Fenêtre Secrète de David Koepp (2004) - ★★★★★★★☆☆☆

Attention spoilers !

L'écrivain Morton Rainey vit seul dans un chalet reculé de Tashmore Lake depuis qu'il a surpris sa femme Amy au lit avec son amant Ted Milner dans un motel six mois auparavant. Un jour, il reçoit la visite d'un certain John Shooter qui affirme que Morton lui a volé le manuscrit qui aurait donné naissance à la nouvelle '' Fenêtre secrète''. Pour preuve, l'homme lui laisse le manuscrit en question intitulé '' La Saison des Semis ''. Bien qu'étant dans un premier temps désintéressé par les propos tenus par Shooter et par son texte, l'écrivain finit par lire ce dernier et constate d'étonnantes similitudes entre la nouvelle qu'il a publié et le manuscrit de Shooter. L'étranger donne trois jours à Morton pour lui prouver qu'il a écrit sa nouvelle bien avant la sienne. Ce qui n'empêche pas entre-temps ce curieux personnage de tuer Chico, le chien de Morton et de mettre le feu à la demeure que partagèrent Amy et lui au temps de leur bonheur...

Une fois encore, le héros principal de ce long-métrage, adaptation pour le cinéma du roman ''Vue Imprenable sur Jardin Secret'' de Stephen King par le réalisateur et scénariste américain David Koepp, est un écrivain. Et une fois encore, ce personnage central de l'intrigue est en proie à certaines addictions et affaibli par un drame qui le touche personnellement. Incarné par Johnny Depp et assez mal accueilli lors de sa sortie en salle,Fenêtre Secrète demeure cependant une assez bonne surprise qui sort des sentiers battus et rabattus par l'écrivain plus généralement spécialisé dans l'horreur et le fantastique mais qui a prouvé à bien des reprises qu'il était capable d’œuvrer dans des courants aussi divers que le drame et le thriller. Ces deux genres qui ici, trouvent matière à un récit dont l'évolution s'avère relativement sobre. En effet, pas d'action effrénée ni de séquences grand-guignolesques mais une histoire qui déroule le fil de son intrigue en prenant d'infinies précautions pour ne pas perturber l'éventuelle apathie des spectateurs.

Fenêtre Secrète manque de dynamisme, c'est certain. Pourtant, il s'avère bien difficile de décrocher jusqu'à la révélation finale. Un climax envisageable pourtant relativement tôt, étayé par des détails subtilement mis en scène sous forme d'objets ou à travers certains comportements ou dialogues dont ceux du héros, lequel n'est pas des moindre. Accompagné par Maria Bello dans le rôle d'Amy Rainey, Timothy Hutton dans celui de l'amant mais surtout de John Turturro dans celui de l'alter ego maléfique, Johnny Depp fait son taf sans donner dans la grandiloquence. Comme dans la mise en scène d'ailleurs, intégrant pourtant tout ou partie des ''obsessions'' et des addictions chères à Stephen King. Car tout comme le Jack Torrance de Shining, le Thad Beaumont de La Part des Ténèbres (incarné par Thimothy Hutton), le James Gardener des Tommyknochers ou encore le Mike Enslin de Chambre 1408, Morton Rainey est l'une des émanations allégoriques de Stephen King révélant certains des travers, eux, bien réels de l'écrivain...

A History of Violence de David Cronenberg (2005) - ★★★★★★★☆☆☆

Lorsque David Cronenberg choisi d'orienter son œuvre sous un angle où l'horreur, le fantastique et l'épouvante n'ont plus vraiment droit de cité, il n'en résulte pourtant pas des tentatives si éloignées de ses travaux passés. Après avoir trituré les chairs dans tous les sens jusqu'à l'ultime et brillante transformation de Seth Brundle en mouche dans The Fly en 1987, le rouge a peu à peu laissé placé au gris. Ou plutôt, à la matière grise. C'est ainsi que sont nés une succession de chefs-d’œuvre dont le plus grand d'entre tous demeurera sans doute à jamais l'extraordinaire Faux-Semblants qu'il réalisera dès l'année suivant le succès de The Fly. Suivront Le Festin Nu, M.Butterfly, ou encore Crash. En 2005, la voie du canadien semblait prendre une fois encore un chemin différent en s'éloignant encore un peu plus du concept dont il fit le point central de son œuvre avec A History of Violence. Désormais, plus de chairs modifiées par l'entremise d'expériences génétiques, ni d'altérations psychologiques dues à des rapports humains privilégiant le monopole ou la possession exclusive des sentiments.

