Rumours de Guy Maddin, Evan Johnson et Galen Johnson (2024) - ★★★☆☆☆☆☆☆☆

 

 

Alors qu'en ce mois de décembre bien entamé j'ai choisi L'esprit Coubertin de Jérémie Sein pour représenter la comédie françaises à l'imaginaire cérémonie des staphylocoques d'or(é)s qui, malheureusement, n'aura donc pas lieu, dans cette même veine mais cette fois-ci nous provenant du Canada, la palme de la comédie étrangère devrait objectivement être remise à Rumours réalisé par Guy Maddin ainsi que par Evan et Galen Johnson. L'esprit critique des trois cinéastes mêlé à une curieuse conception du septième art semblent leur être spécifiques. Et donc, lorsque l'on tombe sur leur dernier ouvrage, cette comédie dite horrifique que d'aucun pourrait surnommer de zombiesque ou de très tardive relecture de la très vieille Momie réalisée en 1932 par Karl Freund et de tout un tas d'ersatz, n'est pas l'excellente surprise à laquelle je m'attendais. Mettant ma compagne devant un choix cornélien s'agissant de ce que nous allions décider de voir le soir-même, entre Goliath de Frédéric Tellier, All is Lost de J.C.Chandor et donc Rumours, son choix se porta finalement sur ce dernier. Merci, merci, merci, aurais-je envie de lui dire tout en déposant sur ses lèvres un baiser. Non pas que le dernier long-métrage du trio dont nous découvrions alors pour la première les travaux m'ait emballé, bien au contraire. Mais le fait d'avoir immédiatement lancé sa projection avant même d'avoir eu le temps d'imaginer les monts et merveilles qu'il devait receler nous empêcha d'une part d'être trop cinglants vis à vis du résultat. Et d'autre part de suivre les aventures des membres du G7 que constitue l'essentiel des personnages comme une étrange expérience en terre plus ou moins conquise. Et par ''plus ou moins conquise'', c'est avec une relative expérience dans le domaine de la cinéphilie qu'un nom, un seul, m'est venu à l'esprit lors de la projection de Rumours (ou Rumeurs, chez nous) : Bertrand Mandico. Ce cinéaste bien de chez nous dont l'univers décalé et coloré semble transpirer sur certains plans du long-métrage de Guy Maddin, Evan et Galen Johnson. De la brume, en veux-tu, en voilà. Et surtout, des éclairages roses, mauves ou bleutés que l'on retrouve déjà chez l'auteur du génial Les garçons sauvages ou dans Ultra-Pulpe et Aflter Blue.

Mais pas que puisque les dialogues eux-mêmes, semblent avoir été produits par la même main qui écrit les textes du Sieur Mandico. Une richesse dont l'ampleur finit malheureusement par se bouffer la queue, comme un serpent, oui, à force de se confondre entre génie et grandiloquence. Et bien, avec Rumours, c'est la même chose. Le même soucis du détail qui vous ruine un concept. Car si d'emblée réunir des membres du G7 dans une comédie horrifique est une idée relativement séduisante, encore faut-il être capable de signer une œuvre suffisamment homogène et cohérente pour que le public suivre et comprenne le délire étalé à l'image jusqu'à la toute dernière minute de la projection. Enrichi par les présences de Cate Blanchett, de Charles Dance, de Nikki Amuka-Bird, de Roy Dupuis ou de Denis Ménochet dans le rôle d'un président de la République Française enlaidi, tourné en bourrique, au ridicule, traîné tout une partie du film dans une brouette et donc finalement beaucoup moins méprisable que celui qui demeure actuellement au pouvoir dans notre pays, Rumours a la délicate mission de nous expliquer sur un ton plus ou moins léger la question du pouvoir et ses implications à l'échelle du G7. Entre métaphores et allégories, le film s'embourbe très rapidement après une première partie plutôt intrigante. Engoncé dans une chape de plomb où s'infiltrent la direction artistique de John O'Regan, la photographie de Stefan Ciupek ou l'assourdissante musique de Kristian Eidnes Andersen, rien ne fonctionne. Mal écrit, Rumours foire l'un des aspects primordiaux de ce genre de concept. À toute comédie horrifique devrait forcément venir se greffer une part d'humour noir. Mais ici, rien de tout cela. Rire est une attitude que l'on ne vous imposera jamais. Trembler est une posture qui est étrangère à tout sentiment ressenti devant cet authentique Objet Filmique Non Identifié. Quant au cynisme tant attendu, tant rêvé, tant espéré, l'on est toujours en attente de comprendre le sens de ce qu'ont voulu très précisément nous dire les trois cinéastes pour commencer à étudier et réfléchir au sujet de ce salmigondis de séquences ni faites ni à faire. Le spectateur passe son temps dans ce même type de brouillard qui envahit l'image, à tenter de démêler le sens réel du propos. Gâchant ainsi à peu près tout l'intérêt que revêt la réunion d'excellents interprètes. Au final, Rumours se révèle être une expérience de cinéma très pénible, ennuyeuse et souvent incompréhensible...

