Frankenstein de Guillermo Del Toro (2025) - ★★★★★★☆☆☆☆

 

 

Le réalisateur mexicain Guillermo DelToro rêvait paraît-il depuis de nombreuses années d'adapter sur grand écran le célèbre roman Frankenstein ou le Prométhée moderne qu'écrivit Mary Shelley au début du dix-neuvième siècle et qui fut édité pour la première fois le 1er janvier 1818. Au vu des ambitions tournant autour d'un projet tout de même réalisé par l'auteur du Labyrinthe de pan en 2006, de Crimson Peak en 2015 ou de La forme de l'eau deux ans plus tard, on peut s'étonner qu'au final le Frankenstein ait échoué directement sur la plateforme Netflix alors que l'on aurait pu espérer que le film sorte en salle. D'autant plus que le prologue semble promettre une aventure extraordinaire. Du moins d'un point de vue visuel puisque le récit débute au Pôle Nord où le navire commandé par le capitaine danois Anderson (l'acteur Lars Mikkelsen) se retrouve piégé au beau milieu d'une banquise. Mais alors qu'une explosion a lieu à trois kilomètres de l'énorme embarcation, Anderson et plusieurs de ses hommes se rendent sur les lieux pour y découvrir un homme qui n'est autre que Victor Frankenstein. Très gravement blessé, il est emporté puis emmené à bord du navire lorsque surgit la silhouette d'un ''homme'' particulièrement agressif qui ordonne à Anderson et à ses hommes de lui remettre Victor. Mais devant le refus du capitaine, l'individu se montre très violent et s'en prend à ses hommes, faisant six morts parmi les membres de l'équipage... Lors de ce prologue visuellement attrayant et plutôt violent de la part d'une ''créature'' que l'on comprend d'emblée être celle que créa le Docteur Victor Frankenstein, le spectateur peut d'emblée constater que Guillermo Del Toro a fait le choix de changer certains traits propres aux personnages principaux du récit et notamment au sujet de la créature dont il fait un personnage sans doute plus crucial encore que n'importe quel autre protagoniste. Alors même qu'elle aura droit à son chapitre lors d'un récit à la première personne qui consacrera sa version de l'histoire, la créature de Frankenstein est incarnée par l'acteur australien dont la taille tutoyant presque les deux mètres et dont la ''belle gueule'' le sacre ici comme personnage le plus charismatique. Et ce, malgré de nombreuses cicatrices et greffes de peau dont l'effet change radicalement avec ce que l'on avait l'habitude de voir lors des précédentes adaptations du roman de Mary Shelley. Frankenstein est divisé en trois parties. Comme on a pu le voir, le récit débute par un prologue avant d'être prolongé par deux grandes parties de durées presque égales. Si la troisième est donc consacrée à la Créature, la seconde est presque entièrement dévouée au personnage de Victor Frankenstein qu'interprète quant à lui Óscar Isaac Hernández Estrada. Les traits durs de l'acteur américain originaire du Guatemala collent parfaitement au rôle que lui a confié Guillermo Del Toro...

Car plutôt que d'incarner un Victor Frankenstein relativement bienveillant comme on a pu notamment le découvrir dans l'excellent téléfilm-fleuve Frankenstein: The True Story de Jack Smight plus de cinquante ans en arrière, celui de cette version 2025 est on ne peut plus détestable. Véritable repoussoir pour le spectateur et donc également pour une Élisabeth Lavenza (l'actrice Mia Goth) qui désormais n'est plus sa fiancée mais celle de son frère William (Felix Kammerer), Guillermo Del Toro en profite pour créer le trouble au sein des rapports que vont entretenir la jeune femme et la Créature même si Élisabeth confirme très rapidement qu'il ne s'agit pour elle que de compassion. En outre, le sujet permet au cinéaste mexicain d'aborder le thème de la jalousie. D'inconcevables soupçons naissant dans la tête d'un Victor Frankenstein qui peu à peu semble perdre la raison au point de regretter d'avoir créé sa créature et cherche donc désormais à l'éliminer ! Tandis que la créature ne semble pas avoir de capacités intellectuelles suffisantes pour apprendre et évoluer, le comportement de Victor Frankenstein précédant ceux d'Élisabeth et du vieil aveugle (David Bradley) véhicule un message fort selon lequel, douceur, patience et bienveillance font des miracles face à la brutalité d'un Docteur Frankenstein incapable d'obtenir le moindre résultat ! Si Frankenstein est visuellement remarquable malgré quelques animaux en CGI complètement ratés, on n'en dira pas autant de la partie essentiellement consacrée à Frankenstein. À contrario, lorsque le sujet traite majoritairement de la Créature, on sent toute la passion et l'amour qu'a le cinéaste pour ce personnage hors norme comme il pu en avoir autant pour l'étrange homme-poisson de La forme de l'eau. En dehors de ces considérations, la version de Guillermo Del Toro pourra parfois être considérée comme la vision de trop. De celles dont les ajouts n'apportent en réalité pas grand chose d'autre qu'un vrai savoir-faire artistique. D'ailleurs, en cherchant bien, lorsque l'on veut pouvoir trouver matière à une adaptation réellement originale, il suffit de faire un bond de seulement dix ans en arrière pour y trouver un cas à part avec le Frankenstein de Bernard Rose. D'une durée de deux-heures trente environ, Frankenstein version 2025 est surtout comparable à une œuvre d'art picturale où chaque élément visuel est là pour nous en mettre plein la vue. Doté de quelques idées neuves mais au fond très académique sur certains points de vue, le film de Guillermo Del Toro est peut-être malgré tout celui qu'attendaient ses fans...

