Crime of the Future de David Cronenberg (2022) - ★★★★★☆☆☆☆☆

 

 

Le retour de l'immense David Cronenberg sur grand écran est forcément un événement de taille pour tout cinéphile ou fan du réalisateur qui se respecte. Surtout que sur le long format, l'auteur de La mouche, Spider et Faux-semblants n'avait plus rien donné de sa personne depuis 2014 et la sortie sur grand écran de Maps to the Stars. LE spécialiste du Body Horror ne s'était d'ailleurs plus engagé dans cette veine horrifique depuis plus de vingt ans et eXistenZ. 2022 signe donc le retour de l'un des cinéastes canadiens les plus importants, toutes générations confondues. Et même, de très loin, l'un des plus importants tout court. 2022 marque également le retour à ce genre de prédilection qui vit naître les quelques chefs-d’œuvre cités ci-dessus et auxquels on pourra ajouter au hasard, Chromosome 3, Crash et bien évidemment Videodrome... Reprenant étonnamment le titre de l'une de ses premières œuvres tournée en 1970, Crimes of the Future n'entretient cependant aucun rapport avec le film en question. Alors que son fils Brandon semble avoir décidé de reprendre brillamment la suite de son père en signant à sept ans d'intervalle les très réussis Antiviral en 2012 et Possessor en 2019, on peut se demander dans quelles mesures David Cronenberg n'aurait-il pas lui-même été influencé par les travaux de son rejeton. On s'attendait à ce que Crimes of the Future soit le dernier long-métrage de son auteur mais apparemment, celui-ci semble avoir finalement décidé de relancer sa carrière puisque un certain The Shrouds semble actuellement en pré-production. Mais d'ici là, voyons si le nouveau pavé de David Cronenberg vaut que l'on dépense une poignée d'euros pour aller le découvrir en salle...

En abordant le thème de la performance façon Body-Art, le nouveau long-métrage du canadien tend à s'y faire accoupler ce concept artistique parfois extrême à celui du transhumanisme, mouvement qui consiste en un dépassement de l'homme, le transformant en un individu aux capacités nettement supérieures à celles du commun des mortels. Une idée pas vraiment neuve puisque la seule évocation du complot central de la série X-Files et des super-humains qui étaient greffés au récit démontre à elle seule que le thème fut déjà abordé des décennies en arrière. On remontera même jusqu'aux ''origines'' du cinéma fantastique puisque dès le début du vingtième siècle et l'adaptation du roman Frankenstein ou le Prométhée moderne de Mary Shelley par J. Searle Dawley à travers le court-métrage Frankenstein, manipulations génétiques et transhumanisme furent déjà développés (la créature du plus célèbre des scientifiques de fiction n'est-elle pas censée être reconstituée à partir de membres en parfait état la dotant d'une force peu commune ?). David Cronenberg met en scène de manière très concrète le concept de beauté intérieure tout en délaissant l'aspect extérieur de ses personnages. L'épiderme n'est alors plus qu'usuel, une couche protectrice renfermant des néo-organes (tumeurs) dont les ''propriétaires'' sont contraints de révéler l'existence afin qu'ils soient inscrits dans un registre officiel. Au cœur du récit, Saul Tenser (Viggo Mortensen en mode ''fantomatique'' en phase terminale d'un cancer), un performeur dont l'organisme est détérioré par une série de tumeurs grosses comme des œufs de poule qu'il cultive comme autant d'objets de fascination dont il nourrit l'appétit insatiable d'un public avide de sensations fortes. Alors que la concurrence se fait rude (un autre performeur au corps parsemé d'implants d'oreilles attire une foule importante à chacune de ses exhibitions), un homme propose à Saul de participer à un concours de beauté intérieure. De ces actes où la souffrance rejoint le plaisir, une organisation aimerait profiter de l'éclat qui entoure les performances de Saul afin de mettre en avant l'évolution prochaine de l'espèce humaine...

