I Love Peru de Hugo David et Raphaël Quenard (2025) - ★★★★★☆☆☆☆☆

 

 

Si le documenteur est un concept fort intéressant, il faut d'abord qu'il puisse parvenir à piéger le spectateur. À titre d'exemple, l'on pourrait notamment évoquer l'excellent et drôlatique Incident at Loch Ness de Zach Penn dans lequel le réalisateur et scénariste allemand Werner Herzog et son équipe de tournage étaient supposés réaliser un documentaire sur le monstre du Loch Ness. En voyage en Écosse, le cinéaste allait être confronté à toute une série d'événements relativement stupéfiants. Le projet allait pourtant malheureusement montrer toutes les failles d'un tel concept en accumulant des faits qui termineraient de convaincre que l'expérience était montée de toute pièce ! S'agissant de I Love Peru de Hugo David et Raphaël Quenard qui deux ans auparavant réalisèrent ensemble le court-métrage L'acteur, le principe est presque identique à la seule différence où la frontière entre le Raphaël Quenard que le cinéma et les médias nous ont présenté et celui que les deux hommes mettent en scène reste floue. Personnage haut en couleur dont a notamment su exploiter le caractère si particulier Quentin Dupieux en 2023 avec Yannick, Raphaël Quenard apparaît tel qu'on l'imagine dans la vie avec ce soupçon de grandiloquence nécessaire à tout individu qui désire (ou pas) briller devant la caméra. Tourné à l'aide d'un appareil-photos, I Love Peru a semble-t-il rencontré un certain succès avec, probablement pour Raphaël Quenard, la conséquence d'agrandir le fossé qui sépare ceux qui apprécient son jeu et ceux qui n'ont aucune accointance avec son caractère très particulier. Le documenteur a même des chances de faire naître de nouvelles vocations. Comme celle de passer de l'indifférence au rejet total. Car il faut dire qu'en surjouant hypothétiquement de son image, si l'on tient comme fait accompli qu'il n'est pas aussi radical dans sa vie personnelle, Raphaël Quenard peut ici profondément agacer...

C'est pourquoi l'on devra tout de même prendre des pincettes et ne pas prendre comme un fait accompli les remarques positives à l'encontre de ce moyen-métrage finalement pas très inspiré et surtout bien moins divertissant qu'on pouvait le supposer à l'origine. Désabusant pour qui sait ce que peut valoir la différence entre une œuvre réellement inspirée et un film qui prétend sortir des sentiers battus en jouant la carte de la provocation, je m'étais mis en tête de jouer sur le dit concept pour invoquer au cœur de cet article la notion ''d'anti-critique'' ou de ''Non-article''. Pour ''paraphraser'' le titre du premier long-métrage de Quentin Dupieux Nonfilm en racontant non pas mon expérience vécu lors de la projection de I Love Peru mais celle de ma propre existence de voyageur du rail, je m'étais dit qu'elle n'en serait pas moins passionnante... Bref, l'expérience s'est avérée ''compliquée'', pour ne pas dire ennuyeuse. Mais alors, qu'en reste-t-il réellement ? Sans doute cette volonté d'abîmer l'image d'un acteur sans cesse sollicité (pas moins de neuf longs-métrages en 2023 et une dizaine d'apparition l'année suivante) et qui, chose réellement amusante ici, se joue d'une supposée réputation de pédophile qu'il semble avoir lui-même créé sans que rien ni personne ne lui demande quoi que ce soit. Jouant ainsi la carte du malaise lorsqu'il se retrouve au téléphone avec une communicante de l'ambassade française au Pérou ! Au final, I Love Peru fut une déception sans doute aussi importante qu'il fut un régal pour les amateurs de fausses incongruités cinématographiques...

 

Lake Mungo de Joel Anderson (2008) - ★★★★★★★☆☆☆

 

 

