Cecil B. Demented de John Waters (2000) - ★★★★★★★☆☆☆

Vingt ans que Cecil B. Demented de John Waters est sorti sur les écrans. Si en 2000, on pouvait encore considérer à l'aune d'une carrière riche d'une quinzaine de courts et longs-métrages le onzième bébé de l'un des maître de la comédie trash américaine comme l'un de ses meilleurs, certaines de ses saveurs passées semblent avoir pris de profondes rides. Et pas forcément celles que l'on trouve au coin des lèvres à force de (sou)rire mais plutôt celles qui s'imposent par dépit comme le lit d'une rivière asséchée passant entre deux globes oculaires. Ouais, franchement, il y a de quoi faire la gueule aujourd'hui devant ce produit mal fagoté. Cette formule dont use en général John Waters pour réaliser ses films et qui avait tout l'air de fonctionner lorsque plus jeune, nous n'étions pas encore formés à l'analyse objective de son contenu. Adolescent, ou jeune adulte, lorsque l'on est passionné, on peut avoir pour habitude d'ignorer, inconsciemment ou pas, ce qui fait défaut. Surtout qu'en ce qui concerne John Waters, comme un Russ Meyer ou un Herschell Gordon Lewis antérieurs, on était près à lui pardonner le moindre écart de route. Des écarts dont il abusait pour le bonheur et l'avidité de spectateurs aimant l’irrévérence et les kilos superflus de l'iconique Divine...

Égérie de John Waters et membre d'un groupe de fidèles acquis à la cause du cinéaste, elle/il s'en est allé(e) un 7 mars 1988. D'autres depuis ont pris la relève sans jamais l'occulter. Il y eut Amy Locane, Tracy Lord, Ricky Lake ou la très étrange et très rare Kim McGuire dans Cry Baby en 1990, Kathleen Turner dans Serial Mother en 1994 ou Christina Ricci dans Pecker en 1998. Et puis, en 2000 donc, il y eut Melanie Griffith, ses premiers pas dans le domaine de la chirurgie esthétique (signes qui apparaissent à l'écran), que l'on n'attendait certainement pas voir évoluer dans l'univers de John Waters. Un réalisateur qui aura quand même pris le temps de s'assagir même si quelques saillies trash viennent rappeler qu'il fut notamment l'auteur du cultissime Pink Flamingos vingt-huit ans auparavant. Encore désirable, l'actrice de quarante-trois ans accepte carrément de participer à une œuvre éminemment critique envers un certain cinéma. Celui du tout Hollywood auquel John Waters oppose l'underground de Baltimore, ville chérie du réalisateur qui sert de décor à chacun de ses longs-métrages. Melanie Griffith écorne donc avec fraîcheur et fausse naïveté le cinéma dont elle participe pourtant à l'élaboration. Entouré par un casting constitué de très rares ''figures'' du septième art en dehors de la star, de son ''mentor'' Stephen Dorff/Cecil et de la future vedette du cinéma Michael Shannon (L'excellent Take Shelter de Jeff Nichols en 2011), Melanie Griffith n'aura pas eu d'autre occasion de tutoyer l'ancienne ''ménagerie'' du réalisateur qu'à travers une courte séquence l'opposant à l'actrice Mink Stole dont la particularité est d'être apparue dans tous les films de John Waters...

Le principe consiste dans Cecil B. Demented à mettre à mal le cinéma hollywoodien et tout ce qu'il représente. Dès le générique, le spectateur est plongé dans le bain. Les références (peu élogieuses) y sont nombreuses et l'écriture apparaît pour l'instant relativement pertinente. Sur une bande-son signée de Basil et Zoë Poledouris, entre hip-hop et trash metal, le onzième long-métrage enchaîne les séquences sans véritable temps mort. Si le concept s'établit autour de l'enlèvement d'une star de cinéma par un réalisateur underground bien décidé à la faire tourner dans une œuvre à l'opposé du cinéma hollywoodien, le film montre malheureusement ses limites en milieu de course. Le principal défaut de Cecil B. Demented se situe au niveau de l'écriture. Car qu'on le veuille ou non, depuis quelques années, le réalisateur a passé un cap et ne peut plus se permettre simplement de jeter ça et là des idées délirantes sans y apporter un minimum de soin. Il n'empêche, le film reste délirant. Et concernant les saillies évoquées plus haut, le plaisir de retrouver le John Waters ''roi du trash'' est là, même si en de moindres proportions que par le passé. Melanie Griffith joue si bien, qu'elle ira même jusqu'à jeter des regards vers la caméra. Action innocente ou volontaire. Elle seule (et peut-être John Waters) détient la vérité. Cecil B. Demented n'atteint donc pas le sommet de la pyramide dans la carrière de John Waters mais il allait demeurer comme le dernier véritable vent de fraîcheur de John Waters avant le désastreux A Dirty Shame en 2004...

