Stream de Michael Leavy (2024) - ★★★★★★☆☆☆☆

 

 

S'il y a bien un film dont on n'avait rien de spécial à attendre, c'est Stream du réalisateur, scénariste, producteur et monteur américain Michael Leavy. Produit par la société de production Fuzz on the Lens Productions dont l'équipe se décrit comme une famille de passionnés de cinéma parmi lesquels l'on retrouve l'auteur de Stream mais également son frère Jason Leavy (lequel incarne en outre le rôle du tueur connu ici sous le nom de Joueur numéro 1), le dernier long-métrage en date de l'auteur de nombreux courts-métrages n'a semble-t-il bénéficié que d'une sortie en salle réduite avant d'être proposé sur différentes plateformes de streaming. La trame de l'histoire s'avère relativement étrange, peu commune et dans un sens, plutôt intrigante. En effet, Michael Leavy et son frère Jason ainsi que les scénaristes Robert Privitera et Steven Della Salla nous content les mésaventures de la famille Keenan qui pour ressouder ses liens prend la décision de passer son prochain week-end dans un hôtel du nom de The Pines et dont le gérant est un certain Monsieur Lockwood. Une décision que ne partage pas Taylor (Sydney Malakeh) qui vient tout juste d'être arrêtée par la police pour avoir volé de l'alcool dans un magasin. Avertie par la police que la prochaine fois elle risque la prison, son père Roy (Charles Edwin Powell) la prévient que qui cela se reproduit, il la laissera réfléchir à la situation dans sa cellule. Le jeune Kevin (Wesley Holloway) est par contre quant à lui très impatient de partir en week-end. Surtout lorsqu'il apprend qu'il va pouvoir assister à un spectacle dès le lendemain. Féru de jeux vidéos, le garçon va avoir ici un rôle très important. Contrairement à la mère de famille Elaine (Danielle Harris), laquelle va connaître un triste sort... En effet, aussi inattendu que cela puisse paraître, le séjour va virer au cauchemar pour la plupart des clients de l'hôtel qui ne s'attendaient sûrement pas à être les candidats d'une sorte de jeu de massacre lors duquel chacun allait devoir involontairement mettre sa vie en danger. Doté d'un important réseau de caméras de surveillance, l'hôtel recèle une pièce regroupant de nombreux écrans vidéos permettant à Monsieur Lockwood de voir en temps réel ce qui se déroule dans les différents lieux. Mais ce que l'on découvre ensuite est au delà de notre imagination. En effet, suivi par de très nombreux internautes qui ont lancé des paris sur la vie et la mort de chacun des clients, le gérant de l'hôtel orchestre ce jeu macabre depuis cette pièce... D'une durée étonnamment longue pour un slasher, Stream dépasse les deux heures. Ce qui se ressent malheureusement tout au long de l'aventure. Le film aurait en effet mérité que son auteur resserre quelque peu l'intrigue en évacuant toutes les séquences qui ne servent pas à grand chose...

