Midnight Express d'Alan Parker (1978) - ★★★★★★★☆☆☆

Brad Davis n'aura pas vraiment eu le temps de faire une brillante carrière cinématographique puisque lorsqu'il meurt en 1991 des suites du sida alors qu'il se sait depuis un moment déjà séropositif, il aura surtout accumulé des rôles à la télévision, le grand écran n'ayant jamais dressé devant lui, le pont d'or qu'il méritait pourtant sans doute depuis son apparition dans ce qui allait devenir LE rôle de sa carrière. Pour beaucoup de cinéphiles, Midnight Express sonne comme le souvenir d'une expérience cinématographique douloureuse. Et lorsque l'on sait que le personnage qu'y interprète Brad Davis a réellement existé, on repense rétrospectivement au voyage en Enfer vécu par William Hayes, l'homme autour duquel le réalisateur et scénariste Oliver Stone s'est concentré pour écrire le script d'un long-métrage qui allait entrer dans la légende du septième art : Midnight Express d'Alan Parker. Une œuvre qui allait faire de ce jeune américain, le héros d'un film alors même qu'à l'origine, William Hayes n'était pas le plus recommandable des individus puisque victime de ses propres ambitions de petit dealer, il fut arrêté par les autorités turques alors qu'il tentait de faire passer de la drogue et ce, pour la quatrième fois. Et quatre fois, dans les circonstances que l'on va découvrir, ce sera une fois de trop. Croyant passer à travers la fouille de la douane turque, bien mal lui en prend puisque les deux kilos qu'il transporte sont découverts. C'est alors pour William Hayes, le début de cinq ans d'enfer...

A l'origine, Richard Gere devait incarner le rôle-titre. C'est en toute partialité que me vient à l'esprit l'idée que l'on a sans doute échappé au pire. Lorsque Brad Davis se présente au casting avec dans l'ombre, un Dennis Quaid séduit par le personnage, le jeune acteur alors âgé d'une trentaine d'années a débuté sa carrière huit ans auparavant mais n'a très majoritairement tourné que pour le petit écran puisque avant Midnight Express, il n'apparaîtra au cinéma que dans Eat My Dust de Charles B. Griffith sans être cependant crédité au générique. Alors que les autorités de la capitale turque Ankara refusent d'accueillir l'équipe de tournage sur leur territoire, c'est à plus de deux-mille sept-cent kilomètres de distance, sur l'île de Malte, que se déroulera finalement le tournage du film d'Alan Parker. Un long-métrage qui en regard du difficile sujet abordé sera pour le réalisateur, son équipe, mais surtout Brad Davis, une expérience physique et intellectuelle éprouvante. Des conditions de tournage délicates. Une chaleur écrasantes. Et des délais de tournage très courts. Même tourné loin du pays d'origine où se sont déroulés les faits, la mise en scène, l'interprétation et la mythique bande originale du compositeur et DJ italien Giorgio Moroder font illusion...

Quarante-deux ans après sa sortie, il est toujours intéressant de découvrir Midnight Express. Et même si depuis, nombre de cinéastes et de scénaristes ont su entretenir la dualité humanité/inhumanité en repoussant sans cesse les limites du dicible, même si l'on doit conserver une totale réserve quant à l'éventuelle ''romanisation'' de cet épisode tragique dans la vie d'un homme (les autorités turques remirent en question la crédibilité de certaines faits), l'expérience demeure toujours aussi rude. La Turquie, ça n'était déjà pas la France en ce temps là. Là-bas, pas de téléphone, de télévision ou de quelconque divertissement. Là-bas, comme va pouvoir l’expérimenter William Hayes, la prison est un cachot dans le sens le moins noble du terme. Des cellules grises, crasseuses, humides. Des gardiens brutaux, ici notamment personnifiés par l'incroyable acteur américain Paul L. Smith (Rabban de Dune de David Lynch, le dératiseur de Crimewave de Joel et Ethan Coen) dans le rôle du gardien-chef tortionnaire et sadique Hamidou. Midnight Express montre une certaine corruption de la justice avec à la clé, l'incertitude d'obtenir gain de cause malgré les largesses financières.

