The Ruins de Carter Smith (2008) - ★★★★★★★☆☆☆

 

 

 

Auteur en 2022 de Swallowed et l'année dernière de The Passenger, le producteur, réalisateur et scénariste Carter Smith signa en 2008 un petit film d'horreur intitulé The Ruins. Œuvre australo-américano-germanique, elle prends comme site géographique une forêt mexicaine et plus précisément, un ancien temple Maya rattrapé par la végétation. Conviée par leur nouvel ami Mathias (l'acteur britannique Joe Anderson) à le suivre lors d'une pérégrination au pied d'un site apparemment abandonné, une bande de quatre amis d'origine américaine va se retrouver piégée au sommet du temple en question après qu'ils aient été subitement attaqués par des autochtones particulièrement agressifs. Accompagnés d'un cinquième randonneur, celui-ci sera promptement abattu d'une flèche en plein cœur sans que le guide, Amy (Jena Malone), Jeff (Jonathan Tucker), Eric (Shauwn Ashmore) et Stacy (Laura Ramsey) n'en comprennent la raison. D'où l'utilité d'apprendre les langues locales des lieux étrangers que l'on visite ! Le spectateur découvrira bien évidemment pourquoi ces descendants du peuple Maya qui en outre vont stationner au pied du temple se montrent aussi virulents envers les nouveaux venus. On pourrait tout simplement croire que les indigènes ne supportent pas la présence d'étrangers au sein de leur territoire. Une éventualité qui sera très vite balayée et qui, au pire, aurait été préférable au sort qui attend nos vacanciers et leur guide. Si The Ruins démarre par une séquence relativement classique mettant en scène de jeunes touristes picolant au bord d'une piscine (occasion pour eux de faire la connaissance de l'allemand, Mathias), le ton se fera très rapidement moins léger et donc plus rude pour eux... et pour le spectateur. Surtout si ce dernier n'est pas coutumier des scènes gore et si une simple épine enfoncée dans la paume de sa main lui fait tourner de l’œil. Si l'horreur n'est ici pas aussi abondante que dans la plupart des films dits ''gore'', il est certain que l'engouement avec lequel l'équipe en charge des effets-spéciaux s'est appliquée à rendre les scènes d'horreur les plus réalistes qui soient risque de faire serrer les dents des spectateurs les moins endurcis.

Si The Ruins n'aurait pu être qu'un énième Survival dans lequel des touristes auraient été au contact d'autochtones ne souffrant pas leur présence dans leur contrée, le long-métrage, inspiré d'une nouvelle écrite puis scénarisée par Scott B. Smith va bien au delà du simple film gore en investissant le territoire du fantastique. Situant la quasi totalité de l'intrigue au sommet d'un vieux temple avec vue sur les agresseurs installés en contre-bas, Carter Smith multiplie donc les dangers. Impossible donc pour nos jeunes américains de redescendre puisque la sentence serait pour eux une mort certaine. Comme il demeure également impossible, on l'imagine, de survivre plus que quelques jours tout en haut d'un édifice en raison du manque d'eau et de nourriture. Heureusement pour nos protagonistes, le réalisateur n'étant pas du genre à les regarder souffrir durant de trop nombreux et pénibles cycles jours/nuits, son scénariste va faire appel à un élément extérieur plutôt malin et que celles et ceux qui pensent que les arbres ont une conscience de soi risquent de prendre au premier degré. Bon, pour être tout à fait bref et objectif, le film est moins sombre que prévu. Certes les quelques séquences gore sont plutôt gratinées (Ahhhhh, cette magnifique double amputation des jambes de Mathias), mais le site où furent tournées les images auraient dû contraindre Carter Smitth à aller fouiller un peu plus en profondeur dans les entrailles du temple Maya plutôt que de nous servir une courte scène pas si anxiogène que ça. Le quintet est plutôt convainquant, avec deux actrices féminines qui tremblent à loisir au point qu'on pourrait presque croire que ce qui leur arrive est réel (ouais, faut pas charrier tout de même) et trois hommes totalement dépourvus (ou presque) de solutions. Au final, The Ruins est une sympathique petite série B horrifique...