Autómata de Gabe Ibáñez (2014) - ★★★★★★☆☆☆☆

Réalisé dix ans après I.Robot d'Alex Proyas, Autómata de Gabe Ibáñez en reprend les fondamentaux. A tel point que l'on a parfois l'impression d’assister à une version brut et bien plus sombre et désespérée. Là encore, il est question de robotique et des lois qui l'entourent, du moins, la première et la troisième puisque la seconde n'est jamais vraiment évoquée. Dans un univers à la Blade Runner façon Ridley Scott, le cinéaste espagnol plonge son héros en 2044, quatorze ans après qu'une éruption solaire ait totalement détruit les réseaux de télécommunications terrestres ainsi que les centrales électriques, l'environnement de la planète se trouvant alors être totalement irradié. Quelques dizaines de millions de personnes au total ont survécu à la catastrophe et vivent dans des zones urbaines entourées d'un immense désert. C'est dans l'une d'elles que l'on retrouve Jacq Vaucan, agent d'assurance travaillant pour la ROC et ersatz de Rick Deckard, héros du long-métrage de Ridley Scott qui sous son long-manteau et son attitude générale rappelle carrément le personnage principal de ce grand classique de la science-fiction. Le climat ainsi que l'ambiance eux-mêmes cultivent des points communs avec Blade Runner et ce même si visuellement, le cinéaste espagnol opte pour un visuel moins sombre, moins obscure, et éclairé de plans parfois remarquables.

Gabe Ibáñez confie le rôle principal à Antonio Banderas, acteur espagnol d'abord fidèle au cinéaste Pedro Almodóvar et qui devient par la suite un ''client'' régulier du réalisateur mexicain Roberto Rodriguez. Ici, le sujet central, plus que de connaître les raisons pour lesquelles un homme en est venu à ''tuer'' un robot modèle ''Pilgrim 7000'', tourne surtout autour de ces automates normalement restreints dans leur comportement par les fameuses lois érigées par l'écrivain Isaac Asimov. Des lois que certains d'entre eux ont réussi à contourner grâce à un modèle de ''kernel'' (ensemble de gènes et de biomolécules constituant une molécule unique qui, une fois organisés, conduisent à une cellule fonctionnelle) différent et beaucoup plus évolué.

Autómata se situe donc sur le chemin de l'évolution des machines les menant à des capacités de réflexion proches de celles de l'homme à la différence qu'elles n'auront pas eu besoin de millions d'années d'évolution pour être capables d'accéder à certaines connaissances. Ici, il ne s'agit pas tant pour le réalisateur de faire exploser les carcans imposés par les lois de la robotique que de développer l'hypothèse de machines capables de vivre indépendamment de son créateur au point même de pouvoir lui survivre en s'auto-réparant ou en constituant des groupes capables de subvenir à leurs propres besoins. Ces quelques spécimens que recherchent les membres de la ROC constituant sans doute la prochaine étape de leur évolution et une menace pour une espèce humaine dont l'avenir est incertain, l'existence de ces derniers étant menacée...

Ce qui séduit et peut même parfois dérouter concernant Autómata, c'est son approche esthétique tantôt crépusculaire, tantôt surréaliste. Illuminé par de superbes ''matte painting'', le long-métrage de Gabe Ibáñez est souvent parcouru de visions et de décors réellement stupéfiants. Une œuvre de science-fiction à mi-chemin entre l’œuvre contemplative et la réflexion philosophie ''pour les nuls'' ! Pourtant, malgré le parti-pris esthétique et scénaristique de Gabe Ibáñez, Autómata demeure relativement fluide et compréhensible même pour le novice qui voudrait se pencher sur cette étonnante expérience cinématographique. Pour autant, ce qui s'apparente parfois à une copie directe de I.Robot s'extasiant un peu trop longuement sur son visuel au détriment de séquences épisodiquement ennuyeuses n'est pas dénué de charme. En contre-partie, on pourra préférer ou pas cette vision beaucoup moins ''lisse'' dont l'univers ressemble davantage à celui d'un post-apo ou d'un cyberpunk. Bien que ressemblant davantage à des machines construites à partir de pièces de récupération, les robots de Gabe Ibáñez entrent directement en conflit avec ceux de I.Robot qui avaient parfois du mal à s'avérer crédibles de par leur manque de réalisme (des CGI trop visibles). Au final, Autómata est une expérience très particulière qui sur le coup peut séduire comme elle peut rebuter mais qui sait aussi et surtout se faire très rapidement oublier le film une fois achevé...

