The Baby de Ted Post (1973) - ★★★★★★☆☆☆☆

 

 

Notamment connu pour avoir mis en scène l'acteur Clint Eastwood dans le western Pendez-les haut et court en 1968 et dans les secondes aventures de l'inspecteur Harry Callahan Magnum Force en 1973, pour avoir réalisé le film de science-fiction Le Secret de la planète des singes en 1970 ou pour avoir dirigé Peter Falk dans deux épisodes de la série télévisée policière Columbo intitulés Immunité diplomatique et Question d'honneur en 1975 et 1976, Ted Post fait partie de ces cinéastes qui au détour d'une ou plusieurs œuvres s’intéressèrent à des cas assez particuliers. S'agissant de The Baby qu'il co-réalisa aux côté de l'assistant-réalisateur Jesse Corallo sur la base d'un script écrit par Abe Polsky, le récit tourne autour d'une bien étrange famille composée de trois femmes, une mère et deux filles, et d'un fils mentalement déficient ! Le bébé du titre, c'est lui ! L'incongruité de cette histoire peu commune commence dès que l'on découvre le ''pedigree'' de l'acteur David Mooney qui incarne justement le rôle du bébé : alors âgé de trente-deux ans, cet interprète d'une quinzaine de téléfilms, épisodes de séries télévisées et longs-métrages cinématographiques y apparaît portant des couches et se comportant tout au plus comme un enfant de deux ou trois ans. Vivant dans un cercle familial que l'on peut considérer de matriarcal, celui qui se fait appeler ''Baby'' attise la curiosité d'Ann Gentry (l'actrice Anjanette Comer, laquelle interpréta notamment le rôle de la charmante Kinita dans La Bataille de San Sebastian du réalisateur français Henri Verneuil en 1968), une assistante sociale chargée d'enquêter sur l'étrange famille dominée par la présence de la mère, Mrs. Wadsworth (Ruth Roman). Accompagnée de ses deux filles Germaine et Alba (Marianna Hill et Suzanne Zenor), la quinquagénaire élève son fils d'une trentaine d'années comme s'il s'agissait d'un bébé. Cherchant à l'éloigner de toute emprise extérieure, la venue d'Ann dans son foyer va causer certains dommages au sein de la famille... Typique d'une époque qui charriait autant de bons films à l'attention du grand public que de longs-métrages beaucoup plus obscures, The Baby est donc un OFNI...

Le long-métrage mêle l'épouvante à un contexte social oppressant, où tous les membres d'une même famille semblent être atteints de tares psychologiques. Concernant Marianna Hill qui incarne donc ici le rôle d'Alba, on se souvient surtout de son rôle dans le film d'horreur culte Messiah of Evil signé de Willard Huyck et Gloria Katz en 1973. Soit, la même année que The Baby. Mais aussi et surtout, l'actrice marqua de sa présence un autre western interprété ET réalisé par Clint Eastwood. Le mythique L'homme des hautes plaines dans lequel Marianna Hill interprétait le rôle de la nymphomane Callie Travers ! En dehors de l'absurde idée d'un trentenaire se promenant en couche, à quatre pattes, bavoir sous le menton et incapable de parler sans que cela n'émeuve quiconque dans l'entourage des Wadsworth, le plus surprenant reste sans doute l'attitude de l'assistante-sociale. Qui plus que de se révolter face à cette mère qui cultive l'état de retard mental de son fils semble tout d'abord y participer en relayant elle-même un comportement qui n'arrange rien à l'évolution mentale de ''l'enfant'' ! En outre, le script cultive un certain mystère autour de la jeune femme qui dès que l'on cherche à en savoir davantage sur son époux, apparemment décédé, reste muette ! Si dans la catégorie des films d'horreur ou d'épouvante l'on a déjà vu nettement plus radical, The Baby reste malgré tout relativement dérangeant sous certains aspects. Quelques séquences inenvisageables font pourtant partie du ''package''. Comme cette scène, invraisemblable, où pour calmer le fils Wadsworth, sa baby-sitter lui donne le sein ! Notons que David Mooney est assez convainquant. Et même si l'on découvre rapidement que les gazouillis ne sortent pas directement d'entre ses lèvres mais de celles d'un doubleur en post-synchronisation, son attitude, sa gestuelle et ses mimiques semblent témoigner de son apprentissage auprès de très jeunes enfants... Si le contexte semble réellement délirant même si le film a malheureusement tendance à tourner en boucle, réalisateurs et scénaristes ne nous avaient pourtant pas préparés au final sans doute encore plus fou qui clôt le récit. Bref, un film à part...