 

Concécration de Christopher Smith (2022) - ★★★★★★★☆☆☆

 

 

Le réalisateur britannique Christopher Smith n'est certes pas le cinéaste qui pousse les critiques à noircir des pages par dizaines chaque fois que l'une de ses œuvres voit le jour et n'est sans doute pas le plus grand pourvoyeur en matière de films d'horreur et d'épouvante, toujours est-il que le ''savoir-faire'' est chez lui comme une seconde nature. Creep en 2004, Triangle en 2009 ou bien encore Black Death l'année suivante montrent à eux seuls la capacité de ce passionnant artisan à se renouveler. Qu'il s'agisse d'enfermer durant quatre-vingt dix minutes une jeune femme dans le métro londonien et de la confronter à un créature monstrueuse, fruit d'étranges expériences ou de convoquer un groupe d'adolescents sur un bateau de croisière pour une aventure en forme de boucles temporelles, le public en ressort invariablement conquis. Le cinéma de Christopher Smith ne réinvente rien tout en y apportant une touche personnelle qui chaque fois fait mouche. Et c'est d'ailleurs une fois encore le cas avec Consécration que l'on se désespère de découvrir en France dans les salles obscure. Ceux qui ont vu et ont apprécié Black Death seront sans doute les premiers à être happés par cette histoire où la religion, le Bien et le Mal sont au cœur d'un récit qui se complaît à prendre le spectateur à revers. Rien que de très banal penseront nombre de spectateurs, et c'est parfois vrai. Mais là où Christopher Smith met un point d'honneur à se détacher de la concurrence s'inscrit en terme d'ambiance. En misant sur le compositeur Nathan Halpern et sur un sound Design bourré de chants religieux sous infusion de réverbération, le réalisateur britannique offre à son dernier long-métrage une ampleur exceptionnelle agrémentée de surcroît par un accent typiquement irlandais.

 

 

Autant dire que le jour où l'occasion de découvrir Consécration s'offrira au public hexagonal, il sera plus que recommandé de le découvrir dans sa langue d'origine. Pour en venir au récit, l'histoire se concentre tout d'abord sur la jeune Grace dont le frère, un homme d'église prénommé Michael, s'est semble-t-il suicidé après avoir tué un prêtre faisant partie de la même congrégation. La priorité étant désormais pour la jeune femme de découvrir toute la vérité sur ce drame, Grace décide de se rendre en Irlande afin de dénouer le nœud de l'affaire. Là-bas, elle rencontrera en outre la sinistre mère-supérieure (Janet Suzman), le père Romero (Danny Huston), lequel sera chargé de mettre un peu d'ordre au cœur de cette frange extrémiste du catholicisme, d'un inspecteur de police (Thoren Ferguson) mais verra également ressurgir le douloureux passé qu'elle vécu en compagnie de son frère auprès de leur très violent père adoptif. Christopher Smith ajoute au récit des éléments forcément fantastiques mais donne aussi et surtout une image du Christianisme relativement dégradée. Qu'il s'agisse de la plupart de ses représentants ou du père de Grace, lequel porte à la main une croix comme d'autres une massue ou un poignard, celui ou celle qui porte autour du cou la croix du Christ apparaît invariablement comme un représentant du Mal tandis que la jeune héroïne (incarnée par Jena Malone) semble être la seule ou presque à faire partie du camp du Bien. Outre son extraordinaire atmosphère dont l'intensité décuple lors du dernier acte, Christopher Smith assène quelques bonnes idées visuelles comme ce court plan-séquence de Grace rentrant chez elle tout en étant filmée à travers le reflet d'un miroir.