Chaque plan, chaque séquence et chaque idée du scénario écrit par David Cronenberg lui-même transpire l'hommage à sa propre création. À cet univers qu'il a développé durant des décennies et qui participe de sa légende. Les décors et leur exotisme renvoient au Festin nu. Les tumeurs qui poussent comme par la simple volonté du ''porteur'' rappellent celles de Chromosome 3. Cette femeture-éclair abdominale dont est doté le personnage incarné par Viggo Mortensen se rapproche du ventre béant de James Wood dans Videodrome. Quant aux instruments chirurgicaux et tout ce qui constitue l'appareillage permettant à Saul d'extraire ses tumeurs lors de spectacles organiques repoussants, il évoquent aussi bien ceux du fabuleux Faux-semblants dans lequel les frères Mantle (Jeremy Irons) créaient de toutes pièces de nouveaux outils de chirurgie, que le Pod de Existenz auquel des amateurs de mondes virtuels y étaient reliés. On pourrait ajouter ce que ressentent parfois ses personnages lors d'opérations chirurgicales souvent très gratinées, lesquels sont en extase, en transe, et jouissent comme les accidentés de Crash. L'enfant qui ouvre le bal avant de réapparaître bien plus tard semble quant à lui symboliser le Seth Brundle de La mouche avec lequel il partage cette manière si peu commune de liquéfier les ''aliments'' avant de les absorber. Crimes of the Future dépeint une vision jusqu’au-boutiste où l'importance de ce que l'on a à offrir au public revient à s'ouvrir littéralement aux autres lors de spectacles underground mortifères. David Cronenberg ne badine pas avec l'horreur et nous offre quelques séquences qui chcoqueront surtout celles et ceux qui ne sont pas habitués à ce genre de péripéties...

Le principal soucis du dernier long-métrage de David Cronenberg, c'est l'hermétisme avec lequel il traite son sujet. Viggo Mortensen a beau être souvent impressionnant, le visage blafard comme celui d'un malade en fin de vie, fantômatique, le visage et le corps planqués sous une tenue et une capuche noire, Saul Tenser se révèle au final très peu attachant. Comme n'importe quel interprète d'ailleurs, qu'il soit incarné par Léa Seydoux, Scott Speedman, Kristen Stewart, Don McKellar ou n'importe quel autre second rôle. Aussi abjects que puissent paraître certains actes chirurgicaux, on reste indifférent à ce qu'éprouvent les uns et les autres. Crimes of the Future est un Freak Show sans âme qui ne se départit cependant pas d'une certaine ironie comme en témoigne notamment la séquence lors de laquelle les néo-tumeurs de Saul sont comparées à certains maîtres de la peinture. Passage lors duquel l'un des personnages cherche le sens de cet art avant-gardiste que Léa Sédoux/Caprice comparera plus tard à du ''nouveau sexe'' (en opposition à Videodrome dans lequel James Woods/Max Renn évoquait ainsi le concept de l'intrigue : ''Longue vie à la "nouvelle chair''). Froid et loin, très loin d'atteindre le degré d'émotion des plus grandes œuvres de David Lynch, Crime of the Future est néanmoins doté de grandes qualités. Nous y retrouvons notamment le fidèle compositeur Howard Shore qui compose une partition musicale véritablement glaçante. Quant aux décors de Carol Spier,k la direction artistique de Dimitris Katsikis et la photographie de Douglas Koch, ils demeurent tous exemplaires. Le dernier long-métrage du réalisateur canadien s'avère donc au final relativement décevant. Un film qui au fond ne vaut guère mieux que le Titane de Julia Ducournau sorti un an plus tôt...

 

Leatherface : Massacre à la tronçonneuse 3 de Jeff Burr (1990) - ★★★☆☆☆☆☆☆☆

 