Des scènes bavardes et inutiles qui ne font que rallonger artificiellement l'intrigue ! Filmé directement en vidéo, le long-métrage de Michael Leavy ne bénéficie pas d'une patte visuelle particulière et s'avère même assez vilain. Fort heureusement, le film possède quelques atouts non négligeables qui permettent de retenir l'attention des amateurs de film d'horreur. À commencer par les plus anciens qui grâce à une partie du casting se verront renvoyés au bon souvenir de ce cinéma de genre dont les années quatre-vingt déployèrent une toile immense d’œuvres dont la qualité encore aujourd'hui incontestable. C'est ainsi que dans le rôle du gérant l'on retrouve tout d'abord l'acteur Jeffrey Combs, surtout connu pour avoir interprété le rôle de Herbert West dans le film gore culte Re-Animator de Stuart Gordon en 1985. Mais Stream s'ouvre d'abord sur une séquence montrant l'enlèvement, la séquestration et le meurtre de la précédente gérante de l'hôtel, Linda Spring. Un personnage incarné par l'actrice Dee Wallace. Habituée aux films d'horreur, les amateurs ont pu notamment la découvrir dans La colline a des yeux de Wes Craven en 1977, Hurlements de Joe Dante en 1981, Cujo de Lewis Teague en 1983 ou encore dans Critters de Stephen Herek (sans oublier son rôle dans le film de science-fiction de Steven Spielberg E.T. L'extraterrestre en 1982), nous ne la verrons que quelques minutes avant qu'elle ne soit assassinée ! Parmi les légendes du cinéma d'horreur et d'épouvante à apparaître à l'image l'on signalera également les présences de Tim Curry, surtout connu chez nous pour avoir interprété le rôle de Grippe-Sou dans l'adaptation télévisuelle du roman It de Stephen King sous le titre Il est revenu en 1990, de Bill Moseley, le Chop-Top de Massacre à la tronçonneuse 2 de Tobe Hooper en 1986 ou encore celle de Tony Todd, légendaire interprète du Candyman dans le film éponyme de Bernard Rose en 1992... En dehors de l'intérêt de redécouvrir quelques-une des icônes du cinéma d'horreur parfois cachées sous une apparence qui ne permet pas de les reconnaître, Stream est surtout recommandable pour ses scènes d'horreur. Des meurtres bien gore, bien crades réalisés à l'aide d'effets-spéciaux de maquillage prosthétique. Si ce n'était sa trop longue durée et son aspect visuel, Stream aurait certainement pu devenir un film culte... Ce qu'il n'est malheureusement pas...

 

Destination finale : Bloodline de Zach Lipovsky et Adam B. Stein (2025) - ★★★★★★★☆☆☆

 

 

Démarrée en toute fin du siècle dernier, la franchise Destination finale reposait sur un concept simple et pourtant redoutable. Chacun des cinq premiers volets démarrant peu ou prou de la même façon en révélant un drame du point de vue de l'un des héros alors victime d'une vision précédant la tragédie en question. À titre d'exemple, dans le premier d'entre eux, réalisé par James Wong en 2000, le lycéen Alex Browning monte avec ses camarades de classe dans un avion à destination de Londres lorsque celui-ci explose en plein vol. Heureusement, pour l'adolescent et ses amis, il ne s'agit que d'un cauchemar. Ou plutôt, d'un rêve prémonitoire. Avertissant son entourage de la catastrophe qui risque de se produire, certains d'entre eux décident tout comme Alex de ne pas prendre l'avion. Témoins ensuite de la catastrophe, le groupe qui a donc survécu va être décimé par la Mort, venue récupérer son dû ! Le principe de la franchise repose donc sur un principe clair et précis donnant lieu à des scènes de meurtres plutôt ingénieuses et divertissantes prenant la forme d'un jeu de dominos. Des séquences relativement détaillées dont chaque élément n'est pas forcément ou directement lié. Entre 2003 et 2011, quatre autre volets verront le jour. Réalisés à deux reprises par James Wong (de retour pour le troisième volet) puis par David Richard Ellis (les 2 et 4) et enfin par Steven Quale (le cinquième), la franchise est réapparue cette année avec ce que l'on peut supposer être l'ultime chapitre intitulé Destination finale : Bloodline. Dans ce dernier long-métrage dont le formulé indique que la Mort s'en prendra cette fois-ci aux membres d'une même famille, le concept reste le même à la différence où les victime de la Mort seront donc des individus de même sang. Ici les scénaristes Guy Busick et Lori Evans Taylor oublient cependant l'idée que la Mort emporte ses victimes selon un ordre établi en fonction du tour dans lequel celles-ci auraient dû perdre la vie. Lors de la séquence post-générique, l'on assiste à une séquence se déroulant à l'orée des années soixante lors de laquelle une jeune femme aura elle-même une vision qui lui permettra de survivre tout comme de nombreuses personnes à une terrible catastrophe. Retour au présent avec Stefani Reyes (Kaitlyn Santa Juana) qui depuis longtemps fait régulièrement le même cauchemar.