 

Beau is Afraid d'Ari Aster (2024) - ★★★★★★★★☆☆

 

 

Des rapports difficiles, ambigus et œdipiens entre une mère et son fils. De l'absence du père. De l'épreuve de vivre dans un monde où chaque élément culmine vers la peur de vivre seul, Ari Aster a accouché d'un œuvre monstrueuse. Un long-métrage aux ramifications si nombreuses que l'on finit forcément par s'y noyer pour n'en ressortir la tête et l'esprit des profondeurs que très tardivement. Un film au visuel et au narratif dont la grandiloquence ne cessent de nous sauter aux yeux, de résonner dans notre crâne, faisant ainsi bouillir notre cerveau pour rejoindre le héros lors de cette explosion finale et définitive qui clôt un récit en forme de labyrinthe. Le réalisateur et scénariste américain nous enjoigne ici à accompagner cet homme qui n'a jamais véritablement quitté ses préoccupation et ses peurs enfantines. Un quadragénaire que son auteur prend par la main pour l'emmener dans un voyage aux confins de l'esprit humain. Avec ses zones d'ombre, mais également ses passages éclairés qui mènent vers la lumière. Cette clarté qui après avoir enfoncé la tête du spectateur dans le sable durant deux heures va enfin nous permettre de discerner le vrai du faux. Le réel de l'imaginaire. Et dire que Beau is Afraid faillit durer trois heure..... et demi.... Ramené à cent-quatre vingt minutes, le film n'en est pas moins très long. Trop, sans doute, penseront certains qui lui trouveront une myriade de défauts. Comme d'avoir pour Ari Aster préféré laisser parler son imaginaire au détriment d'un spectateur qui se retrouve alors en apnée, une main au dessus de son crâne, l'empêchant de sortir la tête hors de l'eau pour reprendre son souffle. Décomposé en divers actes, le dernier long-métrage du cinéaste met donc en scène Beau. Un homme psychologiquement fragile qui semble avoir encore beaucoup de mal à sortir des jupes de sa mère même s'ils ne vivent plus ensemble. N'ayant jamais connu son père, décédé le jour de sa conception d'un souffle au cœur, Beau n'a pour référence que sa génitrice. Une femme dont l'amour pour son fils fut toujours si fort et accaparant qu'il exerça et continue d'exercer sur l'enfant, l'adolescent et l'homme qu'est devenu notre héros, une pression qui se jauge à l'image à travers des séquences relevant tantôt de la psychiatrie et tantôt de l'imaginaire.

