Ultra Pulpe de Bertrand Mandico (2018) - ★★★★☆☆☆☆☆☆

 

 

Il arrive parfois que l'on se moque de tel ou tel long-métrage pour ses défauts dont l'un, l'ennui, force à envisager sa projection sous l'influence de drogues, alcool compris. Un trait de fantaisie, dirons-nous. Il en demeure par contre qui méritent au sens propre d'être vus sous celle de substituts récréatifs puisque entrer dans l'univers de leur auteur n'est pas toujours chose aisée. Avec son look à la ''Tim Burton'' mal embouché, le réalisateur et scénariste français Bertrand Mandico semble être l'archétype même du bonhomme dont la source d'inspiration paraît avoir été puisée dans l'usage régulier de champignons hallucinogènes. Se farcir une ou plusieurs de ses œuvres, c'est à coup sûr faire émerger deux types d'émotion : le rejet pur et simple ou l'admiration. Concernant Les garçons sauvages qui maintenant à quelques années derrière lui, pas de problème, l'expérience fut vécue comme l'un de ces très rares miracles dont le cinéma français ne se refuse jamais d'éclore tous les dix ans dans nos salles obscures. Quatre ans plus tard, le même Bertrand Mandico revenait avec un After Blue (Paradis sale) encore plus délirant tout en étant nettement moins brillant. Voire même, carrément nanardesque ! L'occasion pour un autre type de spectateurs de s'extasier devant des lignes de dialogues absolument pittoresque et un univers comme nul autre pareil. J'avoue n'avoir personnellement pas réussi à aller au terme de ce film relativement inconfortable mais ne désespère pas malgré tout de m'y replonger très bientôt. Mais comme l'on ne se jette pas directement dans une eau à quinze degrés après être resté allongé sous le soleil durant des heures, mieux vaut se prémunir d'une attaque cérébrale et attaquer l'univers de Bertrand Mandico par la voie du court ou du moyen-métrage. C'est donc chose faite aujourd'hui avec Ultra Pulpe qu'il réalisa un an après que soit sorti Les garçons sauvages.

Trente-six minutes d'un univers toujours aussi décadent et dans lequel nous retrouvons la patte unique de cet esthète hors-normes. Et pourtant... malgré l'apparent néologisme visuel verbal que charrie l'univers du cinéaste français l'on retrouve ces tares qui longtemps ont cantonné le cinéma de science-fiction hexagonal à n'être que de la basse besogne à l'attention d'une intelligentsia tout d'abord amatrice de hard science-fiction, genre Enki Bilal et son chef-d’œuvre Bunker Palace Hôtel et ensuite de nanars/plagiats façon Terminus de Pierre-William Glenn ! Difficile parfois de savoir vers quel bord penche Ultra Pulpe et ses dialogues récités à la manière d'un certain théâtre expérimental même si l'on comprendra très rapidement que l'on est plus proche de After Blue (Paradis sale) que des Garçons sauvages. D'ailleurs, l'actrice Vimala Pons n'évoque-t-elle pas le dit Paradis sale et l'univers n'est-il pas plus proche du dernier long-métrage de son auteur que de l’antépénultième ? Éternel amateur de femmes, d'androgynie, de saphisme et de teintes rose, mauve, violette ou magenta, Bertrand Mandico signe une courte œuvre de science-fiction dont on nous nous interdiront de nier la réelle patte graphique. Non pas que l'univers soit d'une majesté à couper le souffle mais chaque plan est étudié dans ses moindres détails. Inondé par une brume perpétuelle, Ultra Pulpe se situe dans un univers de fin du monde déshumanisé où ses protagonistes essentiellement constitués d'interprètes féminines évoquent leur douleur. Et notamment Vimala Pons qui dans le rôle de Ulli évoque son enfance charnelle auprès de son père. Si les propos sont parfois relativement crus, la diction des interprètes est telle que l'on a l'impression qu'aucun d'entre eux n'a au préalable été préparé à débiter son texte. Sur un ton monocorde, Vimala et les autre vitupèrent sur tout et rien et laissent le spectateur avec un sentiment d'inachevé. Avec son ton de néo-soft-porno esthétisant mais profondément ringard, Ultra Pulpe tenterait à démontrer que l'exceptionnelle qualité des Garçons sauvages ne fut peut-être, au fond, qu'une heureuse erreur de parcours dans une filmographie, au final, relativement peu convaincante...