Il démontre également que la survie tient à des choses aussi simples et puériles que l'amitié et l'espoir. L'amitié entre le héros et ses compagnons de cellule Jimmi Booth (l'acteur Randy Quaid) et Max (formidable John Hurt). L'espoir de recouvrer un jour la liberté. Espoir, mais aussi désespoir qui mènera le héros à la folie lors de l'une des séquences les plus mémorables du film. Longtemps considéré par certains comme bourré de clichés racistes et xénophobes par des individus que l'on pourrait en contrepartie considérer de complaisants, nombre de documents ont su démontrer depuis, que le contenu de Midnight Express est parfois le reflet de la réalité. Comme on peut s'en douter, le film fut interdit en Turquie où il fut invisible jusqu'en 1993. Nominé et récompensé à de nombreuses occasions, le film d'Alan Parker obtint notamment, les Oscars du meilleur scénario et de la meilleure musique au festival de 1979 mais ne remporta pas ceux du meilleur acteur de second rôle pour John Hurt, du meilleur réalisateur et du meilleur montage...

Salò ou les 120 Journées de Sodome de Pier Paolo Pasolini (1975) - ★★★★★★★★☆☆

On a eu beau raconter des tas de choses sur le dernier long-métrage du réalisateur italien Pier Paolo Pasolini... Qu'il s'agissait d'une œuvre arty mêlant horreur et scatologie, critique de l'Italie Fasciste et cri de révolte, censure (italienne) jusqu'au bannissement, acceptable sur le papier, mais répugnant à l'écran, extrême et angoissé, historique et sociopolitique... mais qu'en demeure-t-il au fond, une fois les critiques digérées et surtout, ses images consommées... ? Une œuvre visionnaire, oui, sans aucun doute possible. Il suffit pour cela de se rendre aujourd'hui sur la toile pour y assouvir le fruit de n'importe quel fantasme, même le plus déviant, le plus explicite et le plus repoussant. Et pourtant, Salo ou les 120 journées de Sodome fut, lui, inspiré, adapté (il s'agit d'une adaptation libre des Cent Vingt Journées de Sodome du Marquis de Sade), imaginé sur pellicule alors même qu'Internet n'existait pas encore. Il fallait donc trouver le moyen d'assouvir, d'abord, sa curiosité sur grand écran... mais encore fallait-il vivre dans un pays acceptant de passer dans les salles obscure cet objet innommable. Infernal. Dégueulasse. Abject. Plus proche des critères que connaissent ceux qui s'intéressent de près au cinéma déviant et underground qui circule non plus sous le manteau mais sur le ''Dark Web'', que du cinéma de papa ou familial qui repose uniquement sur le divertissement rose-bonbon...

Afin de bien comprendre l'objet du délit, il faut tout d'abord se remettre dans le contexte. Mais ici, il ne s'agit pas de dresser une quelconque analogie avec l'Italie Fasciste de Benito Mussolini, mais plutôt de comparer les habitudes du spectateur lambda nourrit en cette même année 1976 (nous prendrons comme exemple la sortie française du long-métrage, le 19 mai) d'un nombre important de films et qui aurait pu se satisfaire des quelques Douze Travaux d'Astérix ou L'Aile ou la Cuisse hexagonaux et non pas du dernier chef-d’œuvre de Pier paolo Pasolini. En matière ''d'horreurs'', quelques cinéastes allaient cependant franchir un pas très important dans la digression cette année là : on pense notamment à Martin Scorsese et son pessimiste et cultissime Taxi Driver, à Ettore Scola et son remarquable et très réjouissant Affreux, Sales et Méchants, ou plus près de chez nous, au misogyne mais néanmoins fort délectable Calmos de Bertrand Blier... Rien de vraiment méchant ou de dangereux donc, mais le genre de mises en bouche qui auraient pu ou dû préparer le spectateur au choc, au tsunami, Salo ou les 120 journées de Sodome...