L'une rejoignant finalement l'autre dans ce dédale aussi flamboyant qu'exaspérant. L'on conseillera en préambule la vision du film dans sa version française plutôt qu'en anglais. Non pas que le remarquable travail artistique ne souffre de la lecture prolongée de sous-titres en français mais, sachant que Beau is Afraid est déjà particulièrement ardu à aborder dans son plus simple appareil, mieux vaut se préserver et repousser à une prochaine projection le projet de le redécouvrir dans sa langue originale. Tourné en partie à Saint-Bruno-de-Montarville, au Québec, le long-métrage est objectivement difficile à prendre en main. Si l'on a assez rapidement l'air de comprendre que la première partie du long-métrage se concentre majoritairement sur l'esprit tourmenté de son héros, vivant dans un monde peuplé de créatures monstrueuses révélant sa phobie de la solitude et des grands espaces, il devient par la suite beaucoup plus compliqué de saisir la portée de certaines séquences. Néanmoins, il devient très rapidement évident que l'acteur Joaquin Phoenix tient là, entre ses mains, l'un de ses plus grands rôles. Tour à tour attachant, puis repoussant et enfin émouvant, il incarne un Beau Wassermann lancé non seulement à la recherche de sa mère prétendument morte après avoir reçu un lustre sur la tête, mais également à la poursuite de sa propre histoire. Celle marquée il y a bien longtemps par des faits si traumatisants que l'homme ne s'en est toujours pas encore remis. Mais plutôt que de nous conter son récit sous la forme la plus simple qui soit en suivant un fil conducteur classique, Ari Aster fait du personnage central le guide de sa propre histoire. Comme si le réalisateur avait lâché la bride pour la confier au héros, pour mieux nous perdre dans les méandres de son cerveau, entre les phases lors desquelles Beau (et donc les spectateurs) arrive à voir le monde tel qu'il est réellement et celles durant lesquelles il se réfugie dans des univers fantaisistes. Entre l'horreur de certaines situations et la poésie qui se dégage d'autres séquences, Beau is Afraid est d'abord un film d'aventure(s). Un voyage fabuleux (au sens métaphorique du terme) qui laisse parfois entendre que tout n'est qu'imagination. Que Beau est peut-être resté chez lui, dans son sordide appartement. Involontairement séquestré par des démons façonnés par son imagination (mais aussi et surtout par sa mère) et dont le traitement imposé par son psychiatre (Stephen McKinley Henderson dans le rôle du docteur Jeremy Friel) réduit difficilement l'impact.

Une œuvre qui pulse d'un amour pour l'art créatif du point de vue de son auteur comme il respire une odeur de mort chez Beau lorsque la mère (successivement incarnée par Patti LuPone et Zoe Lister-Jones) explique à son fils qu'il est né le jour où son père est décédé. Une histoire d'emprise. D'un complexe œdipien qui frise parfois l'inceste. Découlant d'une incapacité à vivre pour soit. Rejet et fascination semblent antinomiques et c'est pourtant ce que l'on ressent devant le dernier long-métrage d'Ari Aster. Des débuts hallucinants et délirants qui renvoient à certaines séquences traumatiques du Mother ! signé de Darren Aronofsky voilà sept ans en arrière, jusqu'à cette magnifique fable initiatique située dans une forêt, lors d'une représentation théâtrale, filmée en animation et lors de laquelle Beau entreverra l'espoir de retrouver son père bien vivant. En passant par une série de séquences qui demeurent encore à ce jour parfaitement énigmatiques, incompréhensibles et qui dénotent peut-être du narcissisme de leur auteur très attaché à garder le contrôle sur certains événements dont seul lui a le secret. Rares sont les films qui comme Beau is Afraid peuvent se vanter d'être au centre d'autant de sentiments contradictoires. Fascinant et révulsant. Beau et laid. Mais aussi, divertissant, chiant à mourir, obscure et lumineux, tragique et drôle. C'est un fait, le dernier Ari Aster ne plaira pas à tout le monde. Je faillis moi-même jeter l'éponge à plusieurs reprises. Comme ma compagne qui ne tint pas plus d'une demi-heure devant le nihilisme de la première séquence. Ce qui me contraignait alors à repousser la vision à des semaines pour le découvrir seul, dans mon antre. Bref, Beau is Afraid bat le chaud et le froid. Mais si vous vous laissez embarquer par l'histoire, par son étrange montage cerné de flash-back et de flash-forward (ces derniers pouvant laisser un moment supposer que la mémoire de Beau serait capable de voyager dans le futur), c'est alors le jackpot. Une œuvre dont on parlera encore très longtemps, sur laquelle ses détracteurs continueront de vomir durant des décennies et à laquelle ses admirateurs ne cesseront jamais de vanter ses nombreuses qualités tout en en découvrant d'autres à chaque nouvelle projection...