Lake Mungo de Joel Anderson fait partie d'une catégorie de films qu'il est assez inconfortable d'évoquer sans prendre le risque de divulguer d'importantes informations concernant la forme que prennent les événements. C'est pourquoi je conseillerai à celles et ceux qui ne l'auraient pas encore découvert de cesser immédiatement la lecture de cet article... Premier long-métrage produit, écrit et réalisé par un cinéaste qui n'aura même pas eu l'excuse d'avoir travaillé dans un certain domaine de l'information pour justifier ici les qualités de son travail, Lake Mungo est l'un des rares exemples de ''Documentaires'' qui prennent pour sujet une actualité tout à fait fictive. On parle donc bien de ce phénomène qu'est le Documenteur, type de long-métrage mettant en scène de faux témoins et de fausses images reléguant un fait plus ou moins extraordinaire mais absolument imaginaire. Entre drame, manipulation et fantastique, Lake Mungo nous invite à pénétrer l'intimité d'une famille en deuil après le décès de l'un de ses membres. Russel et June Palmer ont effectivement perdu leur fille Alice, d'abord disparue avant d'avoir été retrouvée noyée dans le Lac Mungo. À travers de nombreux témoignages, d'images d'archives et de séquences de reconstitution, Joel Anderson convie autant d'interprètes à se présenter devant la caméra afin de raviver le souvenir de cette adolescente trop vite disparue mais aussi celui des événements tragiques liés à sa mort ou des étranges phénomènes qui se produisirent par la suite. Rosie Traynor et David Pledger incarnent les parents éplorés de la jeune Alice, le second remportant la médaille du vérisme. C'est bien simple : la totalité des interprètes qui incarnent soit les membres de la famille Palmer, soit les voisins, ou soit les amis de la disparue sont tous plus crédibles les uns que les autres. Joel Anderson semble avoir retenu l'essentiel des reportages criminels qui pullulent sur les chaînes d'information ou dans les magazines à sensations ainsi que les rapports d'enquête pour les digérer ici avec un sens du réalisme absolument remarquable...

Si l'on ne devine pas d'emblée que Lake Mungo repose sur des faits inventés par le réalisateur lui-même, il devient difficile de distinguer le moindre élément permettant de découvrir le subterfuge. Joel Anderson est aidé en cela par la photographie de John Brawdley ou par l'emploi de caméras et de filtres vintages qui permettent une immersion totale dans ce récit dramatique où des événements surnaturels viendront succéder à la mort d'Alice. C'est en cela que Lake Mungo s'inscrit dans des genres qui communément sont visibles à travers ces longues listes de documentaires à sensation qui font la part belle à la fantaisie. Visuellement, le spectateur se retrouve devant un documentaire, entre témoignages, images d'archives ou vidéos, tous parfaitement crédibles. Du cadavre épouvantablement dégradé d'Alice repêché plusieurs jours après sa disparition jusqu'à l'attitude des témoins, agents de police et présentateurs de journaux compris, en passant par le travail rigoureux effectué sur l'image, on tombe littéralement dans le panneau. À tel point que même en sachant que tout n'est ici que fiction, l'on finit par oublier ce détail pourtant d'une importance considérable pour s'émouvoir devant la détresse des uns et des autres. Là où par contre Joel Anderson aurait sans doute été beaucoup plus éclairé aurait été de choisir un format plus court. Stoppant ainsi l'étonnante progression de la tragédie entourant la famille Palmer aux seuls événements liés au décès de l'adolescente et à ses diverses apparitions sur des photos prises par son frère. Le concept ayant de toute manière toujours des difficultés à justifier la présence de telle ou telle entité sur des documents vidéos ou photographiques, nous n'en aurions sans doute pas voulu au cinéaste de mettre un terme au récit de façon brutale... Mais dans une volonté d'en remettre une couche, et même plusieurs, Joel Anderson part sur l'hypothèse d'une tromperie. Jusque là, ça peut encore passer. Mais lorsque nous est révélée une situation qui avait encore échappée aux différents témoins de l'affaire, on est en droit de penser que Joel Anderson est peut-être allé un peu trop loin. Une surenchère pas vraiment utile vue la puissance de la mise en scène, du montage et de l'interprétation qui jusque là avaient su nous convaincre que tout pouvait être authentique. Bref, Lake Mungo est une excellente surprise et l'un des meilleurs représentants de sa catégorie...