 

Maxxxine de Ti West (2024) - ★★★★★☆☆☆☆☆

 

 

Ce qu'il y a sans doute de plus étonnant dans le dernier long-métrage du réalisateur, scénariste et producteur américain Ti West est le grand écart entre l'absence quasi-congénitale d'intérêt que j'eus l'occasion de porter à son attention et la somme de remarques que l'on peut néanmoins en tirer ! Dernier volet d'une trilogie débutée en 2022 avec X, poursuivie la même année avec Pearl et donc désormais achevée (du moins espérons-le) avec Maxxxine, la chose a ceci d'inconsistant qu'elle n'est pratiquement jamais parvenue à me passionner. Pas même à m'interloquer. Tout au plus m'amuser à travers sa collection de références qui finirent par n'être plus que le seul centre d'intérêt d'un film qui par comparaison ressemble bien plus au premier qu'au second volet de la trilogie. En tête de gondole, toujours l'actrice et mannequin britannique Mia Goth, laquelle jongle donc depuis deux ans entre deux facettes bicéphales de son personnage. D'un côté, Pearl. De l'autre, Maxine Minx dont les X du prénom ont été triplés afin de signifier dans quelle catégorie de films la jeune femme a débuté sa carrière. Le Revival Eighties étant un concept qui porte ses fruits depuis très longtemps, Ti West n'invente rien. Alors que l'on attend avec empressement que le réalisateur David Robert Mitchell se sorte les doigts d'où vous savez afin qu'il nous ponde un nouvel épisode de son brillant univers (It Follows en 2014, Under the Silver Lake en 2018, vu en salle avec ma compagne voilà donc six ans en arrière), Ti West fait un peu comme ceux dont les ambitions sont telles que gratter sous le vernis de Hollywood et de ses stars du cinéma semble être un pallier qu'ils sont pratiquement contraints de franchir. Même l'immense David Cronenberg s'y laissa piéger en 2014 avec son sympathique mais néanmoins mineur, Maps to the Stars. Des références, Ti West en jette par seaux entiers. Du cultissime Maniac de William Lustig, une évidence quand d'autres préfèrent citer Schrader ou Friedkin, avec ses rues pavées aux enseignes aveuglantes attirant le chaland nocturne à venir se rincer l’œil dans des spectacles érotiques.