 

 

Une séquence apparemment anodine quoique étant aussi improbable que l'Escalier de Penrose mais qui en dit certainement très long sur le subterfuge qu'est en train de mettre en place le réalisateur. L'un des concepts de Consécration repose effectivement sur des idées préconçues nées de certains comportements. C'est d'ailleurs sans doute là que le long-métrage se casse modérément la gueule. En effet, quelques éléments viennent confirmer la grossièreté de l'approche. Mais rien de grave en définitive. Les effets-spéciaux sont rares et donc discrets... dès lors qu'ils n'affichent pas des CGI de très mauvaise condition comme le suicide de plusieurs nonnes au sommet d'une falaise. On aura de nos jours rarement vu effet de si mauvaise facture ! Mais là encore, il ne s'agit que d'un détail car par delà ces quelques défaillances auxquelles s'ajouteront celles d'un script pas toujours à la hauteur, Consécration assure le spectacle de bout en bout même si l'enquête est fort logiquement en deçà de celle du formidable Le nom de la rose. N'est pas Jean-Jacques Annaud qui veut. Les amateurs de beaux paysages pourront d'emblée admirer de magnifiques falaises irlandaises quand d'autres se prêteront au jeu du fantasme en se remémorant quelques classiques du septième art tel que The Devils de Ken Russell ou Le bon apôtre de Gareth Evans même si une fois encore, Consécration se montre inférieur. Ce qui au premier abord ressemble à un imbroglio de séquences incohérentes et confuses trouve finalement une certaine logique lors des derniers instants. Bref, le dernier long-métrage de Christopher Smith n'est certainement pas voué à devenir un classique du genre mais que voulez-vous, quand on aime, on ne compte pas. Perso, j'adore !

 

Swallowed de Carter Smith (2022) - ★★★★★☆☆☆☆☆

 

 

 

Quel étrange film que Swallowed de Carter Smith. Il s'agit du premier long-métrage pour ses deux principaux interprètes Cooper Koch et Jose Colon. Colon... ? Un patronyme prédestiné pour celui qui dans le rôle de Dom va se faire extraire les boulettes de drogue d'une nature étonnante que contenait jusque là son estomac par son compagnon Benjamin. Deux gravures de mode qui vont connaître la pire soirée et la pire journée de leur existence. C'est en effet parce que Dom a voulu aider financièrement son petit ami pour son futur projet que les deux hommes vont être contraints par arme à feu, à jouer les mules et ainsi faire passer la frontière, des boulettes renfermant une drogue d'un genre tout à fait inédit. Si la très belle affiche force un peu trop sur la connotation sexuelle qui parasite le long-métrage dans son ensemble (Nous n'avons effectivement pas obligatoirement besoin d'entrer dans les détails intimes de ce couple gay), elle donne en outre une indication sur le déroulement de l'aventure que s'apprêtent à vivre Dom et Benjamin (lequel espère faire carrière dans le porno-gay !!!). Un titre en forme de chibre qu'avale le second et dont le prolongement ressemble aux parasites chers aux Cronenberg père et fils...

La comparaison s'arrêtera cependant là puisque le talent de l'américain n'égalant pas celui des canadiens, Swallowed est indéniablement inférieur aux œuvres dont il semble parfois s'inspirer. L'un des gros points noir du long-métrage de Carter Smith se situe au niveau du rythme. L'on a l'inconfortable impression que le récit se déroule dans son intégralité en apesanteur. Et ce ne sont pas les interventions de Jena Malone dans le rôle d'Alice et de Mark Patton dans celui de Rich qui vont désamorcer cette impression de flottement qui règne au sein de ce thriller horrifique relativement mou et dont les quatre-vingt seize minutes auraient probablement pu être réduites de moitié. Le film fait la part belle à la communauté lgbtqia2s+ puisqu'à part un redneck hétéro, obèse, violent et dénué de tout neurone, le film met en scène trois homosexuels et une lesbienne ! Passées ces considérations qui énerveront les intégristes de l'hétérosexualité et laisseront indifférents ceux qui n'accordent comme intérêt au film que son scénario, le film bénéficie parfois d'une bonne ambiance. Surtout lors des séquences nocturnes, accompagnées par l’envoûtante partition musicale du compositeur Christopher Bear...