 

Okult de Florian Hellefty (2021)

 

 

Article un peu particulier puisque l'auteur de ce film m'a généreusement offert l'opportunité de le découvrir sans aucune contrepartie... De l'aveu même du réalisateur et scénariste Florian Goujon (que l'on peut croiser sur sa page facebook sous le nom de Florian Hellefty Goujon et sur quelques groupes notamment spécialisés dans le cinéma), membre du groupe de Heavy et Death Metal mélodique Hellefty (d'où, vous l'aurez compris, le pseudo!), le long-métrage Okult ''est un film amateur sans aucun moyen''. Synopsis : Nous sommes en 1999. Une joggeuse a disparu voilà soixante-douze heures dans la forêt de la Colline Noire alors qu'elle effectuait son footing. Dans la région, les disparitions ne sont pas rares puisqu'il s'agit de la quatrième femme à n'avoir plus donné de signes de vie. Les médias relèguent l'affaire et la Gendarmerie enquête, mais rien ne semble permettre de résoudre ces mystérieuses disparitions. Près de vingt ans plus tard, l'écrivain et journaliste d'investigation Joseph Duplant décide de se lancer lui-même dans ses propres recherches. À base de témoignages de la part des anciens enquêteurs, des habitants et des innombrables enregistrements effectués à l'époque, Okult nous invite à suivre l'enquête du journaliste. Une investigation notamment ponctuée de faits étranges... Florian Goujon n'en est apparemment pas à son coup d'essai comme semble en être le témoin sa chaîne Youtube, laquelle propose de découvrir d'obscures mais néanmoins intéressants extraits de films que l'on supposera en fait pour certains, être tirés de ce qui deviendra par la suite le premier long-métrage du musicien, réalisateur et scénariste français. Un coup d'essai plutôt convaincant si l'on retient le fait que Florian Goujon a tout fait, tout seul. Si ce n'étaient les divers interprètes féminins et masculins qui ont généreusement accepté de tourner dans son film, on aurait pu même l'imaginer capable d'endosser à lui tout seul le costume des villageois, des gendarmes, des journaliste, du prêtre et de toutes celles et ceux qui apparaissent à l'image...

Autant dire, un travail de titan ! On pardonnera donc à Okult et à son auteur les quelques imperfections qui, fort heureusement, ne nuisent absolument pas à l'intrigue. Car si quelques interprètes semblent avoir bien du mal à réciter leur texte, d'autres en revanche s'en sortent avec les honneurs (on pense notamment à l'acteur qui interprète le commissaire Letellier). Nous sommes ici dans un cadre horrifique et surnaturel déjà emprunté des dizaines, voire des centaines de fois. Florian Goujon parvient cependant à digérer plusieurs courants et méthodes de travail et accomplit un travail de forçat qui parfois revêt des allures d'anthologie : Film fantastique paranormal, morts (naturelles ou non) en série inexpliquées, témoignages par dizaines et ce, sous la forme d'un mockumenteur. Si complaisent également :du Found-Footage, l'usage de documents numériques, de caméras de surveillance, d'archives télévisuelles, VHS, ou 16mm, Florian Goujon laissant même espérer durant un moment l'exploration de l'outil Internet et de son support, l'ordinateur ! Que tout soit l’œuvre d'une recherche approfondie en matière d'archives réelles ou non (l’éclipse) ou que le tout soit le résultat de l'utilisation intensive de logiciels de traitement de l'image (genre, Cyberlink PowerDirector), le héros du récit effectue une enquête crédible, rarement redondante (les morts sont peut-être par contre énumérée de manière trop fréquente) et jamais ennuyeuse...

Ponctué de quelques notes d'humour (le pull à l'effigie de Groupe de métal Black Sabbath que porte sur son dos le commissaire Letellier ou la journaliste-reporter du nom de... Sarah Connor), notons qu'avec son budget s'élevant à seulement 250 euros (non, vous ne rêvez pas) et un tournage d'une durée de neuf mois, Okult bénéficie d'un environnement sonore intéressant qui s'intensifie notamment lors des vingt dernières minutes, d'une musique Drone composée par Florian Goujon lui-même, et de quelques titres Metal signés de son groupe Hellefty, de quelques effets-spéciaux (intégration de nuages menaçant dans le ciel, image parasitée typique du genre Found-Footage, double fracture ouverte du tibia-péroné) et d'un investissement en terme de temps et de bénévolat qui permettent à Okult de voler bien au dessus de certains films du genre bénéficiant eux, de budgets nettement plus conséquents. Et comme me le conseillait son auteur, essayez donc cette expérience dans le noir et armé d'une bonne sono. À défaut de quoi, vivez l'aventure un casque branché dans les oreilles !