En passant par le Psychose d'Alfred Hitchcock tandis que notre héroïne gravit les marches menant à la lugubre demeure des Bates. Jusqu'au personnage incarné par l'excellent Kevin Bacon, John Labat. Détective dont la ténacité, le cynisme et la forfaiture le renvoient carrément au tueur de l'excellent Blood Simple des frères Coen incarné à l'époque par le génial M. Emmet Walsh... Sans oublier la bande son qui outre ses synthés analogiques nous honore de quelques standards musicaux de l'époque bien que parfois formidablement anachroniques (le film situe son action en 1985 et si Gimme All Your Lovin' des ZZ Top date de 1983, si Welcome to the Pleasure Dome de Frankie Goes to Hollywood date de 1984, Heart des Pet Shop Boys ne fut créé qu'en 1987...). En toile de fond du récit de cette jeune femme qui rêve de devenir une star du cinéma, le cas authentique de celui que la presse américaine surnomma à l'époque The Night Stalker (Le Traqueur de la nuit). Un tueur en série ayant cette année là, en 1985 donc, commis une quinzaine de meurtres qui le conduisirent en prison. Condamné à mort, Richard Ramirez décédera finalement d'un lymphome le 7 juin 2013 à l'âge de 53 ans. C'est bien donc l'ombre de ce tueur en série qui plane autour du personnage de Maxine Minx. Dont les amis tombent un à un entre les griffes d'un tueur insaisissable dont on ne découvre à chaque meurtre que les mains gantées de noir (autre référence, celle-ci aux Gialli de Dario Argento et consorts, Ti West et son compositeur Tyler Bates poussant le curseur au point de nous rappeler aux bons souvenirs de l'illustre groupe de rock progressif italien, Goblin, le temps d'une composition !). Bref, de la matière, Maxxxine en est pourvu presque plus qu'il n'en faut. Mais cela suffit-il pour exercer suffisamment de pression sur l'intérêt général de l'histoire ? La réponse est non. Pourquoi ? Parce que tout ce qui contient dans l’œuvre de Ti West a déjà été vu ailleurs. La mise en scène du réalisateur n'est absolument pas à mettre en cause, au contraire. Il lui arrive même parfois de faire mieux que la concurrence. Mais au prix de proposer un spectacle autour du concept de la ''redite'' qui personnellement m'indispose totalement. Bref, Maxxxine exhale ce même parfum de désintérêt que j'éprouvais deux ans auparavant devant X alors même que j'espérais prendre autant mon pied que devant Pearl. Au jeu du pile ou face, me voilà donc perdant...

 

El Secreto de Marrowbone de Sergio G. Sánchez (2017) - ★★★★★★★★☆☆

Il y a des longs-métrages qui ont besoin de quantité d'artifices pour attirer et maintenir l'attention des spectateurs. Mais il en existe aussi qui ont besoin de peu. El Secreto de Marrowbone fait partie de cette catégorie de films qui reposent sur des bases, une maîtrise et une confiance tellement solides de la part de leur auteur que celui-ci peut se permettre de prendre à peu près tous les risques tout en laissant derrière son œuvre et lui, un minimum de déchets. Aussi étonnant que cela puisse paraître, El Secreto de Marrowbone est le premier véritable long-métrage du réalisateur d'origine espagnole Sergio G. Sánchez. Avec ce film que certains ont sans doute trop rapidement catalogué de film d'horreur, le cinéaste nous convie à une certaine forme de féerie faisant route commune avec l'épouvante. Il faudra d'ailleurs un jour expliquer aux ignares où se situe la différence entre ces deux genres. Car à moins que votre serviteur ici présent ne soit inconsciemment dans le flou total concernant la question, il m’apparaît que la première exprime d'abord un sentiment de dégoût quasi épidermique quand la seconde, elle, s'attaque en premier lieu à l'esprit, à ses phobies, à ses peurs primales.

Si le rythme qu'imprime Sergio G. Sánchez à son œuvre paraîtra insuffisant aux amateurs de slashers, de gore, de torture-porn ou que sais-je encore, ceux qui attendent davantage qu'un catalogue d'atrocités seront conquis. Car l'air de rien, le scénario de El Secreto de Marrowbone, là encore, écrit par Sergio G. Sánchez, est un mille-feuilles ajoutant couche après couche au récit, des thèmes ''cinématographiquement universels'' d'une très grande cohésion. Plutôt que de partir d'un point A, pour se diriger vers un point B, et bifurquer enfin vers un point C pour ne faire ensuite que mélanger le tout dans une succession de séquences dont la structure scénaristique serait irréfléchie, l'espagnol intègre avec une infinie prudence chaque strate du récit pour en faire un tout indissociable et indivisible. Vous croyez en vos certitudes ? Sergio G. Sánchez se charge de les plier en deux, en quatre, et même pourquoi pas, en huit ! En bon artisan du cinéma et donc de l'irréel, il vous pousse à admettre ce qu'il entend vous faire croire. Un son, un chuchotement et la ''présence'' s'adresse tout d'abord aux personnages. Mais lorsque apparaît subrepticement à l'image une main flétrie, c'est au spectateur que le réalisateur s'adresse. Vous l'avez vu ? C'est qu'il existe... ce fantôme dont vos grands frères et sœur vous ont toujours fait croire à l'existence pour vous cacher l'horrible vérité...