Interviennent donc ensuite Alice et Rich qui tout deux ont monté une affaire de trafic de drogue lucrative. Enfin, surtout pour le second puisque la première semble être surtout à sa botte. L'acteur gay Mark Patton assume ici totalement son homosexualité, trente-sept ans après avoir été le héros de La revanche de Freddy dont le contenu implicitement homo-érotique n'était connu ni du réalisateur Jack Sholder (notamment auteur du génialissime The Hidden) ni de l'acteur lui-même. En ''bandit'' ultra-maniéré, au visage émacié et ''savamment'' abîmé par le temps, le personnage incarné par Mark Patton délivre un message érotique quasi permanent, délaissant de manière invraisemblable la question des boulettes de drogue alors qu'un instant auparavant Rich nous expliquait qu'après récupération de ces dernières, il lui ne lui restait que vingt minutes pour les reconditionner ! Carter Smith force le curseur de telle manière que le sujet indispose davantage dans sa manière d'évoquer la sexualité de ses personnages que dans l'approche horrifique ou le thriller. S'éternisant ad nauseam sur la manière d'expulser la drogue non pas à l'aide de laxatifs comme cela est, me semble-t-il, généralement d'usage mais en pratiquant de longues et pénibles séances de Fist-fucking, insistant énormément sur l'attirance de Rich pour le sculptural Benjamin jusqu'à l'inviter à se désaper devant lui avant de se plonger dans un bain (prétexte fallacieux permettant ainsi de récupérer la dernière boulette de drogue), Swallowed évoque avec autant de crudité l'univers et notamment la trilogie Teenage Apocalypse Trilogy du cinéaste américain Gregg Araki. Sauf que dans le cas présent, tout sent le forcé. Sur un rythme léthargique qui épuisera les moins patients avant que n'intervienne le générique de fin, Carter Smith signe une œuvre poussive et artificiellement démonstrative dans son choix de provoquer le spectateur lors de séquences suggérées se montrant donc finalement peu transgressives et qui perdurent un peu trop dans le temps...

 

The Neon Demon de Nicolas Winding Refn (2016) - ★★★★★☆☆☆☆☆

 

 

Avec son avant-dernier long-métrage Only God Forgive réalisé en 2013, le réalisateur danois Nicolas Winding Refn divisait les critiques. Poussé par le désir d'offrir une œuvre esthétiquement brillante et guidée par une approche sensorielle et épidermique, on pouvait (ou pas) lui faire remarquer qu'il manquait simplement à ce petit bijou, l'un des aspects fondamentaux qui transforme définitivement un film en chef-d’œuvre et auquel ne manque finalement plus qu'une chose : un vrai scénario ! Alors... Pour ? Ou contre ? Perso, définitivement pour... Trois ans plus tard, Nicolas Winding Refn revient avec The Neon Demon. Et déjà, alors, certains visages se crispent. Une affiche qui laisse supposer que le danois à choisi de rester sourd aux précédentes critiques et de n'en faire qu'à sa tête en creusant encore un peu plus loin le sillon d'un style visuel qui n'a plus grand chose à prouver ni plus rien en commun avec ses débuts de carrière. De la superbe séquence d'ouverture gothico-horrifique exhibant sur un canapé une Elle Fanning aussi rigide qu'un mannequin d'exposition toute gorge tranchée, on croit un instant que le danois, plutôt que de soigner (enfin) son scénario, a peut-être finalement adopté la méthode d'un Dario Argento (dont les dernières œuvres de Nicolas Winding Refn empruntent l'imagerie sublime mais néanmoins criarde), décrétant qu'une enfilade de meurtres vaut sans doute aussi bien qu'un script bien torché. Mais cette vision macabre qui plus tard sera rejointe par des examens de la conscience humaine par trop dérangeants, ne sert finalement pas de menu à un plat de résistance sanguinolent. Plutôt à une fausse critique du milieu de la mode, sujet qui, forcément, colle idéalement au style visuel du réalisateur.