 

Schizoid de David Paulsen (1980) - ★★★★☆☆☆☆☆☆

Schizoid ou le genre de titre qui fleure bon la petite production horrifique glauque et paranoïaque à la manière d'un Maniac de William Lustig, d'un Pyromaniac (Don't Go in the House) réalisé par Joseph Ellison ou d'un Cauchemars à Daytona Beach signé de Romano Scavolini. Pourtant, le seul véritable rapport entre ces quatre longs-métrages demeure dans le fait qu'ils soient tous sortis à peu de chose près à la même période (une sortie un peu plus tardive pour le quatrième cependant). Question émotion, le film de David Paulsen ne bousculera pas trop les habitudes de ceux qui se sont nourris à des sources horrifiques beaucoup plus prudentes. De ces serial killers totalement barrés que l'on croisait au détour d'une série télévisée policière telle que Starsky et Hutch, laquelle, reconnaissons-le, nous offrit quelques jolis frissons en la matière. À titre d'exemple, quel cinquantenaire a pu oublier le tueur de chauffeurs de taxi interprété par l'effrayant Richard Lynch dans l'épisode Quadrature ou le ''suceur de sang'' incarné par le glaçant John Saxon dans l'épisode Vampirisme ? En fait, peu je suppose. Par contre, moins nombreux seront peut-être ceux en mesure de se souvenir du Klaus Kinski de Schizoid qu'il est un peu trop facile (et donc malhonnête) d'imaginer en tueur en série dans ce qui demeure un petit film d'épouvante somme toute insignifiant...

En multipliant les caractérisations ambiguës de personnages souvent creux, David Paulsen noie le poisson et pousse forcément le spectateur dans la mauvaise direction. Une manière d'aborder la chose de façon tout à fait superficielle puisque manquant cruellement d'imagination. Et si l'on se tient à cette imagination qui fait défaut, sachez qu'elle s'étend au delà du scénario pour nous proposer des meurtres insipides ne faisant preuve d'aucune originalité. Ritualisant l'acte à l'aide d'une paire de ciseau, le tueur de Schizoid ne risque pas de faire de l'ombre mais plutôt du tort à la vague de gialli qui sévissaient déjà depuis un certain nombre d'années en Italie. Car oui, le tueur, ici, arbore une silhouette telle qu'on en rencontrait à l 'époque de la trilogie animale de Dario Argento, l'un des grands maîtres de ce sous-genre typiquement transalpin que le réalisateur originaire des Pays-Bas tente vainement d'imiter. Schizoid, ennuyeux ? Oui, très certainement. Relativement mal interprété également. Klaus Kinski a beau être d'un charisme presque outrancier, on le préfère nettement plus dans les prestigieux costumes de Don Lope de Aguirre ou de Brian Sweeney Fitzgerald, héros de deux chefs-d’œuvre réalisés de main de maître par son congénère allemand Werner Herzog, que dans celui du psychiatre Pieter Fales. Et dont la fille Alison (Donna Wilkes) détournera l'attention du spectateur moins pour sa plastique somme toute quelconque mais toutefois irréprochable que pour son obsession maladive liée au décès de sa chère maman.

Au générique de Schizoid on retrouve dans le rôle féminin principal l'actrice Donna Wilkes, victime non consentante d'un tueur en série qui reçoit en outre des lettres anonymes. La même qui sept ans auparavant insistait lourdement pour que ''l'étranger'' de l'immense classique du western réalisé par Clint Eastwood (L'Homme des Hautes Plaines) la ''viole'' dans une grange. Dans le rôle de Doug, l'époux de l'héroïne, on retrouve l'acteur Craig Wasson qui, si dans le film de David Paulsen ne brille pas par son interprétation, a cependant été retenu par Brian De Palma pour incarner le rôle de Jake dans son formidable Body Double en 1984. Outre ces deux là, les spectateurs reconnaîtront sans doute l'acteur Richard Herd qui interpréta notamment le rôle de Owen Paris dans la série de science-fiction Star Trek – Voyager, Joe Regalbuto, visage bien connu des amateurs de séries qui joua dans la série Tonnerre Mécanique ou dans NCIS et Esprits Criminels mais aussi parfois sur grand écran (Le Contrat de John Irvin en 1986), ou encore Christopher Lloyd, qui deviendra bientôt célèbre dans le monde entier pour son rôle du Dr. Emmett Brown dans la trilogie de Robert Zemeckis Retour vers le Futur, bien qu'il fut avant cela l'un des formidables interprètes de Vol au Dessus d'un Nid de Coucou de Milos Forman. Malgré un casting quelque peu alléchant, cette production Cannon qu'est Schizoid ne bousculera pas les habitudes des amateurs de slashers, gialli et autres petites productions horrifiques. Un film qui s'oublie aussi rapidement qu'il a été vu...