Elle y voit sa grand-mère et beaucoup d'autres clients d'un restaurant panoramique mourir dans l'effondrement de l'édifice. Alors que la jeune femme tente de comprendre le sens de ces visions, elle découvre que sa grand-mère vit depuis des décennies barricadée dans une demeure. Depuis plus de cinquante ans, la Mort cherche en effet à la tuer depuis qu'elle a survécu à cette catastrophe à laquelle elle n'aurait pas dû échapper. Mieux : sa descendance n'ayant théoriquement aucune raison d'exister, chaque membre de la famille Reyes lié par le sang va subir les foudres de la Mort et mourir dans d'abominables conditions. Tout comme les autres avant eux, les réalisateurs Zach Lipovsky et Adam B. Stein s'amusent à jouer avec les nerfs du spectateur en incluant lors des scènes de meurtres des éléments qui semblent participer au puzzle démoniaque fomenté par la Mort. Certains ne servant que de décorum quand d'autres vont effectivement servir lors de massacres parfois jubilatoires. L'ordre dans lequel les membres de la familles sont assassinés s'inscrit dans une certaine logique : celle qui veut que les plus anciens membres disparaissent en premier, la Mort poursuivant son œuvre jusqu'au dernier rejeton de la famille Reyes. Destination finale : Bloodline offre quelques séquences gore plutôt efficaces mais ce que l'on retiendra surtout de ce dernier opus, c'est la présence à l'image de l'acteur Tony Todd, acteur afro-américain légendaire qui personnifia l'antagoniste de la série de films Candyman initiée en 1992 par le cinéaste britannique Bernard Rose. Ici, il incarne le personnage de William Bludworth, dernier survivant de la catastrophe du restaurant panoramique. Un personnage qui n'a pas réellement d'utilité mais qui permet cependant à l'acteur de tirer sa révérence sur grand écran avant de mourir d'un cancer de l'estomac sept mois avant la sortie du long-métrage aux États-Unis. Une séquence forcément émouvante (Tony Todd y apparaît terriblement amaigri) lors de laquelle Zach Lipovsky et Adam B. Stein lui ont permis d'improviser sa dernière ligne dialogue. L'on entend donc Tony Todd/William Bludworth déclamer cette phrase : ''La vie est précieuse, profitez de chaque seconde, on ne sait jamais quand elle sera la dernière. Bonne chance''... Ludique et donc aussi drôle qu'affreusement gore, Destination finale : Bloodline ravira d'abord les fans...

 

Les tueurs qui inspirent le 7ème art: Richard Speck - Chicago Massacre de Michael Feifer (2007)

De la fiction...

Après avoir été condamné à consulter un psychologue à la suite d'un vol de véhicule, Richard Speck est libéré. Ce jeune homme de vingt-cinq ans seulement a un casier long comme le bras constitué de pas moins de trente-six arrestations. Alors qu'il a promis au juge des peines de prendre rendez-vous auprès d'un psychologue, il fuit et monte dans un train en direction de Chicago. Durant le trajet, il fait la connaissance de la jolie Sharon, étudiante infirmière qu'il croise plus tard alors qu'il flâne dans les rues de la ville. S'invitant plus tard dans l'internat où dort la jeune femme, Richard lui demande de l'argent. Devenant de plus en plus pressant, il s'en prend à une amie de Sharon qui en entendant du bruit surgit brusquement de sa chambre.

Richard s'en prend également à elle ainsi qu'aux autres étudiantes qu'il réveille les une après les autres. Réunies dans la même pièces, il leur demande de s'attacher les poignets entre elles avant d'en saisir une par le bras et de se rendre dans une autre chambre afin de lui faire subir des sévices. Richard menace la jeune femme d'une arme à feu, la frappe, l'étrangle et la tue à coups de couteau. Une fois qu'il en a terminé avec elle, part s'occuper de la suivante, et ainsi de suite. Malheureusement pour lui, des neuf étudiantes, une parvient à se cacher. Le lendemain, la police est prévenue et lorsque l'officier Jack Whitaker, chargé de l'enquête, arrive dans le dortoir, c'est pour constater l'effroyable spectacle : huit jeune étudiantes-infirmières ont été tuées...