Clipesque et scintillant comme aux plus beaux jours du Glam Rock, l'ombre sans doute involontaire (quoique) du disco et de ses paillettes en forme d'étoiles ferait presque ressembler notre héroïne à l'un des membres féminins du groupe suédois ABBA ! En s'égarant parfois sur les mêmes chemins de travers que Julian Hopkins, héros incarné par l'acteur Ryan Gosling trois an auparavant dans Only God Forgive, Elle Fanning/Jesse figure son pendant féminin. Adolescente parfaite d'un point de vue esthétique. De même que d'un point de vue morale, le caractère de cette gamine trop vite lancée sur la piste du succès demeure jusqu'ici tout à fait tempéré. Tout The Neon Demon ou presque est déjà relégué lors de la séquence d'ouverture lors de laquelle Jesse ressemble moins à un cadavre égorgé qu'à l'un de ces mannequins de cire qu'exposent les devantures de magasins de fringues. Une posture apparemment anodine qui révèle en fait l'exploitation du corps humain et notamment celui de la femme enfermée dans son rôle d'objet de fantasme. Une aberration qui mène les plus ambitieuses à quitter leur forme originelle à grands coups de bistouris afin de décrocher le ''rôle'' de leur vie. Le dernier long-métrage de Nicolas Winding Refn ne résoudra pourtant sans doute pas l'épineux problème auquel se sont confrontés certains spectateurs trois ans plus tôt. Le danois est gourmand. Trop sans doute puisqu'il ne termine jamais son assiette (comprenne qui pourra). Du moins semble-t-il en être ainsi avec The Neon Demon.

Si l'on comprend la relation entre l'héroïne et le démon du titre, l’avènement du second survient comme un cheveu dans la soupe. Le passage de l'une à l'autre se déroulant sur un trop petit nombre de séquences pour que la chose demeure crédible. Si le réalisateur convie bien Dario Argento, David Lynch est lui aussi invité au banquet, mais de très loin, installé en bout de table. Sans que jamais Nicolas Winding Refn ne s'y retrouve en matière de génie. D'où cette question qui demeure, une fois encore: Mais où est donc passé le scénario ? Car si l'on retrouve le compositeur Cliff Martinez aux manettes de la bande-son et la remarquable touche visuelle du précédent long-métrage du danois (bien que Beth Mickle ait abandonné son poste de directrice artistique au profit de Nicole Daniels et Courtney Sheinin), les scénaristes Mary Laws et Polly Stenham ainsi que le réalisateur ont beau s'y être mis à trois pour écrire le script, le résultat à l'écran ressemble davantage à un mélange peu savant d'idées n'ayant pas toujours de relations entre elles. The Neon Demon se veut sans doute allégorique, fantasmagorique mais se révèle surtout, bordélique et n'est que le reflet d'une vitrine exhibant un Nicolas Winding Refn esthète... À noter la présence amusante (mais parfaitement inutile) de Keanu Reeves en propriétaire de motel graveleux et de superbes créatures parmi lesquelles, les actrices Jena Malone, Bella Heathcote ou encore Abbey Lee Kershaw...

