsgard est retenue comme esclave et donc contre sa volonté par un certain Fjölnir (l'acteur Claes Bang), l'oncle même de Amleth qui vingt ans en arrière tua son propre frère après que celui-ci soit tombé dans un guet-apens sous les yeux de son fils. Bien décidé à venger la mort de son père, Amleth sera recueilli par des barbares aux côtés desquels il sèmera la terreur au sein de villages dont il dépouillera la population et fera des plus solides villageois, des esclaves... parmi lesquels le robuste jeune homme finira par se fondre afin de se rapprocher de celui qui tua son père deux décennies en arrière : son oncle Fjölnir. The Northman semble devoir autant emprunter au Conan le barbare de John Milius qu'au Valhalla Rising de Nicolas Winding Refn. Toujours est-il qu'au second, The Northman met une gifle monumentale au regard de l'ennui qu'avait pu susciter l'univers un peu trop léthargique qu'avait offert à son héros le danois tandis que le spectacle offert par Robert Eggers saisi de manière presque permanente. Même lorsqu'il impose sa walkyrie à l'image, osant ainsi une patte kitsch qui au final se fond parfaitement dans le décor. Œuvre à la patine visuelle qui colle parfaitement à la barbarie ambiante d'un univers situé à la fin du dixième siècle, le film sera tourné entre les majestueux décors de l'Islande et ceux de l'Irlande.

Autant dire que le spectateur en prend plein les yeux.... mais aussi les oreilles à travers la partition musicale de Robin Carola et de Sebastian Gainsborough puisque entre tambours tribaux et chants incantatoires, l'ambiance y est souvent hypnotique, mystique, voire hallucinatoire. Car outre cette histoire de vengeance au fond assez simpliste, Robert Eggers dépeint des tableaux fantastiques au sens propre comme au sens figuré. Rencontres avec une sorcière prédisant le destin du héros, visions d'une walkyrie chevauchant une monture jusqu'aux portes du Valhalla, arbre gigantesques dont les extrémités figurent des rois tombés au combat, duel en plein cœur d'un volcan en activité, le réalisateur qui depuis plus de dix ans a abandonné son activité d'architecte et de décorateur n'en a pas pour autant oublié d'offrir à son œuvre un style visuel époustouflant. Convoquant parmi ses principaux interprètes l'actrice Nicole Kidman il relance en outre une intrigue déjà inscrite dans le marbre mais qui laisse tout de même la place à quelques bonnes surprises. Totalement hanté par un Alexander Skarsgård habité par son personnage, les combats sont féroces, sanglants, brutaux. L'imagerie nordique est plutôt bien reproduite est s'avère d'ailleurs revendiquée par le réalisateur lui-même qui semble s'être inspiré d'une série de sagas entourant un prince vengeur qu'avait déjà emprunté le britannique William Shakespeare pour son Hamlet auquel, bien entendu, se réfère le prénom du héros de The Northman. Bref, le troisième long-métrage de Robert Eggers confirme s'il le fallait tout le bien que l'on pense de son cinéma. Ambitieux, minutieux, visuellement unique. Autant dire que c'est avec une impatience non feinte que l'on attend sa vision du Nosferatu de Friedrich Wilhelm Murnau pour lequel il convie Lily-Rose Depp, Bill Skarsgård mais aussi le génial Willem Dafoe auquel il avait confié l'un des deux rôles principaux de The Lighthouse. Lequel avait notamment incarné le double rôle de Max Schreck et du comte Orlok dans L'Ombre du vampire de E. Elias Merhige, lequel s'était en 2000 intéressé au tournage de Nosferatu, eine Symphonie des Grauens de F. W. Murnau...