Plus de quarante ans après, et malgré l'aura persistante que conserve le film, il faut reconnaître que Salo ou les 120 journées de Sodome a quelque peu perdu du charme de son abominable contenu. La faute, sans doute, à une descendance plus ou moins reconnue et assumée comme telle, ayant repoussé les limites contenues dans chacun des compartiments que compte l’œuvre du cinéaste italien. Quatre ''cercles'' durant lesquels divers représentants de la bourgeoisie s'adonnent dans ces temps troublés, à des actes barbares sur de jeunes filles et garçons rendus à l'état de viande, torturés psychologiquement, physiquement, dans le seul but d'assouvir leur ''vénérables'' bourreaux dans un institut qui a tout l'air du respectable internat mais qui demeurera leur geôle durant les cent-vingt prochains jours... c'est toute l'inhumanité qui sommeille en chacun de nous que révèle Pier paolo Pasolini à travers cette fresque décadente qu'une certaine Rome Antique coïncidant avec la chute de l'empire romain aurait pu lui jalouser. Libéré de toute contrainte morale, l'homme dans ses plus hautes institutions s'y adonne aux plus viles bassesses. Des milieux ruraux, il vient piocher dans le vivier de la jeunesse italienne pour en faire les martyrs de ses fantasmes les plus inavouables...

Supporter tant d'horreur sans fermer les yeux, c'est forcément être du côté des salopards...

Alors c'est vrai, Salo ou les 120 journées de Sodome n'a sans doute pas conservé toute sa puissance évocatrice. Sans doute les dernières générations de spectateurs ne comprendront jamais pour quelles raisons le public et les critiques d'alors s'emballèrent à ce point... Pourtant, est-ce dû à l'effet boomerang ? Toujours est-il que pour celui qui découvrit l’œuvre de Pier Paolo Pasolini au milieu des années soixante-dix, ou pourquoi pas la décennie suivante, il demeure des évocations qui résistent au temps et à la surenchère actuelle. Comment, en effet, rester de marbre devant le ''Cercle de la Merde'', dans lequel on punit et l'on nourrit ses enfants à l'aide de leurs propres excréments ? Aujourd'hui encore, ces quelques séquences finissent par donner la nausée au point que le spectateur finit par avoir un sale goût dans la bouche. Mais plutôt que de s'arrêter là, le cinéaste en rajoute encore une couche. Surtout lors du dernier acte. Qui repousse encore plus loin le principe du voyeurisme puisque c'est le spectateur lui-même qui finit par être le témoin direct des atrocités perpétrées dans la cours extérieure au bâtiment. Jusqu'ici, il pouvait encore se cacher derrière les personnages, même les plus immondes d'entre eux. Mais lorsque Pier Paolo Pasolini le contraint à assister à toute une série de torture filmées à travers une paire de jumelles, c'est le spectateur qui choisit lui-même (ou non) d'aller jusqu'au bout et d'y assister. 

A lui de faire le choix entre subir ou détourner le regard... Le cinéaste jauge ainsi de manière plus consciente qu'il n'y paraît l'appétence du spectateur pour les actes les plus immoraux. Il semble vers lui, pointer un doigt accusateur et sentencieux, proférant que s'il est capable de regarder en face toutes ces horreurs, c'est qu'il est du côté des bourreaux. Si la forme a pris quelques rides, le fond, lui, reste toujours aussi choquant, l'esthétisation du propos n'y étant sans doute pas tout à fait étrangère. Un classique indispensable qu'il faut, au pire, n'avoir vu qu'une fois dans sa vie, ou au mieux, avoir eu le courage d'y replonger bien des années après. Une œuvre dans laquelle brillent par leur cruauté, les acteurs Paolo Bonacelli, Umberto Paolo Quintavalle, Giorgio Cataldi, Aldo Valletti, Caterina Boratto, Elsa de Giorgi, Hélène Surgère et par leur sacrifice, ces jeunes filles et ces jeunes garçons qui ont donné de leur personne pour que prenne vie l’œuvre de Pier Paolo Pasolini...