Dans peu de temps devrait débarquer sur la plate-forme de streaming Netflix le dernier rejeton de l'une des plus célèbres franchises du cinéma d'horreur et d'épouvante, Massacre à la tronçonneuse. Si l'on se doit de patienter jusqu'à ce que parvienne sur nos écrans la dernière vision en date signée de l'uruguayen Fede Alvarez dont le remake Evil Dead et Don't Breathe s’avérèrent encourageants, la saga n'a jusqu'à maintenant pas connu que des heures heureuses mais parfois de sombres périodes comme cela fut notamment le cas avec ce Leatherface : Massacre à la tronçonneuse 3 qui demeure indubitablement l'un des pires avatars de l'original et de sa séquelle tous deux signés de Tobe Hooper en 1974 et 1986. Spécialisé en outre dans la séquelle depuis Le beau-père 2 en 1989, le réalisateur, scénariste et producteur Jeff Burr n'est pas de ceux que la légende retiendra. Après le cauchemardesque Massacre à la tronçonneuse et son hilarante autant qu'auto-dérisoire séquelle, Tobe Hooper abandonne le navire au profit de l'opportuniste Jeff Burr qui n’œuvre malheureusement pas pour le bien de la franchise en signant une purge comme le cinéma d'horreur est capable d'en charrier par paquets de douze chaque année. Si l'on retrouve bien le personnage de Leatherface, on le sait déjà depuis le second volet, ça n'est plus Gunnar Hansen qui l'interprète. Ni davantage Bill Johnson (Massacre à la tronçonneuse 2) mais désormais R. A. Mihailoff qui lui-même laissera à son tour la place à Robert Jacks cinq ans plus tard pour Massacre à la tronçonneuse 4 de Kim Henkel, le fameux scénariste de l'original et du Crocodile de la mort signé de Tobe Hooper en 1977...

Entourés d'une belle brochette de timbrés parmi lesquels on retrouve une grande majorité de nouveaux venus (Edward ''Tex'' Sawyer, Alfredo et Baby Sawyer), les victimes de la famille Tronçonneuses sont au nombre de trois. Trois petites proies dont l'une fera rapidement les frais de cette famille de cannibales dégénérés qui ont conservé toute leur apparence humaine contrairement à ceux de la franchise Wrong Turn. Faisant preuve d'une originalité qui se contente du strict minimum, Jeff Burr et son scénariste David J. Schow pillent quelques bonnes idées du second volet avant de les réduire à néant. Du charismatique Chop Top (frangin de Leatherface dont l'absence dans l’œuvre originale était justifiée du fait qu'il était parti combattre au Vietnam) les deux hommes accouchent d'un Tinker "Tink" Sawyer (l'acteur Joe Unger) qui l'imite sans en avoir vraiment l'efficacité. L'un des soucis majeurs de Leatherface : Massacre à la tronçonneuse 3, c'est sa très grande laideur. Visuellement, le film est relativement atroce et s'avère tout juste digne des DTV actuels qui encombrent le marché du cinéma d'exploitation. C'est dire si découvrir le film dans ces conditions révèle un grand traumatisme. D'autant plus que le scénario est à l'aune du contenu graphique. Pas ou peu d'histoire sinon une chasse à l'homme même pas digne de représenter une alternative à l'hallucinant calvaire vécu par l'actrice Marilyn Burns et son personnage de Sally plus de vingt ans en arrière..

Qu'il s'agisse de la version française ou de l'originale, laquelle aurait dû permettre de s'imprégner davantage de l'atmosphère putride du contexte, Leatherface : Massacre à la tronçonneuse 3 ne convainc jamais. Les personnages tournent en rond entre un lieu désertique mal éclairé et une demeure dont la déco ne vaut pas celle du long-métrage d'origine. Leatherface a beau faire claquer les portes comme sa première incarnation et porter fièrement sa tronçonneuse à bout de bras, son masque est bien moins flippant que celui que portait Gunnar Hansen au beau milieu des années soixante-dix. Et la présence de l'acteur Viggo Mortensen, future vedette de la trilogie du Seigneur des anneaux de Peter Jackson, de A History of Violence de David Cronenberg, de La route de John Hillcoat ou celle de Ken Foree, acteur culte d'abord connu pour avoir interprété le rôle de Peter Washington dans le chef-d’œuvre de George Romero Zombie n'y feront rien. Le long-métrage de Jeff Burr est terne et malgré la folie de ses personnages, le degré de dégénérescence a bien du mal à égaler celui de l'original. À vrai dire, Leatherface : Massacre à la tronçonneuse 3 est au cœur de la franchise, l'un de ces points noirs inutiles qui la nivellent vers le bas. Des visages tâchés de sang mais pas une seule séquence vraiment gore, le film n'a même pas le mérite d'étancher la soif des amateurs d'hémoglobine. À oublier très rapidement...