 

Godzilla vs Kong d'Adam Wingard (2021) - ★★★★☆☆☆☆☆☆

 

 

Godzilla vs Kong, c'est un peu comme de s'essayer à la cuisine gastronomique quand on ne sait faire cuire que des pâtes ! On pourrait s'arrêter là et simplement pleurer tout en évoquant les millions de dollars qui furent engloutis dans ce joujou pour réalisateur mégalomaniaque. Une entreprise de destruction suicidaire financée par Warner Bros et Legendary Pictures qui devrait, espérons-le, mettre un terme à la franchise MonsterVerse qui pourtant nous avait offert en 2014, l'excellent reboot Godzilla de Gareth Edwards. Mais c'était avant que ne vienne mettre les pieds dans le plat le réalisateur Jordan Vogt-Roberts avec le relativement médiocre Kong: Skull Island trois ans plus tard. Et si l'on espérait qu'avec Michael Dougherty et le troisième long-métrage de la franchise sortie il y a deux ans Godzilla 2 - Roi des Monstres la vapeur allait être renversée, c'était sans doute présager un peu trop rapidement des capacités de réalisateur à reprendre le flambeau laissé derrière lui par Gareth Edwards. Autant dire qu'à l'annonce de Godzilla vs Kong je ne faisais pas partie de ceux qui s'excitaient sur leur clavier ou leur tablette pour marquer leur empressement. Pour en revenir à la ''grande cuisine'' et surtout comprendre pourquoi le long-métrage d'Adam Wingard est indigeste, il suffit juste de le comparer au plat préféré de Casimir, ce monstre gentil créé dans les années soixante-dix par Yves Brunier et Christophe Izard. Un heureux hasard d'ailleurs si l'on tient compte du fait qu'il aurait tout aussi bien pu remplacer Godzilla tant le film est ridicule (Casimir étant un dinosaure de la famille des Casimirus). Mais donc, pour parler recette, Godzilla vs Kong est la version blockbusterisée du Gloubi-boulga. Soit le mélange improbable de moutarde forte, de chocolat râpé, de confiture de fraise, de saucisse de Toulouse et de banane écrasée...

Sans rire... comment peut-on à ce point mélanger tout et n'importe quoi en étant persuadé que le public ne se rendra compte de rien ? À moins, bien entendu, qu'Adam Wingard ait pensé son film pour ces jeunes décérébrés qui posent leur cul sur un fauteuil de cinéma pour parler où pour consulter les réseaux sociaux sur leur smartphone durant la projection ! Mais ne soyons pas trop durs et restons indulgents avec le réalisateur américain dont le mode de pensée est sans doute moins étriqué. Car probablement a-t-il voulut à cette occasion réaliser un film-somme de tout ce qu'est capable de vomir Hollywood ! Trop gourmand Adam Wingard. Forçant avec un peu trop d'engouement sur la colorimétrie, son film pète de couleurs outrancières qui parfois donnent à son œuvre l'aspect d'un long-métrage d'animation. Il n'y a d'ailleurs qu'à le comparer, au hasard, au Godzilla : la planète des monstres de Kobun Shizuno et Hiroyuki Seshita sortit quatre ans en arrière pour s'en convaincre. Alors oui, c'est beau, et même souvent très impressionnant. Les effets-spéciaux en mettent plein la vue, le spectacle est total et permanent, mais pour le reste, Godzilla vs Kong s'avère impersonnel à force de mêler diverses influences qui n'auront d’accointance que dans l'esprit du metteur en scène. C'est l'époque qui le veut, mais bien entendu, aucun long-métrage de ce type ne peut désormais plus se passer de ses héros à peine extraits de leurs couches-culotte. Au point que cela en devient agaçant. Mais là n'est plus vraiment le problème. Le véritable soucis de Godzilla vs Kong, c'est son scénario.

Il suffit d'ailleurs de voir combien de scénaristes et combien de sources d'inspirations sont entrés en jeu pour comprendre le problème : un scénario conçu à quatre mains par Eric Pearson et Max Borenstein sur la base d'une histoire écrite par Terry Rossio, Michael Dougherty et Zach Shields, elle-même imaginée à partir du Kaijū créé dans les années cinquante par Tomoyuki Tanaka et la Tōhō et inspirée par le long-métrage de Merian Caldwell Cooper et Ernest Beaumont Schoedsack, le King Kong de 1933... Ouais, ça laisse songeur. Mais à l'écran, les répercussions se font très rapidement ressentir. Entre l'évocation de technologies en veux-tu en voilà que la rapidité de mise en scène empêche de digérer, et l'évocation d'une Terre creuse dont l'exploitation à l'image est ébouriffante de connerie et d'invraisemblance (bien que son concept ait été formalisé par des théories géodésiques), on passe plus de temps à s'arracher les cheveux à force de n'y rien comprendre ou de rire devant l'incroyable bouillie de CGI et le ridicule de nombreuses séquences qui s'étalent sur l'écran. Pour celles et ceux qui ne veulent pas perdre leur temps, qu'ils se rassurent : tout rentre dans l'ordre. L'homme n'en ressort pas forcément grandi mais Godzilla et King Kong vont désormais pouvoir prendre leur retraite et jouer aux cartes ensemble...