 

Sélection de 3 films à voir, à revoir... ou à éviter (5) Spéciale Hunger Games

Majoritairement (pour ne pas dire, unanimement) encensé par la presse française, Hunger Games : L'Embrasement est la seconde adaptation de la trilogie de romans écrits par Suzanne Collins. Deux choix s'imposent que l'on soit amateur du genre ou pas. Si l'on se positionne en tant que spectateur ayant aimé Hunger Games, premier du nom, on pourra aimer cette suite, même s'il faut reconnaître objectivement qu'elle ne ressemble à rien d'autre qu'à une 'mise à jour 2.0' du premier. Alors, bien sûr, si l'on n'est pas trop regardant et que la possibilité d'assister à un même spectacle divisé en plusieurs actes amélioré de quelques effets supplémentaires nous suffit, pourquoi pas. Sauf qu'en fait d'embrasement, le long-métrage de Francis Lawrence (qui contrairement aux apparences n'a pas de liens de parentés avec l'actrice incarnant l'héroïne Katniss Everdeen, Jennifer Lawrence) cette suite se révèle plutôt timide. N'ayant pas lu la série de romans, je ne peux par conséquent affirmer ou pas que le long-métrage demeure fidèle au second tome, mais concernant son adaptation, et malgré les indéniables qualités du premier que le nouveau réalisateur à su mettre à son profit pour proposer un spectacle plus impressionnant encore, on pourra quelque peu s'ennuyer devant la redondance du récit. Car Hunger Games : L'Embrasement n'explore que très peu de nouvelles idées. Il fallait à tout prix trouver le moyen de renvoyer l'héroïne combattre dans l'arène. Et pour cela, le récit invoque l'Expiation', cette formule qui permet tous les vingt-cinq ans d'envoyer parmi d'anciens combattants, ceux tirés une fois de plus au hasard. Retour à la case départ donc pour Katniss, Peeta, et en arrière-plan, Haymitch Abernathy (Woody Harrelson), Cinna (Lenny Kravtiz) et l'exubérante Effie Trinket (Elizabeth Banks). Donald Pleasance et le monstrueux personnage Coriolanus Snow sont toujours du voyage.

A part quelques petites nouveautés au niveau du scénario (révolte timide d'une partie du peuple vivant dans les différents secteurs des districts, volonté du président Snow de se débarrasser de Katniss, principe d'alliance, combattants de tous âges), Hunger Games : L'Embrasement se décompose de la même manière que l'épisode précédent. Tirage au sort des candidats, avec à la clé, quelques courageux volontaires. Présentation devant le peuple du Capitole, entraînement au combat, et enfin, survie en milieu hostile pour les combattants du soixante-quinzième tournoi des Hunger Games. Mieux vaut éviter de regarder les deux premiers volets consécutivement car sinon, c'est l'ennui qui guette. En effet, on a très souvent l'impression de regarder le premier opus deux fois de suite. Heureusement que quelques bonnes idées viennent améliorer une œuvre qui se révélait déjà convaincante. La forêt devient tropicale, les combattants forment des groupes d'alliés solides et attachants, et quelques ingénieuses propositions donnent une ampleur dramatique supplémentaire à la phase 'survivaliste'. Comme cette horloge climatique gigantesque ou l'immense champ de force qui recouvre le ciel au dessus de la tête des combattants. On le savait déjà, un troisième volet était logiquement prévu, mais mon dieu que Hunger Games : L'Embrasement se termine en queue de poisson. Comme une ellipse improbable qui donne à la fin de ce second épisode les allures d'un brouillon laissé en l'état. Le long-métrage de Francis Lawrence est une déception pour qui aurait préféré que l'intrigue avance davantage et ne nous resserve pas la même sauce que l'année précédente. Le budget de cette suite fut de cent-trente millions de dollars. Le film rapporta en l'espace du premier week-end seulement et ce, à travers le monde, la modique somme de trois-cent sept millions de dollars. La preuve que le public y adhérait totalement. Il n'aura pas fallut attendre longtemps pour que sorte le troisième volet qui apparu sur les écrans en novembre de l'année suivante...