Chicago Massacre est le premier long-métrage de Michael Feifer en tant que réalisateur. Et autant le dire tout de suite, pour un début, c'est plutôt raté. Basé sur un fait divers monstrueux qui se déroula à Chicago le 14 juillet 1966, le film retrace le parcourt sanglant du tueur de masse Richard Speck. Afin de ressembler physiquement au tueur, l'acteur Corin Nemec est affublé de prothèses en latex fixée sur les joues et rappelant le visage très abîmé de l'auteur des meurtres.

Corin Nemec est surtout connu pour avoir été l'acteur principal de la série pour adolescents Parker Lewis ne Perd Jamais entre 1990 et 1992. Depuis, on ne peut pas dire qu'il ait fait une carrière mémorable si ce n'est pour de courtes apparitions dans quelques célèbres séries télévisées (Beverly Hills, NCIS : Los Angeles). Depuis, on a pu le découvrir dans d'improbables productions animalières (Robocroc, Lake Placid vs. Anaconda) et le cinéaste responsable de Chicago Massacre lui a même confié des rôles dans plusieurs de ses films puisqu'on le reverra dès les second et troisième films du cinéaste.

Dire que Chicago Massacre est mauvais est un euphémisme, et ce n'est pas les présences des acteurs Andrew Divoff (Lost, Esprits Criminels) et de Tony Todd (Candyman, The Man from Earth) qui changeront grand chose. Si les meurtres sont effectivement sordides, la mise en scène et mollassonne et brouillonne. Des flash-back disséminés un peu n'importe comment, une image trop propre pour rendre l'horreur du fait divers et une enquête inexistante ou du moins, inintéressante au possible...

… à la réalité

Né le 6 décembre 1941 et mort le 5 décembre 1991, Richard Speck s'est rendu tristement célèbre après avoir massacré huit jeune infirmières dans une maison où elle avaient l'habitude de loger. C'est grâce au témoignage de l'unique survivante qui se cacha pendant que ses camarades étaient atrocement tuées que la police est parvenue à mettre la main sur le coupable seulement cinq jours après les faits. Condamné à mort lors de son premier procès, sa peine est ensuite commuée à 400 ans de prison. Richard Speck fut également soupçonné d'avoir commis trois autres meurtres mais l'absence de preuve fit qu'il ne pu être reconnu coupable...

Frankenstein de Bernard Rose (2015)

A l’abri d'un laboratoire souterrain, Victor Frankenstein et sa compagne et collaboratrices Marie sont enfin parvenus au bout de leurs expérience en donnant la vie à un individu créé de toutes pièces. « Monstre » n'est encore qu'un enfant dans le corps d'un adulte. Il est clair dans sa tête que Marie est sa mère. Mais alors que les deux scientifiques sont persuadé d'avoir créé l'homme parfait, les cellules de «Monstre » dégénèrent, forçant Marie et Victor à prendre une cruelle décision : ils vont en effet faire le choix d'euthanasier le création qu'ils estiment avoir peu de chance de survivre. Mais alors que Victor et un assistant s'apprêtent à mettre un terme à l'existence de « Monstre », celui-ci se révolte et prend la fuite.

Le voici désormais à l'air libre, et dans un monde qu'il lui est totalement étranger. Parcourant les rues d'une cité inconnue, il va se rendre compte qu'y vivre n'est pas de tout repos. Inconscient de ses capacités physiques et de son apparence, « Monstre » va sillonner la ville et se rendre compte combien l'humanité peut être belle et cruelle à la fois...