Sergio G. Sánchez redéfinie en l'espace d'un seul film, les codes de plusieurs sous-genres cinématographiques qui depuis des lustres avaient tendance à s'engluer dans des ''redites'' terriblement fades. En un seul long-métrage, il renoue le spectateur avec cette J-Horror que les puristes ont sans doute pleuré lorsqu'elle a traversé l'outre-atlantique dans d’ineptes remakes américain, annihilant cette fois-ci les Rings et Grudge nouveaux, déjà peu convaincants. Il a sans doute également réécrit l'Histoire du Home-Invasion et du Survival avec une finesse qui n'a jamais été l'apanage, avouons-le, de ces deux ''entités'' du cinéma d'horreur et d'épouvante. Si suivre les aventures de Jack Marrowbone, de sa sœur Jane et de ses deux frères Billy et Sam réveille en vous d'aussi douces que douloureuses expériences offertes par le passé par Alejandro Amenabar, Guillermo del Toro ou Veronika Franz et Severin Fiala (Goodnight Mommy), alors vous êtes forcément en terrain conquis. Évoquant l'histoire bouleversante de ces gamins abandonnés à leur triste sort comme le furent dans un contexte aussi étrangement similaire ceux du troublant Cement Garden d'Andrew Birkin, on pourrait même aller jusqu'à y voir le parfait descendant de l'immense Nuit du Chasseur de Charles Laughton.

Avérées ou non, ces sources d'inspiration auxquelles le cinéphile se raccrochera peut-être sont les garantes d'un parti-pris parfaitement exécuté. George MacKay, Charlie Heaton, Mia Goth, Kyle Soller et plus loin, Anya Taylor-Joy, témoignent de l'intérêt qu'ils éprouvent pour leur personnage respectif. Tout comme Kyle Soller dont l'aveuglante obstination fait froid dans le dos. Alors non, El Secreto de Marrowbone n'est certainement pas le film d'horreur que certains aimeraient lui voir coller comme étiquette. Juste un drame sensible et nuancé mais parfois parcouru de terrifiantes fulgurances, je l'accorde. Inutile désormais de prendre l'avion pour atterrir sur l'ancienne terre des indiens d'Amérique. Tout ou partie se joue désormais près de chez vous, en Espagne. Comme une seconde vague, après [REC] et consorts. Mais en infiniment plus précieux...

A Cure for Wellness de Gore Verbinski (2017) - ★★★★★★★☆☆☆

Au début des années 2000, le cinéaste et producteur américain Gore Verbinski prouvait qu'il était en mesure de remplir la délicate mission de réaliser le remake de l'un des meilleurs films d'épouvante japonais, Ringu du cinéaste Hideo Nakata, tout en ne produisant qu'une infime part de déchets. Une tentative plutôt convaincante qui laissa notamment place à trois des volets de la franchise Pirates des Caraïbes et une tentative avortée d'en créer une nouvelle mais qui semble avoir échoué à l'issue du premier opus (la suite des aventures de Lone Ranger : Naissance d'un héros ne sera sans doute jamais tournée). Fort logiquement comparé au succès de Pirates des Caraïbes, le film est un échec et ne rapportera pas beaucoup plus que le budget de 215 millions de dollars alloués à l'origine.

Avec ses 40 millions de dollars de budget, soit la plus petite somme consacrée à l'un de ses films juste après son Mouse Hunt datant de 1997, Gore Verbinski prouve que l'argent ne constitue pas l'essentiel d'un long-métrage et que sans le talent de son écriture (ici, l’œuvre du scénariste et romancier Justin Haythe), de sa mise en scène ou de son interprétation, un film reposerait sur des bases manquant d'aplomb.

Si le récit de A Cure for Wellness n'entretient que de lointains rapports avec le Shutter Island de Martin Scorsese, il paraît cependant évident d'en établir une certaine comparaison. D'un point de vue esthétique tout d'abord puisque les deux oeuvres se rejoignent sensiblement sur ce point, mais aussi en terme de narration. D'un côté comme de l'autre, elles opposent deux individus enquêtant sur la recherche de patients ayant respectivement disparu. Deux trames qui vont opposer ces héros ordinaires (d'un côté le marshal Teddy Daniels, incarné par l'acteur Leonardo DiCaprio, de l'autre le jeune cadre ambitieux Lockhart interprété par Dane DeHaan) non seulement à la recherche de la vérité mais également les pousser malgré eux à une certaine forme d'introspection.