 

Mute de Duncan Jones (2018) - ★★★★★★☆☆☆☆

L'intrigue de cette exclusivité Netflix se déroule à Berlin, en 2052, dans un univers proche de celui de Blade Runner de Ridley Scott. C'est dans un contexte oppressant que travail Léo Beiler (l'acteur suédois Alexander Skarsgård), un solide gaillard atteint de mutisme, barman de nuit dans une boite de l'Allemagne de l'Est se confrontant sans cesse à l'Allemagne de l'Ouest. Des hommes et des femmes cherchent à tout prix à quitter le pays. Mais pour cela, il leur faut des papiers et une autorisation. L'immigrée Naadirah (l'actrice Seyneb Saleh) est la petite amie de Léo. Elle aussi travaille de nuit dans le même bar que son compagnon. Serveuse, elle rencontre un soir des soucis avec deux clients un peu trop zélés. En se mêlant à l'affaire qui oppose Naadirah et ces deux clients, Léo perd son emploi après avoir agressé l'un d'eux... et la trace de sa petite amie qui disparaît subitement. Enquêtant de son côté, Léo croise bon nombre d'individus extrêmement louches dont le chirurgien américain Cactus Bill, lequel semble avoir un lien avec la disparition de Naadirah. Prenant des risques encensés en évoluant dans un monde particulièrement violent, Léo fera tout pour retrouver celle qu'il aime...

Dire que Mute est sombre est un euphémisme. Mélange de science-fiction dystopique et de néo-noir, ce long-métrage signé du réalisateur britannique Duncan Jones, notamment auteur de Moon en 2009 et de Source Code deux ans plus tard s'attarde une fois de plus vers le genre qu'il semble tout particulièrement apprécier. Dix ans après avoir ''envoyé'' le héros de Moon sur la Lune pour une mission en solitaire, Duncan Jones et le scénariste Michael Robert Johnson imaginent un univers au contraire, beaucoup plus vivant. Du moins, terriblement surchargé en terme de population et en terme d'architecture. Après avoir passé plus de quinze années à concevoir son récit, Duncan Jones livre un long-métrage qui n'est sans doute pas aussi ambitieux que l'aurait désiré son auteur, considérant alors Mute comme l’œuvre de toute une vie. Si à l'image, le visuel demeure tout à fait satisfaisant, le scénario, lui, paraît être fait de bric et de broc, le réalisateur dispersant l'intrigue entre divers personnages, oubliant même pendant un certain temps son héros pour se concentrer sur les quelques antagonistes parmi lesquels le gratiné Duck Teddington (incarné par l'acteur américain Justin Theroux), chirurgien lui aussi, mais surtout, pédophile invétéré, ce qui donnera d'ailleurs lieu à une scène vers la fin du film, d'une insoutenable perversité psychologique !

Outre Blade Runner, Mute évoque à certaines occasions des œuvres tel que le Total Recall de Paul Verhoeven et son univers bigarré, délirant et anxiogène. On pourrait en réalité citer tous les longs-métrages de science-fiction se penchant sur des univers dystopiques visuellement très sombres et allant à l'opposé d’œuvres démontrant l'évolution de sociétés se dirigeant vers davantage de rigueur en bannissant peu à peu toute forme d'empathie et d'émotion. Parfois touchant, comme lorsque Léo et Naadirah se retrouvent en début de métrage, fous d'amour l'un pour l'autre, tantôt dérangeant, tel le chirurgien s'intéressant d'un peu trop près à de jeunes enfants sans que cela n'ait l'air d'offusquer personne (ou presque, vous comprendrez pourquoi), tantôt sinistre (l'évocation d'un monde d'une noirceur absolue où la violence, le sexe et l'argent règnent en maîtres), Mute est un drôle de film, bien loin des ambitions avérées de son auteur. Plaisant à voir mais qui risque aussi de tomber très rapidement dans l'oubli...