Blood Beach de Jeffrey Bloom (1980) - ★★★★☆☆☆☆☆☆

Sorti en 1980, Blood Beach est le troisième long-métrage du réalisateur américain Jeffrey Bloom qui avant cela avait tourné les deux comédies Dogpound Shuffle en 1975 et The Stick Up deux ans plus tard. Avec son troisième long-métrage, il se décide finalement à changer de registre et signe une petite série B horrifique qui malheureusement ne fait pas de vagues. Un comble pour un film se déroulant principalement sur une plage sous le sable de laquelle une créature s'en prend aux touristes. Aspirés sous le sable, ils disparaissent les uns après les autres sans que les autorités ne soient en mesure de l'attraper. On ne peut pas dire que le Sergent Royko se sente véritablement investi d'une mission de la plus haute importante. Quant au Lieutenant Piantadosi, il a beau se montrer inquiet de la tournure que prennent les événements, on ne le verra jamais vraiment s'affoler. S'il ne fallait qu'une preuve du peu d'implication des deux flics dans cette affaire, il suffit d'assister à l'hallucinante scène durant laquelle un certain Alan Hench, porté disparu, remonte des égouts dans un état déplorable. Alertés par les hurlements stridents d'une femme, Royko et Piantadosi s'en approchent... tranquillement... sans avoir vraiment conscience de la situation. Et dire qu'ils sont chargés de protéger leurs concitoyens... on se demande dans quelles proportions ces deux là ont été projetés par hasard dans les services de police...

Vu dans sa version ''Uncut'', je pensais que cela voulait signifier que Blood Beach (traduit chez nous sous le titre La Plage Sanglante) était plus sanglant. En fait, dans le cas présent, cela veut surtout évoquer le fait que l'on s'y emmerde davantage que dans la version charcutée. Des séquences coupées à l'époque pour que le film puisse sortir en salle accompagné du symbole de classification ''Rated R'' signifiant qu'une personne âgée de dix-sept ans ou moins était autorisée à aller voir le film accompagnée d'un adulte. Entre les deux versions, une poignée de secondes de différence seulement dont la plus notable demeure sans doute la présence d'une main griffue s'en prenant à la jambe de l'une des victimes de la créature. Le reste n'a aucune sorte d'intérêt, les ajouts ne constituant qu'un total d'un peu plus de trois secondes. La chose ne serait pas tant à déplorer si Blood Beach n'était pas si navrant. Est-ce parce que le titre à lui seul est générateur de fantasmes chez l'amateur d'horreur, mais de sang, le spectateur avide d'hémoglobine va devoir faire sans et ranger pour un temps son enthousiasme. À part quelques furtives effusions de sang, le film de Jeffrey Bloom ne tient pas du tout ses promesses. Du moins le titre qui sans doute dans l'esprit des spectateurs promettait une succession de scènes gore mais qui au final offre le minimum syndical...

C'est donc tout naturellement vers le récit et les interprètes que le spectateur sera contraint de se retourner à défaut de jouir de scènes d'horreur dignes de ce nom. Mais là encore, c'est le vide sidéral. L'histoire, d'abord intrigante, s'avère au final terriblement plate. Le scénario est d'un vide abyssal et l'interprétation à égal intérêt. Connaissant certains des interprètes, leur piètre jeu ne peut être mis qu'au crédit d'un réalisateur aux abonnés absents. Car comment reconnaître sinon que Burt Young (nominé pour son rôle dans Rocky de John G. Avildsen en 1976 et interprète chez Roman Polanski, Sam Peckinpah, Damiano Damiani ou Stuart Rosenberg) ou John Saxon (La Fille qui en Savait Trop de Mario Bava en 1963, Black Christmas de Bob Clark en 1974, Ténèbres de Dario Argento en 1982, Les griffes de la Nuit de Wes Craven en 1984) soient si peu convaincants à l'écran ? Otis Young (Les Bannis, Columbo : Jeu d'identité), Marianna Hill ( El Condor de John Guillermin en 1970, Le Parrain 2 de Francis Ford Coppola en 1974) et David Huffman (Firefox, l'Arme Absolue en 1982) font le taf mais c'est peut-être finalement l'actrice Eleanor Zee dont la carrière est essentiellement télévisuelle qui demeure la plus convaincante dans le rôle de la clocharde muette Mrs. Selden. Là encore, un comble ! Blood Beach ne tient absolument pas ses promesses en matière d'horreur. Si le titre est trompeur, la réalisation est relativement médiocre et déteint sur l'interprétation d'un casting pourtant intéressant. Si passer une heure et vingt-cinq minutes devant un film où il ne se passe pas grand-chose ne vous dérange pas, alors Blood Beach est fait pour vous. Pour les autres, veuillez passer votre chemin...