Hunger Games - La Révolte : Partie 1, c'est le changement dans la continuité. Francis Lawrence nous épargne heureusement une seconde redite et fait enfin avancer le récit d'une dystopie qui n'oublie cependant pas d'abreuver ses images des mêmes métaphores que dans les deux précédents épisodes. L'embrasement annoncé lors du second opus, bizarrement, ne survient finalement qu'au cœur de cette révolte tant attendue, que le spectateur aura sans doute la désagréable occasion de voir scindée en deux, le laissant orphelin de ses héros pendant presque une année entière. L'une des grandes tragédies de cette saga adolescente post-apocalyptique devait survenir durant le générique de fin de Hunger Games - La Révolte : Partie 1, puisque sans que l'on y soit forcément préparé, nous apprenions que ce troisième épisode rendait hommage à l'acteur Philip Seymour Hoffman, retrouvé mort dans sa salle de bain. C'est alors un peu honteusement que l'on pouvait penser qu'outre ce malheureux événement, Francis Lawrence avait peut-être tout de même eu la chance d'avoir en sa possession les scènes qu'avait tourné l'acteur pour le quatrième et dernier volet qui allait sortir l'année suivante, en 2015 ? la réponse est... oui. Une interprétation posthume pour un acteur dont l'absence allait profondément marquer le paysage cinématographique mondial... Si les premiers rôles incarnés n'ont physiquement pas eu le temps de vraiment vieillir (Jennifer Lawrence et Josh Hutcherson n'ont par exemple qu'un an de plus par rapport à l'épisode précédent), leur personnage respectif a part contre beaucoup mûri, conférant ainsi une certaine crédibilité à ces personnalités quittant peu à peu le monde de l'adolescence pour celui, beaucoup plus concret, des adultes. Le récit lui-même semble avoir muté et demeure beaucoup plus sombre qu'auparavant. Débarque pour la première fois, l'actrice américaine d'origine écossaise Julianne Moore dans le rôle de la présidente Alma Coin du District 13.

Comme écrit plus haut, la métaphore persiste dans sa volonté de décrire la manipulation par l'image dans un contexte pas si éloigné du notre. En bons élèves, ce sont cette fois-ci les rebelles qui en font usage afin d'opportunément rallier un maximum d'individus à leur cause. Si l'émotion semblait avoir été bannie du second épisode, et si cette émotion n'est pas des plus courante dans ce troisième opus, il demeure tout de même une séquence foudroyante, magnifiquement mise en images, en musique et en paroles. La chanson, L'arbre du Pendu, dont nous envisagions déjà auparavant la portée mais qui trouve ici matière à chavirer le cœur des spectateurs, donne lieu à une séquence aussi belle que bouleversante. Hunger Games - La Révolte : Partie 1 forme une sorte de huis-clos situé presque exclusivement dans la tour souterraine de quarante étages du District 13. Le cadre se veut plus anxiogène et demeure en total décalage avec la forêt tropicale du second épisode. Les rares sorties en extérieurs servent de prétexte pour nous montrer un paysage dévasté par la guerre et par un homme, un seul, le toujours tyrannique Snow (excellent Donald Sutherland), posant fièrement en dictateur ultime d'un monde en pleine déliquescence. Comme l'est de plus en plus sa suprématie, mise à mal par le grondement d'un peuple qui ne veut plus vivre sous son joug. Visuellement, il demeure dans ce troisième épisode, une énigme difficile à résoudre, et que pas même le budget de cent-vingt cinq millions de dollars ne peut expliquer. Pourquoi suggérer les combats plutôt que de nous en mettre plein la vue ? En effet, même si la subjectivité de l'attaque de l'armée du Capitole contre le District 13 a l'avantage de présenter l’affrontement sous un angle plus anxiogène que spectaculaire (le spectateur est ainsi directement confronté aux conséquences du bombardement de la tour souterraine par les missiles ennemis), une partie du public pourra regretter que le film soit souvent plus contemplatif que rentre dedans. Au bout de trois épisodes, on pouvait espérer que la saga verse davantage dans l'affrontement direct, d'autant plus qu'en terme de tactique militaire, Hunger Games - La Révolte : Partie 1 est plutôt timide. Espérons simplement que le quatrième et dernier volet apportera la réponse attendue du public éprit de vengeance...