David Cronenberg se serait-il définitivement débarrassé de ses obsessions passées ? Pas vraiment. Car si l'on regarde en profondeur cette histoire relevant désormais davantage du thriller que du fantastique ou de l'épouvante, A History of Violence ne peut s'empêcher de cultiver une certaine ressemblance avec certaines œuvres de David Cronenberg. Un long-métrage dont le scénario aurait pu être embrassé par deux autres génies du septième art, les frères Coen, mais que l'un des rois de l'horreur qui signa en 1976 l'un des maîtres-étalons de la contagion (Rage) ou la sublime adaptation d'un roman de Stephen King en 1983 (The Dead Zone) réussit à intégrer à la perfection au reste de sa filmographie.

C'est ainsi donc que le spectateur fait connaissance avec Tom Stall, propriétaire d'un restaurant qui un soir fait preuve d'acte d'héroïsme en tuant deux criminels avant que ceux-ci ne s'en prennent à ses employés ainsi qu'aux clients. Considéré alors par les habitants de Millbrook comme un héros, cet homme courageux intéresse de très près les médias qui relèguent très rapidement l'événement. Malheureusement, pour Tom, son épouse Edie et leurs deux enfants Jack et Sarah, leur paisible existence va bientôt être bouleversée par l'arrivée d'un certain Carl Fogarty (excellent Ed Harris) qui affirme reconnaître en Tom un certain Joey Cusack qu'il rend notamment responsable de son œil crevé il y a de cela plusieurs années. Mais alors que Tom affirme ne pas être celui que l'étranger dit être, les choses se corsent le jour où Fogarty menace Tom de s'en prendre aux siens s'il n'accepte pas de retourner avec lui à Philadelphie...

Voilà donc pour ce début de récit. Un thriller somme toute plutôt calme en apparence. Pourtant, et au delà des quelques envolées sanglantes lors des règlements de compte, certains détails sauteront sans doute aux yeux des fans du cinéaste canadien. Car s'il semble avoir abandonné toute velléité pour les mutations d'ordre génétique et psychologiques, ne nous y trompons pas: le choix du héros de changer d'identité afin de faire table rase sur son ancienne existence conserve un rapport privilégié avec quelques-uns des travaux les plus passionnants de David Cronenberg. C'est donc sous la forme du thriller et dans un style beaucoup plus ''classique'' que le réalisateur poursuit son aventure si personnelle. En résulte une œuvre sur la condition d'un individu et sa rédemption face à son passé (ses retrouvailles avec son frère Richie mettant un terme définitif avec son ancienne vie). Un passé qui ressurgit et qui montre la fragilité d'un personnage capable d'arborer à nouveau le visage du monstre qu'il était et de ses capacités de ''combattant'' alors même que jusqu'à maintenant il affichait le comportement d'un bon père de famille exagérément calme. David Cronenberg profite du sujet de Josh Olson inspiré d'une série de comics américains de John Wagner et Vince Locke pour réfléchir sur les conséquences de tels actes et notamment sur le comportement du fils de Tom qui par la force des choses plongera lui aussi dans la violence. A History of Violence est porté à bout de bras par un Viggo Mortensen impeccable et précieux. Peut-être pas le meilleur Cronenberg, mais le cinéaste parvient à faire obliquer son œuvre vers une voie pleine de promesses...