Messiah of Evil de Willard Huyck (1973)

Il n'en a peut-être pas l'apparence, mais réjouissez-vous chers fidèles lecteurs, de pouvoir découvrir cet article consacré à un obscure long-métrage signé par un réalisateur originaire de Los Angeles qui n'en signa durant sa carrière de cinéaste que quatre, et pas un de plus. Surtout connu pour avoir signé le très indigeste Howard... une Nouvelle Race de Héros, Willard Huyck fut aussi et surtout le géniteur d'un Messiah of Evil proprement hallucinant. Que ce soit au sens propre comme au figuré puisque son œuvre n'a toujours pas trouvé d'équivalent réel depuis sa sortie. Tout au plus pourrions-nous remonter dix ans en arrière, c'est à dire le 26 septembre 1962, date de sortie de l’œuvre culte de Herk Harvey, Carnival of Souls.

Messiah of Evil n'est ni un film de fantômes, ni un film de zombies à proprement parler, et pourtant, quelques éléments viennent étayer ce dernier aspect : en effet, les âmes tourmentées qui traînent leur silhouettes dans les rues abandonnées de la ville côtière de Point Dune ont ceci en commun avec les morts-vivants de George Romero qu'ils demeurent presque impossibles à « détruire » et se nourrissent de chair humaine.

Mais contrairement au message écologique véhiculé par La Nuit des Morts-Vivants qui veut que l'utilisation de produits hautement radioactifs aient des conséquences terribles sur l'intégrité physique de nos morts, ceux de Messiah of Evil sont les victimes d'une légende remontant un siècle en arrière et dont l'un des signaux refait surface de nos jours, et ce, justement dans cette petite ville de Point Dune où la belle Arletty espère retrouver son père dont certaines lettres au contenu inquiétant ont rendue anxieuse la jeune femme. Très vite, nos repères sont bousculés à travers des rencontres parfois furtives (le clochard qui conseille à Arletty de tuer son père lorsqu'elle l'aura retrouvé) et parfois permanente comme le personnage de Tom qui ne cessera de lui coller aux basques. Tandis qu'il nous laissait au départ une bien curieuse impression, on souffle, rassurés désormais de le voir s'enquérir de la santé d'une jeune femme laissées seule dans une ville aux allures inquiétante.

La ville côtière n'est peut-être pas le décor le plus angoissant de Messiah of Evil (quoique le cinéma et le supermarché apportent une valeur ajoutée à l'effroi que l'on ressent lors de la visite nocturne des deux copines de Tom), mais il demeure le théâtre d'événements qui n'ont nullement besoin d'en faire des tonnes pour semer un sentiment d'angoisse bien réel. L'un des environnements les plus singulièrement effrayants du film demeure dans la galerie recouverte de peintures « arty » anxiogènes. Il aura suffit de quelques trompes l’œil et surtout d'une galerie de portraits semblables aux « fantômes » dispersés puis regroupés la nuit dans les rues de Point Dune pour nous filer une trouille bleue. Des peintures hyper-réalistes si bien agencées que l'on a en permanence l'impression d'être défiés du regard par tel ou tel visage blafard.

D'ailleurs, comme pour appuyer le propos, Willard Huyck filme justement l'une de ses héroïne ne sachant plus comment s'endormir puisque quel que soit sa manière de reposer son visage sur l'oreiller, elle est systématiquement « agressée » par le regard mort de l'un des personnages peints sur les murs de la galerie. Messiah of Evi diffuse lentement son nauséeux propos comme le ferait un cauchemar dont nous ne parviendrions pas à nous extraire. Ce film de 1972 s'insinue immédiatement dans notre esprit et laisse une trace indélébile, de celles qui s'inscrivent face à des œuvre conquérant des terres encore inexplorées. Messiah of Evi n'est rien de moins qu'un chef-d’œuvre halluciné. Un cauchemar fait les yeux totalement écarquillés. Et si l'interprétation est perfectible, la mise en scène de son auteur est si bien construite qu'elle parvient à faire oublier les menus défauts qui pourraient l'émailler. A voir absolument...