A History of Violence de David Cronenberg (2005) - ★★★★★★★☆☆☆

Lorsque David Cronenberg choisi d'orienter son œuvre sous un angle où l'horreur, le fantastique et l'épouvante n'ont plus vraiment droit de cité, il n'en résulte pourtant pas des tentatives si éloignées de ses travaux passés. Après avoir trituré les chairs dans tous les sens jusqu'à l'ultime et brillante transformation de Seth Brundle en mouche dans The Fly en 1987, le rouge a peu à peu laissé placé au gris. Ou plutôt, à la matière grise. C'est ainsi que sont nés une succession de chefs-d’œuvre dont le plus grand d'entre tous demeurera sans doute à jamais l'extraordinaire Faux-Semblants qu'il réalisera dès l'année suivant le succès de The Fly. Suivront Le Festin Nu, M.Butterfly, ou encore Crash. En 2005, la voie du canadien semblait prendre une fois encore un chemin différent en s'éloignant encore un peu plus du concept dont il fit le point central de son œuvre avec A History of Violence. Désormais, plus de chairs modifiées par l'entremise d'expériences génétiques, ni d'altérations psychologiques dues à des rapports humains privilégiant le monopole ou la possession exclusive des sentiments.

David Cronenberg se serait-il définitivement débarrassé de ses obsessions passées ? Pas vraiment. Car si l'on regarde en profondeur cette histoire relevant désormais davantage du thriller que du fantastique ou de l'épouvante, A History of Violence ne peut s'empêcher de cultiver une certaine ressemblance avec certaines œuvres de David Cronenberg. Un long-métrage dont le scénario aurait pu être embrassé par deux autres génies du septième art, les frères Coen, mais que l'un des rois de l'horreur qui signa en 1976 l'un des maîtres-étalons de la contagion (Rage) ou la sublime adaptation d'un roman de Stephen King en 1983 (The Dead Zone) réussit à intégrer à la perfection au reste de sa filmographie.

C'est ainsi donc que le spectateur fait connaissance avec Tom Stall, propriétaire d'un restaurant qui un soir fait preuve d'acte d'héroïsme en tuant deux criminels avant que ceux-ci ne s'en prennent à ses employés ainsi qu'aux clients. Considéré alors par les habitants de Millbrook comme un héros, cet homme courageux intéresse de très près les médias qui relèguent très rapidement l'événement. Malheureusement, pour Tom, son épouse Edie et leurs deux enfants Jack et Sarah, leur paisible existence va bientôt être bouleversée par l'arrivée d'un certain Carl Fogarty (excellent Ed Harris) qui affirme reconnaître en Tom un certain Joey Cusack qu'il rend notamment responsable de son œil crevé il y a de cela plusieurs années. Mais alors que Tom affirme ne pas être celui que l'étranger dit être, les choses se corsent le jour où Fogarty menace Tom de s'en prendre aux siens s'il n'accepte pas de retourner avec lui à Philadelphie...

Voilà donc pour ce début de récit. Un thriller somme toute plutôt calme en apparence. Pourtant, et au delà des quelques envolées sanglantes lors des règlements de compte, certains détails sauteront sans doute aux yeux des fans du cinéaste canadien. Car s'il semble avoir abandonné toute velléité pour les mutations d'ordre génétique et psychologiques, ne nous y trompons pas: le choix du héros de changer d'identité afin de faire table rase sur son ancienne existence conserve un rapport privilégié avec quelques-uns des travaux les plus passionnants de David Cronenberg. C'est donc sous la forme du thriller et dans un style beaucoup plus ''classique'' que le réalisateur poursuit son aventure si personnelle. En résulte une œuvre sur la condition d'un individu et sa rédemption face à son passé (ses retrouvailles avec son frère Richie mettant un terme définitif avec son ancienne vie). Un passé qui ressurgit et qui montre la fragilité d'un personnage capable d'arborer à nouveau le visage du monstre qu'il était et de ses capacités de ''combattant'' alors même que jusqu'à maintenant il affichait le comportement d'un bon père de famille exagérément calme. David Cronenberg profite du sujet de Josh Olson inspiré d'une série de comics américains de John Wagner et Vince Locke pour réfléchir sur les conséquences de tels actes et notamment sur le comportement du fils de Tom qui par la force des choses plongera lui aussi dans la violence. A History of Violence est porté à bout de bras par un Viggo Mortensen impeccable et précieux. Peut-être pas le meilleur Cronenberg, mais le cinéaste parvient à faire obliquer son œuvre vers une voie pleine de promesses...