Body Double de Brian de Palma (1984) - ★★★★★★★★★★

Coïncidence ? Lorsque sort sur les écrans américains le 26 Octobre 1984, le dernier né de Brian de Palma Body Double, la présence de deux des interprètes du soap opera Santa Barbara coïncide étrangement avec leur participation au nouveau film de l'auteur de Phantom of the Paradise et Carrie. Lane Davies qui interprétait Mason Capwell du clan familial du même nom et David Haskell qui incarnait Nick Hartley apparaissent donc de manière succincte dans Body Double. De manière à rentabiliser l'affaire en attirant les amateurs de ce qui allait devenir comme l'un des plus populaires soap opera américain, qu'il s'agisse sur sa terre natale ou bien même chez nous, en France, où il connaîtra un bel engouement de la part du public français ? Si l'étroitesse existant entre la diffusion du téléfilm sur NBC et la sortie en salle de Body Double laisse envisager qu'il ne s'agit que d'une coïncidence, cette dernière demeure troublante. Surtout à la vision du long-métrage de Brian de Palma, un hommage évident au cinéma du britannique Alfred Hitchcock (Vertigo), et dont le visuel naïf et l'interprétation quasi télévisuelle de ses interprètes laissent planer un doute. Une peu à la manière de David Lynch et de son Blue Velvet et Brian Yuzna et Society, le cinéaste originaire de Newark dans le New Jersey s'approprie les codes esthétiques du soap opera afin d'y insuffler une aura exhalant le souffre. 
 

Sur un air des plus troublant composé par Pino Donaggio (Telescope), il se dégage de Body Double une extraordinaire sensualité, parfaitement retranscrite à travers l'interprétation de la sublime Deborah Shelton (qui remporta le titre de Miss USA en 1970, on comprend pourquoi), actrice ayant participé à une vingtaine de longs-métrages ainsi qu'à un grand nombre de séries télévisées. Regard vert, intense, corps de rêve. Dont la silhouette bouleverse Craig Wasson, ou plutôt son personnage, Jake Scully. Acteur de seconde zone, trompé par son épouse (Barbara Crampton, pour une apparition de quelques secondes seulement) viré du plateau de tournage où il interprétait le rôle d'un vampire. Mais pour un acteur claustrophobe, demeurer dans un cercueil étant quasiment impossible, il est remplacé par un autre. Sans argent, ni toit, ni travail, il fait tout à fait par hasard la connaissance de Sam Bouchard, un acteur qui comme lui traîne de casting en cours de théâtre. Habitant dans une luxueuse demeure prêtée par un ami, Sam propose à Jake d'y loger durant les cinq prochaines semaines. C'est là que ce dernier fera la connaissance de Gloria (Deborah Sheldon, donc), par l'entremise d'un téléobjectif pointé sur son appartement. La jeune femme, tous les soirs, se donne légèrement vêtue en spectacle. Alors que Sam abandonne l'appartement à son nouvel ami pour les cinq semaines à venir, Jake profite du spectacle donné par Gloria à dix-huit pétantes, tous les soirs. C'est ainsi qu'il découvre qu'il n'est pas seul à la regarder danser à moitié nue devant la baie vitrée de son salon. Un homme que Jake identifie comme étant un indien semble malintentionné...

Dans le rôle de Jake Scully donc, Craig Wasson, acteur qui débuta sa carrière au cinéma avec Le Toboggan de la Mort et y mit un terme en 2006 après sa participation au tournage de Akeelah and the Bee de Doug Atchison. On le vit notamment dans le rôle du Docteur Neil Gordon dans Les Griffes du Cauchemar (troisième opus de la saga Freddy Krueger) ou dans Velocity Trap, œuvre de science-fiction signée Philip J. Roth en 1997, mais c'est bien avec son interprétation dans Body Double qu'il tient son meilleur rôle. Incarnant à la perfection ce personnage effacé, peu confiant en lui, trompé, naïf et timide, ce dernier se « révèle » au moment même où tout semble perdu. C'est au contact d'une autre magnifique interprète que le personnage de Jake se libère véritablement. Car si Deborah Shelton incarnait la sensualité, Melanie Griffith, elle, incarne désormais la sexualité. D'un côté, la brune sensuelle, de l'autre, la blonde sexuelle.

Brian de Palma qui jusqu'ici filmait des personnage dans un visuel de téléfilm stéréotypé qui dans sa globalité relevait de la naïveté, à l'arrivée de Holly Body (Melanie Griffith), le cinéaste chamboule les repères auxquels il nous avait habitué et plonge ses personnages (et nous avec), dans le stupre du milieu de la pornographie. A la danse langoureuse de Gloria, à la petite culotte de dentelle blanche, Brian de Palma préfère désormais le cuir, le latex, et le décor sordide d'un porno-soft servant de cadre au groupe bien réel qu'est Frankie Goes to Hollywood. Ses membres choisiront finalement de tourner leur propre clip pour la chanson entendue dans le film, Relax. D'ailleurs, la réalité rejoignant la fiction, le clip se révélera finalement bien plus glauque que les quelques images que l'on entrevoie dans Body Double. L’œuvre de Brian de palma est également un témoignage de son amour pour le cinéma. Du tournage du film d'horreur, aux décors, en passant par les scènes de casting et les cours de théâtre. Il y convoque également le thème des fausses apparences, aspect que nous n'évoquerons pas ici afin de ne rien révéler du contenu. Toujours est-il que Body Double se révèle être une œuvre troublante, comme dit plus haut, sensuelle et sexuelle, naïve par certains aspects de son approche et finalement assez inattendue dans son approche esthétique. L'un des meilleurs de son auteur. Shelton et Griffith y sont superbes et Wasson excellent...