L'Homme Des Hautes Plaines de Clint Eastwood (1973)

Loin de pomper honteusement l'héritage laissé par le grand Sergio Leone, grand maître du western spaghetti, comme le feront des légions de cinéastes à travers de vagues séries b, voire z, Clint Eastwood, (tout comme le fit Alessandro Jodorowski en son temps avec le cultissime western ésotérique El Topo) choisit la voie de l'originalité lorsqu'il réalise "L'homme des hautes plaines", film de cow-boys donc, mais crépusculaire et mystique, très loin de ce qu'on a l'habitude de voir sur les écrans.

Ici, point d'indiens, ni de folles chevauchées dans les plaines de l'ouest américain. Tout est concentré sur une petite ville, Lago, où un drame est survenu il y a quelques temps: Un homme à été lâchement lynché par trois autres sans que personne n'intervienne lors de la rixe. L'homme finira par mourir sous les nombreux coups de fouets infligés et sous les regards de villageois médusés. Après avoir été dénoncés, les trois hommes seront finalement arrêtés et enfermés dans une autre ville après avoir menacé les habitants de Lago de venir se venger à leur sortie de prison. Trois hommes seront alors envoyés en ville afin de s'assurer de la protection des villageois. En réalité, ils profiteront de la lâcheté pathologique de chacun pour agir en véritables tyrans.

Mais c'était sans compter sur l'arrivée d'un étranger, un homme sans nom (interprété par Clint Eastwood lui-même), que les trois hommes viendront provoquer et qui très vite finiront tués sous les balles de ce dernier.

Les villageois, enfin libérés du joug de ces trois hommes, proposent à l'étranger qui n'était semble-t-il que de passage, contre espèces sonnantes et trébuchantes, et même, voire beaucoup plus, de rester en ville afin de les protéger du retour imminent des trois lyncheurs du début. Après réflexion, mais surtout, après s'être assuré qu'il obtiendrait des villageois tout ce qu'il désire, l'homme accepte la mission que lui ont confié les "notables" de la ville... 

 

Le film débute de façon plutôt classique, même si le générique assez étrange pour un western semble démentir cette impression. On retrouve presque alors, le personnage campé par Eastwood dans "Pour une poignée de dollars" de Leone, avec le cigarillos au bords des lèvres, le chapeau aux larges bords vissé sur la tête et surtout, le stoïcisme du héros face aux provocations de ceux qui voient en lui un usurpateur... Une froideur qui ne sera pas étrangère aux événements qui se sont produits quelques temps auparavant. Et c'est autour de ce personnage énigmatique que l'intrigue se construit. Derrière un calme stupéfiant, l'homme agit envers les villageois de façon immorale voire odieuse, comme si ceux-ci devaient payer au prix fort, et cela de façon systématique, leur lâcheté.

L'homme leur apprendra à tenir une arme, à s'en servir, pour que lorsqu'au retour des trois bandits, les villageois soient enfin prêts à affronter leur mauvais démons. Il ira même jusqu'à leur demander de repeindre la ville en rouge. Le jour J, lorsque les trois bandits sortent de prison, il décide simplement d' abandonner les villageois à leur triste sort. Pourquoi? Ce sera aux spectateurs de le deviner... 

 

Clint Eastwood, égal à lui-même, campe un cow-boy désincarné, ne parlant jamais pour ne rien dire et nageant bien au delà de ce qui semble être le sujet des préoccupations du village tout entier. Pendant plus d'une heure trente, le mystère entourant son personnage sera total. Ou presque puisqu'à plusieurs reprises, on le verra rêver de celui qui fut lynché quelques temps auparavant signifiant que son arrivée au village semble avoir un rapport avec le sus-dit événement. Il est à noter que la version française a apporté un changement important sur la conclusion de l'histoire, ce qui enlève un peu de ce qui fait la force de ce film: son imprégnation dans le domaine du fantastique. En effet, un détail a été purement et simplement revu et corrigé lors du doublage dans la langue de Molière et rends ainsi la fin du film plus anecdotique que dans la version d'origine et c'est pourquoi il est important de découvrir ce film dans sa version originale et sous-titrée.

Un très grand western qui ne renouera malheureusement pas ceux qui sont hermétiques à ce type de cinéma avec les grands chefs-d’œuvre de Leone et consorts mais qui mérite tout de même que l'on s'y attarde....