 

Grâce à Dieu de François Ozon (2019) - ★★★★★★★★★☆

 

 

L'antépénultième long-métrage du réalisateur, scénariste et producteur français François Ozon Grâce à Dieu s'inspire d'un fait-divers authentique. Celui qui entoure l'Affaire Bernard Preynat, ce prêtre accusé de pédophilie entre 1972 et 1991. Reconnu coupable d'avoir abusé sexuellement dix enfants lors d'un rassemblement de scouts, il est renvoyé de l'état clérical et prend cinq de prison ferme. Dans le scénario de François Ozon, tout commence avec Alexandre Guérin (interprété par l'acteur Melvil Poupaud) qui lors d'une conversation se remémore les abus sexuels dont il fut victime de la part du père Bernard Preynat alors qu'il n était qu'un tout jeune adolescent. Le souvenir douloureux de cette période pousse le jeune homme, père de cinq enfants et marié à Marie (Aurélia Petit), à rencontrer Régine Maire, la psychologue de l'archevêché. C'est grâce à elle qu'Alexandre parvient à obtenir un rendez-vous avec le cardinal Philippe Barbarin auprès duquel il témoignes des attouchements dont il fut victime il y a longtemps. Bien que le cardinal lui ait promis de faire la lumière sur toute cette affaire, Alexandre comprend très vite qu'il n'obtiendra rien des autorités ecclésiastiques. Pire : le père Bernard Preynat, malgré les plaintes de plusieurs parents, officie toujours au contact d'enfants...

Avec Grâce à Dieu, François Ozon signe un très grand film, qui s'abstient de montrer l'affaire sous son aspect le plus dérangeant pour n'en retenir que l'essentiel. Le combat mené par les victimes d'un homme d'église en qui leurs parents et eux-mêmes avaient mis leur confiance entre ses mains. Entre dépositions des victimes, création de La Parole Libérée, cette association qui réunit à l'époque une soixantaine de personnes victimes du père Bernard Preynat et qui très récemment a été dissoute par ses propres membres, confrontations entre le bourreau et certains de ceux dont il abusa à l'époque et qui depuis sont tous devenus des adultes, l’œuvre de François Ozon fait également l'état des lieux des traumatismes qui découlèrent du viol de plusieurs d'entre eux. De la simple caresse jusqu'à la fellation contrainte, le réalisateur aborde le sujet de la pédophilie avec une infinie sobriété tout en n'oubliant jamais d'y évoquer également le silence dont s'est rendue coupable l’église et les retombées médiatique, judiciaires et religieuse d'une telle affaire. François Ozon s'intéresse moins au bourreau qu'à ses victime. Ce qui lui évite (et épargne aux spectateurs) d'exposer plus qu'il n'en faut le bourreau sous la lumière des projecteurs. Car les véritables héros de ce récit sont justement ceux dont le père Bernard Preynat abusa. Un homme de Dieu courageusement interprété par l'acteur Bernard Verley qui quoi qu'on en dise, a su parfaitement dessiner les contours de ce prêtre doux dans les paroles mais capable de pire dans les actes...

Melvil Poupaud, donc, mais également Denis Ménochet (notamment inoubliable dans l'excellent Seules les bêtes de Dominik Moll en 2019), mais aussi et surtout Swann Arlaud, qui dans le rôle d'Emmanuel Thomassin interprète l'une des victimes du pédophile de manière absolument bouleversante. Le festival de Cannes saura d'ailleurs s'en émouvoir puisqu'il y recevra le très mérité prix du meilleur acteur dans un second rôle (un second rôle qui d'ailleurs aurait mérité d'être hissé au niveau de ceux de Melvil Poupaud et de Denis Ménochet tant Swann Arlaud marque Grâce à Dieu de sa seule présence et de sa qualité d'interprétation). On appréciera également les participations de Josiane Balasko, d'Odile Debord, d'Aurélia Petit, de Julie Duclos ou d'Amélie Daure qui incarnent avec justesse qui une mère, qui une épouse ou qui une compagne... N'oublions pas également l'acteur François Marthoulet qui incarne quant à lui le rôle du Cardinal Philippe Barbarin qui lui aussi sera au centre de l'affaire pour avoir gardé le silence quant aux faits reprochés au père Bernard Preynat. Sans jamais se placer à la hauteur d'un juge, François Ozon signe une partition parfaite. Un sujet grave traité dans la plus grande dignité par le réalisateur et ses interprètes. Je le répète, Grâce à Dieu est un très grand film...