 

Guy d'Alex Lutz (2018) - ★★★★★★★★★☆

Comédien, acteur de cinéma et de télévision, scénariste ou encore doubleur, il ne manquait plus à Alex Lutz que d'endosser la casquette de réalisateur pour demeurer un artiste complet. C'était déjà chose faite en 2015 avec son premier long-métrage Le Talent de mes Amis en 2015 mais c'est l'année dernière qu'il venait confirmer tout le bien que l'on pouvait penser de lui avec Guy, un documenteur (ou faux documentaire) sur la vie d'un chanteur septuagénaire imaginaire sorti de l'esprit tricéphale d'Alex Lutz, Thibault Segouin et Anaïs Deban. L'histoire de Guy Jamet, chanteur de variété populaire qui connut un certain succès du début de sa carrière dans les années 60 jusqu'à la fin du siècle dernier et qui, aidé d'une double compilation regroupant ses plus grands succès, tente de revenir sur le devant de la scène. Suivi par la caméra de Gauthier, un jeune journaliste dont la mère était une grande fan de Guy Jamet, le chanteur nous fait vivre son quotidien, des loges jusqu'aux concerts et des restaurants où toute son équipe de techniciens et musiciens se retrouvent après chaque représentation jusque dans son intimité qu'il partage avec sa compagne Sophie Ravel (excellente Pascale Arbillot)...

Alex Lutz réalise avec Guy, l'un des meilleurs représentants de sa catégorie : le documenteur. Le principe est simple puisqu'il s'agit ici de plonger le spectateur dans un univers factice se rapprochant le plus possible du documentaire. L'acteur, scénariste et réalisateur y parvient aisément à l'aide d'importants moyens. Si le film se concentre sur le présent, le travail effectué sur les ''fausses'' archives crées à l'occasion est relativement bluffant. En effet, on retrouve Guy à différentes époques de sa vie et donc, à des âges plus ou moins avancés. À ce titre, on retiendra le travail remarquable effectué sur le visage d'Alex Lutz par les maquilleurs français Laeticia Quillery et Geoffroy Felley qui surpassent tout ce qui a pu être conçu sur grand écran depuis les origines du vieillissement au cinéma (Dick Smith aurait été fier du duo). Afin de crédibiliser et de pousser le réalisme du propos à son paroxysme, d'importants moyens ont été apportés afin de créer un univers cohérent qui s'étend bien au delà de la dizaine de chansons conçues à l'occasion par Vincent Blanchard et Romain Greffe et qui, dans la majeure partie des cas, n'ont pas à rougir face aux standards de la chanson française. Preuve qu'aucun compartiment n'a été laissé au hasard et qu'Alex Lutz a tenu à ce que chaque artisan de Guy puisse bénéficier des meilleures conditions de travail afin d'obtenir les meilleurs résultats.

À l'occasion de son second long-métrage, Alex Lutz fait appel à Pascal Le Gellec pour les décors, Amandine Gros pour les costumes ou encore Mathieu Le Bothlan pour la photographie. En résultent des séquences qui replongent les spectateurs dans des époques diverses, images à l'appui, en retrouvant l'esthétique précise des périodes qu'elles évoquent. Alex Lutz est bluffant. Non seulement il réalise l’œuvre parfaite, à tel point qu'on oublierait presque qu'il s'agit d'une fiction, mais de plus, il incarne à la perfection ce vieil homme, cet artiste sur le retour dont on partage l'incroyable aventure et son histoire personnelle. Drôle et parfois émouvant, Guy est une prise de risque permanente. La moindre fausse note et la crédibilité aurait pu voler en éclat. C'est d'ailleurs sans doute pour cette raison que l'acteur-réalisateur a fait le choix d'interpréter lui-même sur scène les chansons sans faire usage du play-back (un procédé qu'Alex Lutz aura pourtant le génie d'utiliser lors de certaines séquences de flash-back).

Guy est l'occasion de retrouver une brochette d'interprètes on ne peut plus hétéroclite : on retrouve en effet notamment à l'affiche l'actrice Nicole Calfan, la chanteuse Dani, les actrices Élodie Bouchez et Julie Arnold, l'humoriste et chroniqueuse Nicole Ferroni, et dans leur propre rôle, Michel Drucker et Julien Clerc. Les plus observateur noteront également la présence de David Salles dans la peau d'un clochard très convainquant. Guy est une excellente surprise. Nostalgique d'une époque révolue, le spectateur sent bien qu'Alex Lutz est attaché à son sujet et signe une œuvre parfaitement accomplie. À voir absolument...