Le cinéaste britannique Bernard Rose auquel on doit notamment Paperhouse et Candyman revient en 2015 avec Frankenstein, après avoir réalisé pour la télévision le téléfilm Paganini, Le Violoniste du Diable. Se réappropriant totalement le mythe créé par Mary Shelley en 1818 avec son célèbre roman Frankenstein ou le Prométhée Moderne, Bernard Rose transpose le récit non plus à l'époque originelle mais dans un contexte moderne, celui du temps présent. Le britannique fait de sa créature un être profondément humain ignorant encore les codes en vigueur. Alors même que sont ignorées les différentes étapes menant à la création de cet individu au mode de pensée qui lui est propre, le film s'ouvre sur l'accomplissement d'années de recherches opérées par le fameux Victor Frankenstein du titre (Danny Huston) et sa compagne et chercheuse Marie (Carrie-Anne Moss, initialement connue pour avoir interprété le rôle de Trinity dans la trilogie Matrix).

Bernard Rose met en parallèle deux univers diamétralement opposés. D'un côté, un laboratoire éclairé artificiellement. Une lumière jaune, intense, lumineuse, découverte de la vie pour « Monstre », mais remplacée par la froideur d'un éclairage bleu, signifiant le froid de la mort à venir pour cette créature qui finalement ne revêt que l'apparence d'un sujet d'expérimentation. De l'autre, la liberté. Un espace infini, jamais véritablement cerné par aucun mur. Cette fois-ci, la lumière, c'est celle du soleil prodiguant une douce et agréable chaleur sur le corps endolori de la créature. Une bien maigre consolation pour cet homme trahi par sa « maman », mais qui tel un chien, lui a déjà pardonné et espère bien la revoir un jour. Le caractère inquiétant du laboratoire que la créature pouvait encore considérer moins d'une heure auparavant comme un cocon maternel rassurant donne un côté tranquillisant à la nouvelle vie qui s'offre à « Monstre ». sauf que l'Enfer, ça n'est justement pas ce laboratoire souterrain dont il s'est arraché dans la douleur (le meurtres des deux policiers) mais bien cette cité qu'il va traverser, rencontrant au gré de ses découvertes des individus que le roman abordait déjà à l'origine. On retrouve notamment la petite fille que la créature jette inconsciemment dans l'eau. L'aveugle aussi est de retour. Cette fois-ci, il ne s'agit plus du patriarche d'une famille de paysans mais d'un clochard qui va patiemment lui apprendre à parler. Tony Todd interprète ce clochard. C'est la seconde fois que l'acteur et Bernard Rose travaillent ensemble puisque Tony Todd était lui-même le Candyman du titre éponyme.

Frankenstein est une œuvre cruelle, qui montre bien qu'il n'y a pas pire prédateur que l'homme et que même sous des apparences effroyables et une incapacité à réfléchir, un individu n'est pas forcément le plus mauvais d'entre eux. Bernard Rose exhibe une police violente, meurtrière (la tentative de meurtre sur « Monstre » n'étant légalement pas justifiée), jouissant des coups qu'elle porte sur cet être différent, pourrissant et à la recherche de celle qu'il aime : sa « maman ». Le film directement distribué en DTV (Direct To Video) ne semble pas avoir conquis grand monde. Pourtant, sous des allures de petit film sans grands moyens, Frankenstein est en réalité une belle réussite. Violent et émouvant à la fois, le film de Bernard Rose ne peut laisser indifférent., l’œuvre étant intégralement imprégnée de l'interprétation « habitée » de l'acteur australien Xavier Samuel et de la très belle partition musicale de Halli Cauthery... 

 

Murder Set Pieces de Nick Palumbo (2004)

Un photographe d'origine allemande s'installe à Las Vegas et débute une relation avec une jeune et jolie jeune femme prénommée Charlotte. Ce qui n'est pas du goût de tout le monde puisque Jade, la jeune sœur de celle-ci, trouve le comportement de son nouveau fiancé particulièrement troublant. Photographiant presque exclusivement de jeunes femmes nues, il guette chaque jour Jade et sa meilleure amie à la sortie de leur école. Plus encore, si la gamine est si inquiète à propos de la relation qu'entretient sa sœur avec le photographe, c'est qu'elle a découvert qu'il entretient de son côté une certaine fascination pour l'imagerie nazie. Il possède d'ailleurs un portrait de son grands-père en compagnie du célèbre Adolf Hitler et fréquente des néo-nazis !