 

Seules les Bêtes de Dominik Moll (2019) - ★★★★★★★★★★

Du Causse Méjean jusqu'à Abidjan, le réalisateur français Dominik Moll, auteur de Harry, un Ami qui vous veut du Bien en 2000, Lemming en 2005 ou Des nouvelles de la Planète Mars en 2016 filme ce qui demeure rien moins que son meilleur film. Une œuvre labyrinthique aux ramifications multiples. Un thriller tendu jusqu'à la corde en milieu paysan et dans les bidonvilles de l'ancienne capitale administrative et politique de Côte d'Ivoire. Une véritable leçon de mise en scène, de montage et d'écriture. Preuve s'il en est que le cinéma français à encore de belles années à vivre devant lui. Seule les Bêtes est d'une subtile concision. Mais quel rapport peut donc entretenir le cadavre d'Evelyne Ducat (l'actrice Valeria Bruni Tedeschi) avec le fermier bourru Joseph Bonnefille (Damien Bonnard), l'éleveur de bétail Michel Farange (Denis Ménochet), la jeune Marion (Nadia Tereszkiewicz) ou encore l'abidjanais Armand (Guy Roger N'Drin) ? C'est cette question (et à tant d'autres) à laquelle tente de répondre le long-métrage de Dominik Moll, et d'expliquer dans quelles circonstances Evelyne est morte. Le cinéaste accouche d'une œuvre absolument remarquable, entre drame rural et Agatha Christie, le spectateur ne sortira pas indemne de ce jeu de rôle maîtrisé de bout en bout.

Difficile d'évoquer le scénario sans livrer les clés du mystère. Disons que le récit tourne autour d'un événement dont l'intervention va avoir sur le reste de l'intrigue des conséquences inattendues de la part des protagonistes. Un effet boule de neige dont personne ne sortira indemne. Le scénario de Dominik Moll et Gilles Marchand s'inspire du roman éponyme de l'écrivain français Colin Niel. Le réalisateur exploite l'austérité de la campagne cévenole plongée dans un hiver glacial pour noyer le poisson et perdre le spectateur dans un doute profond. Bien que certains protagonistes puissent être rapidement écartés des éventuels suspects, trois d'entre eux vont nourrir la suspicion. Pourtant, plutôt que de s'acharner à épaissir son intrigue d'un voile opaque autre que celui causé par les intempéries, Dominik Moll distille au compte-goutte des indices qui laissent entrevoir la terrible réalité. Et pour cela, le réalisateur applique une technique couramment utilisée qui consiste en une série de flash-back dont la particularité est de revenir de manière récurrente sur certaines situations tout en les filmant du point de vue des différents personnages. C'est donc sous des angles inédits que nous sont proposées certaines séquences qui alors, prennent un sens nouveau.

En la matière, Laurent Roüan propose un montage précis respectant un cahier des charges rigoureusement métronomique. Ce qui, chez le spectateur prend concrètement la forme d'une vue de l'esprit qu ne sera étayée que lorsque l'ensemble des pièces du puzzle seront réunies. Autant dire que s'il en manquait une, tout l'édifice s'écroulerait. Ce qui fort heureusement n'est pas le cas. Outre la réalisation et le montage, Seules les Bêtes bénéficie de tout un panel d'efforts alloués à la mise en chantier d'une œuvre entièrement vouée à ses interprètes. En retour, ceux-ci entreprennent tous d'une manière égale et linéaire de donner vie à leur personnage respectif. Qu'il s'agisse de Denis Ménochet, de Laure Calamy (épatante dans le rôle d'Alice Farange, l'épouse de Michel), de Valeria Bruni Tedeschi ou de n'importe quel autre interprète, tous font preuve d'une flamboyante expertise. À titre d'exemple, c'est ainsi que Michel apparaîtra tour à tour inquiétant, puis naïf, allant même jusqu'à en perdre tout son sens du raisonnement. Évoquons également la partition musicale du compositeur allemand Benedikt Schiefer qui après avoir signé une majorité de bandes-son pour certains de ses homologues, compose pour Seules les Bêtes, une partition poétique et envoûtante cernant avec aisance l'atmosphère pesante du film. On peut donc raisonnablement considérer le dernier long-métrage de Dominik Moll comme un authentique chef-d’œuvre du polar français, et du thriller tout court. Un must !