A Cure for Wellness est une œuvre ambitieuse de presque deux heure-trente magnifiée par la superbe photographie du directeur de la photographie monténégrin Bojan Bazelli et par l'exceptionnel site qui ouvrit ses portes à l'occasion du tournage: le Château de Hohenzollern, fief ancestral de la famille royale et impériale du même nom. Une ambition qui malheureusement, finira par s'étioler à force de durer au delà du raisonnable. Des cent-quarante six minutes que dure le long-métrage de Gore Verbinski, le cinéaste aurait dû le ''nettoyer'' d'une bonne demi-heure. Celle qui justement clôt l’œuvre en prenant des airs de grand-guignol explicatif à l'attention d'un public sans doute jugé d'insuffisamment instruit pour s'être déjà fait une opinion sur les tenants et les aboutissants de cette histoire qui, en revanche, débute sous les meilleurs augures.

Alors que j'étais déjà personnellement près à l'identifier comme un étant un excellent prétendant au titre de ''Shining des années 2010'', A Cure for Wellness a sans doute tenu la route pendant une bonne partie de l'intrigue, mais est malheureusement retombé à travers une dernière demi-heure que le cinéaste s'est sans doute senti obligé de transformer en un banal récit. Une histoire mêlant le Prométhée moderne de Mary Shelley à une certaine forme de vampirisme moderne sans croix, ni ail ni dents longues. Les seules dents longues que vous trouverez dans A Cure for Wellness sont d'ailleurs celles du héros impeccablement incarné par l'acteur américain Dane DeHaan dont la vague ressemblance avec son homologue Leonardo DiCaprio aurait presque été gênante si le jeune interprète originaire d'Allentown en Pennsylvanie n'avait fait preuve d'un talent exceptionnel.

Dans la peau de l'arriviste Lockhart, l'humeur de l'acteur et surtout, son apparence, changent à mesure que son personnage intègre consciemment les activités sous-jacentes que mène Volmer, le directeur d'un centre de remise en forme prisé de riches et vieux milliardaires. Un Volmer incarné par l'acteur et producteur britannique Jason Isaacs qui endosse à l'occasion, le costume et l'attitude d'un ersatz du Josef Mengele de triste mémoire. Du moins, c'est ce que laissent supposer certains détails. Des indices que le cinéaste s'amuse à faire sauter en éclats pour mieux divertir le spectateur et l'emmener vers de multiples voies qui mènent finalement toutes à des incertitudes jusqu'à ce qu'enfin nous soit révélée la terrible vérité.

A vrai dire, le sujet n'est pas nouveau. A titre d'exemple, il suffirait juste d'évoquer le classieux The Hunger de Tony Scott avec Catherine Deneuve et David Bowie sorti trente-quatre ans plus tôt pour s'en convaincre. Cependant, le traitement que fait Gore Verbinski de son sujet attire l'attention de l'amateur de thrillers mâtinés d'épouvante. Car dans ce dédale de pièces qui ne mènent parfois que dans des culs de sac, dans ces profondeurs abyssales où sont menées des recherches sur ce symbole qu'il est devenu commun de nommer sous le terme de ''Fontaine de Jouvence'', l'auteur de The Ring sait y faire pour s'attirer les faveurs des amateurs de frissons. Et ce, que grâce lui soit rendu, sans qu'à aucun moment il n'ait eu recours à la méthode du ''Jump Scare'' qui de toute manière n'a plus aucun effet depuis des années. Gore Verbinski évoque surtout l'idée selon laquelle aucune voie de secours n'est possible. Entre les charges, les responsabilités professionnelles pesantes du héros travaillant à New York, et le village absolument terrifiant, seul refuge possible mais non dénué de danger (la totalité des habitants semble atteinte de consanguinité. En bref, des ''rednecks'' à la sauce suisse-allemande), tout semble le ramener à son point de départ. Cette dévoreuse implacable, cette remarquable batisse qui fut le théâtre, jadis, d'un événement que l'on relate encore de nos jours entre les murs de cette prison dorée.

Beau comme un ancien modèle de voiture toute en courbes élégantes. Mise en scène, cadrage, décors, lumière et montage remarquables. Interprétation au cordeau. Sublime partition musicale du compositeur britannique Benjamin Wallfisch (la berçeuse est furieusement entêtante)... Tout aurait dû faire de A Cure for Wellness, l'un des plus importants films d'épouvante des années 2010. Pourtant, ce n'est qu'à quelques pas de la ligne d'arrivée que le château de carte finit par s'écrouler sous le poids explicatif de son auteur. Dans d'autres circonstances, le spectateur aurait pu louer cette volonté de la part de Gore Verbinski de vouloir faire durer le plaisir de manière paroxystique, mais à vouloir trop en faire, c'est l'effet inverse qui se produit et le spectateur finit par ne plus espérer que l'arrivée du générique de fin. A voir tout de même pour son énorme potentiel et surtout pour ses... disons.... cent première minutes...