Incident at Loch Ness de Zak Penn (2004) - ★★★★★★★★☆☆

Werner Herzog, c'est une histoire d'amour vieille de plus de trente ans. Depuis la découverte de son second long-métrage Auch Zwerge haben klein Angefangen dans les années quatre-vingt, jusqu'à ses chefs-d’œuvre Aguirre, der Zorn Gottes et Fitzcarraldo, en passant par son cultissime et envoûtant Herz aus Glas, sans oublier le reste de sa pentalogie aux côtés de l'acteur Klaus Kinski complétée par Woyzeck, Nosferatu, Phantom der Nacht et Cobra Verde. Alors, lorsqu'est offerte l'opportunité de découvrir le cinéaste, scénariste et producteur de ses propres films sous un nouveau jour, aucune bonne raison de s'y opposer. C'est donc à l'occasion de Incident at Loch Ness de Zak Penn que j'ai donc eu l'occasion de me rapprocher à nouveau de l'univers si particulier du cinéaste allemand. Aurai-je regretté qu'il n'en soit pas le réalisateur lui-même que j'étais tout de même heureux d'apprendre que Werner Herzog était en partie responsable de l'écriture du scénario aux côté de Zak Penn.

Avant toute chose, il faut savoir que d'une manière générale, il vaut mieux aborder le sujet sans même avoir lu ne serait-ce qu'un seul document ou vu la moindre bande-annonce qui pourrait dévoiler un détail crucial mais que je me permettrai tout de même de révéler dans le dernier paragraphe de cet article (vous êtes donc prévenus). Tout au plus puis-je préciser que les auteurs de ce petit bijou qu'est Incident at Loch Ness peuvent se targuer d'avoir mis en boite l'un des projets de films les plus ambitieux de sa catégorie, et sans doute parmi les plus convaincants.

Tout commence dans la propre demeure de Werner Herzog qui a accepté qu'une équipe restreinte de reporters le suive dans son projet de documentaire tournant autour du mythe du monstre du Loch Ness intitulé Enigma of Loch Ness. Un projet s'articulant autour de Werner Herzog bien évidemment, qui doit lui-même le diriger, mais également (et notamment) de Zak Penn qui a accepté de produire le documentaire, du cryptozoologiste Michael Karnow pour le soutien scientifique, du directeur de la photographie Gabriel Beristain, ou encore de l'ingénieur du son Russell William. Le tournage prévu à bord d'un rafiot sur une durée de cinq jours va connaître un certain nombre de soucis qui ruineront tous les espoirs de Werner Herzog. A commencer par un malentendu entre le capitaine du bateau et l'ingénieur du son qui ont bien du mal à s'accorder sur l'éventualité de changer le moteur de l'embarcation...

Incident at Loch Ness suit donc les péripéties d'une équipe de tournage qui va connaître déconvenue sur déconvenue, la caméra suivant les membres de l'expédition et captant les réactions de chacun. Mais très vite, quelque chose cloche. Et même si dans un premier temps le pathétique et les inaptitudes de certains s'invitent au voyage, il est pratiquement impossible de conserver son sérieux malgré la tragédie qui tisse sa toile sur l'écran. En effet, quoi de plus absurde que la présence d'une Kitana Baker en spécialiste des sonars qui sous sa combinaison (que seul Werner Herzog refusera d'ailleurs de porter) planque un bikini ridicule aux couleurs de l'Amérique ? Ou encore ce capitaine de bateau incapable de gérer les avaries ? Ou ce producteur qui avec la complicité de Gabriel Beristain accepte de tourner des séquences supplémentaires sans l'aval de Werner Herzog ? Si dans un premier temps on est saisi par l'ampleur de la catastrophe et de l'incompétence généralisée, c'est lors de la seconde moitié du long-métrage que se profile l’inéluctable réalité : en fait de documentaire, Werner Herzog et Zak Penn ont en réalité réalisé ce que l'on a aujourd'hui coutume de nommer sous l'appellation « documenteur ». En bref, le documentaire promis n'est qu'une fiction prenant des allures de cinéma-vérité. Tout y est donc faux. Et si la déception peut se lire ensuite sur le visage du spectateur, force est de reconnaître que durant un certain temps, celui-ci s'est fait bêtement piégé. Les deux auteurs poussent le concept dans ses derniers retranchements et réalisent l'un des tout meilleurs found footage de l'histoire du cinéma. Rien que ça. A voir donc pour le principe, mais surtout pour la présence de l'immense Werner Herzog...