N'attendons pas et allons directement dans le vif du sujet. Hunger Games - La Révolte : Partie 2 débute comme s'il n'avait été scindé du précédent épisode que par une longue page de pub d'un an. Pas de générique en dehors de la présentation des sociétés ayant produit le film. On retrouve Katniss comme si nous l'avions quittée un instant auparavant. Minerve autour du cou, déboussolée par ce qui vient tout juste de lui arriver. Pas le temps de tergiverser. Francis Lawrence a exactement cent-trente six minutes pour apporter une conclusion flamboyante à la saga Hunger Games. Verdict ? Si dans une grande majorité des cas ce dernier volet est moins apprécié que les deux premiers (Hunger Games et Hunger Games – L'Embrasement) par la presse et le public, il rempli cependant parfaitement son objectif, qui est de divertir. Désormais, le combat final est engagé. Plus le récit de cette saga qui aura tenu en haleine les spectateurs durant quatre années consécutives progresse, et plus la colorimétrie s'efface au profit d'une bichromie proche du noir et blanc. Après un avant-propos détaillant grossièrement le but de la manœuvre à venir de la part des alliés désormais constitués des rebelles des treize districts, La Révolte : Partie 2 offre une vision urbaine des fameux Hungers Games lors d'une succession de moments de bravoure trouvant leur point culminant lorsque Katniss et les membres d'une mission à laquelle elle participe sont contraints de passer inaperçus en passant sous le Capitol. On pourra reprocher l'apparition de 'mutants' qui dans le contexte de ce récit pourront paraître inappropriés ou du moins, tout à fait opportuniste (le film sort au beau milieu d'un fatras de longs-métrages sur le thème des 'infectés'). Sauf que, la scène durant laquelle la dite 'mission' combat avec acharnement ces créatures humanoïdes est si bien orchestrée qu'on pardonne aisément cet écart de conduite. S'enchaînent alors des séquences inoubliables dont un bouleversant bombardement dont le cinéaste semble avoir le secret. Toujours magnifiquement accompagnée par la partition musicale de James Newton Howard (ahhhhh le déchirant thème The Hanging Tree), l'aventure est riche en rebondissements avec moult trouvailles (le raz de marée, la ville piégée, etc...) et quelques rares moments réellement tétanisants (le massacre des enfants devant les grilles du Capitol). Les effets-spéciaux conservent leur générosité tout en se faisant suffisamment discrets pour que le récit n'en pâtisse pas. Chaque actrice, chaque acteur, incarne avec talent son personnage. La caractérisation de certains d'entre eux est poussée jusque dans ses derniers retranchements et laisse souvent entrevoir des chemins de travers comportementaux auxquels nous ne nous étions pas forcément préparés même s'ils entrent dans une certaine logique ( le personnage d'Alma Coin). Parmi les quatre épisodes, c'est bien ce dernier qui met en lumière l'actrice Jennifer Lawrence, superbement filmée dans une œuvre entièrement vouée à son image. A peine reconnaissable en certaines occasions, le spectateur a l'occasion de noter le double enjeu intellectuel qui ressort de Katniss et du contrat moral qu'elle a envers son peuple. Il demeure en effet en elle, ce qui, très étrangement, participe à l'adhésion du public pour l'actrice qui pouvait jusque là énerver, comme deux aspects de sa personnalité qui au lieu de s'entrechoquer se complètent : Volonté et appréhension.

Au final, on pourra se demander si ce récit qui finalement ne fait que survoler certaines de ses thématiques méritait quatre longs-métrages. Mais le spectacle est parfois si effroyablement beau et le message si proche de nous que l'on se dit que neuf heures de film n'étaient finalement pas de trop ! 

Tiens ! Et si j'me lançais dans la saga Harry Potter...?