Semaine Fin Du Monde: The Road de John Hillcoat (2009)

Cycle Fin Du Monde:

- Troisième guerre mondiale: Damnation Alley

- La femme, avenir de l'homme: Les Fils De L'Homme

- Prophéties Maya: 2012

- Paranoïa et peur liée aux attaques terroristes: Miracle Mile
- Sectarisme et survie en milieu hostile: The Omega Man

- Cannibalisme et survie en milieu hostile: The Road

- Comète, quarantaine et road-movie: Meteor Apocalypse

Un père (Viggo Mortensen) et son fils (Kodi Smit-McPhee) parcourent une terre ravagée par un cataclysme dont les origines restent floues. Personne ne sait ce qu'il est arrivé dix ans plus tôt mais depuis, plus aucun animal n'a survécu et les cultures ont disparues. Des millions d'arbres gisent couchés sur le sol et témoignent de la catastrophe qui a fait de notre planète un monde sans soleil. Les rares traces restantes de l'humanité tombent en poussière. Des centaines de carcasses de voitures prennent la rouille tandis que les maisons s'effondrent sur elles-mêmes.

Le père et son fils traînent devant eux un caddie chargés de vestiges du passé. Ils ont faim, n'ont rien à manger et doivent veiller à se méfier des rencontres qui pour la majeure partie d'entres elles sont le signe d'un danger qui mène à la mort. En effet, sur Terre désormais ne compte qu'une seule chose : survivre. Et pour cela, des bandes organisées pratiquant le cannibalisme parcourent les routes afin de trouver d'éventuels égarés pour en faire leur repas.

Pour se défendre, le père du gamin garde près de lui un revolver qu'il conserve précieusement. L'homme réserve les deux seules balles que contient le barillet à son fils et lui au cas où ils seraient encerclés par des cannibales. Le but ultime du père, outre celui de trouver de la nourriture, est de traverser le pays jusqu'au sud, près de l'océan. Un endroit qu'il est persuadé être un lieu sûr...

The Road est l'adaptation cinématographique du roman éponyme de Cormac McCarthy. Tout comme ce fut le cas pour l'extraordinaire Stalker d'Andreï Tarkovski, le décor qui sert d'environnement désolé au film est celui d'un paysage naturel. Celui des zones minières de la Louisiane qui furent victimes de l'ouragan Katrina le 29 Août 2005. Outre les fantastiques possibilités mises en œuvre par un tel décor, le travail de Chris Kennedy et la photographie de Javier Aguirresarobe imprègnent la pellicule d'une atmosphère et d'un degré de réalisme apocalyptique rarement atteints dans le septième art. Les décors sont invariablement noirs. Les personnages aussi. Tout y est si sombre et désespéré que l'on comprend l'angoisse du père face à l'avenir incertain qui s'offre à son fils. Éduquant ce dernier afin de le préparer à sa future et solitaire existence (le père est malade et se sait condamné à mourir), il tente de conserver une certaine droiture face au retour à la barbarie qui touche la majorité des hommes et des femmes dont ils croisent le chemin.

The Road possède un climat tendu parsemé de scènes à la limite de l'horreur (celle de la cave et le sort réservé au pauvre noir qui tente tout comme le père de survivre dans un monde hostile). Le rythme se veut parfois lent et génère alors une véritable tension lorsqu'il s'accélère. On (re)découvre un Viggo Mortesen (History Of Violence) toujours aussi impeccable. Il n'est pas rare de se demander durant la projection quel serait notre comportement si nous étions confrontés à une existence telle que celle des deux héros. 

 

Il y a quelque chose de morbide et d’éminemment anxiogène dans ce film qui s'éloigne alors des œuvres habituellement grand public. Malgré son aspect divertissant (mais chargé), The Road est à déconseiller aux âmes sensibles et aux enfants. On est ici loin de l'aspect vidéoludique d'un Mad Max 2 (quoique le film de George Miller s'avère particulièrement violent) et plus proche du Livre d'Eli de Albert et Allen Hughes sorti l'année suivante.