Mais ce que ne sait pas encore la fillette, c'est qu'il est surtout un tueur de femmes impitoyable qui s'en prend à ses modèles après les séances photos ainsi qu'aux prostituées et aux strip-teaseuses.

Murder Set Pieces demeure dans l'histoire du film d'horreur comme un cas d'école. De l'aveu même de son auteur Nick Palumbo, il s'agissait pour lui de rendre hommage au Maniac de William Lustig en réalisant une sorte de remake beaucoup plus violant encore que l'original. Si de ce dôté là, le contrat est largement rempli, le film va malheureusement connaître pas mal de déboires avec la censure et la justice. Pour commencer, personne ne veut développer les bandes d'une œuvres dont certains jugent que certaines scènes sont réelles. L'un des producteurs finit même en taule après avoir été balancé par l'un des développeurs contactés. Ensuite, le film est interdit dans plusieurs pays dont l'Angleterre, l'Irlande et la Norvège et sera même amputé de plus de 20 minutes afin de l'alléger des passages les plus hard.

Pire : les festivals du monde entier tout comme la presse spécialisée vont le bannir sans autre forme de procès. Celui auquel Nick Palumbo a voulu rendre hommage en réalisant un remake de son chef-d’œuvre va lui-même, et contre toute attente, le rejeter. Un comble ! Sans doute écœuré, excédé et plein de rancœur, le cinéaste va dépasser les limites en apportant quelques petites modifications au générique en remplaçant le nom de ses anciens associés par celui d'officiers nazis !!!

Que faut-il penser alors de ce Murder Set Pieces si polémique ? Faut-il effectivement le voir comme le film d'horreur de trop ou bien simplement comme un pur produit d'exploitation undergroung comme le fut Maniac en son temps ? Oui, le film de Nick Palumbo est extrême. Oui, il dépasse de loin ce qu'on avait l'habitude de voir jusqu'à maintenant. Cela est dû au fait que contrairement aux petites productions horrifiques, les effets gore de Murder Set Pieces sont particulièrement réussies. Taxé de misogynie et d'antisémitisme, le cinéaste explique pourtant à travers des flash-back les raisons qui mènent cet homme à trucider de jeunes femme à la pelle. N'avons-nous d'ailleurs jamais rien lu sur ce sujet pour que certains se soient acharnés sur ce réalisateur ? Combien de criminels célèbres se sont effectivement lancés dans une carrière de tueur en série après avoir vécu, enfant, une expérience traumatisante. Si Nick Palumbo avait donné à son principal personnage le nom d'un tueur en série connu, sans doute qu'on n'en aurait pas fait tout un plat.

Toujours est-il que pour les amateurs qui ne se laissent pas impressionner par les jugements de valeurs dont se permettent certains au titre de la bienséance, Murder Set Pieces est dans le genre une réussite. Comme souvent, ce n'est certainement pas dans son scénario qui'il faudra chercher sa valeur, ni dans l'interprétation d'ailleurs, mais plutôt dans la mise en scène et dans les scènes d'horreur plutôt marquantes. Tronçonneuses, marteaux, couteaux et rasoirs à main sont les outils que préfère notre assassin. Les morts se comptent par dizaines et qu'ils soient montrés sans la moindre censure ou simplement suggérés (les coups interminables portés sur l'une de ses victimes finissent par devenir obsédants de par leur régularité et l'horreur qu'ils inspirent), d'un point de vue graphique c'est une complète réussite.

A noter les présences amusantes de quelques figures du cinéma d'épouvante : Tony Todd, le Candyman du film éponyme, ainsi que Gunnar Hansen, le Leatherface de Massacre à la Tronçonneuse de Tobe Hooper dans un rôle où il demeure, évidemment, méconnaissable, ainsi que Edwin Neal, l'autostoppeur du même film...