Trois films sinon rien: Aux Yeux des Vivants de Julien Maury et Alexandre Bustillo (2014), Ablation de Arnold de Parscau (2013), Au Nom du Fils de Vincent Lannoo (2012)

Au programme de cet article, deux films français et une production franco-belge...

Et pour commencer, Aux Yeux des Vivants de Julien Maury et Alexandre Bustillo. Sept années après le très remarqué (et pas du tout remarquable) A L'intérieur, les deux bonhommes récidivent ensemble pour ce qui ressemble à une pseudo-suite de leur premier bébé. Trois gamins épris de liberté font l'école buissonnière le dernier jour de l'année et filent tout droit vers le cauchemar en s'introduisant dans un ancien studio de cinéma perdu en plein air et laissé à l'abandon. Le décor idéal pour un petit film d'horreur glauque et qui démarre sous des augures craspecs qui nuisent au film. Car à trop vouloir en donner dès l'ouverture, on en attend ensuite des scènes à l'impact saisissant qui ne viendront malheureusement jamais. On pourra louer la force de conviction des très jeunes acteurs, plutôt à l'aise dans leur costume de petits gredins victimes d'un grand méchant loup au physique, avouons-le tout de même, assez troublant.

Les deux réalisateurs nous épargnent le sempiternel faciès de mongoloïde pour celui, plus réaliste d'un homme à la force herculéenne cachée sous un corps frêle et vaguement tordu. L’œuvre a beaucoup de défauts et se trouve être assez brouillonne, ce que l'on aurait pu excuser si le film était un premier essai. Mais Bustillo et Maury en sont, ne serait-ce qu'au niveau collaboratif, à leur troisième film. Toujours est-il que Aux Yeux des Vivants est une petite bande horrifique parfois grotesque, souvent maladroite, mais au fond généreuse. Pas inoubliable mais de quoi réchauffer vo futures nuits d'hiver...

Ablation, un film qui surfe sur la vague des films horrifiques ricains, genre Hostel ou Saw ? Et bien non, pas du tout. Un drame, un thriller, oui. L'horreur vient plutôt de ce qui arrive au personnage principal. Le pauvre se réveille au bord d'une rivière avec un rein en moins. L'homme volé, l'homme « violé » va tout entreprendre pour retrouver celui ou ceux qui lui ont fait ça, quitte à mettre son couple en péril. Denis Ménochet est cet homme blessé. Autour de lui gravitent Virginie Ledoyen, sa femme dans le film, ainsi que Florence Thomassin, dans le rôle de ancienne (et nouvelle) maîtresse. Ablation est un sujet en or pour Arnold de Parscau. Pourtant, le résultat est navrant. Disons, loin des attentes que le sujet pouvait laisser espérer. Ce n'est pas tans la mise en scène qui fait défaut mais il dégage de cette œuvre un sentiment d'inachevé. C'est parfois mou, tantôt parcouru d'incohérences (au hasard, le personnage principal quitte la propriété de celui qui lui a volé un rein, survient la fuite d'un gamin qui hurle sans que le héros, que l'on devine forcément encore dans les parages, ne l'entende), Ablation possède un défaut majeur : l'absence de folie que pouvait laisser présager le synopsis. Et c'est bien dommage. Toutefois, on se laissera aller à découvrir le pourquoi de ces vols d'organes perpétrés dans la région...
 