The Big Driver de Mikael Salomon (2014) - ★★★★★★☆☆☆☆

Adaptation d'une nouvelle de Stephen King, The Big Driver (Détour Mortel, à ne pas confondre avec la série de films d'horreur du même nom) est un téléfilm et cela se voit dès les première secondes. Ce qui peut nuire au récit qui en outre, débute comme une version qui se voudrait angoissante d'un épisode de la célèbre série télévisée Arabesque avec l'actrice Angela Lansbury. C'est moche, esthétiquement dénué de cachet visuel et le début de l'histoire est franchement pépère. Et ne parlons même pas de la partition musicale synthétique qu'aurait pu produire le groupe Tangerine Dream dans les années 2000. Une soupe indigeste, sans relief et surtout indigne de l'écrivain qui sert donc une énième fois de source d'inspiration. Moins fréquent sur le petit écran que dans les salles de cinéma, il est donc important d'évaluer The Big Driver à sa juste valeur.

Les moins patients mettront sans doute un terme à l'histoire dix ou quinze minutes suivant l'entame quand les plus courageux, ou plus simplement, les fans de l'auteur du Fléau, de Simetierre ou de La Tour Sombre (on parle bien de la saga littéraire et non pas de la purge cinématographique, hein?) iront jusqu'au bout... la meilleure option à vrai dire. Car si étonnamment l'histoire se révèle des plus linéaire et si les différentes étapes de son développement ne souffrent d'aucun « twist » exceptionnel, les choses s'arrangent tout de même peu à peu au fil du récit.

Une histoire qui démarre pratiquement dans une librairie où est conviée d'offrir une conférence à ses fans, l'écrivaine Tess Thorne. Pour s'y rendre, la jeune femme choisit de prendre sa voiture plutôt que l'avion dont elle a une sainte horreur. Pour la remercier, l'organisatrice Ramona Norville lui indique un chemin qui lui permettra de gagner une heure de route tout en lui offrant l'opportunité de passer à travers de jolis endroits. Une fois le chèque de sa représentation en poche, Tess reprend la route et entre les coordonnées GPS que lui a donné Ramona Norville. Si dans un premier temps tout se déroule dans les meilleures conditions, des planches cloutées installées au beau milieu d'un chemin provoquent un léger accident. L'un des pneus de sa voiture éclate. Alors qu'une camionnette a refusé de s'arrêter pour lui venir en aide, un individu prénommé Lester s'arrête sur le bas côté et propose à Tess de changer le pneu de sa voiture. La jeune femme accepte, mais alors que Lester, un type gigantesque a commencé à remplacer la roue, celui-ci change d'attitude et s'en prend à l'écrivaine. Violée et battue à plusieurs reprises, Tess est ensuite transportée dans une forêt et laissée pour morte dans une canalisation où se trouvent déjà le corps de plusieurs femmes plus ou moins décomposés. Lorsque Tess revient à elle, plutôt que d'avertir la police, elle choisit de se faire justice elle-même...

Voilà donc qu'à son tour Stephen King se lance dans le « Rape & Revenge », sauf qu'ici, le thème abordé le sera de manière beaucoup légère que dans la plupart des long-métrages souvent brutaux. Réalisé par Mikael Salomon, cinéaste et directeur de la photographie d'origine danoise, auteur notamment de la mini-série The Andromeda Strain en 2008 (remake télévisé du Mystère Andromèdei de Robert Wise, lui-même adaptation du roman de Michael Crichton), The Big Driver se bonifie avec le temps. On ne sait effectivement pas toujours si l'héroïne perd la tête (elle communique notamment avec la voix de son GPS!) et certaines séquences sont filmées de telle manière que l'on a l'impression de vivre le fantasme de Tess plutôt que l'accomplissement réel de son projet de vengeance. On a beau réfléchir et précéder l'action à venir, The Big Driver ne réserve bizarrement que de rares surprises. Le récit se déroule effectivement de manière fort classique à part quelques intervention inutiles de l'un des personnages du Club des Tricoteuses qu'elle a imaginé mettre en scène dans ses romans. En fait, le téléfilm repose surtout sur l'interprétation de l'actrice Maria Bello qui incarne une Tess convaincante et sur une ambiance parfois dérangeante (Tess traînée dans la forêt par son bourreau). On est loin d'atteindre des sommets en matière d'effroi (musique insipide et rythme parfois amorphe) mais les fans du King savent qu'ils ont tout de même échappé à ce qui aurait pu être du niveau de l'infâme Maximum Overdrive, seul long-métrage réalisé par le maître de l'épouvante « himself »... Un honnête téléfilm, sans plus...