 

Eggshells de Tobe Hooper (1969) - ★★★★★★★☆☆☆

 

 

David Cronenberg et Fast Company en 1979. John Carpenter et Le roman d'Elvis la même année. George Romero et Knightriders en 1981. Ou Wes Craven et Music of the Heart dix-sept ans plus tard. Que les uns et les autres soient de fervents adorateurs de cinéma d'horreur, d'épouvante, de science-fiction ou de fantastique, il n'est pas rare comme dans ces quelques exemples que certaines de leurs œuvres échappent aux genres qui les ont célébré. Tobe Hooper ne faisant pas exception à la règle et bien que l'on puisse imaginer encore que son tout premier film est le cultissime Texas Chainsaw Massacre (Massacre à la tronçonneuse, 1974), le réalisateur a véritablement débuté sa carrière avec une poignée de courts-métrages et de documentaires à la toute fin des années cinquante et au milieu de la décennie suivante, son premier long format datant en fait de 1969. Pas un film d'horreur contrairement à la longue liste de pellicules horrifiques qui verront le jour les décennies suivantes mais plutôt un objet très étrange. Un OFNI comme il convient de le nommer. Et comme l'exact opposé du sentiment d'horreur que l'on éprouvera cinq ans plus tard devant l'un des pires cauchemars couchés sur bande magnétique. D'un côté, une illumination américaine (“an American Freak Illumination”) et de l'autre, un cauchemar américain (“An American Freak Nightmare”)...

En plein mouvement hippie, un courant qui naquit dans les années soixante aux États-Unis avant de se propager un peu partout sur notre planète pour ensuite péricliter entre la fin de cette même décennie et la suivante (pas de date précise sur le sujet), Tobe Hooper et son premier film sont donc en terrain connu. Bien que certains cinéastes aient abordé l'horreur dans le contexte du mouvement hippie (on pense notamment au curieux I Drink Your Blood que signa le scénariste et réalisateur américain David E. Durston ou le tout aussi étrange Last House on Dead End Street que réalisa son homologue Roger Watkins deux ans plus tard), on ne rangera pas forcément Eggshells dans la même catégorie de films. Signifiant ''Coquilles d’œufs'', le premier long-métrage de Tobe Hooper entre peut-être finalement dans le cadre de certains de ses projets futurs. Pourquoi ? Parce que dans cette demeure jumelle à celle de la célèbre famille Tronçonneuse parmi les membres de laquelle allait sévir un certain ''Tronche de cuir'' cinq ans plus tard, les hippies du récit ne vont pas y faire que boire de la bière, fumer de l'herbe, baiser et passer leur temps à parler pour ne rien dire mais aussi évoquer également la présence d'un supposé fantôme. Légende ? Fait avéré ? On est encore très loin du traumatisme enfantin qui allait s'abattre sur nous dix ans plus tard avec Amityville, la maison du diable de Stuart Rosenberg, mais il y a bien dans les combles de cette demeure que se partagent plusieurs amis dont un futur couple de mariés, une entité... diabolique (?).

Beaucoup de dialogues pour pas grand chose au final. Des acteurs amateurs qui ressentent rapidement les effets de l'herbe et des jeux érotiques plutôt timides qui se terminent soit hors caméra, soit filmés à la manière des ébats d'Orange Mécanique de Stanley Kubrick qui ne sortira que deux ans plus tard. On trouve déjà la patte de Tobe Hooper. Ce style docu-fiction que ce premier long-métrage partage avec son suivant. Ne manquent finalement plus que l'auto-stoppeur, le vieil homme, le grand-père ou Leatherface qui composent la famille de cinglés de Massacre à la Tronçonneuse pour que l'illusion soit parfaite. On retrouve dans les dialogues ce même débit qui ouvrait les hostilités du plus grand film d'horreur de tous les temps lorsque les compagnons de Sally et de son frère Franklin traversaient le trou du cul des États-Unis à bord d'un van. Eggshells n'aurait pu être qu'un tout petit film insignifiant si Tobe Hooper n'avait pas eu la bonne idée d'y apporter quelques délires visuels qui en général font leur petit effet. Stroboscopiques, psychédéliques, voire poétiques, certaines séquences font appel à l'imagination d'un cinéaste en devenir qui invente le concept du duel entre soi-même. Ou comment filmer avec les moyens du bord un combat à l'épée entre un homme et lui seul. Absolument génial pour l'époque, et toujours aussi brillant de nos jours. Montage travaillé et parfois épileptique, musique psychédélique omniprésente (voire, envahissante), une touche d'érotisme et quelques autres passages totalement décomplexés, le premier long-métrage de Tobe Hooper est tout aussi barré que fascinant... à noter la présence parmi les interprètes de l'acteur Allen Danziger qui ne fut autre que l'un des compagnons d'infortune de Sally et de son frangin dans Massacre... ainsi que celle de Kim Henkel dans la peau de l'un des personnages et qui sera le scénariste culte de Massacre... et du Crocodile de la mort, le troisième long-métrage de Tobe Hooper...