Le troisième film abordé ici est belge. Au Nom du Fils est une comédie noire, très noire, qui flirte avec le drame familial, la religion et l’extrémisme qui parfois découle de cette dernière. Cinquième long-métrage de Vincent Lannoo, Au Nom du Fils est une œuvre atypique. En réalité, une petite merveille qui comblera surtout les attentes de ceux qui désirent plus que tout savourer de splendides dialogues. L'interprétation des actrices et acteurs est irréprochable. Dans le fond, c'est cette figure exagérée de l'union entre certains croyants et la foi qui est décrite ici. Mais dans la forme, le cinéaste n'y va pas de main morte. La tournure que prennent les événements est difficile à prévoir. Conte de fée, critique féroce, vengeance, Western sont des références qui semblent servir ici la cause d'un cinéma décalé et qui ose aller jusqu'au bout des convictions de son géniteur.

Certains y verront sans doute une œuvre grossière et déplacée dans un contexte qui donne encore très fortement la chair de poule et rend frileux les moins aventureux des cinéastes et producteurs (le film aborde le sulfureux sujet des prêtres pédophiles). Pourtant, c'est bien grâce à ce genre de film que l'on pourra faire le deuil de toutes ces horreurs que la presse papier et télévisée se lèche les babines de nous pondre au quotidien. Une vraie perle !

Eyjafjallajökull de Alexandre Coffre (2013)

Valérie et Alain marient bientôt leur fille Cécile. La cérémonie devant avoir lieu dans un petit village de Grèce, il prennent tous les deux l'avion sans se douter qu'il sont à bord du même vol. Valérie et Alain sont divorcés et depuis qu'ils vivent séparés, ils se détestent. Alors, lorsqu'ils tombent nez à nez, les hostilités commencent. Plaisanteries douteuses et insultes fusent jusqu'au moment où ils apprennent que leur avion va devoir se poser en Allemagne à cause de l'éruption volcanique du Eyjafjallajökull en Islande. Alain accepte de payer un caution de plusieurs milliers d'euros contre l'acquisition d'une voiture de luxe habituellement réservée aux VIP. Malheureusement pour lui, il ne peut éviter la présence de Valérie à bord, laquelle va devoir composer avec son ex-mari.

Le voyage vers la Grèce va s'avérer plus difficile encore que prévu. Le voyage d'Alain et Valérie va être émaillé de rencontres étonnantes et d'événements particulièrement cocasses...

Pour son second long-métrage après Une Pure Affaire en 2011, Alexandre Coffre réunit Valérie Bonneton (Des Gens Qui S'embrassent) et Dany Boon (La Maison Du Bonheur). On les avait déjà vus ensembles dans l'excellente série télévisée Les Zacros de la télé, une émission mettant en lumière un couple de beaufs stéréotypés au possible. Eyjafjallajökull décrit le mépris d'un couple divorcé forcé à se subir pour le bien de l'unique trésor qu'ils ont en commun : leur fille. Un voyage qui démarre plutôt mollement et des dialogues qui exercent sur l'esprit des téléspectateurs un curieux sentiment. La première demi-heure est en effet décevante et ne fait qu'accumuler les scènes d'engueulades entre les deux principaux interprètes. Le film démarre véritablement après cette série d'exhibitions pour introduire ensuite ses personnages au cœur d'une œuvre qui se dirige parfois sur des sentiers inattendus. L'un des personnages emblématiques de ce film restera Ezechiel (Denis Ménochet) qui indéniablement marque de sa présence une bonne partie de Eyjafjallajökull. Ce mystique illuminé, ancien taulard explose le carcan de la comédie classique pour l'élever au rang de comédie déjantée.

Valérie Bonneton et Dany Boon forment un couple fictif que l'on aime ou que l'on déteste selon qu'on accorde à l'un des deux le mérite de supporter les réflexions permanentes du second. On s'attend évidemment à un fin heureuse, déjà gravée dans nos esprits puisque formatée. Une happy-end qui ne vient bien sûr jamais entacher le contenu de ce très sympathique Eyjafjallajökull...