Lights Out de David F. Sanberg (2016)

Si Lights Out ne vous évoque rien en particulier, c'est sans doute parce que les réseaux sociaux demeurent encore un grand mystère pour vous ou que dormir dans le noir vous fait si peur que vous n'osez même pas regarder une émission consacrée au sujet. Lights Out, avant de devenir un long-métrage, c'est aussi et surtout un court d'un peu moins de trois minutes qui a fait beaucoup de bruit en raison de son efficacité en terme d'effroi. C'est peut-être d'ailleurs son tout petit format qui le rend si efficiente l'angoisse qui en découle. Deux minutes et quarante secondes ont suffit pour convaincre le public, les sociétés de production New Line Cinema, Atomic Monster et Grey Matter Productions, ainsi que la société de distribution Warner Bros. Pictures de signer pour une adaptation au cinéma.

La première question que l'on se pose alors est de se demander dans quelle mesure une œuvre de quatre-vingt une minutes pourrait apporter de plus quand tout est déjà contenu dans le court-métrage. Et même si le cinéaste David F. Sanberg, auteur de l'original, remet le couvert, rien ne nous assure que l'impact sera identique. On le sait tous, Lights Out sur grand écran n'est qu'une histoire de fric. Surtout pour les sociétés de production et de distribution, car pour David F. Sanberg, le véritable enjeu est de confirmer une bonne fois pour toute ses capacités en tant que réalisateur pour le cinéma. Alors, qu'en est-il ? La version cinématographique vaut-elle que l'on quitte le confort de son canapé pour celui plus étroit d'un siège de cinéma ?

La réponse demeurera en suspens, ne pouvant refléter l'avis général puisque les amateurs de films d'horreur ont tous un bagage en matière de connaissance de film d'épouvante qui diffère de celui des autres. L'impact lui-même est différent selon que l'on est hermétique ou pas à certains procédés. Ici, le jump scare. Cette fâcheuse habitude qu'ont les cinéastes d'intégrer des interventions brutales appuyées dans la majeure partie des cas par un bruit sonore lourd et très puissant. La réelle véritable idée du film, ce sont les apparitions intermittentes de l'entité, que l'espace dans lequel elle évolue soit éclairé ou pas. A part ça, c'est presque du déjà vu. Les fantômes asiatiques ont déjà fait beaucoup mieux depuis quelques années déjà et David F. Sanberg ne peut plus alors compter que sur sa mise en scène et sur le jeu des actrices et acteurs.

L'histoire est toute simple : Rebecca a toujours eu peur du noir ; Tout comme son demi-frère Martin d'ailleurs. Alors que son père est parti alors qu'elle était toute gamine, celui de Martin est mort récemment dans d'atroces circonstances (égorgé par la créature du film dont la silhouette n'est malheureusement pas gardée secrète bien longtemps). Le jeune enfant vit avec sa mère qui depuis des années suit un traitement médical assez lourd après avoir passé quelques temps dans un institut psychiatrique. Persuadée que son demi-frère court un danger en restant vivre avec leur mère, Rebecca décide de passer à l'action et de l'emmener chez elle. Malheureusement, la jeune femme ne fait que déplacer le problème. C'est en découvrant des documents chez sa mère qu'elle découvre que celle-ci et l'entité qui se fait appeler Diana ne sont pas tout à fait étrangères l'une pour l'autre...

Beaucoup moins angoissant que le court-métrage du fait de sa longueur et donc des quelques passages où il ne s'y passe rien de véritablement réjouissant, Lights Out n'est pas si mal non plus. Il demeure dans la grande tradition des films d'épouvante à la mode depuis quelques années et se situe dans le milieu du classement parmi les plus effrayants. Mais pas de quoi faire peur à un véritable habitué du genre...